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ROMANTICISMO.
En temas y en composición de los valores neoclásicos, los artistas románticos los mantendrán por haberse formado en los talleres y su creaciones no dejan de ser académicas por este motivo, pero poco a poco se irán desvinculando de esos valores y decidirán realizar trabajos lejos de ese aprendizaje, optan por proponer algo y critican y rechazan a lo que se fundamenta pero siempre a partir del conocimiento, es decir renovar y salir de una tradición pero desde el conocimiento.
Temáticamente hablan en el romanticismo de lo heroico pero se interpreta de otra manera; se busca lo exótico y lo pintoresco del mundo de leyenda y los mitos pero no vistos desde el punto de vista clásico, sino de un mundo mas desconocido y cargado de leyenda come es el mundo medieval, al igual que en literatura; el mundo de los monasterios, del Santo Grial, etc., a lo que se suma el uso de lo exótico más allá de los lugares conocidos. El paisaje exuberante, el viaje a Oriente y la recreación de los mitos y leyendas y de lo oriental se suma las esculturas antiguas de Oriente; toda una serie de valores contempla que se acepta como alternativa a ese mundo de lo ortodoxo.
Los temas rememoran ese tipo de acontecimientos por lo que vana reflejar lo contemporáneo o según valoran los aspectos heroicos, pero ahora no es tanto la intención moralizante sino la, representación de la tragedia, con mayor gestualidad o efecto teatral, mayor movimiento y dinamismo.
Técnicamente frente al rigor de la composición de unos límites que perfilan y delimitan la forma, estos van a trabajar con el color fundamentalmente éstos son los que perfilaran y delimitarán las formas, lo que están haciendo es optar por otra corriente que habían caracterizado los siglos antecedentes. Se apoyan en un color más vivo dentro de un mantenimiento de tonalidad, generalmente de tonos oscuros, ocres, negros, marrones etc., que están dentro de la más estricta tradición.
La forma es abierta que en lugar de llevar la mirada hacia el centro de la composición marca espacios abiertos mediante geometrías simples lo que crea líneas en diagonal, en aspa que marcaran unas líneas de fuerza que hace que la mirada se salga de los limites del cuadro; eso supone que ganen en movimiento mucho más dinámico de los brazos, mayor gestualidad, mucho más expresivo y exaltados.
No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y ya se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se asienta. Además, hay una exaltación épica de las grandes victorias napoleónicas (ya que las derrotas finales no logran empañarlo). Como consecuencia surge el mito del hombre. Los artistas y poetas se emocionan con la posibilidad de representar lo subjetivo, que puede ser la exaltación del héroe, o luego, con las derrotas, la exaltación del combatiente. Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario, que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos...
Los pintores del Romanticismo más importantes son Teodoro Gericault y Delacroix
TEODORO GERICAULT
Teodoro Gericault atesora las características típicas del pintor romántico:
→ Es un artista disconforme con su entorno. → Tiene una personalidad melancólica. → Se encierra en la incomprensión, cayendo a veces en la locura. → Tiende a la crítica de lo que le rodea.
Gericault tuvo una infancia difícil. La revolución acrecentó este malestar, lo que despertó en él un carácter sensible. Marchó a París a corta edad y allí asistió al taller de un pintor enteramente clasicista, con el que no se identificó. Acudió a diferentes sesiones de París, donde descubrió a Goya, cuya técnica le fascinó y también admiró el tenebrismo de Caravaggio.
marienismo de la época. Actitud muy tensa que rompe con el periodo clásico; intenta sobre todo una actitud más dinámica y que haya tensión expresiva, de igual manera de sorpresa y sentimiento de los actores el movimiento de los cuerpos en tensión.
Este cuadro es un óleo sobre lienzo pintado en 1822. Pertenece al Romaticismo Francés, movimiento que rescata la pasión por la edad media, muerta desde el siglo XVI. La obra se basa en La divina comedia del poeta italiano medieval Dante, concretamente en el episodio en el que este último, acompañado de Virgilio, viaja al infierno y al purgatorio. En la imagen, el poeta, con un manto blanco verdoso y capucha roja, permanece de pie sobre el extremo izquierdo del bote de camino al infierno. En el quinto nivel del Averno, donde penan los coléricos, Dante tiene que cruzar la laguna Estigia, un río subterráneo de aguas turbias, para llegar a la ciudad infernal de Dite que se encuentra en llamas en la mitad superior izquierda, al fondo del lienzo. Ver a compatriotas florentinos, revolcándose en el pozo sin fondo le provoca una profunda impresión y un fuerte sentimiento de empatía. Precisamente, las figuras escorzadas de los condenados están iluminadas por un potente foco de que dejaen penumbra a los literatos. En esos condenados existe cierta influencia de Miguel Ángel y Rubens en sus robustas y escorzadas musculaturas. Como en busca de apoyo, Dante alarga el brazo izquierdo hacia la figura central, el antiguo poeta romano Virgilio, que le guía a través de su viaje en el infierno y purgatorio. Ataviado con una capa marrón y coronado con laurel, Virgilio desprende serenidad y compostura. La barca la conduce el barquero Caronte, con torso musculado y su capa azul ondeando en la tormenta luchando por salir adelante con la embarcación. Observamos los cuerpos retorcidos de los condenados irradian desesperación existencial y sufrimiento animal. como iluminados por un foco. Los contrastes entre luz y oscuridad juegan por encima de las figuras y dibujan sus contornos en acusado relieve. Sin embargo, encontramos al mejor Delacroix en cuanto a la expresividad de los personajes, sobre todo la figura que se agarra a la barca con los dientes. Los gruesos paños ondeados al viento ponen la nota de color en una escena dominada por las tonalidades oscuras. El ambiente infernal ha sido perfectamente logrado a pesar de cierta teatralidad. El movimiento de las figuras desnudas nos muestra la desesperación humana en su límite, estado que atraía mucho a Delacroix.
La muerte de Sardanápalo. Eugéne Delacroix (1827).
Sardanápalo es un rey legendario de Nínive en Asiria que habría vivido de 661a.C. Al 631a.C. Sería una mitologización de Assurbanipal, un rey muy cultivado y poco belicoso. La otra posibilidad es que Sardanápalo fuera el hermano de Assurbanipal, siendo este último el encargado de gobernar Babilonia. Sardanápalo posteriormente conspiró contra Assurbanipal y, para castigarle, este rey sitia la ciudad ( a.C.-648 a.C.). Cuando Sardanápalo intuye la derrota inminente, decide suicidarse con todas sus mujeres y sus caballos e incendiar su palacio y la ciudad, para evitar que el enemigo se apropiase de sus bienes.
La escena representada por Delacroix muestra el episodio dramático de la muerte del soberano, cuya capital es asediada sin alguna esperanza de libertad y que decide suicidarse. Delacroix sintió la necesidad de realizar algunas declaraciones cuando el lienzo fue expuesto por primera vez, y lo hizo en los siguientes términos: Los rebeldes asediaron su palacio... Acostado en una magnífica cama, en la cima de una inmensa hoguera, Sardanápalo da la orden a sus eunucos y a los oficiales de palacio de degollar sus mujeres, sus pajes, hasta sus caballos y sus perros favoritos; ninguno de los objetos que habían servido a sus placeres debían sobrevivir.
Marcando las diagonales con líneas de fuerza cruzadas representa un tema como en los antiguos mundos asirios. De la leyenda mesopotámica tomamos aquel episodio justo en el momento final que Sardanápalo se vio acorralado y con la pérdida de poder, decidió ordenar una orgía de sangre y matar a todos sus concubinas, caballos y todos sus animales. Ese episodio se tiene que representar necesariamente con formas muy movidas, escenas con angustia como representación de la muerte, y en una composición que está muy en el punto de vista de la anterior que compara con el centro del carácter académico.
Junto con la recuperación de las antiguas leyes neoclásicas, tiene para los románticos una argumentación importante que es el proceso de independencia griego en el punto de vista de los valores nacionales, cuando u pueblo estuvo sometido al país turco, hace que ahora reproduzca este proceso de recuperación de valores clásicos.
Grecia bajo las ruinas de Missolonghi. Eugéne Delacroix (1826).
Figura clásica probablemente de esas antiguas con una actitud entre desobediencia y de triunfo; es una Grecia que se ven entre escombros, con contrastes de la blancura sobre las ruinas, y de la imagen del turco vencedor. En este caso es interesente que Delacroix esta trabajando un tema común, pero en realidad representa la actitud romana del sentido de lo heroico y del triunfo del mundo antiguo. La escultura con el nombre de Samocracia se relaciona junto con esta en el proceso de exaltación romántica pasando por lo clásico para parar por el camino llegando a lo más próxima creación del al revuelta del años 30 en un fragmento como París en llamas.
La Libertad guiando al pueblo. Eugène Delacroix (1830).
El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. El rey Carlos X de Francia había suprimido el parlamento por decreto y tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales se convirtieron en un levantamiento que desembocó en una revolución seguida por ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existió un único cabecilla. Por eso Delacroix representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real. La composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se inspira. Argan ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). Cuadros de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen también haber influido en esta obra, por las asimetrías, las diagonales y los estallidos de color.
