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Corrientes literarias y artísticas de occidente
1.Renacimiento y Clasicismo
El artista deja de ser alguien que tan solo ejecuta unos motivos cristianos y mitológicos para convertirse en alguien que adquiere una individualidad, que tiene como finalidad la búsqueda de su consolidación en el arte y puede buscar contenidos propios limitados tan solo por la época. Esto viene dado por una libertad de romper con la tradición. Es la época en la que se abren muchos concursos para que los artistas consigan un proyecto determinado. Uno de estos concursos es de 1401 cuyo premio era conseguir hacer uno de los relieves de la puerta del baptisterio de Florencia. El ganador fue Ghiberti.
1.1 La perspectiva
De la perspectiva de la arquitectura nacerá la perspectiva en la pintura. A través de las líneas de la arquitectura se genera una perspectiva dentro de la pintura (si se representa un edificio como espacio dentro de la pintura). La perspectiva nace en la arquitectura debido a que los arquitectos redescubren la idea de perspectiva para conseguir un sistema unitario. Es una mirada a la antigüedad a través del intelecto. ¿Cómo transportar esto a un plano en la pintura? Representando lo que un indivíduo vería a través de una ventana. Las líneas horizontales se mantienen para mantener la línea del horizonte a la altura de los ojos. Las diagonales serán las que creen el punto de fuga hacia el que se dirigirá el ojo nada más ver la obra. Nacimiento del cuadro ventana que crea la ilusión de que miramos a través de una ventana. Perspectiva de la época antigua: Existía solamente en la arquitectura. En la pintura lo que hacían era representar el espacio con una perspectiva incoherente y sin unidad. Duccio di Buoninsegna : Consigue la perspectiva geométrica que habían conseguido los romanos. Perspectiva de espina de pez: en vez de tener un punto de fuga hay un eje de fuga en el que van a parar todas las líneas de profundidad. La última cena: Perspectiva completa en la que el espacio se ha convertido en una geometría. Cuando vemos el espacio nos da la sensación de que es una representación muy buena aunque estática que no incluye muchas perspectivas. Es una construcción que tiene que ver con el
dominio del hombre por encima de la naturaleza. Consecuencias de la idea de perspectiva: -La idea de la realidad como espacio finito. El espacio se convierte en algo que acaba y se hace dominable. -No vemos los objetos en sí mismos, sino en relación los unos con los otros. Entendemos el espacio como las relaciones entre los diferentes objetos. -La perspectiva es tan solo una manera de representar el espacio, puede haber más pero la pintura solo permite una. Este posible espacio que se construye por la relación de los objetos también se construye en relación con el hombre y la naturaleza.
1.2 Teoría de las proporciones
La relación del espacio con el todo. En la Edad Media y el arte egipcio la teoría de las proporciones tenía que ver con el rango divino de los personajes que aparecían en la imagen. Los más importantes estaban representados de una manera más grande y los menos importantes de una manera más pequeña. En el Renacimiento esto desaparece y se sustituye por las líneas que forman las proporciones. En la arquitectura esto se acentúa mucho. Los artistas buscan el equilibrio perfecto en sus obras, ha de haber una proporción entre la arquitectura y la proporción humana calculando como medida la figura humana (que en cierta manera se transforma el centro de todo).
1.3 Visión unitaria
Se establece sobretodo en pintura y llegará a todo el siglo XVIII. El espectador tendrá una visión unitaria de lo que se está representando. El cuadro comprime la escena buscando la unidad para que se puedan apreciar todos los detalles de la obra sin que el espectador deba moverse. Cúpula de Santa Maria de Fiore: Fue el resultado de un concurso. La cúpula se autosostiene y destaca por encima de la ciudad. Hay un momento en el que se comienza a confundir con las montañas del fondo y se crea la idea del hombre como creador de naturaleza.
1.4 Francastel
Trata de romper el gran mito de la perspectiva como representación completamente real del espacio. Considera que debe entenderse como una de las muchas maneras de representar el espacio. Para él no es la única y mejor manera de plasmar la realidad. Habla del paso de la Edad Media, con una visión egocéntrica del hombre, a una Edad Moderna construída de una manera diferente. Esto tiene que ver con el paso de un pensamiento mítico a un pensamiento racional que pasa por confiar en las capacidades del ser humano. El Renacimiento sería este paso entre ambos pensamientos.
Botticelli busca siempre la alegoría (Representación en la que las cosas tienen un significado simbólico. "la alegoría de la fama en un cuadro del siglo XVIII"). La escena muestra una alegoría del cristianismo. Simboliza el nacimiento del alma cristiana a través del bautismo. Es una exaltación de la belleza espiritual. A nivel formal se aprecia un espacio irreal y unas figuras muy naturalistas y cuidadas que tratan de crear la ilusión de la delicadeza. Para conseguir esto sacrifica cierta naturalidad en las figuras Mientras que Botticelli trata de trascender la realidad para llegar a otro espacio casi divino, la voluntad de Leonardo es la de explicar la realidad. Leonardo Da Vinci - La última cena Trata de centrarse en la idea de la acción mediante la exploración del mundo visible. Se interesa por la idea de la atmósfera, cosa que hace que dote a las figuras y el espacio de volumen. Dota a los personajes de emoción al hacer que interactúen los unos con los otros de manera violenta debido a la situación (cristo acaba de anunciar que uno de ellos le traicionará). Leonardo consigue plasmar el aire envolviendo los objetos por medio de la no definición del dibujo. Los cuerpos se difuminan a través del espacio y la luz mediante la técnica del esfumado, cosa que aporta movimiento a las figuras.
2. Barroco
Etimología: Difícil, caprichoso, inútil y oscuro. Se utilizaba para describir
peyorativamente el estilo que representaba, ya que se consideraba como muy recargado o demasiado ornamentado. No es un estilo que se pueda contraponer a la idea del Renacimiento, no es la idea contraria al estilo anterior. La palabra surge de la arquitectura, sobretodo de F. Borromini, y pasa a las artes visuales para posteriormente acabar en la literatura. Bernini - Cathedra Petri Fusiona la luz natural con el brillo dorado de la estructura creando la ilusión de que esta forma parte del mundo real.
2.1 Manierismo (1520)
Es un estilo que, en cierta forma, va entre el Renacimiento y el Barroco. Al contrario que este último, si que se considera al marienismo como una constraposicón del Renacimiento. Es una moda, en el sentido peyorativo, que trata de imitar a los grandes maestros y superarlos intentando buscar excentricidades añadidas a estos. Y, al contrario que el Renacimiento, no se interesa por el acabado detallado del dibujo y las formas. Tintoretto y El Greco fueron dos pintores importantes del marienismo e influenciaron el Barroco. Comienza a desarrollarse una fuerte subjetividad y un deseo del desorden y el caos. Se fundan diferentes escuelas en las que se crea un gran fervor intelectual y espiritual que tratan de evitar la mirada a la realidad. Panofsky afirma que el Barroco reacciona al Manierismo recuperando algunos de los ideales del Renacimiento aunque manteniendo también muchas ideas del Manierismo. 2.2 Bernini Bernini - Éxtasis de Santa Teresa
aristocracia y el sueño de las clases privilegiadas.
4. Neoclasicismo
Surge en Francia a mediados del s XVIII como una respuesta al Barroco y al Rococó y una llamada al buen gusto. Debemos situarnos en el sentimiento de la Ilustración, la idea de un retorno a la austeridad moral que nada tiene que ver con la frivolidad de la vida aristocrática. Todorov señala tres ideas básicas: Idea de autonomía, idea de finalidad humana de nuestros actos y la idea de la universalidad. Los artistas asumen una nueva idea de responsabilidad junto con las propuestas por Todorov. La idea de autonomía es la que más impacta y cambia al individuo y la sociedad. Cada persona es libre de ejercer como mejor cree. El conocimiento es liberador y se crea un ansia por el saber. El sistema político se hace laico, las leyes ya no se hacen pensando en Dios sino en función del hombre. Se comienza a pensar en el bienestar social y colectivo de manera que nos haga felices y nos otorgue una sensación de seguridad. La función del arte: Deleitar para instruir a la población que tiene la posibilidad de ser más libre (no se debe entender como una imposición, sino como una demanda de los intelectuales del momento). Esto comporta el nacimiento del mundo del arte tal y como lo conocemos contemporáneamente. Se comienzan a crear las primeras colecciones y nacen los museos (Louvre-1792) como idea del templo del arte. En 1720 se fundan nuevas academias y en 1790 se cuentan mil en toda Europa. Se instaura un programa de enseñanza del arte tanto en la teoría como en la práctica. Nace el mecenaje oficial y las primeras subvenciones públicas. El estado comienza a pagar a ciertos artistas, cosa que comporta una nueva actitud del artista hacia el público. Los artistas ven esto como una oportunidad de experimentar con su arte. Las exposiciones anuales comienzan a proliferar y se organizan por las academias. Estas hacen que cambie la actitud de los artistas para que comiencen a trabajar pensando en la competencia con la que se encontrarán en las exposiciones. Surge un nuevo deseo de destacar entre todos los demás. Surgirán dos mundos: El arte oficial y el arte de las academias (que critican al arte oficial). Ampliación radical del público. La clase media burguesa crece y se siente representada en el estilo neoclásico. Se instaura una cierta idea de que debe representarse cierta sensación de libertad en las obras de arte. Se vuelven a las ideas de la antigüedad romana y se depuran las formas artísticas. Se imponen los colores nítidos y la idea de claridad para dejar la ilusión a un lado.
5. Romanticismo
Nueva vocación artística, reaparecen los museos, las academias y el arte academicista. Es una revolución que nace paulatinamente gracias a unas ideas que irán tomando forma a lo largo de todo el periodo. F.Schlegel "Athenaeum: estética": Experimentación, estética apasionada, espontaneidad, una estética que no se rige por ninguna norma. Establece una nueva concepción estética que comenzará a definir los límites de la modernidad. El aspecto más destacado del romanticismo, y que tiene que ver con romper la tradición, es que el artista es capaz de plasmar sus propias visiones. Esto tiene que ver con la revolución copernicana de Kant con sus famosas críticas, ya que esto lleva a una subjetividad que llevará a desarrollar el romanticismo. Kant contempla el mundo como el resultado de la mirada y las acciones de un sujeto, a través de nuestra construcción subjetiva somos capaces de construir una idea de realidad. El paradigma mimético queda desplazado y da paso al paradigma expresivo del arte. La poética romántica es, por tanto, la expresión de aquello interior, por lo que la simple imitación de la visión no tiene sentido dentro de la poética romántica. Es necesario buscar un nuevo espacio creativo en el arte que exprese aquello que el artista desea plasmar, cosa que prepara la base del arte contemporáneo. En el Romanticismo comienza a crearse una hermenéutica moderna, una nueva forma de enfrentarse a lo que realmente significa leer e interpretar las obras artísticas. Las emociones, la sensibilidad, la imaginación y el valor único de cada ser humano son las ideas que se generan con la Ilustración alemana y Kant. El Romanticismo en Francia se contrapondrá con el academicismo, Clasicismo vs Modernidad. Baudelaire será quien haga el paso entre el romanticismo y el simbolismo y desarrollará la idea del romanticismo como un sinónimo de modernidad. El Romanticismo piensa que la función del arte es recordar que el alma está viva y crea a través de la imaginación. Baudelaire pretende evidenciar una verdad invisible que se encuentra en el interior de cada individuo. Francisco de Goya - El coloso Trata de mostrarnos una idea que le ha venido a la cabeza sin ningún motivo aparente. Es una visión muy personal y privada del artista. Visión fantástica, no es un tema conocido.
Cristo nos da la espalda dando la sensación de que la fe no es absoluta. La pintura expresa una duda alrededor de la fe. La técnica es clara pero sus pinturas resultan algo borrosas al entendimiento. Caspar Wolf - El Lauteraar Gletscher Es un paisaje que podría reproducirse en la realidad, se aprecian las distancias en el paisaje. Observamos la actitud de dominio de la naturaleza de los personajes, lo que los hace no ser románticos. William Turner - Alud en los Grisones Plantea la idea de mediatizar la realidad a través de la subjetividad. Borra la línea, crea una vorágine en la pintura. Los críticos lo tachan de indescifrable en algunos puntos de sus obras. Trata con brutalidad la pintura y la considera como un objetivo en sí mismo. Renuncia a la idea de la uniformidad de la pintura. Es decir, renuncia a la definición absoluta de lo que trata de representar porque lo considera clasicista y en contra de la espontaneidad. En cambio los esbozos son considerados como aquello que contiene la espontaneidad que trata de capturar el artista, aunque no los plantean como obras de arte en sí debido a que acaban de completarlos cuando pintan la obra en sí. Se identifica con la naturaleza en tanto que fuerza absoluta de creación y, sobretodo, de destrucción (De esta manera se considera a sí mismo en tanto que artista). El genio del artista queda reflejado en la imagen de naturaleza que nos muestra. En sus cuadros, Turner nos muestra cierta sensación de angustia ante la violencia o indiferencia de la naturaleza respecto al sujeto. Turner - Aníbal cruzando los Alpes
Representa figuras diminutas que casi no detectamos y que se encuentran inmersas en el caos de la naturaleza. Otra idea que muestra es la de la turbadora experiencia de la futilidad del heroísmo. El heroísmo queda derrotado por la propia naturaleza. El héroe no tiene importancia ante la magnitud de la naturaleza, queda reducido a algo insignificante que no tiene la oportunidad de convertirse en héroe ni ante la historia humana ni ante la naturaleza. Inutilidad de ser héroe por incapacidad de dominar la naturaleza. Esta idea resulta romántica. Goya - Los fusilamientos del 3 de mayo Pone en relieve la figura de la víctima, la luz del cuadro queda expresada por la víctima y su inocencia. Es un martirio secular. Desplazamiento del foco de los vencedores a las víctimas.
5.2 El paisaje
La libertad creativa del romanticismo se expresa mejor en los paisajes. Hasta ese momento era un género menor o que se incorporaba en otros géneros como el escenario en el que situaba a los personajes. Dos actitudes: Turner y Friedrich - Constable Claude Lorrain representa su paisaje de una manera clara y armoniosa con la idea de representar la sencillez y la belleza de un mundo de ensueño. Son escenas del hombre en comunión en medio de la naturaleza. William Turner- Dordrecht En Turner en cambio apreciamos un mundo en movimiento sin claridad (Concepción
Las opciones que aquí tiene el espectador son: Fundirse con la naturaleza o aterrorizarse ante la idea de la misma. La idea de la ventana y la contemplación es un tema recurrente en el romanticismo. Esto pone de manifiesto la idea de la mirada de lo que intuimos que es un paisaje tras la ventana, lo que explicita la idea de la contemplación del paisaje a través de la subjetividad. La idea de la ventana simboliza la voluntad de contraponer un interior de un exterior o el contraste entre el mundo exterior (naturaleza) y el mundo interior (imaginación).
6. Realismo
La primera línea que estudiamos del siglo XIX, es hasta la Primera Guerra Mundial, que se relaciona con la revolución industrial y la conciencia de clase. Esta segunda parte del siglo XIX viene marcado por las ideas románticas, que dan lugar al realismo y al simbolismo. La fuerza estética del Romanticismo va perdiendo fuerza y se convierte en una moda con la que empiezan a surgir nuevas formas de arte académico como el realismo. Nos encontramos en un momento de cambios en Europa, sobre todo económicos, sociales e ideológicos. El arte empieza a convertirse en un objeto de consumo y muchos jóvenes artistas empiezan a buscar espacios donde su arte no responda a la necesidad consumista de la burguesía. El arte moderno es aquel que hace una respuesta directa a los cambios que se están produciendo en Europa. El artista debe tener los ojos bien abiertos y el arte debe estar vivo para responder al presente a la vez que se inscribe en el arte de la tradición, ha de responder al presente y a la vez a la tradición. Los artistas deben inventar un nuevo lenguaje que responda a la idea de modernidad. Una de las ideas que marcan el realismo es la realidad social. Este movimiento lo veremos a través de autores como Courbet y Millet que buscan plasmar en sus obras la nueva realidad social que se está creando.
6.1 Courbet 1848
Courbet se da cuenta de las tensiones sociales que se viven en la sociedad francesa. Por ese motivo propone que el arte tenga una nueva actitud ante la sociedad. Esta actitud debe despertar una cierta conciencia política en el público, busca despertar y movilizar. Esta actitud es típica de las vanguardias. Pinta sus 3 cuadros más famosos entre 1848 – 1850, donde muestra su ciudad natal y refleja la nueva clase social que se ha creado en el ámbito rural (burguesía de provincias).
Courbet - Sobremesa en Ornans Óleo sobre tela, 1849. Es el primer cuadro con el que consigue mucho éxito. Nos muestra una escena costumbrista en la que no hay ninguna carga moral ni se posiciona respecto a los personajes. A diferencia, por ejemplo, de La plegaria antes de cenar, de Jan Steen que nos muestra una familia que va por el buen camino siguiendo los caminos de la fe. La composición de Courbet también era extraña para la época. En ese momento se daba el “juste milieu’’ que tenía que ver con quedarse en el centro y no perturbar a nadie, ni decantarse políticamente. Este cuadro tuvo mucho éxito a nivel de crítica, pero sobre todo en el ambiente bohemio en el que vivía. Courbet - El entierro en Ornans Pintura al óleo, 1849. Cuando vuelve a su pueblo natal se da cuenta de que las cosas están cambiando, pues las diferencias entre ricos y pobres son cada vez más evidentes. Cosa que provoca que los pueblos se conviertan en foco de posibles rebeliones. Courbet se da cuenta de que hay una distancia muy grande entre la visión de la ciudad del ámbito rural, que lo seguía viendo como un lugar ideal, y la realidad que se estaba empezando a dar, pues están sucediendo muchos cambios. El autor representa un hecho insignificante de la historia como si fuese un gran acontecimiento, pues la escena tiene unas dimensiones descomunales. Nos representa un ritual religioso, pero desde un punto de vista moralista, pues el ambiente no es de una experiencia religiosa, ya que nadie mira al cura, nadie respeta, y todo el mundo habla entre ellos. Hay una especie de distracción colectiva, pues nos da la sensación de que incluso la gente no le presta atención al muerto. El crucifijo queda apartado y desvinculado totalmente de la masa. Nos quiere mostrar la estupidez de la masa, de la nueva clase social burguesa. Hay un pequeño centro de dolor en unas mujeres de la derecha pero que incluso llega a ser grotesco. Muestra la idea de que en los pueblos hay una actitud de ir a los entierros porque es un deber que se convierte en un hecho social más que un hecho religioso.
observamos como las formas se disuelven y pierden su belleza natural para evocar al color y la pincelada. Observamos una disolución de la realidad a partir de la materialidad del propio cuadro. Está preocupado por las cuestiones formales del arte, por lo que comienza a preguntarse acerca el propósito del mismo en la nueva sociedad. El arte comienza a vaciarse de su contenido narrativo, no debe ser un espacio ilusorio sino que esto se debe romper.
7.2 La fotografía
Se comienza a prestar atención acerca de lo que es el arte. Esto tiene que ver con la aparición de una nueva técnica llamada fotografía, lo que determina una discusión sobre el lugar que ocupa la pintura después de la fotografía. La fotografía se establece primero como una función auxiliar de la pintura. Por otro lado se pone en duda la fidelidad de la pintura y su lugar en el arte, pues ya no tiene sentido teniendo en cuenta la fotografía. No será hasta los años 50 que la fotografía comienza a pensarse a sí misma como arte y comienza a industrializarse. En el fondo trata de imitar el lenguaje pictórico y no será hasta los 60 cuando comienza a crear un lenguaje propio desmarcándose de la pintura. La fotografía influencia los movimientos vanguardistas cuando son capaces de reproducir las obras auráticas. En el momento en el que estas dejan de ser auráticas por la fotografía comienzan las vanguardias fotográficas. Otra de las ideas que influye más a los impresionistas son las estampas japonesas. No es un arte clásico, sino más bien un arte popular del japón. Estas estampas les sirven para desmontar las convenciones artísticas heredadas de la tradición. La línea, los colores y la composición de dichas estampas desmontan las nociones de arte académico de la época. El color está tratado de una manera plana, sin degradación de sombras apenas y, por tanto, sin volumen. La línea es negra, precisa y va perfilando las diferentes figuras. Las composiciones rompen con las composiciones simétricas de la tradición occidental. Los personajes pueden estar en cualquier punto del cuadro creando la sensación de que la obra parece una parte de una escena mucho más grande. Construir un espacio liberado de la perspectiva se va impulsando en el s XIX.
7.3 Baudelaire "El pintor en la vida moderna"
Siente fascinación por los cambios de la modernidad, lo que lo llevará a creer que estos deben ser incorporados en el arte para conseguir una nueva idea de belleza. Incorporar la modernidad en el arte significa introducir la oral y la estética del tiempo presente. Uno de los elementos que más le interesan es la idea de la moda, porque representa la moral y la estética de los tiempos (se transforma en seguida). Dignificación del presente: El presente se debe tener en cuenta a la hora de definir la belleza. Antes se definía lo bello en la idea de tiempos mejores que el que se vivía en ese momento.
Belleza: Está hecha de un elemento eterno y es difícil de determinar a la vez que resulta relativa. Debe ser forzosamente eterna y contingente. El elemento eterno es mirar la tradición a partir de la construcción de una obra, la forma por denominarlo de alguna manera. El elemento contingente es la inspiración de una obra, allí donde debemos ir para encontrar la substancia de la inspiración (El presente). A partir de aquí Baudelaire se pregunta sobre el proceso creativo del pintor moderno. Afirma que es un observador que pasea, un filósofo o un pensador, el pintor que sale a la calle para buscar la inspiración. El pintor debe ser modesto, enamorado de la idea de la multitud y la masa de la gran ciudad pero que a la vez desea pasar desapercibido entre esta. Alguien que vive en la ciudad y viaja continuamente y que, además, tenga una mirada infantil que destaque por encima de la de hombres y mujeres (un niño mira la realidad desde la sorpresa por lo que un pintor debe salir a la calle para sorprenderse y empaparse de inspiración). El poeta sale a la calle convertido en un Flâneur (aquel que observa sin interaccionar con la masa).
7.3.1 Manet y Baudelaire
Manet sigue a Baudelaire y representa la masa de manera indefinida. Manet- Baile de Máscaras en la ópera Multitud en una masa pictórica que se diluye hacia el final. Manet - El viejo músico Representa personajes marginados por la sociedad (viejos vagabundos, niños gitanos, un burgués alcohólico...). Una serie de personajes situados en la periferia de la sociedad moderna y que esta debe tener. Todos los personajes están puestos al azar y no transmiten una idea de relación entre sí. Estos personajes se convierten en lo que Baudelaire denomina como héroes modernos.
Otra de las técnicas de Manet la vemos en esta obra, donde trata un tema parecido al de Goya en su famoso cuadro del 3 de mayo. Y aunque sea otro hecho histórico el que se representa, lo hace de una manera muy similar, otorgándole así una sensación de presente. Además, neutraliza el tema de la violencia del cuadro de Goya debido a que la tensión dramática que este produce con la luz del cuadro desaparece en Manet, anulando así la idea de profundidad en el espacio de la representación situando a los verdugos muy cercanos a las víctimas, la boca del cañón casi las toca. El gran muro tras las víctimas provoca que la mirada del espectador se pare y no encuentre una profundidad en el cuadro, lo que otorga una sensación de que el espacio de la representación se acerca al Desactiva la narrativa del cuadro, presenta los personajes con indiferencia. Presenta una representación sin elementos que indiquen una explicación de estos. Manet en sus cuadros juega a hacer que se insinúe la profundidad del cuadro atrapada por algún elemento o por el aspecto de la multitud. Manet – El camino de hierro Con la reja, la pared del fondo y el humo se nos crea una imposibilidad de apreciar la profundidad del cuadro. Los personajes miran hacia dos lugares diferentes. Mientras que la mujer mira hacia el espectador, la niña mira aquello que no nos es visible a nosotros en calidad de espectador (aquello que se encuentra detrás del humo).
7.4 Postimpresionismo
Los artistas de esta época nacen en el movimiento impresionista pero avanzan y evolucionan hacia novedades artísticas. Su lenguaje artístico se aleja de este creando
otro movimiento. Se desvinculan del impresionismo debido a que son artistas con un estilo muy personal y que constan de una visión innovadora de la realidad. La entienden como algo subjetivo y que debe ser manipulada constantemente. Se da la tendencia de la creación de un lugar alternativo para el arte de aquel momento (arte institucional, alternativo a las grandes exposiciones). En 1883 se crea el llamado “Grupo de los independientes”, una exposición que tan solo duró dos días debido a los conflictos que creó. Sin embargo, posteriormente un nuevo grupo creó otra que triunfó. Deseaban crear espacios en los que no fueran juzgados por jueces que criticasen su arte según unas tendencias o normas, sino que buscaban la independencia, la autonomía y la libertad en la obra misma. Encontramos la proliferación de estilos como el simbolismo o el puntillismo. Las actitudes estéticas se expanden por Europa y se apoyan en un gran número de galerías, ya que algunas de estas eran muy progresistas y estaban interesadas en este nuevo tipo de arte. También tenían un criterio más amplio y abierto que los salones. En cierta manera, esta innovación se expande también hacia el público gracias a la obra gráfica (carteles) que se dan como lugar de experimentación de los artistas de la época y que les dan como resultado la publicidad.
8. Dadaísmo
Se inauguró en 1916 en el Cabaret Voltaire y fueron los jóvenes refugiados o exiliados de Europa aquellos que acudieron a este local. Etimología: Dada: grito revolucionario que surge de abrir una página del diccionario al azar y adoptar una palabra extraña. Designa una tribu africana. Se debe tomar como un movimiento subversivo y global, aunque hay diferentes lugares en los que el dadaísmo no tiene que ver tanto con la política, sino que tiene más que ver con una rebelión artística. En Francia es un movimiento que busca el escándalo. El momento dadaísta en Zurich comienza con la negación absoluta e intelectual del positivismo (falsos mitos de la razón) y una reacción a la guerra (Guerra mundial) provocada por el positivismo (progreso unido a la razón, la ciencia...que han llevado a la guerra). Están en contra de la civilización que ha llevado a la guerra. La protesta del dadaísmo lleva todo hasta el extremo, la absoluta reacción de la razón que queda desbancada. Se impone un ambiente de irracionalidad. La diferencia con los demás movimientos de vanguardias es la idea del arte. Mientras que el expresionismo aún cree en la idea del arte, el dadaísmo está en contra de la idea del arte (de la antigua idea del arte) debido a que ha sido producido por la sociedad. Este arte de la sociedad burguesa se presenta como un valor eterno. El dadaísmo es antiartístico, antiliterario y antiestético. Está en contra de la belleza eterna, los principios eternos, la lógica y la inmovilidad del pensamiento. Promulga la
