¡Descarga Apuntes de CIne. Tema 1 y más Apuntes en PDF de Comunicación Audiovisual solo en Docsity!
TEMA 1: TEORÍA CINEMATOGRÁFICA
1.1. Introducción
1.2. Forma fílmica
1.3. El estilo cinematográfico
1.4. La industria del cine
1.5. La crítica del cine
1.1. INTRODUCCIÓN
Definición de teoría cinematográfica:
Parte de la historia del cine que se ocupa de reflexionar sobre el fenómeno cinematográfico a lo largo del tiempo. Puede afectar a todas las facetas de la naturaleza del cine como el efecto, cualidades, funciones… A lo largo del tiempo, se ha caracterizado por tratarse de una orientación preferentemente estética por tratar a las películas como objetos artísticos, por lo que debe existir una determinada concepción de lo bello, del placer del espectador o del crítico frente a ella.
La teoría también se ha ocupado del significado de las películas o del fenómeno o interés del público en la teoría cinematográfica. Algunos autores al tratar la teoría cinematográfica tratan el cine en abstracto y no suelen analizar películas concretas excepto para poner ejemplos o ilustrar una categoría particular.
Teorías: formativas frente a realistas:
Formativas (Eissenstein, Munsterberg…): El cine tiene capacidad para reproducir la realidad pero no creen que deba hacerlo porque si lo hace, nunca llegará a ser arte. Creen que el cine debe ir más allá de la mera reproducción mecánica del mundo y debe modificar la realidad de forma que sea distinta a la naturaleza. Debe ser producto de la capacidad expresiva de un artista a través de las posibilidades que ofrece al medio artístico.
Realistas (Bazin y Krakauer): El cine solo alcanza su verdadero sentido en la reproducción fiel de la realidad porque las películas son creadas por un medio objetivo como es la cámara y no por la personalidad del artista. Transparencia del cine y del montaje destinado a evitar el engaño y a mantener la misma indefinición de la realidad que tiene el mundo. “El cine es igual al arte de lo real”.
Teoría cinematográfica contemporánea
Tras estos dos grandes sistemas el cine va consolidándose como campo de estudio académico. En Francia aparece una figura capital, Jean Mitry, al que le seguiría poco después otro nombre no menos importante, Christian Metz. Con ellos dos el cine se convirtió en una materia más dentro de las investigaciones en la educación universitaria.
Jean Mitry: fue profesor de cine en la Universidad de París y teórico cuyos trabajos tienen un gran impacto en la teoría cinematográfica (sobre todo su obra “Estética y psicología de cine”, que es el estudio más sistemático y pormenorizado a nivel general de problemas y cuestiones del cine). Acercó su figura a premisas formalistas y conceptos en las dos palabras que componen el título de su libro: estética y psicología. Mitry comprendía el cine como una forma estética que utiliza la imagen como medio de expresión y cuya sucesión es un lenguaje. Esto se relaciona con ambas teorías, tanto formativa como realista.
Christian Metz: estudiante de lingüística, sus principales aportes fueron básicos para el desarrollo de una importante rama de la teoría cinematográfica: la semiología del cine. Metz sabía que era el momento de dar el relevo a las aproximaciones generales y totales del cine para empezar a realizar acercamientos específicos más científicos y menos especulativos. Aplicó al estudio del cine disciplinas que él dominaba como la lingüística y el psicoanálisis. Atendiendo a la semiótica, el cine es significante.
Otras teorías:
- Teoría de las competencias.
- Teoría de autor.
- Teoría cinematográfica feminista.
- Teoría cinematográfica marxista.
- Filosofía del lenguaje de análisis cinematográfico.
- Teoría psicoanalista cinematográfica.
- Teoría de la pantalla.
- Teoría cinematográfica estructuralista.
- Teoría del cine-ojo.
Como vemos, las teorías cinematográficas tras un corto pero intenso recorrido ha pasado por diversos estados que han llevado a teóricos y críticos a complementar sus propuestas y a cambiar de punto de vista con respecto al estudio del cine.
El cine es un producto tan complejo que puede ser revisado y analizado desde muy diferentes perspectivas. No hay que perder de vista que es un arte nuevo artísticamente hablando.
1.2. LA FORMA FÍLMICA
Es el sistema global de relaciones entre los elementos de la totalidad de un film. Puede hacernos volver a percibir las causas en otras dimensiones, reorganizando nuestros hábitos visuales y surgiendo nuevas formas de ver, oir, sentir y pensar.
La forma del cine es la intención entre diferentes sistemas de elementos. Por lo tanto podemos suponer que cada elemento de la totalidad tiene una o más funciones, es decir, consideramos que desempeña una o más papeles dentro del sistema global. Como todo sistema si una de las partes funciona mal o deja de funcionar, se verá afectado todo el conjunto. Dentro del sistema amplio de la película completa se proponen dos subsistemas a los cuales se atribuye la unidad de este: el narrativo y el estilístico.
d) Perspectiva focal: depende sobre todo de los objetivos (gran angular, teleobjetivo…). Se relaciona con la profundidad de campo.
Todo esto está ligado a la profundidad de campo (distancia entre el punto más cercano y el más alejado de la cámara que se ven con nitidez)
El tiempo:
Tiempo cronológico y dramático: Es una construcción mental. Diferente al tiempo físico y continuamente manipulado a voluntad. El cine genera su propio tiempo así:
a) Tiempo cronológico: tiempo real o tiempo que dura la proyección b) Tiempo dramático: tiempo que construye y sugiere la película. Depende de la dirección y el montaje. Puede haber cambios de tiempo (flash-back)
Normalmente en la utilización del tiempo es necesario también el manejo de apoyos para manejar el tiempo. Esos apoyos sugieren inmediatamente un paso temporal (incluidos en la trama: un reloj, cambios de vestuario… elementos que hagan ver que ha pasado el tiempo) y en otras ocasiones, signos de puntuación del relato (rótulos “diez años después”, fundidos…)
El plano:
Definición de plano: este concepto se define sobre todo de dos maneras asociadas al montaje: como unidad empírica del montaje o como espacio de la película entre dos cortes. Está caracterizado por una determinada duración y movimiento. Cuando el plano adquiere larga duración y engloba toda una secuencia, se denomina plano secuencial.
Los movimientos de la cámara: Existen varios, dependiendo de si la cámara se desplaza o está instalada en un lugar fijo:
a) Panorámica d) Movimiento de la cámara en grúa b) Movimiento de travelling e) Movimiento de cámara a mano c) Steadycam
La escala y los tipos de planos: la escala es un elemento muy importante para ir fijando el encuadre. De forma general, se define como la dimensión espacial del encuadre en relación a personajes y objetos que allí aparecen. Parte del concepto de plano, y según la escala, se habla de distintos tipos:
a) Planos generales: como el gran plano general/plano general largo o el plano general. b) Planos de escala humana: como el plano entero o de conjunto, el americano o ¾, el plano medio, el primer plano o el plano detalle/gran primer plano.
La angulación y tipos de planos: puede definirse como el punto de vista seleccionado por el director para cada una de las tomas. Es evidente que dependiendo de la angulación que se escoja, el sentido dramático de cada una de las escenas puede variar mucho (ya que las angulaciones tienen gran importancia para entender el sentido de las relaciones de los personajes o en la forma en la que estos son representados al
espectador). Los tipos de angulación suelen clasificarse dependiendo del punto de vista de un espectador, y de esta forma se habla de:
a) Ángulo normal (mismo ángulo cámara-actor) b) Ángulo alto o picado (cámara elevada sobre escena. Empequeñece al personaje) c) Ángulo bajo o contrapicado (enfoca desde punto de vista inferior. Sensación de grandeza) d) Plano subjetivo (reproduce el punto de vista del personaje)
La iluminación:
Hay que tener en cuenta que algo no está bien iluminado solo por el hecho de que reciba mucha luz. En una película normal, la iluminación no debe limitarse exclusivamente a proporcionar luz para qe la escena se vea, sino que exige la creación de un ambiente dramático que apoye las acciones subordinado a ella y responda a las intenciones expresivas del director. La luz que reciben los objetos pueden clasificarse según sus efectos sobre ellos con dos aspectos:
Reflejos: zonas de los objetos con luminosidad relativa. Sombras: zonas carentes de luz. Estas sombras se manipulan cinematográficamente en dos variantes.
Características: los tipos de luz se pueden definir según:
a) Cualidad: intensidad relativa de la iluminación. Hay dos tipos: Dura: crea muchas sombras. Suave: sombras tenues, transición liviana entre zonas iluminadas y oscuras. b) Dirección: recorrido de la luz desde la fuente hasta el objetivo. Tipos: Luz frontal: ilumina de frente, aplana figura y elimina sombras. Contraluz: proviene de detrás del objeto y crea siluetas. Sin luz frontal, la parte anterior queda entre sombras y la posterior iluminada. Contrapicada: luz por debajo del objeto. Luz cenital: foco sobre el objeto. Luz kicker: desde trasera-oblicua sobre pómulos-sien. Luz de ojos: foco situado en la cámara iluminando la mirada, creando efectos de pupila brillante y mirada fuerte. c) Fuente (de dónde sale la luz: sol, foco, fuego…) d) Color: generalmente la luz en el cine es blanca (en la sombra crea volumen) pero para crear ciertos efectos se colocan filtros que colorean las luces (normalmente efectos subordinados a la narración).
El sonido:
Quizás el sonido sea la técnica más difícil de estudiar en su relación con el estilo cinematográfica. Estamos acostumbrados a vivir en un entorno sonoro en su mayor parte invisible. La primera información sobre la disposición de lo que nos rodea procede de la vista y, por lo tanto, en la vida cotidiana el sonido es a menudo un simple fondo para nuestra atención visual. Igualmente hablamos de “ser” una película y de ser “espectadores”, términos que sugieren que el sonido y la banda sonora son
Requisitos para la función crítica: Una crítica cinematográfica de calidad debe ser:
Independiente de consideraciones industriales y económicas, es decir, no dejarse llevar por influencias externas, sean del tipo que sea. Independencia de prejuicios del crítico y gustos personales. Comprometida con la propia obra. Asímismo, en cuanto a avances técnicos se refiere, hay que estar dispuesto a estar al día con estos cambios (esto es más complicado con críticos más mayores) Eficazmente educadora pero no aburridamente didáctica: ha de señalar sin sermonear. Razonada y razonable. Razonada: que se de cuenta de los argumentos que sostienen los juicios y no solo los exponga. Razonable: es decir, humilde, ponderada, dado que se trata de una obra de arte que tiene múltiples lecturas. Arriesgada: la crítica es juicio y ha de asumir el reto de juzgar aceptando e antemano que puede equivocarse.
