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HISTORIA DEL CINE Y OTROS MEDIOS AUDIOVISUALES
TEMA 1- EL CINEMATÓGRAFO (1895-1930)
1.1- EN BUSCA DE UN NUEVO LENGUAJE
Los estados e imperios de la luna , una novela de extraterrestres en el siglo XVII de Cyrano de Bergerac. Julio Verne y sus obras, como por ejemplo, La vuelta al mundo en 80 días , 20 000 leguas de viaje submarino , Viaje al centro de la tierra , Viaje alrededor de la luna , las cuales son del siglo XIX. Son viajes que penetran en universos desconocidos. Otro ejemplo de ello sería la obra de Allan Poe Viaje en globo. Georges Méliès es considerado el primer director de una película cinematográfica con su película Viaje a la luna. La poesía siempre va por delante de la ciencia, el poeta sueña lo que el científico persigue. El hombre sueña, tiene inquietudes, y son las que determinan los hechos de los hombres. Esta idea se extrapola al mundo del cine, es decir, que lo mismo que sucede con los sueños, sucede con el cine. La filosofía del arte de Hippolyte Taine en el siglo XIX reclamaba un nuevo lenguaje. Hay una inquietud, por superar las limitaciones del idioma y llegar a un sistema de comunicación universal. La idea común que reinaba es que las palabras tenían la limitación de formar un código y ese código solo lo entienden aquellos que están iniciados en el. Quien no lo entiende no sabe lo que trasmite. Se planteaba un sistema universal. Se llega a crear una lengua universal, el esperanto, creada por el oftalmólogo polaco de origen judío Lázaro Zamenhof en 1887. En España hubo intentos de hacer un idioma universal por mano de un gallego, el Trampitán de don Juan de la Coba y Gómez. Para Hippolyte Taine la única lengua universal era el arte. Para Taine la única forma de comunicación universal que había existido eran las imágenes, el arte, él considera que hay una forma superior del arte que en el principio de los tiempos constituyo un idioma universal. En la estética de Aristóteles se hace una escala por orden de intensidad de fuerza expresiva, que para Aristóteles era la danza. Para Taine la forma más perfecta de comunicación universal es la pantomima, el lenguaje expresivo de los gestos, el lenguaje del cuerpo que puede ser entendido por todo el mundo al margen de su idioma y de sus capacidades. La propuesta que él hace es la de reinventar la pantomima adaptándola a las necesidades de nuestro tiempo. Él era consciente de que no podíamos volver a la prehistoria. Había que buscar un lenguaje nuevo que recuperase las bases de ese sistema de comunicación universal.
En el Libro de la educación de las jóvenes de 1686 de François Feneron se plantea el problema de las limitaciones del idioma para la enseñanza y el aprendizaje y cree que debía buscarse un sistema nuevo y mucho más eficaz. Visionaba una necesidad que había existido siempre. Volvemos al siglo XIX para ver como evoluciona ese pensamiento que ya hemos visto en Taine. Tenemos a Morris Barrés en La limitación del lenguaje para expresar las sensaciones , donde habla de que la vida nos puede dar muchos placeres y como podemos expresar esos placeres por medio de palabras. Otro escritor francés, Gerad de Nerval, dice que la novela debe ser una sucesión de imágenes que pasaran ante nuestra vista como una pantalla. El aparato al que se refiere es a la linterna mágica que es el nombre genérico con que conocemos a los instrumentos que sirvieron para la proyección de imágenes antes del siglo XX. Existía esa proyección de imágenes pero lo que él quería es que estas imágenes estuvieran vivas. También Balzac, autor de novelas como Serafita. En esta novela muchos estudiosos han querido ver una premonición de lo que luego va a ser el cine. El argumento esta basado en una teoría filosófica que es la teoría de lo andrógino como culmen del ser humano, la unión del hombre y la mujer en un único ser como una única piel para mostrar la perfección. Alrededor de él hay dos personas, un hombre y una mujer que ven en él una persona del sexo opuesto y él encuentra una posición difícil en medio de los dos. La novela es una doble novela que trascurre en dos realidades paralelas. Tenemos un escritor simbolista, Augusto Villires de l`isle-adan, el cual nos ofrece en 1886 una premonición de lo que va a ser el cine ya entrado el siglo XX, nos ofrece una era futura que predice la idea del cine y acude a un argumento muy recurrente en los principios del cine. El argumento de la historia futura es la historia de un joven enamorado de una joven perfecta en cuanto a su apariencia pero con una gran limitación en cuanto a su conocimiento. Aparece en la vida de este joven un científico norteamericano que siempre la crítica literaria lo ha identificado con Edison y el cual le ofrece al chico la posibilidad de construirle un androide con la belleza de esa chica y todo el conocimiento intelectual que él quería. Esta novela está plagada de imágenes fantasmagóricas que se proyectan sobre la pantalla. Julio Berne escribe El castillo de los Cárpatos. Es una obra terrorífica, de lo poco que hace de terror, es una novela en la que los personajes sacan a relucir lo peor que hay en ellos, unos seres muy atormentados. El argumento nos lleva al París del siglo XIX. Hay una soprano que triunfa y un noble de los Cárpatos que se enamora de ella, era muy taciturno, nunca se atreve a hablar con ella pero la persigue y le hace regalos carísimos.
De rerum natura de Lucrecio es el primer libro que pone de manifiesto el concepto de la estroboscopia. El disco de Newton es un experimento de finales del siglo XVII en el que es una de las primeras veces que se muestra una aplicación práctica de la estroboscopia. Es un disco con todos los colores del prisma y al girarlo se forma, al fundirse los colores, el blanco. A partir del disco de Newton aparece en el siglo XVIII un invento fascinante que es la peonza deslumbradora. Es una peonza a la que le falta la mitad, pero esa peonza cuando gira se ve entera. La peonza deslumbradora es un invento de L´Abbe Nollet. Se presenta como invento científico a finales del siglo XVIII y produjo gran expectación. La estroboscopia consiste en que nuestro ojo retiene hasta por una décima de segundo las imágenes que acaba de percibir. Sin la estroboscopia no sería posible el cine como tal. El taumatropo son dos círculos con un dibujo que se unen con los dibujos a la inversa y al darle vueltas se ve una escena completa. Es un invento de 1825 y su autor es un óptico francés que conocemos como el doctor Paris. Esto hace que haya muchos juguetes ópticos a lo largo del siglo XIX y que serán el antecedente del cine. Simon Von Stampher fue el primero que creo un artilugio capaz de hacer imágenes aparentemente en movimiento. Inventa el disco estroboscópico. Es un disco en el que aparecen una serie de imágenes muy semejantes entre sí pero ligeramente variantes. Al girar vamos a obtener una síntesis del movimiento. No se trata de una síntesis real porque son unas imágenes dibujadas y por lo tanto no es un movimiento auténtico. El disco estroboscópico va a ser utilizado por muchos aparatos distintos, el más común lo crea un óptico belga que se llama Joseph Von Plateau. Aplica el disco estroboscópico a un aparato con un gran éxito comercial en el siglo XIX y se llama fenakistiscopio. Hay un mango con un eje y a cada lado del eje un disco. A un lado hay un disco estroboscópico y en el otro lado un disco con ranuras. Se trata de hacer girar el eje y mirar por las ranuras, de esta manera se ve la recomposición del movimiento. Plateau inventa otro juguete llamado el anartoscopio. Es un aparato que coloca dos discos con imágenes aparentemente inconexas y abstractas que al girar dan lugar a una imagen real. El fenakistiscopio se va a perfeccionar mucho y va a dar lugar a otro juguete mucho más efectivo en cuanto a la composición del movimiento y es el phantascopio. Lo hace un fotógrafo estadounidense llamado Muybridge. Permitía una síntesis más real del
movimiento. Tenía un inconveniente, y es que para usarlo había que usar un espejo. El mismo disco tiene unas ranuras en las partes más externas y se hace girar el disco. Se mira el espejo a través de las ranuras y veremos el movimiento reflejado en el espejo. El praxinoscopio se inventa en 1877 por Edmund Reynaud. El espectador mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor. Como resultado la persona observa una secuencia nítida, una animación estable donde las imágenes se fusionan y logran el efecto animado. Aquí no se usa el disco estroboscópico sino una tira. El zootropo lo inventa W. G. Horner. Es un invento que parece que ya estaba configurado hacia 1850 pero que no tendrá una salida comercial real hasta 1875. Tuvo mucho éxito. Se mira por las ranuras y se ve una recomposición del movimiento. Se compone de dos partes: un mástil que gira sobre si mismo y un cilindro con la parte superior con ranuras y la parte inferior maciza donde está el dibujo hacia el interior. Algunos tenían una luz incorporada. La cámara oscura es la base de la fotografía. En un espacio oscuro donde se deja entrar la luz solamente por un punto y se verá la imagen exterior en la pared de enfrente pero invertida. La cámara oscura ha sido muy utilizada históricamente por los pintores, sobre todo los de paisajes. Esta facilitaba sensiblemente el trabajo. Los pintores tenían cámaras oscuras portátiles para poder acomodarse a los distintos lugares de trabajo. La primera fotografía documentada es de 1837 y fue tomada por Nièpce. En el siglo XVIII van a hacer fortuna los espectáculos de proyección con lo que conocemos como la linterna mágica , una máquina con una luz fuerte y una lente que es capaz de que la imagen se proyecte sobre un fondo oscuro. La cámara oscura y la linterna mágica juntos son importantes para los principios del cine. Von Ochatius va a tener un invento brillante que no comercializa que es combinar el fenakistiscopio con la linterna mágica, con lo que tendremos las primeras proyecciones de imágenes en movimiento. Esa misma idea la tiene también un francés, que si la comercializa, llamado Julies Dubosq. Estos dos son considerados los padres de los dibujos animados. Los dibujos animados no pueden ser cinematográficos porque no se basan en la fotografía. El dibujo como producto artificial siempre va a crear una síntesis arbitraria y no real del movimiento. Los dos provocan las primeras proyecciones en movimiento de dibujos animados.
cronofotógrafo. Lo que hace es incorporar un depósito giratorio de placas que es capaz de moverse a alta velocidad y tomar las imágenes muy rápido, por lo que va a captar las primeras secuencias reales de movimiento. La cámara dispara tan rápido que las imágenes se solapan unas con otras. Con este aparato el problema de la toma de imágenes ya está resuelto. Ahora quedan por resolver dos problemas, la proyección y el arrastre. Renaud va a seguir investigando en el praxinoscopio, investigando la proyección. Inventa el praxinoscopio teatro , que es un praxinoscopio convencional al que se le incorpora un mecanismo capaz de que las imágenes en movimiento se proyecten. Renaud lo va a seguir perfeccionando inventando el teatro óptico , un praxinoscopio teatro bastante mayor y destinado a una proyección a nivel profesional. Hay varios focos de luz que iluminan la tira, ahora mucho mayor, la linterna mágica proyecta las imágenes y el proyector está detrás de la pantalla. Las imágenes se proyectan en una pantalla de tela. Renaud pinta sus propias tiras, unas tiras larguísimas. Al ser imágenes pintadas reconstruyen de forma arbitraria una síntesis no completa del movimiento. Resuelve en cierta medida el tema de la proyección. Muybridge perfecciona el teatro óptico con el zoopraxiscopio. Se basa en el uso de discos y las imágenes que tiene se han impreso a partir de fotografías. El hecho de que sea un disco no permite contar una historia. La ventaja de este es que proyectaba mucho mejor. George Demeny mejora el zoopraxiscopio con la invención del fonoscopio , el cual permite la proyección de imágenes en movimiento sincronizadas con sonido. George Eastman ha pasado a la historia como el inventor de la película flexible, la película de celuloide que se ha usado hasta ahora. Trabajaba para Kodak y propone el abandono del papel y su sustitución por carretes de celuloide que al ser flexible tienen una calidad de imagen y proyección superior y además tardan en estropearse mucho más que el papel. El problema de la proyección ya estaba resuelto, ahora falta el tema del arrastre. Marey pone en práctica el descubrimiento inmediatamente. Todos estos avances en el campo de la proyección y el descubrimiento del carrete de celuloide los sintetiza Skladanowski con la invención del bióscopo. Es el aparato que podemos considerar como padre del cine. Es el primer aparato que toma las imágenes y las proyecta sintetizando el movimiento con una calidad bastante aceptable. Muchos de los primeros directores comienzan a trabajar con el bióscopo. El problema de este aparato es que no resolvía el problema del arrastre, la película no quedaba debidamente sujeta al aparato y producía problemas a la hora de la proyección, problemas de
sincronía porque el aparato no arrastraba correctamente la película. Es un invento de
El problema del arrastre se resuelve perforando la película, así se resuelve el problema de la sujeción. Esto lo hace Edison. Él inventa el fonógrafo , un invento que graba y reproduce el sonido. Aplica el fonógrafo al kinetoscopio ( kinetoscopio de Edison ), una caja que de forma individual permite a un solo espectador ver una película de esta manera con sonido sincronizado. La película es sucesivamente arrastrada a través de muchas ruedas y por ello resulta imprescindible la perforación. La película se tiene que mover a una velocidad adecuada y de manera intermitente. B- EL CINEMATÓGRAFO Con todos estos avances tenemos ya todo lo necesario para que los hermanos Lumiere se pongan a trabajar sobre el que va a ser el aparato que dé lugar al cine como lo entendemos hoy. Ellos eran científicos y no tenían intención comercial, de hecho quien lo comercializa es el padre de estos. Comienzan a trabajar en 1894 sobre un kinetoscopio de Edison e inventan el cinematógrafo. El cinematógrafo aúna todas las funciones que hemos estado viendo: es una máquina que toma vistas, proyecta y arrastra la película, inventan el cinematógrafo resolviendo los tres problemas existentes. Es una máquina muy sencilla, ligera, con un precio asequible y su manejo era sumamente sencillo. Se patenta el 13 de febrero de 1895. El 22 de marzo tiene lugar la primera exhibición con un carácter semipúblico ante los científicos de la Academia francesa y otras instituciones. El 18 de diciembre de 1895 tiene lugar la primera exhibición pública. El telar mecánico Jackward es un invento de esta época para hacer encajes a máquina, los encajes hasta este momento eran muy caros porque se hacían a mano y esta es la primera máquina que los hace solos. Louis Lumiére se basa en este aparato para llevar a cabo el arrastre de la película fotográfica en el cinematógrafo. Esta máquina trabajaba con movimientos intermitentes y con velocidad programada. La primera exhibición pública tiene lugar en el Bulevard de Capuchinos en el Gran Café. Se organizan tres sesiones de exhibiciones diarias. La entrada era de 1 franco por persona, algo bastante caro en la época. Duraba 20 minutos y se componía de 10 películas. El primer día hay un fracaso total, solo se recaudan 35 francos. Pronto se empieza a correr la voz y en unas semanas hay recaudaciones de 2500 francos. El cine se convierte de esta forma en un espectáculo de moda en París y los Lumiere y su padre empiezan a ver las posibilidades de explotación, pero los Lumiere nunca confían en que este pueda ser un invento duradero.
Se sigue proyectando en el Café de la Paz en París, acudiendo a él cada vez los estratos más bajos. Se comienza la proyección ambulante por las ferias en los pueblos más recónditos. 1.2- EL NACIMIENTO DE UNA INDUSTRIA En la Exposición Universal de París de 1900 el cine tenía que estar presente, pero era algo ya muy bajo. Lo que se trataba era de innovar y ofrecer grandes adelantos. Se presentaron películas en color, pantallas gigantes, en definitiva un intento desesperado por sacar a flote el cine. Tuvo éxito y comienza a ser un arte de producción relativamente valorado. Las personas iniciadas en el cine se dan cuenta en este momento que la manera de hacer que el cine triunfe es que sea un espectáculo, que evolucione y se vayan presentando novedades. En esos años de la crisis, 1897-1900, se destacan dos figuras que son los responsables de la industrialización del cine. El primero es León Gaumont , va a ser el primero en acercarse al cine con una visión comercial y también auténticamente industrial. Se plantea la producción masiva del cine y su explotación por distintos lugares. Entonces el cine valía unos 10 francos por metro y las películas median entre 50-60 metros. Para rentabilizar esos costes inventa un sistema de alquiler de películas entre los distintos empresarios que contratan sus espectáculos y de esta manera abarata los costes. Los otros dos personajes que llevan esto al extremo son Emile y Charles Pathé. Son los responsables de la primera industria cinematográfica en Europa y que conquista América. A- LA GUERRA DE LAS PATENTES William Mckinley (25º presidente de Estados Unidos) es el responsable de esa famosa doctrina que se resuelve en aquella frase de America para los americanos. Esto ampara la maniobra que se lleva contra los operadores de Lumiere. Las empresas americanas por entonces estaban representadas por la mutoscope , la biographe y la edison. Estas se unen con el apoyo de Mackinley, se libran de los franceses y una vez hecho esto se enfrentan entre ellos. Mckinley apoya a la mutoscope y la biographe contra la edison. Comienza en 1897 y se conoce como la Guerra de las patentes. En 1897 Edison decide hacerse con el mercado norteamericano haciendo valer una patente de 1891, era la patente del kinetoscopio. Esa patente le daba derecho sobre todos los aparatos derivados del kinetoscopio durante 17 años, lo cual era un desastre para el resto de compañías porque les impedía cualquier posibilidad de crecimiento. El resto de compañías se alían contra Edison y establecen un pleito que se resuelve con un
acuerdo. En 1900 la biographe con la ayuda del resto de compañías compran la patente de Edison por 500000 dólares. Edison acepta el acuerdo, se queda con el dinero pero no se queda contento, establece otro pleito contra el resto de compañías y posteriormente otra cantidad de pleitos hasta 1908 en lo que se conoce como la Guerra de las patentes. Se da por terminada el 15 de diciembre de 1908, cuando se celebra un gran banquete de gala en el que se firma otro acuerdo. En este Edison, que ve que no va a ser capaz de ganar a las demás empresas, vende la patente de todos los aparatos y tiene que recibir anualmente un canon de 150000 dólares que será pagado por el resto de compañías. A partir de 1908 en los Estados Unidos el mercado está dominado por un lado por Edison, la mutoscope, la biographe a las que se alía la Pathé. Surgen otras compañías que se llamaron independientes. Las compañías que se enfrentaron a Edison forman lo que se llamó el trust, quien maneje realmente el mercado anglicano hasta que comience el auge de los independientes. Durante este periodo de la guerra de las patentes va madurando la industria del cine. Desde 1900 comienzan a aparecer salas especializadas para la proyección de películas ya propiamente cinematográficas. Adoptan el nombre de cine-odeon por su similitud con los auditorios de música y pronto adquieren el nombre de niquel odeon. El níquel es una moneda de cinco centavos, el precio habitual de las entradas de cine. B- LA GUERRA DE LOS INDEPENDIENTES La industria del cine en Estados Unidos se ve muy favorecida por el fenómeno de la inmigración. Entre estos europeos que llegan aquí tenemos que recordar a cuatro: a- Adolf Zukor se dedicaba a la peletería en Chicago. Adquiere una sala de proyecciones en Chicago y pronto se traslada a Nueva York y allí crea su propia productora, el rodará las películas que proyectará y venderá a otras salas de exposición. La productora recibe el nombre de Paramount. b- Marcus Loew termina comprando su sala de proyección y haciendo una productora llamada Metro Goldwin Meyer. c- William Fox sigue el mismo camino de los anteriores, fundador de la productora Fox. d- Carl Laemmle va a ser el fundador de la Universal. De esta forma mientras se produce la Guerra de las Patentes han nacido las cuatro grandes compañías que van a manejar el mercado americano y mundial. Estas cuatro compañías y otras más pequeñas forman el grupo de los independientes. Se forman al margen del trust y por ello reciben ese nombre. En 1910 comienza la Guerra de los Independientes.
Estas escenas pronto provocan el aburrimiento de los espectadores. En 1896 nos encontramos con la primera película donde hay una trama narrativa. Dura un minuto y se llama El regador regado. Es la primera comedia de la historia del cine, una comedia muy ingenua cuyo argumento es un jardinero que riega sus flores y se queda sin agua, mira la boca para ver que pasa y lo que pasa es que un chico la está pisando, la suelta y el jardinero se moja. Acaban a golpes. La crítica siempre ha sido muy injusta con esta película, pero forma parte del snobismo de esa crítica. La gente veía en este una chabacanería que traspasaba lo científico. El cine se empieza a cuestionar por ese primer público culto que había tenido. Es valiosa porque es el primer intento narrativo y cómico del cine. Dentro de su simplicidad tiene una cierta complejidad. El cine desde una época muy temprana comienza a expresar una voluntad, un deseo hacia lo narrativo y hacia la ficción. El operador que rueda El regador regado fue Francis Doublier en 1896. Ese mismo año va a hacer el primer reportaje de sociedad de la historia, La coronación de Nicolás II. Es una película breve que recoge distintos momentos de esa fastuosa ceremonia.
B- PRIMERAS PELÍCULAS EN ESPAÑA
En España uno de los primeros que se dedican a rodar y proyectar películas es Eduardo Jimeno Correas. En 1896 filma la primera película documentada en nuestro país. Se titula Salida de misa de 12 del Pilar de Zaragoza. España es otro país que desde el punto de vista cinematográfico ha salido perjudicado por parte de la crítica. Pero España es uno de los primeros países en experimentar con las posibilidades narrativas del cine. Fructuoso Gelabert era un ebanista de Barcelona que se hace con un cinematógrafo y en seguida comienza a experimentar y en 1897 nos muestra una de las primeras ficciones de la historia del cine. La película es Riña en un café y trata de una pelea ficticia. Anticipa la violencia como elemento muy atractivo para el público. C- GEORGE MELIÉS George Meliés es una figura capital. La crítica siempre le ha dado un tratamiento muy ambiguo. Algunos lo apedrean y otros reconocen su mérito. Es el primer verdadero director de cine, hace películas con intención narrativa y dramática y es el primero que aprovecha los recursos del cinematógrafo para la ficción. Meliés va a ser el primero en contar historias, en abrazar la ficción y en aprovechar los recursos expresivos que le
daba el aparato. Meliés era un ilusionista que hacía espectáculos infantiles en un teatro de París. Cuando se ponga a rodar películas hace lo mismo con unas posibilidades muy diferentes. Hace con el cinematógrafo espectáculos de ilusionismo dedicados a los niños. Meliés asiste al estreno del cinematógrafo y le pide a Antonio Lumière, el padre de los Lumière, que le venda el aparato y este se niega. Entonces empieza a trabajar con un aparato mucho más rudimentario, con un bióscopo perfeccionado por Robert William Paul. Con esto Meliés comienza a tomar vistas de la realidad del París de su época, como los Lumière. Una de las primeras películas de Meliés fue rodada en 1896 y se llama Una partida de cartas. Meliés en un primer momento usa el cinematógrafo de la misma manera que los Lumiére, tomando la realidad ante la cámara, la cual se planta fija y representa lo que pasa. Meliés trabaja de esta manera durante unos meses pero un día tiene un pequeño accidente: se sienta en la terraza de un café donde planta el cinematógrafo para grabar, un perro se chocó y encasquillo la película, pero él no se da cuenta. Cuando visiona esas tomas se da cuenta de que en un momento dado pasan un grupo de monjas, se corta y lo siguiente que pasa es un coche fúnebre. Quedaron en blanco unos minutos en medio de manera que ese grupo de monjas misteriosamente se convierten en un coche fúnebre. Él se da cuenta de que había pasado y decide explotar esa posibilidad que acaba de descubrir. Con ello empieza a manipular la realidad de una manera rudimentaria pero consiguiendo efectos sorprendentes para la mentalidad de la época. Meliés trabaja en el teatro Robert Houdon, que fue su propia tienda de artículos de magia. La primera película en la que ensaya ese recurso que acababa de descubrir es en La desaparición de una dama de 1896. Una chica sentada en una silla es tapada con un saco y cuando la destapan la chica ya no se encuentra en la silla. Es un recurso sencillo que causó un asombro absoluto entre el público. En ningún momento se aprecia el corte. Al año siguiente hace Fausto y Margarita , donde hace lo mismo pero dando una vuelta de tuerca. Sustituye a una mujer por la figura de Mefistófeles El teatro Robert Houdon lo adapta Meliés para proyectar las películas. Meliés aporta al cine lo que hoy llamamos el atrezzo, se plantea la elaboración de decorados y de un vestuario acorde con lo que la película está narrando. Él mismo va a ser el intérprete de sus propias películas. En 1898 hace Magia diabólica , protagonizada por un grupo de demonios.
como un decorado teatral. Trabaja en una habitación rectangular donde vemos lo mismo que en un escenario de teatro. No explota los muchos recursos expresivos que le brinda el cine, está muy lejos de alcanzar el verdadero realismo cinematográfico. D- LA ESCUELA DE BRIGHTON Inglaterra aporta una máquina importante en estos momentos y que fue la que empezó usando Meliés, el bióscopo de Robert William Paul. Robert William Paul se hizo de oro gracias al cine. Recibe el encargo de unos empresarios griegos de imitar el kinetoscopio de Edison porque no estaba patentado en Inglaterra, por lo que conseguir patentar esa máquina iba a ser un éxito. Hace un kinetoscopio y lo patenta en Inglaterra. Sigue investigando y sobre el bióscopo de Skladanowski hace el suyo. La gran aportación inglesa al mundo del cine se produce en Brighton. Brighton durante el siglo XIX es una ciudad de moda, el primer ejemplo nos lo brinda el Pabellón Real, que se levanta en 1815 como residencia real de verano. Es una ciudad costera y se convierte en un destino de vacaciones de moda en toda Europa. En ese Brighton de finales del XIX trabaja William Frieze Greene. Es un fotógrafo londinense muy famoso en su época que se traslada a Brighton para trabajar con la gente que iba a la playa y se quería fotografiar. Le entra la obsesión de conseguir un método efectivo de fotografía en color. Empeña todos sus bienes por este proyecto y acabará en la cárcel por deudas. El hecho es que Greene tiene el interés para la historia del cine de ir ampliando los horizontes que experimentaron los Lumiére y Meliés. Concibe el cine como un espectáculo que puede centrar su atención en aspectos de la realidad en los que puede haber una carga estética y expresiva y una posibilidad narrativa. Greene supone que en la realidad sin los efectos especiales y sin cientifismo hay aspectos expresivos y suficientemente narrativos. Una breve filmación suya de 1896 representa a una pareja con su hijo desayunando. Incorpora un carácter emotivo y expresivo a la narración. A partir de esos experimentos de Greene, el primero que indaga en realidad en el cine y que consigue novedades importantes es James Williamson (uno de los contratados de Greene para hacer experimentos). Es un boticario, es una persona muy relacionada con la química y conocedora de las emulsiones aptas a la hora de tomar las imágenes. Los primeros experimentos que lleva a cabo con un espíritu ya cinematográfico los hace en las regatas de Henley. Tiene la perspicacia de presentar alternativamente imágenes del público e imágenes de los concursantes, por primera vez la cámara se mueve, está rodando cosas diferentes (realmente no se mueve). Van a ser escenas alternas de una misma realidad. Con esto el lenguaje cinematográfico se está
modernizando de una manera brutal. En 1899 experimenta con un nuevo recurso llamado travelling, que es el desplazamiento real de la cámara. Graba imágenes de las carreras y del público realmente en movimiento. En 1900 rueda la que podemos considerar la primera película moderna. Es una cinta de cinco minutos llamada Asalto de una misión inglesa en China. Era un tema de actualidad. Tiene una estructura narrativa completa. Está construida en cuatro cuadros: a- En el primer cuadro aparecen las puertas de la misión y se produce el ingreso furtivo de los chinos a la misión. b- En el cuadro segundo se produce el asalto a la misión. Llegan a la casa del pastor, este se defiende y lo asesinan. Al final aparece la mujer en un balcón agitando un pañuelo en señal de auxilio. c- El cuadro tercero presenta un escenario completamente distinto. Desde un fuerte militar el ejército comienza a tomar posiciones y salir hacia la posición inglesa. d- En el último cuadro se produce el rescate de la misión y el final feliz, el capitán acaba con la hija del pastor. Presenta la estructura de muchas películas de acción prácticamente hasta nuestros días. Se usan además varios escenarios. Esta diversidad de escenarios es una novedad inédita en la historia del cine. Esto nos está hablando ya de un uso maduro del montaje, un recurso esencial del cine. El montaje consiste en ordenar la historia seleccionando las omas que interesan, cortándolas y pegándolas en el sitio en el que quieres que se sitúen. El mismo autor, James Williamson, introduce otro recurso que llega hasta nuestros días, las persecuciones cinematográficas, la manera en la que están formuladas son una creación suya. Antes de Williamson, Meliés hizo persecuciones y se materializaron igual que en el teatro, dando vueltas por el escenario. Ahora con el montaje se puede hacer una persecución que de sensación de realidad. La primera en la que se consigue esto es de 1901 y se llama Al ladrón. El autor que finalmente madura los procedimientos de Williamson es otro fotógrafo llamado George Albert Smith. De él tenemos que recordar especialmente una película llamada La lupa de la abuela (1900). Es una película muy tierna con ciertos toques de vanguardia que destaca por la inclusión de un buen número de primeros planos (que hasta entonces no eran habituales) y de primeros planos manipulados por lentes (primeros planos de ojos mirando por una lupa). Con todo esto se va avanzando de una forma muy rápida en la experimentación cinematográfica, se buscan nuevos recursos para captar los detalles.
Max Linder. Los tópicos cinematográficos que llegan hasta hoy se generan muy pronto. En 1920 con un invento la Pathé pone el cine al alcance de cualquier usuario, la Pathé-Baby. Es una cámara de video amateur para que las familias rueden sus ocasiones familiares y luego se proyecten en familia.
- FERDINAND ZECCA Para la casa Pathé trabaja Ferdinad Zecca. Es quien nos aporta la tercera novedad que hacía falta para hacer un cine completamente maduro. Tenemos la puesta en escena y el montaje. Va a aportar la estructura narrativa. Al conseguir la puesta en escena, el montaje y la estructura narrativa nos lleva a una concepción completamente moderna y contemporánea del cine. Es un fotógrafo húngaro que pasó mucho tiempo en Inglaterra y conocía a los maestros de la escuela de Brighton. Se inspira en los avances que tanto ellos como Meliés consiguen. Se especializa en un tipo de películas de acción, entre ellas la más famosa es El golpe o Historia de un crimen (1901). Esta película tiene un éxito enorme. Presenta obras en clave moralista como Las víctimas del alcohol en 1903. En 1903 nos encontramos con la gran película de Zecca dentro de la casa Pathé que es La Pasión. Superaba la media hora de proyección, algo totalmente inusitado. Relataba de una forma muy iconográfica, reproduciendo cuadros incluso, la vida de Cristo. En esta película, la que más se recuerda de él, sin embargo la estructura narrativa está muy difusa. Lo que hace sencillamente es adaptar los tópicos iconográficos del mundo occidental al cine. Una película que se rueda en Australia es un ejemplo de como las aportaciones de Ferdinand Zecca se distribuyen por el mundo rápidamente. Es de 1910 y se llama The slippery Jim. La rueda para la Pathé de los Estados Unidos. Ya se puede hablar de un cine maduro, moderno y completamente logrado. F- ESTADOS UNIDOS De nuevo en Estados Unidos en la casa Edison hay un estudio que llamaban la Negra María y que era una gigantesca cámara oscura, era una caseta móvil de metal pintada de negro por dentro y por fuera y cuyas cubiertas se podían levantar y cerrar a placer para regular cuanta luz se necesita. La casa Edison se sirve de este estudio tan rudimentario desde finales del siglo XIX hasta después de 1915. Las películas que se ruedan en Estados Unidos en esta época tienen el mismo signo de las que se ruedan en Francia. Un ejemplo es la película erótica de 1897 titulada El beso. Dura un minuto y ofrece un primer plano de una pareja que se besa. Es de la casa
Edison. Es tan corta porque está pensada para proyectarse pero también para verse a través del kinetoscopio. Edison pensaba en los dos mercados y por ello las primeras películas de esta casa son tan cortas. El cine religioso en los Estados Unidos lo representa en estos momentos Sigmund Lubin que entre 1900 y 1910 va a dirigir películas de tema bíblico para las distintas productoras. 1.4- LA MADURACIÓN DE UN ARTE A- EDWIN STANTON PORTER El primer gran director de cine norteamericano es Edwin Stanton Porter , director de Asalto y robo a un tren. La rueda en 1903 para la casa Edison, la primera película que se puede considerar como un producto maduro en torno a una trama narrativa y unos recursos expresivos que prácticamente llegan hasta hoy. Esta película es la maduración de las tres experiencias que se habían llevado en Europa por parte de Meliés, la escuela de Brighton y Zecca. Es una historia que se cuenta de una forma perfectamente lógica, sin saltos narrativos que resulten chocantes sino que vemos una solución temporal expresada por mucha coherencia. Se preocupa en la empatía con el espectador. Otra aportación de esta película es que va a fijar los grandes tópicos de las películas del oeste. Se utiliza el primer plano de una manera muy expresiva. Pone en marcha la interactividad con el espectador en el final de la película. Uno de los protagonistas es George Barnes , otra de las incipientes estrellas de principios del siglo XX. El éxito de esta película fue enorme, entonces tanto Porter como Edison van a ahondar en esta estructura narrativa con tramas más complejas. Entonces se estrena otra obra de Porter en 1904, La casa del tío Tom. Es una película con mucho éxito en su momento. De 1904 tenemos otra obra fundamental de Porter, El exconvicto , también de la casa Edison. Es una película muy crítica con la sociedad de su época. Trata las dificultades de un exconvicto para integrarse de nuevo a la sociedad. En relación con Porter hay que mencionar a otro director, Charles Tait. Trabaja junto a Porter en la casa Edison y es uno de los padres del cine australiano. De Estados Unidos se va a Australia y en 1906 filma La historia de la banda de Kelly. Se distribuye por todo el mundo. Es una película del oeste que presenta esa visión ambigua de que el vaquero es el malo pero también el héroe. B- EL FILM D´ART
