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LORCA Y LA GENERACIÓN DEL 27
Contexto histórico en España : crisis de la restauración 1902-1931, La Segunda República (1931-
- y la Guerra Civil (1936-39) Porque yo no soy un hombre ni un poeta, ni una hoja, pero sí un pulso herido que ronda las cosas del otro lado.
- Federico García Lorca En 1916 muere Rubén Darío. Finaliza la larga y brillante etapa de la poesía modernista. Ese mismo año, Juan Ramón Jiménez (adscrito a la generación del novecentismo) escribe Diario de un poeta recién casado (publicada en 1917). Obra con que se abren las puertas a una poesía desnuda, depurada de artificios y de gran concentración expresiva que ejercerá una gran influencia en los poetas del 27. Rubén Darío , con el modernismo, devuelve a la poesía la imaginación, la fantasía, el ensueño y lo bello e investiga en nuevos ritmos, musicalidades, colores y sensaciones. Es la versión hispanoamericana de dos movimientos poéticos franceses: parnasianismo (arte por el arte, perfección formal, plástica) y el simbolismo (a través de la intuición poética podemos profundizar en los sentimientos gracias a las correspondencias que se establecen entre ellos y los elementos materiales de la naturaleza, preocupación por la música del verso). Los recursos que nos llegan de estos dos movimientos y que recogerá Lorca son:
- El símbolo es un recurso retórico en el que mediante algo material, cognoscible, representamos un concepto inmaterial, abstracto. Normalmente es el elemento material el que aparece en el poema (el caballo desbocado como símbolo de la pasión amorosa). En la sinestesia se trasladan las cualidades de un sentido a otro sentido diferente: amargo tacto, dulce mirada, perfume fresco. Juan Ramón Jiménez : su obra comienza con influencia modernista (etapa sensitiva) para pasar a una segunda etapa (etapa intelectual) donde se elimina en sus versos la rima y la medida en busca de una poesía pura (que solo trate de lo poético y no de lo humano) cuya esencia reside en su capacidad de desvelar la esencia de lo humano y de las cosas. Poesía claramente intelectual (se evita hablar de sentimientos) y que influirá en Lorca y en la primera etapa de la Generación del 27, para quienes Juan Ramón fue maestro al que seguir (y luego al que abandonar en busca de nuevas posibilidades expresivas). Es una corriente la poesía pura cercana al francés Paul Valèry que defiende que poesía pura es todo lo que permanece en el poema después de haber eliminado lo que no es poesía”: nada de rima, métrica, estados emocionales y biografía del poeta, poesía que sea pura belleza. La tercera etapa de su poesía es la suficiente o verdadera, donde Juan Ramón, en el exilio, escribe una poesía casi mística de búsqueda de Dios y el Absoluto (una de sus obras se titulará Dios deseado y deseante ).
Los movimientos de vanguardia Los movimientos de vanguardia designan una serie de experimentos creadores que se suceden o coexisten en Europa a lo largo de gran parte de esta primera mitad de siglo XX y que en su deseo de innovaciones, rompen violentamente con el arte y la literatura vigentes. Los más reseñables son: Cubismo, futurismo, dadaísmo, imaginismo, expresionismo y, sobre todo, el surrealismo. Les une el rechazo del subjetivismo romántico y de las impurezas de lo humano, y las reticencias a captar la realidad de forma mimética y desde una sola perspectiva. Primer manifiesto futurista , Filippo Tomasso Marinetti, 1909 En 1918 empiezan a desarrollarse dos movimiento de vanguardia en España: el creacionismo y el ultraísmo. En España creacionismo y ultraísmo coinciden en su aversión por lo sentimental y trágico, por lo subjetivo e íntimo. En ellos, los grandes temas literarios (el amor, la muerte, dios, el hombre) se desprecian o sirven de pretexto para alardes de ingenio o de humor. Se desprenden de toda forma de trascendencia (moral ,filosófica o política) y se alejan de la vida: la literatura se purifica, su finalidad es ella misma. Ortega y Gasset, (filósofo novecentista) hablará de estos poetas y de esta poesía deshumanizada en La deshumanización del arte. Vicente Huidobro, chileno y creador del creacionismo dirá: «El poeta aspira a crear un poema tomando de la vida sus motivos y transformándolos para darles una vida nueva e independiente. Nada de anecdótico ni de descriptivo. La emoción debe nacer de la sola verdad creatriz. Hacer un poema como la naturaleza hace un árbol.» En el creacionismo se suprimen los signos de puntuación, se construye mediante la yuxtaposición gratuita y caprichosa, de imágenes que carecen de un referente claro y preciso que las motive (características compartidas por el cubismo y futurismo). Coincidente con el anterior, el ultraísmo elimina la anécdota, lo narrativo, el discurso lógico y da preeminencia a las percepciones fragmentarias, usa imágenes y metáforas ilógicas, chocantes, desmesuradas, ligadas casi siempre al mundo del cine, de los deportes y de todo lo que signifique modernidad (similitudes futuristas y dadaístas). El surrealismo lo veremos en la segunda etapa de la G27. Generación del 27 Toman nombre debido al acto de homenaje del tercer centenario de la muerte de Luis de Góngora, celebrado en 1927 en el Ateneo de Sevilla (viaje pagado por un torero amigo de todos: Ignacio Sánchez Mejías). Ante la indiferencia de las instituciones oficiales, el grupo de poetas dedica ensayos, libros de homenaje y conferencias al poeta cordobés, símbolo de la poesía pura que muchos practicarán esta primera época. Reivindicaban una figura hasta entonces maldita, que había
desplazamientos calificativos (estas dos últimas de carácter simbolista). Hermetismo y claridad: de la transparencia de unos poemas a la oscuridad de otros. Etapas
1. Etapa del ideal de pureza (1922-1928). Poesía deshumanizada: se prolonga hasta 1929 según el caso. En su mayoría se muestran todos proclives a cultivar una poesía de la que están ausentes lo narrativo y la hojarasca retórica. Perfección técnica, depuración expresiva, desdén por lo «demasiado humano» (sentimientos, emociones, anécdotas, descripciones), consideran el poema como obra artística autónoma y autosuficiente. Anhelo de precisión y exactitud léxicas. Está claro por qué sentían predilección por Góngora. Dentro de este ideal de pureza destacan las obras: Presagios de Pedro Salinas, Manual de espumas de Gerardo Diego (ultraista) y el primer Cántico de Jorge Guillén (influenciado por Valèry y que luego se irá ampliando). La deshumanización del arte , de Ortega y Gasset, aparecerá en 1925. En esta etapa también tenemos un neopopularismo en autores con Lorca o Alberti que trataran temas populares con estrofas populares pero con un estilo plenamente contemporáneo lleno de imágenes novedosas. Asi que veremos como se mezcla lo más vanguarsita con la mejor poesía tradicional del Romancero y la Lírica popular que en esos momentos está estudiando Ramón Menéndez Pidal. Destacan el Romancero gitano de Lorca y Marinero en Tierra de Rafael Alberti. 2. La rehumanización.(1928-1931) De la vanguardia al compromiso. Es el momento en que el surrealismo influye en algunos autores. En 1924 se publica el Primer manifiesto surrealista de André Breton. El surrealismo postula la exploración de los mecanismos del mecanismos del subconsciente, con el fin de que se manifestaran con entera libertad los impulsos y las fuerzas oscuras que el hombre, víctima de una razón sumisa a los convencionalismos sociales y morales, había reprimido e ignorado sistemáticamente. Se pretende acceder a una realidad superior, a una sobrerrealidad amordazada en los más hondo de la consciencia. El mundo del los sueños tiene una gran influencia. Al igual que las teorías de Freud sobre el inconsciente. Una técnica es la escritura automática mediante la cual se pretende la transformación directa de los estados anímicos en creaciones literarias o plásticas sin que la razón influyera en el acto creador. Postulan la libertad absoluta en el mundo de la creación artística, usan el humor corrosivo, la pasión erótica, el escándalo, lo onírico, la crueldad, para luchar contra los formalismos de la cultura burguesa y contra las hipocresías del orden moral establecido. Reivindicaron su propia nómina de escritores malditos: Marques de Sade, Lautreamont, Nerval, Baudelaire, Rimbaud, Jarry, en quienes encontraron el germen del surrealismo.
A la altura del segundo manifiesto surrealista, 1929, Breton condenaba a los surrealistas puros, no marxistas. Aunque el marxismo prefería una estética realista y no la retórica surrealista. En España ya en 1925 el poeta Louis Aragon dio una conferencia hablando del Surrealismo. Aparecerá en revistas y diversos autores se interesarán por las novedades que vienen de París. El nuevo movimiento influirá en las técnicas compositivas de varias obras aunque no se puede decir que se siguiera el movimiento sino que se utilizaron sus herramientas: Lorca ( Poeta en Nueva York ), Cernuda ( Los placeres prohibidos ), Aleixandre ( Pasión de la tierra , La destrucción o el amor ), Alberti ( Sobre los ángeles )… Aún así ninguno de estos poetas, y Lorca el que menos, se deja llevar por lo automático de la poesía surrealista y para él el poema sigue siendo una construcción costosamente elaborada sujeta a revisión permanente. Se inicia un proceso de rehumanización. Se prestará mayor atención al mundo contemporáneo. El surrealismo trae de nuevo la vida del poeta, los sentimientos, además de añadir una voluntad de transgresión. José Díaz Fernández en El nuevo romanticismo, 1930, dice lo siguiente: «La verdadera vanguardia será aquella que ajuste sus formas nuevas de la expresión a las nuevas inquietudes del pensamiento. Saludemos al nuevo romanticismo del hombre y la máquina que harán un arte para la vida, no una vida para el arte. 1931: Se proclama la República. Influirá también en nuestros autores la llegada de Pablo Neruda en 1935 y la publicación de su revista Caballo verde para la poesía, que empezaba con un editorial llamado «Sobre una poesía sin pureza». Editorial que molestará a Juan Ramón Jiménez que lo considerará un ataque personal y comenzará su desvinculación de muchos de nuestros poetas por considerarlos cómplices de Neruda. Hay autores que señalan que hay una tercera etapa (1931-1936) influida por un compromiso político a favor de la República y las recomendación de Neruda sobre esa poesía sin pureza que recoge la temática social y política. Por tanto sería una etapa social.
3. Tercera (y 4ª) etapa: La guerra y el exilio(1936-1939) (1939-): 1936: estalla la guerra. Todos los poetas menos Gerardo Diego toman partido por la república. En agosto es asesinado Lorca en Granada. La poesía se hace combativa. La épica sustituye a la lírica y se vuelve al romance (Alberti, Miguel Hernández) Cuando acaba la guerra todos menos Gerardo Diego, Dámaso Alonso y Vicente Aleixandre marcharan al exilio. Algunos primero permanecerán en Europa pero finalmente todos acaban en países de hispanoamérica. En todos se intensifica el proceso de rehumanización y se mantiene el compromiso entre ética y estética. También su voz empieza a reflejar los problemas humanos y sociales del tiempo que
observación ha de ser, pues lírica. Arquitectura extrahumana y ritmo furioso, geometría y angustia. Sin embargo, no hay alegría, pese al ritmo. Hombre y máquinas viven la esclavitud del momento. Las aristas suben al cielo sin voluntad de nube ni voluntad de gloria. Nada más poético y terrible que la lucha de los rascacielos con el cielo que los cubre.” Hay que tener presente lo siguiente: a) La visión negativa que el poeta nos da de la ciudad y de sus distintas zonas (Wall Street, Coney Island, Brooklyn Bridge, Harlem) y su rechazo de una civilización mecanizada que destruye lo auténticamente humano. El hombre ha creado una ciudad gigantesca, pero es, al mismo tiempo, víctima de ella, porque destruye su libertad, su contacto con lo natural y su comunicación con los demás hombres. Respecto a los negros señala: “Yo quería hacer el poema de la raza negra en Norteamérica y subrayar el dolor que tienen los negros de ser negros, en un mundo contrario;M esclavos de todos los inventos del hombre blanco y de todas sus máquinas, con el perpetuo susto de que se les olvide un día encender la estufa de gas o guiar el automóvil o abrocharse el cuello almidonado, o de clavarse el tenedor en un ojo. Y, sin embargo, lo verdaderamente salvaje y frenético no es Harlem. Hay vaho humano, gritos infantiles, y hay hogares y hay hierbas y dolor que tiene consuelo y herida que tiene dulce vendaje. Lo impresionante, por frío , por cruel, es Wall Street. Llega el oro en ríos por todas partes de la tierra y la muerte llega con él. En ningún sitio se siente como allí la ausencia del espíritu. b) A partir de esta realidad, Lorca se remonta a sí mismo en primera persona, as sus margas experiencias pasadas y presentes, a su soledad y a sus deseos amoroso. c) De ahí pasará, usando la 3ª persona del plural ,a lanzar su protesta contra los que coartan la realización plena de todos los instintos del hombre y a solidarizarse con aquellos que, como él, padecen una situación desamor. Con Diván del Tamarit , recoge la influencia arábigo-andaluza. Se suele añadir una tercera etapa de síntesis, que tendría lugar a la vez que la segunda, donde se incluye el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935) y Seis poemas galegos. En el Llanto , homenaje a su amigo el torero Ignacio Sánchez Mejías. Lorca, que siempre se negó a tratar directamente el mundo delos toros, rehuye los elementos costumbristas y pintorescos y las interpretaciones filosóficas. En las cuatro partes todo se subordina a la presentación de una figura mítica y excepcional a la que la muerte arrastra a la nada. ETAPA 1 Libro de poemas , 1921 Canciones , 1927 (aunque llevaba ya escrito varios años). Síntesis entre la tradición clásica (temas -amor sin esperanza, naturaleza, muerte, mundo
infantil-) y métrica -versos cortos, estribillos, paralelismos, estructura circular, rima asonante, antítesis, uso de expresiones populares-) y presencia de la influencia de las vanguardias (recursos literarios empleados). Poema del cante jondo , 1931, escrito en 1921 probablemente. Sus temas son el amor, la muerte y la pena honda (conciencia trágica que late en el libro, es el lamento que expresa el dolor), pero alejado del folclorismo. Lenguaje natural, breve y sin adornos, hay influencia de las vanguardias en sus metáforas. También verso corto, rima asonante y estribillos y paralelismos. Romancero gitano , 1928 Consigue que la nueva poesía cale entre el público. Como dice Lorca: “El libro en conjunto, aunque se llama gitano, es el poema de Andalucía. Lo llamo gitano porque el gitano es lo más elevado, lo más profundo, lo más aristocrático de mi país. Y ahora lo voy a decir. Un libro antipintoresco, antifolclórico, antiflamenco y donde no hay más que un solo personaje, grande y oscuro como un cielo de estío, un solo personaje que es la pena. El romance mezcla lo narrativo (la historia que sirve de hilo conductor y cohesiona el relato, así que habrá narrador, personajes, acción, espacio y tiempo) y lo lírico (la comunicación de los sentimientos a través de exclamaciones, interrogaciones, comparaciones, anáforas, paralelismos…) Unión perfecta de lo viejo y de lo nuevo, de tradición y vanguardia. El narrador suele hacer el relato en tercera persona (a veces aparecerá en el texto: Muerte de Antoñito el Camborio), las ubicaciones geográficas son escasas y no hay datos cronológicos: espacio y tiempo míticos comunes a todos. Los personajes son gitanos aunque su origen puede ser: mortal (Antoñito), mítico (la luna), divino (los tres arcángeles) o bíblico. La acción: el gitano choca contra: el amor, que desemboca en sexo, frustración o muerte. Los otros, gentes de su raza, enemigos, destino trágico o su némesis: la Guardia Civil, brazo armado de la sociedad que los margina. Casi siempre la muerte es el resultado del enfrentamiento. El cosmos: cómplice, testigo o adversario de los personajes. Uso de recursos tradicionales: exclamaciones, interrogaciones, comparaciones, paralelismos, antítesis, pero también vanguardistas: metáforas , sinestesias, vivificaciones. El metro es el romance octosílabo con rima asonantes en pares. Uso de símbolos y mitos: el gitano es los hombres libres, con sus grandezas y su violencia, y frente a él la Guardia Civil, enemigo para aumentar la épica del héroe. La luna: asociada a la muerte, aunque en La casa infiel, ilumina y protege a los enamorados.
lógico, pero ¡ojo!, con una tremenda lógica poética. No es surrealismo, ¡ojo! La conciencia más clara los ilumina. Son los primeros que he hecho. Naturalmente están en prosa porque el verso es una ligadura que no resisten.” De ahí que para la métrica del libro elija el verso libre, sin rima y el versículo. Lo que acentúa el carácter profético del libro. El símbolo es el recurso más frecuente: metales, alfileres, agua, la luna, columnas (lo que une tierra y cielo) el cordero como Jesucristo. Todo pierde la identidad en un mundo que no está en armonía consigo mismo, se ha perdido el contacto del hombre con la naturaleza. Diván del Tamari t. (compuesto entre 1931-1935, publicado en 1940 en el exilio) Vuelve a Granada como espacio poético, Tamarit era el nombre de la huerta de su tío Francisco. Vuelve a lo particular, a su tierra su historia personal. Es un homenaje a Granada y los poetas andalusíes. Diván es un término árabe para referirse a una colección de poemas de un mismo poeta, Tamarit: abundancia de dátiles. Las casidas y las gacelas con formas poéticas árabes. Recoge el sentido de los poetas musulmanes del amor, el erotismo, devoción por la naturaleza fértil. Temas: amor homosexual, el deseo y la muerte. Gacelas : Temática amorosa donde el deseo se muestra con toda su angustia, a veces también aparece la muerte. Casidas : su tema central e la muerte, real o simbólica por pérdida del amado, pero también la esterilidad que impide al amor homosexual perdurar en los hijos a través del tiempo. Lenguaje: Voz íntima, vocabulario cercano y cotidiano, diminutivos frecuentes, uso de vocabulario floral, siguen el lenguaje simbólico y las metáforas visionarias pero vuelve la presencia de recursos tradicionales: paralelismo, anáforas y antítesis.. Regreso al verso corto y al estribillo. 3 a^ etapa Llanto por Ignacio Sánchez Mejías. Escrita en 1934. Homenaje póstumo a su amigo, hombre de cultura, torero pero también escritor teatral y acompañante desde el inicio de los miembros de la generación del 27. En libro fue publicado en 1935, está considera su libro más perfecto y acabado. Sintetiza la trayectoria de Lorca: lo mítico y tradicional ensamblado con el lenguaje simbólico y visionario. Es una elegía funeral en cuatro momentos: agonía del torero, negativa de Lorca a reconocer
su muerte (y reconocimiento de sus cualidades a lo Manrique), la presencia de la muerte y la lucha contra el olvido gracias a la poesía. Por tanto tenemos el dolor por la pérdida del amigo, poder devastador de la meurte y la reivindicación de la palabra poética como vencedora del olvido. Lenguaje: síntesis de todos sus descubrimientos anteriores: vivificaciones de lo inerte, sinestesias, metáforas, símbolos…. Métrica:
- endecasílabos blancos alternados con el octosílabo: a las cinco de la tarde. -mezcla de versos de desigual medida (muchos también de 11 y 8)
- En cuerpo presente mantiene el alejandrino blanco (verso solemne)
- Endecasílabos en las cuatro primeras estrofas y alejandrinos para las dos finales. Sonetos del amor oscuro (no publicado en vida) Su último libro. De sonetos (ya había publicado Luis Rosales en 1931 Abril y Miguel Hernández en 1936, El rayo que no cesa, que son también libros de sonetos). Vuelta al clasicismo. Lorca dice: El libro de Sonetos significa la vuelta a las formas de la preceptiva después del amplio y soleado paseo por la libertad del metro y la rima. Temática homoerótica (1934-36) que sus familiares tuvieron ocultos hasta que tras publicarse algunos permitieron publicarlos al ABC en 1984. El tema común el el dolor del amor: profundo y desesperanzado y que nace de la propia naturaleza del amor que no permite la felicidad plena puesto que siempre se tiene miedo de poder perderlo. Además del rechazo social y sus propias historias amorosas difíciles. Alegría del gozo amorosos, esterilidad como forma de muerte, soledad ante la ausencia del ser amado y la necesidad de aprovechar la vida. Une de nuevo tradición y vanguardia. El tema de amor en el soneto, dentro de la tradición petrarquista más pura (El cancionero). Lorca usa antítesis por tanto y símbolos representativos. Pero crea también un nuevo vocabulario, puesto que él habla de un amor homosexual, así que acudierá al lenguaje místico (haciendo el viaje inverso al de San Juan) para recoger:
- símbolos como la noche, la corza o el ciervo que hablarán de su amor (y no de dios)
- Interpelación directa al ser amado (apóstrofes)
- Antítesis y paradojas.
- Una zoología que expresa oscuridad y daño.
- Las flores de intensos colores.
- símbolos de la esterilidad.
- Tono de dolor y herida, duro y violento.
