Arte Moderno: Colfactura (Puntillismo) y su Evolución: Manet, Monet, Gauguin, Fauves y Más, Apuntes de Periodismo

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MOVIMIENTOS ARTISTICOS CONTEMPORANEOS

(UCM)

APUNTES MOVIMIENTOS ARTISTICOS

IZQUIERDO, VIOLETA 16-

Impresionismo (1874-1886)

Centralizado en la ciudad de parís, se basa en la espontaneidad. Tiene una duración en torno a 15 años. Es la última exposición de los impresionistas. Nos va a servir para todas las vanguardias.

Cambios sociopolíticos en Francia antes de entreguerras, hay un paso después de la revolución industrial al de Napoleón III, se va a pasar el poder de las jerarquías oligárquicas a las burguesías. Se provoca un cambio demográfico con un aumento importante de población.

París se compone de un entramado de callejuelas hasta que Napoleón demanda que se rehaga la ciudad debido a la insalubridad y los problemas que acarrea esa composición de las calles.

Cambios urbanísticos que sirven como lugar de encuentro y que culturizan a la sociedad. En la exposición de 1889 surge la exposición mundial y se trae la torre Eiffel. Se pretendía derruir la torre después de la exposición, pero al final permanece por petición popular. El metro de París también es un símbolo ya que está compuesto de hierro en formas florales. El Louvre también se transforma de un palacio a un centro cultural con l adición de un ala nueva que lo hace simétrico.

Estos cambios se introducen en el contexto artístico. El arte estaba dominado por los grandes géneros pictóricos. Géneros superiores: HistoriaMitología-Religión. Géneros menores: RetratosPaisajesBodegonesDesnudos y escenas La escuela oficial es el lugar de formación oficial.

Siempre se decanta por los géneros superiores mencionados debido a que son los que a los que evalúan más les gustan. Los géneros menores no se presentan a concursos nacionales. Sin embargo, se cambia la tendencia a modo de protesta.

Subversión de los valores expresivos son: Tradicionales: DibujoComposiciónClaroscuro. Esto pasa al arte moderno: Colorfactura(puntillismo). Tradicionalmente son obras sobrias de colores oscuros que además no se nota la pincelada porque es muy suave e incluso de aplica una capa de barniz, posteriormente cambia y pasamos a colores vivos y chillones con temáticas cambiadas de las tradicionales.

Auguste Ingres (1780-1867) es tradicionalista y preciso o perfecto. Ante u postura su compañero Delacroix se queja de esa forma de realizar el arte. Gricalut (1791-1824) critica que la academia no permite que nuevos talentos muestren su potencial bloqueando su talento y reconocimiento.

En el mundo de la pintura surge el avance de la producción masiva de lienzos para el acceso de cualquiera al mundo del arte. Se les va a permitir a los artistas con la aparición de las cámaras que puedan representar la realidad más precisa y hacer una nueva interpretación de esa realidad. Avances culturales como la aparición de museos y galerías de arte. Antes las obras estaban en manos de aristócratas y burgueses. La figura también de los marchantes, que es una persona de reconocido talento para cazar talento y puede ser un crítico de arte que decide hacer de intermediario entre coleccionistas y artistas. Del mismo modo un mecenas es el que tiene empleado a un artista. La crítica del arte se reducía a un señor que escribía sobre arte y se publicaban en medios como los periódicos y se extendían para que gente de fuera pudiese tener información de lo que estaba pasando en el mundo del arte.

Henri Fantine Latour “Un taller en Batignolles” / En el café Guerbois también se reunían para explorar ese nuevo modo de ver el arte. Baudelaire presenta una serie de pautas para ser un

-Actitud de superación del impresionismo

-Gran utilización del color con carga emotiva (ahora viene del artista, no de la escena)

-Búsquedas estructurales y espaciales

Cezanne: Concepción del cuadro a base de figuras geométricas

Gauguin: Interés por lo exótico emocionalidad del color

Van Gogh: Carga emotiva. expresividad

Toulouse-Lautrec: Lugares bohemios

PAUL CEZANNE

Es un artista que nace en París en 1861, se le conoce como el pintor de pintores. Se dice que para Pablo Picasso era su tutor. Historia agitada, ya que a pesar de pertenecer a una buena familia nunca lograra valerse por si mismo y su pintura no es considerada en el momento en el que vive. Conoce a Marie-Hortense Fiquet la cual permanecerá oculta durante mucho tiempo.

A través de la muerte de su padre y con la herencia logra una independencia económica que le permitirá dedicarse plenamente a la pintura.

El estilo de este pintor:

Busca lo permanente y lo duradero. El sentimiento y la emotividad de la obra hace que sea más fría y simplificando la obra, tirando por formas que nos remiten a elementos geométricos. Para lograrlo utiliza una técnica que es la técnica del Passage que es el trazado repetitivo de las pinceladas para lograr una definición de las formas.

Pasará de un color a otro a través de formas transicionales. Generando sombras a través del cambio de tonos. Al principio son colores oscuros y pigmentados.

“La casa del ahorcado en Auvers-sur-Oise” (1873) Una obra más clara que las iniciales con colores más claros y abiertos.

Tanguy era retratado muchas veces por las obras que le hacían los artistas a cambio de materiales como pintura y lienzos.

Realizaba Naturaleza viva: paisaje y Naturaleza muerta: bodegones

Ruptura con los impresionistas

Rompe con el estilo tradicional planteando el método constructivo o periodo de madurez. Aquí plantea el análisis contructivo de los objetos, generando un espacio fracturado, donde no cuenta solo lo que se observa sino lo que procesa el cerebro. Lo va a hacer de nuevo desde un punto de vista geométrico y con multiperspctiva. “Montaña Sainte Victoire” (1887) (Courtaud Gallery, Londres) Hace un marco con las ramas en primer plano y a medida que se aleja el plano se va perdiendo el detalle, con mayor uso de Passage y figuras más estrictas que

favorecen el procesamiento del cerebro frente a los objetos a distancia. (Render distance) “La montaña de San-Victoire vista desde Les Lauves” (1905-1906 Museo de arte de Filadelfia)

Bodegones: Va a trabajar con el efecto de las frutas en el paso del tiempo, los pliegues textiles y hay que destacar la múltiple perspectiva de la obra, donde uno de los platos se encuentra más levantado que el otro, para poder jugar con la perspectiva del objeto en la obra.

Retratos Anula completamente a los personajes para analizar lo esencial como la vestimenta, pose y como se funde con el paisaje (el anistropic filtering es casi nulo en rasgos faciales, por ejemplo) “Los jugadores de cartas” (1890-18092) dos versiones del cuadro. Las bañistas también es un tema tratado, donde presenta a mujeres bañándose y coge la idea de estas mujeres y realiza un estudio del cuerpo humano. “Las grandes bañistas”

Murió con 66 años víctima de una neumonía, en el salón de otoño de 1907 ya se le hace un homenaje en forma de exposición

GAUGUIN

Es un artista muy bohemio y que cree que el arte ha perdido parte de sus raíces y busca por tanto la autenticidad (Caribe, África, América etc (pinturas precolombinas tribales)). Su vida es un constante movimiento, donde él va a ser antes que pintor un hombre dedicado a las finanzas en la bolsa de París. Durante años vivirá holgadamente en este negocio casándose con Mette-Sophie Gad y tiene cinco hijos. Comenzará la pintura conociendo a los pintores impresionistas. Conoce a Manet, Monet y Cezanne.

Vuelve a Francia tras abandonar a su familia.

Estilo: Mito de salvaje y búsqueda de los pueblos primitivos, rechazo de lo académico, busca sintetizar la obra basándose en el color “sintetismo” y se revela contra el impresionismo basándose en la imaginación, entrando en el subconsciente del artista. Cuando se va a la Martinica ve paisajes llenos de color y además le añade imaginación “Bahía de Saint Pierre, Martinica” (1887, National Gallery, Edimburgo, Escocia).

Busca aspectos al norte de su país que se caracterizan por el folklore con las “bretonas” “Las ruedas de las pequeñas bretonas” (1888) Contraste con los colores planos, usando los contornos y rellenándolos de colores planos. (Vidrieras) “Autorretrato con Nimbo” (1889) “Visión después del sermón o Jacob luchando con el ángel” (1888, National gallery of Scotland, Edimburgo) Intensidad del rojo le da mayor emocionalidad y habla de ese sentimiento asociado al color, diferenciación de lo real de lo irreal con el color también.

Viaje a Arlés con Van Gogh 2n el 88’ “Autoretrato con retrato de Bernard o Los Miserables” (1888). Cuando llega allí ve la intensidad del amarillo de Van Gogh y trabaja conjuntamente con Van Gogh, vemos por tanto similitud en obras como “Les Alyscamps” de Gauguin. “Café en Arlés” Gauguin “Café nocturno” Van Gogh. Durante un tiempo están trabajando conjuntamente y encuentra iconos místicos que son los famosos cristos entorno a los cuales las bretonas paran a orar. Baña estas estampas de amarillo influenciado por Van Gogh. También hay otras como “El cristo Verde” que es más serena.

“La pérdida de la inocencia” (1891) The Chrysler museum, Norfolk. Aquí se ve l primera relación sexual de la mujer, simbolizada a través del zorro. Todo ello a través de la insinuación,

Pintura francesa antigua se usa por revindicar lo que es propio de su cultura tratamiento del espacio sin recurrir a las técnicas tradicionales.

Características:

Los grandes elementos que lo definen son el color, técnica y los temas

Color: Elemento principal y protagonista del cuadro.

Técnica: Toque rápido, fibroso y con muchos empastes. Abreviadas, trazos toscos y discontinuos, lo cual provoca que se distorsione, tanto persona como elementos, figuras etc…

Temas: Paisajes, desnudos, interiores, retratos (temas menores). Es una pintura figurativa y antinatural.

Fauvismo y expresionismo surgen al mismo tiempo, pero uno en Francia y otro en Alemania, ambos movimientos se basan en el color, pero se basan en diferentes cosas. El expresionismo dura mucho más tiempo. Tiene un trasfondo filosófico, inquietud metafísica y social (primera guerra mundial)

Matisse: Viene a Madrid y pasa por el Prado. Arte African, Islamico, el orientalismo y exotismo son sus principales influencias. Es un estupendo colorista y las modulaciones que hace y como pasa del uso de varios colores al uso de un solo color (bañado en …) Es uno de los que mejor usa el dibujo estructural, se acerca a la figura de (Ingrés). Tambien destaca por su sentido decorativista, el cual en esa época se refiere a un gusto por hacer las cosas bellas, “ser placentero a la vista”.

“Lujo calma y voluptosidad” 1904 Museo George Pompidou. Puntillismo, Van Gogh, Cezanne (geometría)

“La alegría de vivir” 1905 Fundación Barnes, Pensylvania.

“Lujo I” 1907 Staten Museum of Kunst

“Madame Matisse. La raya verde” 1904, Statens Museum for Kunst.

“Autorretrato” 1906, Statens Museum of Kunst

“Vista de Collioure” 1906 Museo George Pompidou, Paris)

“Habitación Roja”

“El studio rojo” 1911 Museo de arte moderno, Nueva York

“La danza” 1909-10 Museo de arte moderno, Nueva York

“La múscia” 1910 Museo Hermitage, San Petersburgo

“Argelina” 1909 Museo George Pompidou, Paris

“El desnudo azul” 1907

Odaliscas “Lorete con trubante”

LINEA INCONFROMISTA

Andre Derain

Tiene un retrato pintado por Matisse, colores mezclados sin dibujo previo aparente.

Se va a mover por paisajes marinos y campestres, pinceladas irregulares, colores puros, composiciones arriesgadas e insinuación de lo que quiere mostras (distorsión)

“Las dos barcazas” 1905 Museo George Pompidou

“puerto de Collioure, el caballo blanco” 1905 Museo de arte moderno de Troyes

“Barcos en Collioure” 1905

“Montañas de Collioure” 1905 (muy antinatural con colores desvirtuados de la realidad (morados, naranjas intensos))

Maurice de Vlaminck

Autodidacta, violencia cromática, brillantes contrastes, influido por la pincelada y colorido de Van Gogh

“Los arboles rojos” 1906, Museo George Pompidou

“Restaurante de la maquina en Bougival” 1905

“retrato de mujer” 1905-06 Colección de Mr y Mrs Nathan Smooke Los Angeles

PICASO – GUERNICA

Es la obra con mayor número de explicaciones, pero sin una respuesta o explicación clara por parte de Picasso. El toro en una figura que siempre acaba en la muerte.

La historia está asociada a la segunda república española en el 37 (ya estamos en guerra). La exposición de Paris de 1937 es una en la que participa España y le encargan a Picasso una obra. El bombardeo de Guernica del 28 de abril le provoca a Picasso tremendo malestar y eso provoca que quiera pintar el cuadro. La muerte le va a dar un punto de inflexión. En cuatro semanas desarrolla el cuadro. 3x8m. Jose Luis Sert y Luis Lacasa plantean el pabellón de la expo donde se presentan conjuntos de arte además de avances tecnológicos del país, poemas etc… A la entrada del museo del Reina Sofia hay una réplica de la obra emblemática: “El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella” 1937 que es la misma que estuvo enfrente del pabellón.

Dentro del pabellón había obras como “La Montserrat” de Julio González. El pabellon tenia una parte central donde se celebraban eventos, reproducían películas etc…

ANTECEDENTES DE LA OBRA

“La minotauromaquia” 1935 es una obra que mezcla el mito con los eventos contra el toro. Picasso se ve muy reflejado en el toro, ya que era un gran amante de la tauromaquia. El cuadro tiene elementos muy propios de la tauromaquia, al igual que el Guernica. Se ve una ventanita en la parte superior con una paloma simbolizando la paz. También la figura de una niña que introduce la luz dentro de la escena, y la figura de un personaje que sale de toda esa escena de terror. “Sueño y mentira de Franco I y II” 1937 son representaciones de lo que él cree que va

¿Cómo llega a la abstracción?

Mezclando manchas, brochazos, formas amorfas, líneas desparramadas, luego introducirá la geometría. Va a unir esto en Impresión, donde coexiste lo abstracto y lo representativo. Son obras que no están pensadas. Van surgiendo impulsos y el los implementa. Son obras espontaneas. (Impresiones, improvisaciones y composiciones

“Improvisación 26-Remo” 1912 Lenbachaus

“Improvisación diluvio” 1913

Composiciones:

“Boceto para composición VII”

FRANZ MARC (Munich, 1880-Verdun)

Artista que estudio teología y filosofía. Tenia un sentido muy mistico y religioso de la vida, dice que el arte va a ser la única forma de captar el alma, donde se presenta lo que esta dentro de nuestro pensamiento real. El desengaño con los humanos en la primera guerra mundial le va a hacer fijarse en los animales. Los animales son lo que representa lo mas positivo, lo bello, lo puro. Lo va a representar con animales fantásticos. Animales de colores que exageren su bondad. Ocupan el espacio y están agigantados.

“Grandes caballos azules” 1911 Centro de arte Walker Mineapolis. Formas y círculos que se unen para dar forma a esos animales.

“Pequeños caballos azules” 1911 Staatsgalery

“La vaca amarilla” 1911 Museo Guggenheim

“Tigre amarillo” 1912

“El sueño” 1912 Museo Thyssen (Animales de colores con la figura femenina rodeada de todo esto que es la que puede convivir con la sensibilidad del entorno. Todo está descompuesto y desproporcionado ya que no deja de ser una fantasía.

AUGUST MACKE (1914)

Muere a principios de la segunda guerra mundial. Estudiará el mundo de los jardines y el parque. August se fija en las figuras de lo moderno, la ciudad en la que estamos viviendo, presenta una figura femenina bien vestida que se detiene a mirar una tienda, lo cual es extraño y moderno porque en esa época todavía no había grandes almacenes ni muchas tiendas. Lo cual presenta

“Sombrería 1914 Museum Folkwang, Essen” “Tienda de modas “ “Gran escaparate iluminado” 1912 Sprengel museum, Hanover.

PAUL KLEE (Berna, Suiza, 1897)

Plantea una forma de hacer arte a medio camino entre la abstracción y la realidad. Muestra la

ciudad con formas geométricas coloridas que componen la obra. Se trata de una acuarela. Con tonos mas transparentes.

“Casas rojas y amarillas” “Vista en Kairuan” 1914 Galería Stangl, Munich

EXPRESIONISMO AUSTRIACO

En Viena se encuentra a alguien relacionado con Klimt (figuras de la mujer violentas y agresivas con formatos inusuales estrechos y alargados en los cuadros, figuras geométricas en los vestidos)

EGON SCHIELE (1890-1918, Viena, Austria)

Realizará obras que representaran momentos muy íntimos y personales, con un erotismo nada idealizado, que profundiza en la idea del deseo esto era algo inaceptable en la época. Bebera mucho de la técnica de su maestro Klimt. Schiele tiene fundamentalmente tres mujeres en su vida, su hermana (Gertie), su mujer (Edith) y su modelo (Wali). Las manos son un punto fundamental de su obra, donde siempre aparecen en un primer plano, tanto de sus modelos como las sullas.

La técnica que usará será una pincelada nerviosa con todo tipo de manchas y la línea como elemento conductor del dibujo.

Sus autorretratos serán representados contorsionando su cuerpo y deformándolo además de presentando siempre sus manos

“Autoretrato con los dedos extendidos” 1911

“Autoretrato estirándose la mejilla” 1910 Graphische Sammlung

“Luchador” 1913

“Doble autorretrato” 1915 Muestra sus dos personalidades.

El erotismo, prácticamente prohibido y rechazado en la época lo muestra el en sus obras

“Mujer desnuda”

“Mujer desnuda con medias verdes” 1912

“Pareja sentada” 1915

FUTURISMO

Italia entra de lleno en el mundo del arte por su originalidad de la mano de Filippo Tommaso (1876-1944) con su figura exaltada. Trae una propuesta que engloba todas las artes. Una intencionalidad global.

Comienza con una propuesta el 20 de febrero de 1909. Propuesta creativa a través de “Le Figaro” (periódico francés) se publica aquí porque se sabe que en este país va a tener mucha más repercusión que en Italia.

La manifestación del movimiento, se emplea el manifiesto del color, la técnica puntillista, el

cubismo… Esto es lo que se puede entender dentro de todo el manifiesto.

UMBERTO BOCCONI (1882-1916)

Él tiene su propia teoría de la pintura con un manifiesto general. La solidificación del periodismo

busca la simultaneidad del objeto y la atmosfera (buscar que representa a la atmosfera vacia y

representarlo con formas en la imagen traduciéndolo).

1. Busca también el dinamismo (movimiento absoluto).
2. La simultaneidad.
3. Complementación de planos.
4. Expansión de los cuerpos en el espacio: fuerzas centrifugas y centrípetas.
5. Temas: La ciudad

“Fábricas en Porta Romana, 1909 (Banca Commerciale)”

“Pelea en la galería, 19010-11 (Pinacoteca di Brera)”

“Las fuerzas de una calle, 1910-11 (Kunstmuseum)”

“Los estados de ánimo 1: Los adioses, 1911 (Civica Galleria d’arte moderna”

“Estados de ánimo: los que se van, 1911 (Museum of modern art)”

“Visiones simultaneas, 1911 (Van der-Heydr)”

ESCULTURA FUTURISTA

Proclama la abolición de la “línea acabada y cerrada” y se enfoca en la simultaneidad objeto- espacio.

DADAISMO TQMA 10

Es un movimiento que está asociada a la necesidad de encontrar un espacio para trabajar. “Dada no significa nada de por sí, significa para ellos el sonido de un bebe o el nombre de una vaca africana. No tiene significado.

La razón de su negatividad es porque se encuentran desengañados con la sociedad considerando que el arte es inútil y tiene actitudes anti burguesas.

Ellos tienen veladas Dada: Donde se pegan y pelean.

Vamos a ver nuevos objetos y materiales además de lo absurdo, humorístico y el azar en sus obras. Dicen que no tienen influencias de nadie y sin embargo todas sus obras tienen características de otros movimientos.

Los focos Dada también tienen importancia, Zurich, Nueva York, Alemania.

NUEVOS OBJETOS O TIPOS DE OBRAS

Ruptura entre los géneros.

• El Ready-made: Procede del termino de ya hecho, que es por ejemplo dos objetos industrializados sin relación que se unen para formar una escultura (silla y rueda de bici) “Rueda de bicicleta sobre taburete” 1913
• Fotomontaje: Recortes de fotografías pegadas unas encima de otras (similar al collage) donde la diferencia está en que aquí se usa exclusivamente fotografías, no otros materiales. Recortan las fotografías y cambian el contexto.
• Rayograma: Es dejar que un foco de luz actua sobre objetos y al final eso se imprime y fotosensibiliza sobre un material fotográfico, a veces serán composiciones legibles y reconocible y otras abstractas. (Coger elementos que le parezcan adecuados)

Alemania aportará al Dada a diferencia del resto de localidades su historia bélica y de sufrimiento.

ZURICH

Recalan artistas de todo tipo allí, recalcando a Tristán Tzara que será el padre de Dada. Se reunian en el café Voltaire, que acabaría por cerrarse por ser tan violentos y se moverían a Hugo Ball Galería Coray.

Tinen una revista triligue muy original para darse a conocer. El Campo libre al Azar significa abandonar la lógica, donde se realizan cosas como la composición de un poema fonético.

La realización de un poema automatico consite en tomar un articulo de un periódico y cortar todas las palabras para luego mezclarlas y recibir el resultado.

La tipografía también es un aspecto cuidado ya que se centran en modificar tato el tamaño como aspecto etc… y se usa mucho el rojo, blanco y negro.

Artistas que trabajaban en este tipo de arte son algunos como Hans ARP (1887-1966), el cual introduce los collage aleatorios, utilizando distintos materiales y juntándolos. Ademas no se usa el marco ya, se abole completamente.

“Retrate de Tristán Tzara, 1916”

“Tablero de huevos, 1922”

Sophie Taeuber

Deja obras con humor, como por ejemplo soportes de sombrero decorados y transformados para convertirlos en obras de arte.