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En este documento se presentan cartas y textos de claude monet y oteiza, donde se refleja su proceso creativo y su relación con la naturaleza. Monet narra su dificultad para capturar los colores y las luces en su última etapa, mientras que chillida busca establecer una conexión entre el hombre y la naturaleza a través de sus obras. Ambos artistas exploran la subjetividad y la introspección en su arte.
Tipo: Guías, Proyectos, Investigaciones
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Ya no percibía con la misma intensidad los colores, y no pintaba con la misma axactitud las luces. Los rojos me parecían fogosos, los rosas pobres y los tonos intermedios o más bajos se me escapaban. En cuanto a las formas, seguía viéndolas igualmente netas, y las fijaba con la misma precisión. Al principio, traté de conseguirlo empleando la misma tozudez. Cuántas veces , cerca del pequeño puente, en el mismo lugar en que nos encontramos , me he pasado largas horas bajo el sol más ardiente, sentado con un taburete plegable, y protegido con mi parasol, esforzándome por reanudar mi interrumpida tarea , y por reencontrar el frescor desaparecido en mi paleta. Esfuerzos vanos, por que cada vez pintaba más muellemente, y cada vez más mis obras eran <
Claude Monet, <<Claude Monet, a una edad avanzada>>, Cartas de artistas "La belleza pura de la serie de los nenúfares nos hace olvidar que, en 1905, estos cuadros constituyeron un huida radical de todas las nociones convencionales de la pintura de paisaje ", Brooke Lampley, directora del departamento de Impresionismo de Christie's. http://www.abc.es/20121108/cultura-arte/abci-monet-nenufares-subasta-201211081021.html Comparación de los textos: Claude monet en su escrito narra sus últimos años en Giverny. En especial narra el proceso de creación de su serie pictórica “Los nenúfares”. Nos habla de sus obras y nos deja entrever el significado que para él tenían. En la eterna búsqueda de capturar las luces y los colores redujo las figuras a simples formas, y sus pinceladas a simples impresiones capturadas en las telas, estilo al que dio nombre de Impresionismo ya más tarde con el estudio de sus obras, dado que él pintaba pero no imaginaba el poder histórico de sus pinturas. Nos narra la obsesión de su vida artística, estudiar las luces y plasmarlas tal y como él las percibía, y nos hace partícipes de su problema. Sentía que aunque hiciera un examen exhaustivo de las luces durante horas sobre el puente, donde observaba los nenúfares, no contaba con la misma habilidad, su vista y su paleta envejecían conjuntamente y esto le preocupaba. Así pues, acepta que tras 60 años , de los cuales, había dedicado la mayoría a este estudio casi obsesivo de la realidad y las armonías de colores, había entendido que , las luces tienen tantos matices y colores que escapaban a la gama cromática de su paleta. Tras esta conclusión decidió reinventar-se. Utilizar coma fuente e inspiración la experiencia adquirida de sus vivencias. De forma que después de realizar los esbozos previos a las obras, al estudio de aquel puente y las aguas tranquilas que acogían los nenúfares, decidió representarlos tal y como los veía, cuidando al máximo la fidelidad de la imagen tal y como había hecho siempre, pero sin tratar de conseguir aquellos colores y matices que ya no eran para su vieja y ya no tal fiel vista. Decide reinventar sus obras y plasmar nada más lo que él percibe , de una manera más subjetiva, esperaba que si más no, este conjunto de impresiones también podía llegar a tener interés ahora que el arte ya no se dedicaba a pintar temas impuestos, si no que había cobrado un carácter más intimista. Ahora bien, esta es la experiencia personal del artista, es la llave que explica el por qué de este cuadro, la fuente que desvela que Monet decide dejar de intentar plasmar la realidad para plasmar su realidad, con sus colores, sus matices, sus sentimientos , hipnotizados por los nenúfares de Giverny. Por el contrario las declaraciones de Brooke Lampey, directora del departamento de impresionismo de la casa de subastes “Christye's”, tan solo residen en la trascendencia que estas obras han tenido en el estudio del arte, el que significaron para la sociedad en el momento, y para la historia del arte posteriormente, pero no tiene en cuenta la implicación del artista a la hora de crearlos. Implicación emocional que repercutía directamente en su manera de crear. Es una prueba de que cuando un artista pinta un cuadro, no solo forma una composición, armónica o no, sino que también deja una parte de él. De que las obras de arte no están hechas únicamente para disfrutarlas y contemplarlas, son un manifiesto de la vida del pintor, pero sin la documentación necesaria y debido al inevitable paso del tiempo, estos detalles pueden quedar escondidos y hacerse imperceptibles a ojos de los espectadores, de forma que las obras se reducen a ser elementos inspeccionados de manera formal, e interpretados libremente de manera subjetiva por el ojo que las observa, y esta percepción varía de manera incontrolable y quizás inesperada según la época, la disposición y la visión de quien lo admira.