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En los años 50 y 60, el documental experimenta un nuevo auge gracias a la incorporación de nuevas técnicas y tendencias. Se trata de vanguardias a favor del cine de autor y movimientos de ruptura que nacen como rebeldía contra la lógica burguesa. Se destaca la aparición de la escuela de nueva york, free cinema y la nouvelle vague, que propusieron una revolución estilística para deshacerse de la herencia de hollywood. Coincide con una crisis de público y la pérdida de asistencia al cine, que sobrevivió gracias a las ayudas del estado y la financiación de cadenas de tv. Existen escuelas importantes dentro de esta corriente, cada una con un sello particular.
Tipo: Apuntes
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1. El auge de la producción documental en los años 50 y 60: el inconformismo. A finales de la década de los 50 la producción documental experimenta un nuevo auge gracias a la incorporación de nuevas técnicas y tendencias. Las características dominantes son: 1) Se trata de vanguardias a favor del cine de autor y movimientos de ruptura que nacen como rebeldía ideológica contra la lógica y la razón, lógica y razón burguesas, que habían llevado al mundo a la catástrofe bélica. Estos movimientos de protesta antiburguesa y anticonvencional eran, aunque nacidos en el seno de una cierta intelectualidad de origen burgués, gritos de rebeldía demoledores y explosivos. Pero, a diferencia de las vanguardias de los años veinte, carecen de poder repulsivo, siendo aceptados y asimilados por la burguesía. En el fondo estos innovadores proponen una revolución estilística para desasirse de la herencia de Hollywood y como respuesta a la existencia de un conflicto entre generaciones de directores: criticaron y rechazaron el estilo clásico de Hollywood, aunque la mayoría de los directores se habían formado con estas producciones, incluso admiraban su maestría, pero estaban en contra del imperialismo yanqui. Utilzar los modelos de Hollywood era lo más fácil para seducir al público, pero el público empezaba a esfumarse. Renovarse o morir. Pensaban que la rutina y los estereotipos estaban destruyendo el cine europeo. 2) Coincide además con una importante crisis de público, un descenso del número de espectadores: hacia 1970, el cine era ya casi una forma de entretenimiento menor y durante los ochenta estaba totalmente marginado. La pérdida de asistencia se compensó con la subida de precios, lo que no facilitó la incorporación de espectadores. Como medida de emergencia se crearon multicines con salas pequeñas, acogedoras y un buen equipo acústico; así como salas en los grandes suburbios. Mientras que en 1950 el cine era el arte por excelencia, en 1970 empezaba a ser, en algunos países, una actividad social despreciada. Técnicos, actores, directores empezaron a trasladarse a los estudios de televisión. El cine estaba en crisis, pero sobrevivió gracias a las ayudas del Estado; las coproducciones; la financiación de cadenas de TV. En 1950, el cine era un entretenimiento colectivo (familias). Tres décadas después,
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grupo de amigos. Muchos estudiantes universitarios. Dos tipos de público: gente cultivada a
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madura que quería entretenimiento de calidad (comedias, evocaciones nostálgicas). Existen escuelas importantes dentro de esta corriente, cada una con un sello particular.
1.1. Free cinema
Sustituye y recibe la herencia de la Escuela Documental inglesa , liquidada en l952 por un gobierno conservador, alegando razones económicas. La presentación en sociedad del Free cinema se produjo en febrero de l956. Sus creadores reconocen a Jennings como su maestro. La mayoría son gentes muy crítica con la sociedad en la que viven, de su conformismo moral que encubre la más tremenda hipocresía y hastiados del principio de autoridad indiscutido que encarna el respeto a sus mayores y a la tradicional monarquía inglesa. Sus ideas han quedado expuestas en el libro colectivo "Manifiesto de los jóvenes airados" (l958). Pretenden ser observadores, por ello utilizan equipos ligeros, con la pretensión de meterse en cualquier lugar (Vertov). No quieren aleccionar, quieren que el espectador saque sus propias conclusiones. Este objetivo explica en parte la ambigüedad del mensaje contenido en sus producciones. Penetran en lugares que la sociedad pretende ignorar o mantener ocultos: estudios de la vida de las prostituta, alcohólicos, vida club de jazz, vida en un matadero ( La sangre de las bestias , l949), etc., es decir constituyen un pot pourri de manifestaciones que pretenden dar cuenta del rostro verdadero de la sociedad. Mención especial requiere, ¡Oh tierra de sueños! (l956) de Lindsay Anderson, donde se yuxtaponen imágenes de gente del pueblo y exhibiciones en un parque de atracciones para crear una fantasmagoría de cultura popular; Mamá no lo permite , l956, de Karel Reisz y Tony Richardson , sobre un club de jazz y sus miembros o En la calle Bowery , l956, de Lionel Rogosin, sobre los altibajos de un alcohólico en sus recorridos por los bares. Su ejemplo se sigue en otros países. Igual que los documentalistas ingleses de antes de la guerra, éstos cuentan con la financiación de empresas comerciales (se ponen de moda los patrocinadores), pero a diferencia de sus antecesores, emplean un lenguaje menos austero, un tono más didáctico, y utilitario. Con sus películas hacen añicos todos los tópicos de la estable, educada, próspera y
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final de la década de 1960. En 1955 creó una revista de cultura
cinematográfica y durante muchos años fue la revista más provocadora que existió en Estados Unidos. Como si la responsabilidad de mantener las proyecciones y editar una revista (y recaudar los fondos para todo ello) no fueran suficiente, Mekas también cofundó, en 1961, el Film-Makers' Cooperative, que durante muchos años fue el distribuidor más activo del cine de vanguardia en Estados Unidos. En 1970 cofundó los Anthology Film Archives, la principal institución dedicada a exponer y conservar el cine de vanguardia. Su producción cinematográfica es variada, pero destacan sus películas diario porque constituyen una autobiografía rica y compleja, como Walden (1969, ver un extracto en http:// www.youtube.com/watch?v=0ycTXLcsC20), Reminiscences of a Journey to Lithuania (1972), Lost, Lost, Lost (1975) y Zefiro Torna (1992). En 2001 estrenó As I Was Moving Ahead, Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty , donde reunió muchas de las grabaciones tomadas a lo largo de su vida. Mekas formó parte de las correspondencias fílmicas que diferentes cineastas se intercambiaron a partir de un proyecto del Centro de Cultrua Contemporánea de Barcelona. Entre esta correpondencia destaca la serie de nueve cartas filmadas que Mekas y José Luis Guerin se interncambian Su estilo nace de la necesidad económica. Puesto que la película era cara, él desarrolló una manera de filmar en breve ráfagas, muy cortas. La impresión es que las imágenes están simultáneamente presentes y que son tan escurridizas como la memoria; las imágenes se han ido antes de que las podamos entender. Mekas siempre ha intentado captar la esencia del momento, pero para él como cineasta, la esencia se encuentra en movimiento, es la transformación instantánea de presente a pasado. Sus películas son intensas meditaciones personales sobre la memoria grabada. También representan una historia cultural de Nueva York en la segunda mitad del siglo XX. Estuvo relacionado con el pop-art, entrando en contacto con artistas como Andy Warhol, John Lennos o Salvador Dali. En 2007, rodó 365 cortometrajes, uno para cada día del año, que publicó diariamente en su website.