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TEMA 2: HISTORIA DEL CINE
2.1. Nacimiento del cine
2.2. La época muda
2.3. La época sonora
2.4. El cine después de la 2ª Guerra Mundial
2.5. Las últimas décadas
2.1. NACIMIENTO DEL CINE
Se considera que el cine nació oficialmente el 28 de Diciembre de 1895. Aquel día, los hermanos Lumière mostraron en sesión pública sus películas a los espectadores del Salon Indien de París. En uno de sus primeros films, “la llegada de un tren a la estación de Ciotat”, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue enorme y el público allí presente incluso se asustó. El aparato con el cual consiguieron este avance lo llamaron cinematógrafo. Había nacido la cinematografía. Pero el éxito inicial se fue apagando por el cansancio del público. Las películas que siempre se veían eran hechas sobre momentos cotidianos, vida laboral o vida familiar.
Fue la magia y la imaginación de otro hombre, George Méliès, la que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia ficción. “Viaje a la luna” (1902) y Viaje a través de lo imposible” (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes.
- “Viaje a la luna” (George Méliès, 1902) La mayoría de los encuadres están resueltos en toma única y en plano general con la cámara quieta; su unión, salvo algún encadenador, es por simple corte. En principio no hay ningún rótulo explicativo. En los decorados se combinan los elementos tridimensionales con los dibujos, algunos de los cuales intentan imitar la profundidad. Hay toda clase de trucos encaminados al asombro del espectador y a la creación de un mundo fantástico.
Méliès durante toda su vida fue un hombre del espectáculo, de la magia y del ilusionismo. Otra de sus obras interesantes es “El hombre de la cabeza de goma” (1901). Esta película se puede considerar como los inicios de la comedia.
A principios del S. XX el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo. Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film “El hotel eléctrico” (1905), donde sus trucajes son de los mejores de la época.
Con el fin de llenar de películas las salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto Film d’art ofreció títulos basados en obras literarias de autores como Alejandro Dumas, Walter Scott o Víctor Hugo, donde actuaban actores famosos de teatro. Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Las películas
producidas por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand Zecca, a quien se debe “La Vida y Pasión de Cristi” (1903) o “El asesinato del duque de Guisa” (1904). No obstante, el proyecto Film d’art apenas dura unos años dado que los resultados no eran muy alentadores debido a los altos costes de producción (decorados y vestuarios lujosos), la dependencia de grandes actores teatrales y, sobretodo, a que resulta un cine poco popular.
Siguiendo las huellas galas en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EEUU quienes saquen más provecho del invento. En 1903 con la cinta “Asalto y robo de un tren”, Edwin Porter inaugura el cine del oeste. Una figura interesante en EEUU fue Thomas Alva Edison, inventor del kinetoscopio (precedente del cinematógrafo de los Lumière). Su monopolio afectó negativamente a los productores independientes los cuales, para huir del inventor-negociante, marchan a California y fundan Hollywood. El primer estudio de Hollywood se fundó en 1911. Ese mismo año otros quince estudios se establecen allí. Desde entonces, el distrito de Hollywood fue evolucionando hasta convertirse en la meca del cine de todo el mundo occidental.
Entre los diversos países done el cine ya es una realidad, Italia es uno de los avanzados en la concepción del cine como espectáculo. Así las películas de grandes reconstrucciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. El título más destacado fue “Cabiria”, dirigido por Giovanni Pastroni en 1913.
2.2. LA ÉPOCA MUDA
David Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte, como lo demuestra en sus obras maestras “El nacimiento de una nación” (1914) e “Intolerancia” (1915). En ellas entiende que el montaje es el instrumento expresivo más importante con que cuenta el cine; que no servía solo para ordenar secuencias y planos sino también para emocionar al espectador. Griffith va a influir en otros directores, entre otros, directores rusos. De tal manera, el triunfo de la revolución rusa en 1917 hizo pensar a sus dirigentes que el cine podría asumir un papel de adoctrinamiento y propagandístico. Así que se encargó a unos cuantos directores el hecho de crear una nueva cinematografía en el país. Esta idea será retomada después por Hitler y más tarde por Franco. Entre estos nuevos directores rusos destacaron Dziga Vertov (creador del “cine-ojo”), Sergei M Eisenstein (quien sorprendió al mundo con la fuerza de las imágenes y la magistral utilización del montaje en su película “El acorazado Potemkin” en 1925), V. Pudovkin (autor de “La madre”) y A. Dovjenko (director de “La tierra”).
Por otro lado en Alemania el cine expresionista fue el más utilizado durante las primeras décadas. El expresionismo es un movimiento artístico antes que cinematográfico. Fue utilizado en las primeras décadas en películas como “El gabinete del Dr. Caligari” (1919) de Wiene, “Nosferatu” (1922) de Murnau o Metrópolis (1926) de Fritz Lang.
interesante al cine, además del naturalismo que desarrolla. Otros cineastas enmarcados dentro del “realismo poético” son Renè Clair o Jean Vigo.
En cuanto a los actores más famosos del momento tendremos en cuenta que muchos de ellos proceden del teatro o del musical, como en el caso de Greta Garbo, Gary Cooper, Clark Gable o Humphrey Bogart. El cine en color llega en 1935 con la película “La feria de la vanidad” de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud la consigue Víctor Fleming con “Lo que el viento se llevó” (1939).
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños. Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país. Personajes tan conocidos como Mickey Mouse, creado en 1928, o películas tan famosas como “Blancanieves y los 7 enanitos” (1927), “Pinocho” (1940) o “Fantasía” (1940) han quedado como piezas imprescindibles para la historia del cine.
Un gran gorila también ha quedado grabado en nuestra retina gracias a la producción en 1933 de “King Kong”, dirigida por los estadounidenses Merian C. Cooper y Ernest Schoedsack. De ella se han hecho posteriores adaptaciones y recreaciones. Lo más interesante aquí son los efectos especiales utilizando maquetas para sorprender al público. Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, destacamos a otros con nuevas inquietudes estéticas. En el caso de Hitchcock, “ escalones” (1935) o “Rebeca” (1940). U Orson Welles, quien realizó las obras maestras “Ciudadano Kane” (1941) y “El cuarto mandamiento” (1942).
En cuanto a algunos regímenes totalitarios europeo. “El triunfo de la voluntad”, un documental propagandístico mandado hacer por el propio Hitler en 1935 a Leni Riefenstahl sobre el VI Congreso del Partido Nazi. El mismo director también realizó “Olimpiadas” (1938), otro documental sobre los juegos olímpicos de Berlín de dicho año.
Otras películas de esta etapa que no debemos olvidar son: “La vida privada de Enrique VIII” (1933) de Alexander Korda, “El ángel azul” (1930) de Josef Von Steinberg, “Pygmalion” (1938) De Anthony Asquil, “Casablanca” (1942) de Michael Curtiz, “El gran dictador” (1940) de Charles Chaplin, “El halcón maltés” (1941) de John Huston o “M, el vampiro de Düsseldorf” (1932) De Fritz Lang.
2.4. EL CINE DESPUÉS DE LA 2ª GUERRA MUNDIAL
El cine, después de la 2ª Guerra Mundial, estaba centrado en los siguientes países:
- Italia - Inglaterra - Suecia
- Francia - Estados Unidos - Japón
Italia
Al terminar la Segunda Guerra Mundial y con una Italia devastada, aparece el llamado cine “neorrealista”: un cine testimonial que plasmaba la situación y la realidad del momento hecho con pocos materiales pero con mucha humanidad, y concienciado con los problemas de los ciudadanos. “Roma, ciudad abierta” (1945) de Rossellini o „‟Ladrón de bicicletas‟‟ (1946) de Vitorio De Sica suponen una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.
En una época más tardía se unen como grandes directores de este contexto espacial Pasolini, Bertolucci o Fellini, quienes optan por un tipo de cine poético. De ellos podemos destacar algunas películas como son:
Fellini: Dolce Vita (1960), Ocho y medio (1963) o Amacord (1974). Pasolini: El evangelio según San Mateo (1964) o Las mil y una noche (1974). Visconti: El gatopardo (1963) o Muerte en Venecia (1971). Bertolucci: Último tango en París (1972), Novecento (1976) o El último emperador (1987) por la que fue premiado.
Francia
Lo más interesante de este periodo en Francia es una nueva generación de realizadores denominados „‟Nouvelle Vague‟‟ o „‟Nueva Ola‟‟, quienes con sus películas critican la sociedad así como la propia estructura del cine francés hasta el momento. Dentro de esta corriente destacan:
Triffaut: Los cuatrocientos golpes (1959) Godard: Al final de la escapada (1960)
Inglaterra
Inmediato a la finalización de la guerra destacan directores como Carol Reed con películas tan taquilleras como El tercer hombre (1949). Influidos por lo realizado en Francia, también en este país se desarrolló una estética en el cine próxima a los problemas sociales retratando historias cotidianas de una manera comprometida. En este caso dicho movimiento se denominó „‟Free Cinema‟‟. Quizás la película más relevante aquí fue “If…”, de Lindsay Anderson, producida en 1968.
Estados Unidos
Tras la Segunda Guerra Mundial se produce en Estados Unidos una doble vía en cuanto a la relación del cine con lo vivido: por un lado se hacen películas que reflejan el tono pesimista que arrastraba el pasado y, por el otro, se hacen comedias, westerns (“Centauro del desierto” en 1956 de John Ford) o musicales (“Los caballeros las prefieren rubias” en 1953 de Howard Yaks) que lo hacen olvidar.
Por las mismas fechas también comienzan a ser perseguidos los cineastas de izquierdas debido a un fuerte conservadurismo político que afectó a Hollywood. De tal manera, algunos como Chaplin o Welles optaron por el exilio.
No obstante a pesar de todo los años 50 representan para los norteamericanos una nueva época de bienestar que cambió su estilo de vida, más que nada en lo que se refiere al ocio. La adquisición de televisores supone un fuerte competidor para el cine. El número de espectadores disminuye y hay que buscar maneras para recuperarlo, y la mejor forma será dándole al público lo que la pequeña pantalla no puede: espectacularidad. Es entonces cuando la pantalla crece, se proyecta en color y el sonido se convierte en estéreo. Aparece el Cinerama, el Cinemascope, la VistaVision,…
En torno al comienzo de la década de los 90, es posible que la crisis de ideas se apoderase del cine norteamericano. Por ello se inspiró en los héroes del comic, aprovechándose de los nuevos procedimientos para la creación de efectos especiales: “Batman” (Tim Burton, 1989). Géneros como la comedia clásica, los grandes dramas, los dibujos animados (“El rey león”, producida por Disney en 1997), el fantástico, el Western (“Sin perdón”, Clint Eastwood, 1992), el terror (“Scream”, Wes Craveb, 1996) o la acción (“Pulp Fiction”, Quentin Tarantino 1994), se mantienen con fuerza. Además de todo esto y aunque ya hemos visto el erotismo en otras épocas anteriores, es ahora cuando se desarrolla mayoritariamente, aumentando la carga sexual en muchas películas. Tal es el caso de “American Beauty” (Sam Mendes, 1999). Por su parte algunos países europeos reaccionan contra la enorme presencia comercial del cine norteamericano mediante leyes que favorezcan a sus propios mercados. En esta línea destacan cineastas como Liars von Trier (“Bailar en la oscuridad”, 2000) o Roberto Begnini (“La vida es Bella”, 1977).
A finales del siglo XX y comienzos del XXI se desarrolla con fuerza el cine digital y otros procedimientos y tecnologías electrónicas, realizándose películas en las que se manipula mucho la imagen en el momento de postproducción. “Parque Jurásico” (Steven Spielberg, 1993), “Matrix” (Andy y Larry Wachowski, 1999), la trilogía de “El señor de los anillos” (Peter Jackson, 2001, 2002, y 2003) u “Origen” (Cristopher Nolan, 2010).
En la actualidad, la mayor revolución viene de la mano del cine 3D con obras tan taquilleras como “Avatar” (James Cameron, 2009) o “La invención de Hugo” (Martin Scorssese, 2011), en la que casualmente se analiza la vida de uno de los padres de la historia del cine: George Meliés.
