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RENACIMIENTO
Pintura italiana:
Trecento
Giotto: 1267-1337, Florencia. Se lo considera el primer artista de los que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el más realista y humanista que floreció en el Renacimiento. Adoptó en las figuras el lenguaje visual de la escultura al darles volumen y peso.
Duccio:1255-1319, Siena. Se le considera como uno de los más influyentes en la formación del estilo gótico internacional. Inspirador de Simone Martini
Quattrocento
Masaccio: 1401-1428, Roma. Fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Andrea del Castagno: 1421-1457, Florencia.
Paolo Ucello: 1397-1475. Florencia. Aprendiz en la escuela de Ghiberti y tuvo ocasión de conocer a Donatello y Michelozzo. Se dedicó a estudios sobre la perspectiva, haciendo de ello una verdadera obsesión. Utilizó a menudo la brevedad para tratar las formas y conferir un carácter fantástico. Pinta batallas en las que las líneas verticales, horizontales y diagonales organizan el espacio.
Fra Angélico: 1395-1455. Florencia. Fue llamado Angelico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y por su extraordinaria devoción. Combinó la elegancia decorativa del gótico con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra.
Benozzo Gozzoli: 1421-1497. Florencia. Discípulo de Fra Angelico.
Fra Filippo Lippi: 1406-1469. Influido por Masaccio. Dio a los temas una nueva intensidad por su concepción del espacio (utiliza paisajes en lugar de fondos planos) y por su búsqueda de los efectos de color. Influyó en Botticelli.
Botticelli: 1445- 1510. Florencia. En el taller de Lippi aprendió el control de las formas tridimensionales, la delicadeza expresiva, los detalles decorativos (herencia del estilo del gótico tardío) y un estilo íntimo. En menor medida, resultó influido por la monumentalidad de Masaccio. En 1467 frecuenta el taller de Verrocchio, donde trabaja al lado de Leonardo da Vinci. Su obra se caracteriza por una concepción de la figura vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que indicarían formas plenamente modeladas. Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un
elemento trascendental. Para dar forma a esta nueva visión opta por la gracia , la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos.
Piero Della Francesca: 1416-1492. Su obra se caracteriza por una dignidad clásica, similar a Masaccio. El tratamiento de las figuras es volumétrico y se percibe un estudio anatómico, y una cierta monumentalidad. Destaca la inexpresividad y frialdad de los personajes, con figuras estáticas. Se interesó por los problemas del claroscuro y la perspectiva. Su luz es muy diáfana, con un tratamiento uniforme, sin intensidades ni gradación lumínica. La perspectiva lineal es característica.
Andrea Mantegna: 1431-1506. Mantua. La figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Donatello será su influencia en este periodo llamado pétreo. Trabajará toda su vida para la familia Gonzaga.
Bellini: 1429-1507. Venecia. Maestro de Tiziano y Giorgione.
Cinquecento
Leonardo da Vinci: 1452-1519, Roma. Sus técnicas innovadoras, su conocimiento de anatomía, luz, su interés en fisionomía y la forma en que los humanos registran emoción. Su gran aportación es el esfumatto, que consiste en prescindir de los contornos del Quattrocento y envolverlo todo en una niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. Se puede percibir un efecto característico de la pintura de Leonardo: la delicada transición de la luz a la sombra, cuando un tono más claro se funde con otro más oscuro. Usa la perspectiva aérea, representar la sensación de profundidad haciendo menos nítidos los planos del fondo porque las partículas en suspensión que hay en la atmósfera hace que se vean con más nitidez los objetos del primer plano y de una manera más difuminada lo que queda al fondo.
Perugino: 1450-1523, Perugia. Se formó a través de las obras de Piero della Francesca y de Verrocchio.
Rafael: 1483- 1520, Roma. Comenzó el aprendizaje con Perugino, de quien asimiló las tonalidades claras, las elegantes composiciones y el paisaje espacioso. Su habilidad como dibujante, su pericia como colorista, su conocimiento de la perspectiva y el uso de las arquitecturas bramantescas, su aprecio por un naturalismo que no descarta la exacerbación, junto con un equilibrio y armonía renacentistas, hacen de él un maestro del clasicismo del Cinquecento.
Miguel Ángel: 1475-1564, Roma. Tuvo honda influencia en la generación manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas.
Escultura italiana:
Trecento Nicola Pisano: ¿? Último escultor medieval gótico o el primero del renacimiento. Trabaja en el púlpito del baptisterio de Pisa junto a su hijo Giovanni, en 1260, haciendo confluir muchos estilos.
Giovanni Pisano: 1250-1314. Mezcla el gótico francés y el estilo clásico.
Andrea Pisano: 1290-1348. Autor de la primera puerta (sur) de bronce del Baptisterio de San Juan de Florencia.
- Piedad: Obra es de bulto redondo, que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista es frontal. Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. Predomina la armonía y el contraste: 1) Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María. 2) El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración. 3) Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en sfumato.
- Sepulcro del Papa Julio II: Trabajó en esta obra desde 1501 hasta 1540, donde al final, quedaron tres esculturas insertas en la tumba, que son Moisés y, a los lados, Lia o La vida activa y Raquel o La vida contemplativa.
- Moisés: La estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza. Diseñado para ser visto desde abajo. El líder de Israel se presenta sentado, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba. La imaginación puede situar esta representación en el pasaje tras recibir los Mandamientos en el Monte Sinaí, mientras que el pueblo de Israel se entrega una vez más a la idolatría. Miguel Ángel utiliza una cabeza vuelta, concentrando una expresión de tremenda ira que se refleja también en la poderosa constitución de la estatua y en sus ojos. La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se pueden apreciar: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas pesadas al empezar a moverse. Miguel Ángel lleva la cólera de Moisés hasta su punto más álgido, sin embargo la contiene.
- Piedad Rondanini: Es una obra inacabada por su muerte. Los cuerpos de la Virgen y del Cristo están apenas esbozados. Hay partes acabadas, como el brazo derecho de Cristo, y otras que no lo están, como el torso, que está unido al cuerpo de la Virgen como si formaran uno solo.
Arquitectura italiana:
Quattrocento
Brunelleschi: 1377-1446, Florencia.
- Cúpula de la Catedral de Florencia: Superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, hechas de ladrillo, divida en tramos a modo de gajos. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor recubierto con mármoles, en el cual se abren ventanas circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero.
- (^) Hospital de los Inocentes: Edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas corintias. En las enjutas de los arcos hay medallones policromados con figuras blancas (bebés) sobre fondo azul. Es el único elemento figurativo.
- Palacio Pitti: El aspecto externo es casi de fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en torno a un patio. Muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos. El muro está articulado mediante balaustradas. Se emplean para los muros sillares almohadillados, más planos a mediada que se gana altura. Los vanos con arco de medio punto están constituidos por dovelas almohadilladas. Las ventanas llevan frontón.
- Iglesia de san Lorenzo: Inspirada en las basílicas paleocristianas, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, con la nave central más alta y ancha. En el interior, la nave central tiene cubierta adintelada con casetones y las laterales bóveda de arista. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas entablamento en el que descarga cada arco de medio punto.
Alberti: 1404-1472, Florencia. Se mostró interesado por la búsqueda de reglas para orientar el trabajo de los artistas. El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno.
- Palacio Rucellai : Se inspira en Brunelleschi. Se centra en la fachada, sobre una base que imita el opus reticulatum romano (almohadillado), y formada por tres planos superpuestos, separados horizontalmente por cornisas. La superposición de filas de columnas con distintos órdenes tiene origen clásico: en el piso inferior dóricas, jónicas en el piso noble, y corintias en el segundo. Horizontalidad en el piso de abajo y verticalidad en los otros dos. El palacio será modelo para todas las siguientes construcciones de residencias señoriales.
- Fachada de la Iglesia de Santa Maria Novella : Alberti se encontró con el problema de tener que integrar elementos de épocas anteriores. Por encargo de la familia Rucellai, diseñó la gran puerta central, los frisos y el complemento superior de la fachada, en mármol blanco y verde oscuro. Alberti armonizó los elementos previos góticos con los nuevos, puramente renacentistas. Las incrustaciones bicolores se inspiran en el románico florentino. También ideó las dos volutas que permiten salvar la distancia entre la nave central y las laterales. Cinquecento
Bramante: 1444-1514, Roma. Tuvo una formación quattrocentista, pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula.
- Claustro de Santa María de la Paz : 1500. Planta octogonal. Utiliza el dintel y el arco, el pilar y la pilastra a lo largo de todas las arquerías, duplicando los soportes y desprovistos de toda decoración.
- Templete de San Pietro in Montorio : 1502. Granito. Encargada por los Reyes Católicos para conmemorar la Toma de Granada en 1492, levantándose en el lugar donde fue martirizado San Pedro. La planta central es circular, con una columnata que envuelve a la cella , que está cubierta por una cúpula de media naranja. Esta columnata forma un peristilo. El alzado se levanta sobre una escalinata seguida de un podio sobre el que se eleva la columnata de orden toscano sobre el que aparece un entablamento dórico (metopas y triglifos), coronado por una balaustrada. El muro exterior está articulado por medio de nichos de remate semicircular que alterna con vanos (puertas y ventanas) adintelados. El conjunto se completa con un tambor y una cúpula semiesférica donde los nervios a penas se insinúan.
- Proyectos para San Pedro del Vaticano : Diseñó un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas (planta centralizada,); la central en el crucero y las restantes en los ángulos.
Miguel Ángel: 1475-1564, Roma.
- Biblioteca Laurenciana : 1559. Miguel Ángel utilizó columnas, frontones y ménsulas de manera más personal y expresiva. El vestíbulo tiene ventanas ciegas de estípites colgantes y peraltados que se unen a las vigas del techo.
Alberto Durero: 1471-1528. Heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Durero se planteó proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano. Hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano.
Hans Holbein: 1497-1543. En Italia descubrió las obras de Mantegna y da Vinci, quienes le influyen en su soltura en el dibujo y su riqueza cromática. Alcanzó una gran fama gracias a sus retratos realistas.
Pintura flamenca:
El Bosco: 1450-1516. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco, a veces cruel.
Pieter Brueghel “El viejo”. 1525-1569. La influencia más notable en su arte es la de El Bosco, con quien comparte cierto tratamiento fantástico en determinadas escenas. Se especializó en paisajes de campesinos, en un estilo más sencillo que el del arte italiano.
Pintura española:
Pedro Berruguete: 1445-1503. Viajó a Italia. Su obra será una síntesis del arte italiano, el flamenco y el castellano.
Juan de Juanes: 1523-1579: Dedicado a la iconografía religiosa.
Sánchez Coello: 1531-1588. Admirador de Tiziano, como él, experto en retratos.
El Greco: 1541-1614. Durante su estancia en Italia enriqueció su estilo con elementos del manierismo y del renacimiento veneciano. Es considerado precursor del expresionismo y del cubismo.
MANIERISMO
Es una reacción anticlásica surgida entre 1520-1530, y que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Renacimiento. Se preocupaba por solucionar problemas intrincados, como desnudos en posturas complicadas. Las figuras tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales, es decir alla maniera. Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.
Pintura italiana:
Pontormo: 1494-1557. Florencia. Se deja influencia por la obra de Miguel Ángel y los grabados de Durero, el llamado estilo nórdico. La frecuencia de caras y cuerpos alargados son característicos. Su experimentación expresa una personalidad extravagante.
Fiorentino Rosso: 1495-1540. Su arte es caprichoso y elegante. Fuerza las figuraciones expresando un mundo inquieto y atormentado. Las deformaciones de rostros y cuerpos llegan a la exasperación: por ejemplo en El Descendimiento , un anciano situado en lo alto de la cruz tiene el rictus semejante al de una máscara trágica; la disposición asimétrica de las escalas y proporciones parecen escapar a todo canon y generan una dinámica violenta que se encuentra acentuada mediante la incerteza de los apoyos de los
personajes, mientras que las luces inciden violentamente desde la derecha creando un chocante claroscuro.
Bronzino: 1503-1572. Discípulo de Pontormo. Su estilo resulta excepcionalmente preciosista. Se sustenta en la fuerza de los colores irreales, muchas veces contrastantes y en el vigor que sabe encontrar en los elementos plásticos.
Corregio: 1489-1534. Escuela de Parma. Pionero del uso de la luz. Consigue sensación de ingravidez. De gran sensibilidad y delicadeza.
Parmignianino: 1503-1540. Conoce la obra de Miguel Ángel y Rafael. Consigue traducir los modelos del Renacimiento con una orientación manierista. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tiene que crear una necesaria artificiosidad. De Correggio asimilará el clasicismo, convirtiéndolo en manierismo, manteniendo su ilusionismo pero traduciéndolo a modelos más decorativos y una mayor vitalidad de las formas.
Escuela veneciana: Movimiento pictórico del s.XVI vinculado a Venecia. Se trata de una escuela independiente que valora la belleza natural de la capital y de sus lagunas; así como del cielo que la cubre. El poderío de su luz, la policromía natural, su situación oriental, su afición al lujo y a la diversidad de vestimentas, son factores a considerar. Cultivará una pintura espléndida, basada en la magnificencia de la luz y del color.
Giorgione: 1477-1510. Paisaje totalmente invadido de luz. Arriesga la técnica a cambio de mayor expresividad. Destaca el uso del paisaje no como marco sino como personaje.
Tiziano: 1485-1576. Influenciado por su maestro Bellini y por Giorgione se sentirá fascinado con la manera de trabajar de estos artistas, interesándose por la luz, el color, el paisaje y las diferentes relaciones existentes entre estos elementos.
Tintoretto: 1518-1594. Seguidor de Tiziano. Pinta con pasión, alcanzando un dinamismo incansable, un uso dramático de la luz y enfáticos efectos de perspectiva, que hacen que parezca un artista barroco. De Miguel Ángel toma las anatomías y las posturas difíciles, siendo este enérgico modelado del cuerpo una novedad en Venecia. La luz cobra singular relevancia, usándola de forma dramática.
Veronés: 1528-1588. Aprendió de Tintoretto, Tiziano y Parmigianino. Se le considera creador, junto con Tiziano, de un gusto suntuoso y colorista. Su estilo se caracteriza por el lujo, la arquitectura clásica que enmarca sus escenas y el rico y suave colorido. Tiene gusto por las atmósferas diáfanas y el sentido decorativo de la composición.
Arquitectura italiana:
Andrea Palladio: 1508-1580. Autor del manierismo cuyas villas campestres han influido de manera importante en el Neoclasicismo.
Jacopo Vignola: 1507-1573. Influido por Alberti y por Sangallo, fue el máximo exponente del periodo de transición del renacimiento al barroco, considerándosele manierista.
Escultura italiana:
Benvenuto Cellini: 1500-1571. Florencia. Discípulo de Miguel Ángel.
Juan de Bolonia: 1529-1608. Florencia. Muy influido por Miguel Ángel y el dinamismo de su obra, aunque desarrolló su propio estilo basado en el manierismo, menos emotivo pero más refinado y elegante. Sus estatuas están cuidadosamente equilibradas, con ligereza y gracia. Prefiriere desafiar los cánones y mostrar los efectos que se pueden llegar a lograr.
Pompeo Leoni: 1533-1608. Madrid. Colaboró al servicio de la familia real española
