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1.3 EL ESTILO CINEMATOGRÁFICO
Los elementos formales que influyen en el estilo cinematográfico son:
- (^) El espacio
- El tiempo
- El plano
- La iluminación
- El sonido
- El montaje
- Trucaje y efectos especiales.
…
(La perspectiva cinematográfica, las lentes y la profundidad de campo)
La perspectiva cinematográfica suele construirse varias formas, muchas de ellas influenciadas por la fotografía pintura.
a. Perspectiva geométrica estableciendo puntas y líneas de fuga que dan sensación de profundidad.
b. Perspectiva tonal o cromática: también bastante clásica puede asimilarse a otras como la perspectiva atmosférica. Juega con las distintas gamas de color ya que los tonos cálidos y la imagen se acercan (planos cercanos) y los fríos la alejan (plano lejanos).
c. Perspectiva cinética: se crea con el movimiento de imágenes en el encuadre. Es más eficaz a través de movimientos de avance, menos eficaz en los movimientos laterales y consigue tal verosimilitud que, cuando se congela la imagen se aplana casi totalmente. Es la propia y original del cine.
d. Perspectiva focal: depende sobretodo de los objetivos (gran angular, teleobjetivo…)
Ligado a todo esto está el concepto de profundidad de campo, que puede definirse como la distancia entre el punto más próximo y el más alejado de la imagen que aparecen con una visión nítida.
2. EL TIEMPO (pregunta de examen)
Tiempo cronológico y tiempo dramático
También, al igual que el espacio, es una construcción mental. Es muy diferente del tiempo físico y continuamente es manipulado a voluntad. El cine, por lo tanto, genera su propio tiempo.
Tiempo cronológico: Tiempo real o tiempo que dura la proyección.
Tiempo dramático: Es el tiempo que construye y sugiere la película. Depende sobretodo de la dirección y el montaje. En una película puede haber algún cambio de tiempo (flash-back).
Normalmente en la utilización del tiempo es necesario también el manejo de apoyos para marcar el tiempo. Esos apoyos sugieren inmediatamente un paso temporal ( incluidos en la trama: reloj, cambios de vestuario, cenicero vacio-lleno) y, en otras ocasiones, signos de puntuación del relato (rótulos, fundidos…)
3. EL PLANO
Definición: se define sobretodo de dos maneras vinculadas al montaje.
-Plano es la unidad empírica del montaje.
-plano: es el espacio de película entre dos cortes.
El plano está caracterizado por una determinada duración y movimiento. Cuando el plano adquiere una duración larga, puede llegar a englobar toda una secuencia, se denomina plano secuencial. Puede llegar esto a ser una película.
Los movimientos de la cámara
Existen varios movimientos de cámara, dependiendo de la cámara es desplazada o está instalada en un lugar fijo.
a. Panorámica: movimiento de rotación de la cámara sobre su propio eje de derecha a izquierda o de izquierda a derecha cuando la rotación es horizontal y de arriba abajo o viceversa cuando es vertical. Incluso puede ser oblicuo. Si el movimiento panorámico es completo (360º) obtendremos la rotación completa.
Este tipo de movimiento se utiliza generalmente para una visión de contexto. Cuando el movimiento de rotación es panorámica es muy rápido y no podemos apreciar la imagen rodada, tenemos el barrido (movimiento muy veloz generalmente utilizado para las transiciones).
b. Movimiento de travelling: supone que la cámara debe ser desplazada sobre un soporte móvil. Generalmente es un soporte móvil, suele ser una especie de carrito que es desplazado sobre unos raíles.
c. Movimiento de la cámara en la grúa: Consiste en instalar la cámara sobre un brazo articulado que, a su vez, se encuentre instalado sobre un soporte móvil. Suele ser el movimiento más eficaz en el rodaje.
d. Movimiento de cámara a mano: cámara llevada a hombros de un operador, provoca distorsiones en la imagen y movimientos molestos. Es un sistema utilizado en contadas ocasiones, generalmente en la que se busca un gran efecto dramático de desequilibrio, inestabilidad… incluso para transmitir sensación de lucha.
e. Steadicam: consiste esencialmente en una cámara fijada el cuerpo del operador mediante un armazón. Tiene las ventajas de la cámara en mano en el sentido de que la libertad de movimientos del operador es total y evita su principal desventaja que es la
Además, no podemos parar la película y congelar un instante de sonido, mientras que si podemos estudiar el programa para examinar la puesta en escena o la fotografía.
Para estudiar el sonido tenemos que aprender a escuchar las películas.
A pesar de todo, de manera general en el cine, el sonido es una técnica de gran impacto por varias razones.
-En primer lugar crear un modo de percibir diferente. La atención visual puede ir acompañado de una atención auditiva incluso antes de que el sonido grabado se introdujera en el cine en 1926, el cine “mudo” ya lo había reconocido al utilizar acompañamientos de orquesta, órgano y piano.
-En segundo lugar, el sonido puede condicionar de forma activa el modo en que percibimos e interpretamos la imagen.
6. EL MONTAJE
El montaje audiovisual puede ser definido como la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del relato. Consiste en escoger, ordenar y unir una selección de los planos a registrar, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador.
Tipos de montaje: narrativo vs expresivo.
a. Montaje narrativo. Este tipo de montaje tiene por objeto relatar una acción y desarrollar una serie de acontecimientos.
- Montaje lineal: acción única relatada en secuencias según un orden cronológico.
- Montaje invertido: montajes en los que no se relatan las acciones según el orden cronológico.
- Montaje alternado: Relato simultáneo de varias acciones, también simultáneas que acaban confluyendo.
- Montaje paralelo. Relato alternado de varias acciones que no tienen porque ser simultáneas ni tienen que confluir. Este espectador el que establece la relación ante las acciones.
b. Montaje expresivo: Se trata de los montajes que buscan comunicar al espectador un determinado efecto (rítmico o ideológico), además de relatar unas acciones. Es el uso más “artístico” del montaje, de creadores como Eisenstein o Griffith.
ESQUEMA DEL TRABAJO EN GRUPO
1. INDICE
2. INTRODUCCION /PRESENTACION/ ELECCION DEL AUTOR
3. BIOGRAFIA DEL AUTOR Y CONTEXTO
4. SU OBRA. TRAYECTORIA PROFESIONAL. FILMOGRAFÍA
5. ANÁLISIS DE 5 DE SUS PELÍCULAS
6. REPERCUSIÓN EN OTROS DIRECTORES/ PELÍCULAS
7. PREMIOS RECIBIDOS
8. REALIZACIÓN DE UN REPORTAJE DE VIDEO SOBRE EL TEMA
9. BIBLIOGRAFÍA RECURSOS WEB UTILIZADOS.
TEMA 2
----------------------------------completar del lunes y martes
2.1 EL NACIMIENTO DEL CINE
Entre los diversos países donde el cine ya es una realidad, Italia es uno de los avanzados en la concepción del cine como espectáculo.
Así las películas de grandes construcciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el publico. El titulo mas destacado fue” Cabiria”, dirigido por Giovanni Pastrone en 1913.
2.2 LA ÉPOCA MUDA
DAVID WARK GRIFFITH: fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte, como lo demuestra en sus obras maestras “El nacimiento de una nación” (1914) e “intolerante” (1915).
En ellas entiendo que el montaje es el instrumento expresivo más importante con que cuenta el cine, que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
Griffith llegó a influir en otros cineastas de una geografía tan alejada de los EEUU, como es Rusia. De tal manera, el triunfo de la revolución rusa de 1917 hizo pensar a sus dirigentes que el cine podía asumir un papel de adoctrinamiento y propagandístico.
“El mago de oz” 1939 de Victor Fleming.
Historias de Filadelfia” 1940 de Cukor.
Conocidas películas del oeste como “la diligencia” o “Las uva de la ira” de John Ford.
“En alas de la danza” 1936 de George Stevens.
“Una noche en la ópera” 1936 donde Sam Wood dirige a los hermanos Marx. Otro de los mismos actores es “Sopa de ganso” 1933, en este caso de Leo McCarey.
Contrario a lo anterior tenemos a King Vidor, cineasta sensible a los problemas del pueblo, que refleja, entre otros, “El pan nuestro de cada día” 1934 o “La ciudadela” 1938.
Por su parte, también en Europa algunos directores reflejaban la vida cotidiana y el cine social. Así en Francia, donde Jean Renoir mostraba a simples trabajadores (en muchos casos reales) haciéndolos protagonistas de sus films, como podemos comprobar en “la regla del juego” 1939. En esta película además, Renoir aporta una visión estética muy interesante del cine, además del naturalismo que desarrolla.
Otros cineastas enmarcados dentro del realismo poético son René Clair o jean Vigo.
En cuanto a los actores más famosos del momento tendremos en cuenta que muchos de ellos proceden del teatro musical, como es el caso de Greta Garbo, Gary Cooper, Clark Gable o Humphrey Bogart.
El cine en color llega en 1935 con la película “La feria de la vanidad” de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente la plenitud lo consigue Víctor Fleming con “Lo que el viento se llevó”
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños, Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país. Personajes tan conocidos como Mickey Mouse creado en 1928 o películas tan famosas como “Blancanieves y los siete enanitos”1937, “Pinocho” 1940, o “Fantasía” 1940, han quedado como piezas imprescindibles en la historia del cine.
Un gran gorila también ha quedado grabado en nuestra retina gracias a la producción en 1933 de “King Kong”, dirigida por los estadounidenses Merian C. Cooper y Ernest B Schoedsack. De ella se han hecho posteriores adaptaciones y recreaciones. Lo más interesante aquí son los efectos especiales utilizando maquetas para sorprender al público.
Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, destacamos a otros con nuevas inquietudes estéticas. Es el caso de Hitchcock (“39 escalones”, de 1935 o “Rebeca” de
- u Orson Welles, quien realizó las obras maestras “Ciudadano Kane” 1941 y “El cuarto mandamiento” (1942).
En cuanto a algunos regímenes totalitarios europeos citaremos “El triunfo de la voluntad”, un documental propagandístico mandado hacer por el propio Hitler en 1935 a Leni Riefenstahl sobre el VI Congreso del Partido Nazi. El mismo director también realizó “Olimpiada” (1938), otro documental sobre los juegos olímpicos de Berlín de dicho año.
Otras películas de esta etapa que no debemos olvidar son:
“La vida privada de Enrique VIII” (1933) de Alexander Korda.
“El ángel azul” (1930) de Sternberg.
“Pygmation” (1938) de Anthony Asquit.
“Casablanca” (1942) de Michael Curtiz.
“El gran dictador” (1940) de Charles Chaplin.
“El halcón maltés” (1941) de John Huston.
“M, el Vampiro de Düsseldorf” (1931) del ya conocido Fritz Lang.
SEGUNDA TAREA DE LA ASIGNATURA
El doctor Frankestein
(1931) de James Whale.
-Contexto de la época sonora antes de la 2º Guerra Mundial.
-Autor: James Whale.
-Crítica, estudio o comentario de la película.
2.4 EL CINE DESPUÉS DE LA 2ºGUERRA MUNDIAL.
ITALIA
Al terminar la 2ºGuerra Mundial, en una Italia destrozada, aparece el llamado cine “neorrealista”, un cine testimonial sobre la realidad del momento, hecho con pocos medios materiales pero con mucha humanidad, preocupado por los problemas del individuo de la calle.
Roma, ciudad abierta , (1945) de Rossellini o Ladrón de bicicletas (1946) de Vittorio de Sica suponen una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.
En una época más tardía se unen como grandes directores de este contexto espacial Pasolini, Bertolucci o Fellini, quienes optan por un tipo de cine poético.
Algunas películas destacadas en las décadas de los años 60 y 70 son:
Fellini: La dolce vita (1960), Ocho y medio (1963) y Amarcord (1974)
Pasolini : El evangelio según San Mateo (1964), El Decameron (1970) o Las mil y una noches (1974).
Visconti: El gatopardo (1963) o Muerte en Venecia (1971)
Bertolucci: El último tango en París (1972) Novecento (1976) Ya en 1987 fue muy premiado por El último emperador.
FRANCIA
Lo más interesante de este período en Francia es una nueva generación de realizadores denominados “Nouvelle Vague” o “Nueva Ola”, quienes con sus películas critican la sociedad así como la propia estructura del cine francés hasta el momento.
