¡Descarga Primer quatri llenguatges y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
Llenguatges artístics
Clasificación del arte en la antiguidad?
SOFISTAS: artes útiles y artes que producen placer.
PLATÓN: artes que producen cosas (arquitectura) y artes imitativas (pintura)
GALENO: artes liberales (no necesitan un esfuerzo físico) y artes vulgares (necesitan un esfuerzo físico)
QUINTILLANO: artes teóricas (consisten en el estudio: astronomía) artes prácticas (actividad sin producción: danza) artes productivas (su existencia perdura: pintura)
CICERÓN: artes mayores, medianas y menores (según su importancia)
PLOTINO: según su grado de materialidad (arquitectura) o espiritualidad (geometría)
Los griegos nunca tuvieron ninguna palabra para referirse a las bellas artes, faltaba un elemento: actividades acústicas o producciones acústicas, no se consideraban arte ya que pensaban que no tenían reglas (poesía y música). Se relacionaban mas bien con los misterios/ prefecia que de la tecné. La música y poesía se acabaron incorporando y los oficios manuales y técnicas se acabaron separando del arte. Primero fue la música en unirse a la tecné, descubrieron que tenían unas reglas y pasan al campo de la tecné.
Platón diferencia entre dos tipos de poesía:
- Maníaca: relacionada con los misterios
- La que nace de una destreza literaria, la poesía técnica, considerada tecné, aunque para él no es la autentica poesía.
S.XVIII evolución del concepto de Arte, el Renacimiento ayuda pero no tanto como para considerarlo que fue el causante de la evolución.
Clasificación del arte en la Edad Media
Artes liberales: no implican esfuerzo físico. Incluyen el TRIVIUM (arte de seducir a través de las palabras) El QUADRIVIUM (actividades vinculadas con la matemática) – aritmética, geometría, astronomía, música.
Artes mecánicas: lanificium (subministran viviendas y herramientas) agricultura y venatio (alimento) medicina, navigatio..
RENACIMIENTO ITALIANO:
Arte y ciencia- 1er Renacimiento
La pintura y la escultura no eran consideradas artes. Alberti- primeros tratados teóricos del arte en el Renacimiento. No son tratados prácticos sino que tienen un contenido teórico y abstracto, intenta demostrar que no sólo tiene el lado manual y artesanal. Alberti es un humanista eclesiástico, intenta demostrar que son artes. Por que se interesa por las artes? Porque el las practica y porque consigue vincularlas a la ciencia (que gozaban de gran reconocimiento dentro de la sociedad italiana renacentista). La ciencia se convierte en perspectiva, estudios
anatómicos… Hay una correspondencia entre el cuadro y el objeto. La posibilidad de demostrar la correspondencia del árbol y cuadro como si se tratara de una preposición científica.
Una representación para ser correcta se tiene que demostrar como en la ciencia, esta correspondencia.
SXVII
Momento en que la academia se consolida, esta institución se basa en REGLAS ARTÍSTICAS: criterios explícitamente artísticos: color, forma, volumen…
-Diferencia entre la academia y el Arte Renacentista?
Las reglas del Primer Renacimiento estaban vinculadas a la geometría con esa base científica, y tenían que ver con la corrección. En la academia son conscientes que la relación matemática puede influir al artista.
Enseñan normas a sus alumnos que quieren aprender, creían que había unos valores en la puntura, escultura… la Idea de Belleza es de las más conocidas. La crisis de la academia se empieza a deslumbrar.
SXVIII
La academia se mantiene pero se van desarrollando las exposiciones, época en que nacen los grandes museos nacionales y a lo largo del S. XVIII nace el público (moderno)- amplio y heterogéneo, que visita los museos nacionales y exposiciones (salones) gente con formación artística previa y hay gente que no (muchas veces no comprenden lo que habría que valorar artísticamente ya que desconocen las reglas artísticas). Este proceso alcanza su madurez en el s. XVIII que es cuando se cierra el sistema arte que se ha dotado de instituciones, de su teoría. El artista se convierte en profesional, los profesores creen que pueden enseñar a ser un artista.
Clasificación del arte en la Ilustración
Bellas artes: música, poesía, pintura, escultura, danza, arquitectura, retorica (imitan a la naturaleza)
Artes mecánicas: ciencias y artesanías.
La perspectiva es un instrumento que simboliza este deseo del hombre renacentista de organizar la realidad de forma clara y ordenada a través de unas leyes que son matemático-geometricas. Lo que ahora llamamos creatividad lo llamaban melancolía. La academia es la institución, su función es la de Institucionalización. Se mantienen una serie de reglas, que son artísticas, mucho más difícil de demostrar la verdad científica.
SXIX
Se mantiene todo lo anterior añadiendo los marchantes: adquieren obras de artistas contemporáneos, de impresionistas y postimpresionistas. Los galeristas adquieren obras contemporáneas y expondrán. Los críticos se dedicaran a escribir sobre este arte contemporáneo.
ASPECTOS FORMALES DE LA PINTURA
Modo de representar una figura que en la realidad estaría dispuesta obliquamente al plano pictórico que estuvo representada. El objetivo no es la representación verosímil. Como se representan los cuerpos en la pintura egipcia? De perfil. Se representan de perfil, a que es debido? Lo que se representaba servía para el transito al más allá. Lo que se pintaba dentro e las tumbas no las pintaban tal como las ven sino que representan los objetos, personas con todo detalle, que contenga toda la información de lo que contenga.
Que mensajes, o valores quiero transmitir a través de la pintura? Los pigmentos coloreados disueltos con substancias líquidas sobre el soporte plano con diferentes técnicas. Material tradicional.
Cada material exige un tratamiento de acuerdo con la naturaleza.
Fresco, temple- Hiervo (aglutinante)
Oleo- aceite (aglutinante)
Muro, Lienzo, Madera – soportes
FRESCO
Proceso de carbonización: la cal es oxido calcio. Cal+agua produce el hidróxido de calcio.
Aplicar los pigmentos minerales no vegetales en agua de cal sobre el muro que ha sido previamente preparado y HUMEDECIDO. El muro, se prepara con una mezcla de hoxido de calcio mezclado con arena, y asi aplicar los pigmentos en agua de cal. Devido al dióxido de carbono presente en la atmosfera, la cal se transforma en carbonato de calcio porque el pigmento cristaliza en el seno de la pared y la pintura se queda atrapada en el seno de la pared.
Características- El muro debe estar húmedo a la hora de pintar, es fundamental no volver a humedecer para corregir encima, hay que pintar rápido y con mucha precisión. Conocimiento técnico de gran nivel. El resultado es una pintura mate e insoluble al agua, resistente pero es una pintura de pigmentos puros.
En el s. XX recuperación de la pintura al fresco. Efecto mate, le transmite al público de Torres Garcia, pobreza falta de medios. Técnica más frecuente y utilizada para pintar sobre el muro o la pared, hace que tenga una relación con el espacio.
Dibujar en un papel la figura que se quiere reproducir, pasar a una escala mayor, se agujereaba el entorno y se pasaba con trapos llenos de carbón por las linias del dibujo que estaban agujereadas.
La religión en la pintura de la Edad Media tenia una gran importancia. La religión actúa como el aglutinante cultural para alcanzar la inestabilidad social. No interesa un espacio, o una representación de la realidad o del mundo sensible. Interesa la representación de los valores de la religión.
TEMPLE
El agua es el disolvente, el aglutinante es la grasa animal, el huevo (yema o clara) o el huevo integro, la claseína, la goma… las correcciones y retoques desaparecen rápidamente. El temple no solo sirve para corregir, también hay pintura al temple independientemente de la pintura al fresco. En un cierto momento se abandona el fresco y el temple por una técnica que puede dar más profundidad.
OLEO
S. XV- XVI. Se representan los valores religiosos. Progresivamente en el sXII- XIII el hombre empieza a preocuparse por lo que le rodea, y por el mundo sensible. La escultura está por delante de la pintura en este aspecto.
Menguante- perdida de nitidez de los objetos, a medida que aumenta la distancia entre los cuerpos.
Estas tres partes juntas dan el nombre a la nueva perspectiva aérea de Leonardo, vinculada a los ambientes culturales en los que se mueve. Esta necesidad de encontrar una formula de representación adecuada a la visión del mundo, se necesita una formula matemática que objetibiza la subjetividad. La subjetividad- el ser humano es el centro del mundo material, aunque dios sigue ahí. Antropocentrismo. Para que la pintura pueda convertirse en autónoma tiene que ser objetiva.
EL IMPRESIONISMO
X Claude Monet, Impression, Soleil Levant, 1872.
Obras analizadas por la crítica de arte moderno. Vinculadas a la perfección de la realidad, pero lo que les interesa es expermientar con el color y la visión. Intentan plasmar la luz y la impresión visual y el instante. No se interesan por la identidad de las formas que están ilumniadas por esta la luz.
Intentan pintar el momento de luz, el instante de luz los objetos pasan a un segundo plano. Trazo rápido la sensación de inmediatez.
X Claude Monet, Catedral de Roven, 1892-94.
Lienzos de la Catedral, considerada por autores el clímax del impresionismo. Serie de 31 lienzos. Separados actualmente en diferentes instituciones de Arte del mundo. Algunos de los lienzos fueron acabados en su estadio, aunque el impresionismo se hace al aire libre.
X Claude Monet, Almiares, 1890-
15 lienzos, paisaje en pleno sol, al amanecer, diferentes estaciones del año.. El tema o objeto, puede parecer y es bastante presente en el objeto. La impresión que causa la luz y el color al artista es lo realmente importante.
1884- Crean nuevo método (experimentar-innovar): puntillismo, pequeñas pinceladas de colores puros y se mezclan para dar una ilusión de realidad. Seurat y Signat. (creadores)
Teoria del contraste simultaneo- Chevreul
Los colores complementarios se exhaltan el uno al otro; si queremos dar mayor luminosidad podemos usar la técnica del puntillimo. Seurat aplica a la pintura ciertos aspectos científicos. El arte necesitaba de la ciencia.
No respetar las reglas de la perspectiva se valoraba negativamente. Para Seurat era importante el color, independientemente de si es correcta o no científicamente.
X Henri Matisse, Lujo, calma y voluptosidad, 1904-05.
Preludio puntillista del fauvismo. La pincelada es más ancha y rectangular, se trata casi de una especia de mosaico. Las pinceladas están separadas entre si, no hay ese efecto de ilusionismo. No es un color naturalista, color fruto de las emociones del artista.
X Henri Matisse, El estudio en roja, 1911, MoMa, NY.
Abandona el puntillismo, grandes campos de colores planos. El color es autónomo y no representa ni quiere representar la luz. Los cuadros que representa son suyos.
Representa la naturaleza muerta, indicios de perspectiva, pero juega con ella, y no duda, lo hace sabiéndolo. Quiere transmitir un mensaje con la ventana, de la que no entra luz.
X Pablo Picasso, Casas de Horta de Sant Joan
Recuperar el interés de Cezane por los objetos, centrarse en el volumen. Etapa de preludio. Efecto escultórico de la pintura. Luz creada por el propio artista para acentuar, afilar los relieves.
X El sueño, 1912, Franz Marc.
El caballo azul es el más importante de Franz Marc. Para Kandinsky el color azul tiene un sentido espiritual, busca unos criterios universales para todos. Algunos críticos investigan y empiezan a decir, igual que Kandinsky, tiene un sentido espiritual.
X La coronación de la Virgen, 1370-1371.
Doce paneles para el altar de San Pedro Mayor en Florencia, conservados en la National Gallery. Doce escenas para representar la vida de Cristo con el Santo. Diferentes piezas que han acabado dispersas. Jacopo di Cione la pinto con la ayuda de sus ayudantes, en la parte superior representa la trinidad en medio y ángeles a los lados. En el medio a la izquierda: la natividad, reyes magos.. En la zona de abajo, la central es la más importante donde hay: Maria, La Virgen y Cristo.
X El bautismo de Jesucristo, 1442-50 Piero della Francesca.
En el monasterior en San Sepulcro, ahora se ha convertido en una Iglesia. Representa al Cristo bautizado por San Juan. Tres personajes alados a la izquierda, pero no llevan los elementos típicos y los relacionan con una vestimenta de tipo oriental. Podrian simbolizar esa concordia entre oriente y occidente.
X La tempestad, 1510, Giorgione
Una de las hipótesis dice que es un puente real y el paisaje también lo es, se decía que pasaba por la ciudad de Pádua, pero unas inundaciones hicieron variar su curso. Podría ser un paisaje real o ideal. Tampoco tenemos la certeza de que sea Padua.
X Descanso en la huida a Egipto, Claude Lorraine, 1663. Precursor del impresionismo.
X Paisaje con Apolo y Mercurio, cada vez más valor al paisaje.
X Annibale Carraci, Butcher’s shop, 1583.
Escena de genero, quotidiana. Carnicero, importancia en el quadro. Tamaño importante. Monumentalidad. Destinado a la pintura de historia. Mantiene cierto naturalismo, clasicismo bastante vivo.
X La felicidad de la Regencia, 1625, Rubens.
