¡Descarga Expresionismo: El Color y la Emoción en las Vanguardias Históricas - Prof. Izquierdo y más Apuntes en PDF de Periodismo solo en Docsity!
Tema 7: Expresionismo
En los primeros años de existencia de las Vanguardias Históricas (aquellas que surgen antes de la II Guerra Mundial), resulta interesante comprobar cómo fue el color el gran protagonista en los debates entre artistas, escritores y críticos de arte. Investigar sobre la naturaleza y sobre los efectos del color fue una de las vías más directas para hacer vanguardia, para alejarse del arte convencional y pronto cristalizaría en los primeros istmos: el Fauvismo y el Expresionismo, surgidos ambos hacia el año 1905. El Expresionismo se acerca de otra manera que el Fauvismo al color. Expresividad se puede aplicar a cualquier obra o periodo de la historia del arte como por ejemplo Munch, Goya... Es una acepción doble: nos remite a esas formas de trabajar y por otro lado un movimiento artístico. Hay diferenciar que Van Gogh es un artista expresivo pero no expresionista. Este movimiento surge en 1905 en Alemania, y durará hasta los años 20.
Influencias: Se establece un paralelismo temporal entre los fauvistas y los expresionistas alemanes. En realidad, cuando los artistas franceses en 1905 están a punto de consolidar un estilo propio, los segundos se encuentran sumidos en esa fase formativa.
- Van Gogh: ejecución libre, personal, impulsiva, y pasional.
- Gauguin: exotismo y primitivismo. De gran influencia en los nazis y los fauvistas, por su trabajo con el color y la línea.
- Ensor: pintor de escenas macabras y sarcásticas llenas de simbolismo que tematizan la desconfianza en la humanidad.
- Munch: artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos básicos humanos, como el miedo, el horror, la muerte, la soledad y la angustia.
Características generales. El gran reto del Expresionismo es que recoge experiencias de su mundo interior y debe armonizarlas con las impresiones que recibe del exterior, de la naturaleza. Para ellos el arte debe ser una consecuencia de las vivencias anteriores, sin superficialidad de las cosas, sino sobre todo a través del espíritu, lo que les va a hacer que sean más filosóficos, introspectivos. "Poética de evasión" que les lleva a concentrarse sólo en su arte alejándose del resto de la sociedad. Impresionismo es lo contrario a expresionismo. Otros puntos de partida de este movimiento es su rechazo a la burguesía triunfante.
Los expresionistas se implicaron, primero de forma individual y después de manera social, en las realidades que les tocó vivir. Esas realidades no eran agradables por lo que rechaza lo negativo de la sociedad. Es un grupo joven, radical, y son gente que tiene mucho empuje y muchas ganas de cambiar las cosas. Los artistas rechazan el presente que les ha correspondido, y se enfrentan a él mediante la admiración por otras épocas y culturas. Así, no dudan en acudir a las raíces populares y nacionales del pueblo germánico para oponerse a la herencia clásica de Grecia y Roma que seguía vigente en las academias de Europa. Intentan romper con los conceptos de belleza. Rechazan la belleza, la armonía e idealismo. Se decantan por una imagen más grotesca, agresiva. Y para ello se van a servir de un recurso: la caricatura, donde intentan poner de manifiesto los elementos diferentes del rostro, sobre todo fijándose en los defectos. También el arte primitivo desempeñó un papel relevante en el nuevo lenguaje, como estaba sucediendo de manera simultánea en el Cubismo y en el Fauvismo. Dentro del movimiento nos vamos a encontrar varios focos y tendencias:
- Uno de los grupos surge en Dresde entre 1905 y 1910, donde se unen un conjunto de artistas llamando al grupo " El Puente ". Este grupo se va a Berlín, y durante un tiempo van a realizar su labor hasta 1917, pero después, unida a la IGM, hay una nueva objetividad dentro del grupo.
- El segundo grupo es el llamado “ El Jinete Azul ” 1910-1914 que se desarrolla en Múnich.
El Puente: Dresde (1905-1910)
El nombre tiene el significado: el paso o la unión entre el arte nuevo y la sociedad actual. Hay que establecer vías de comunicación para llegar a la gente. El primer proyecto de marketing artístico que conocemos en la historia del arte lo crean ellos. Ellos buscan un almanaque (revista) donde publican, escriben o hacen publicidad de sus exposiciones. Este almanaque lo diseñan ellos mismos. También hacen: catálogos, carteles, invitaciones... Todo aquello que permita difundir sus propuestas. Se trataba de un grupo de jóvenes amigos sin formación académica en bellas artes. Este primer grupo pretendía convertirse en un puente que uniera el nuevo arte con la sociedad, en especial con sus miembros más revolucionarios. El puente era un grupo abierto, sin dogmas políticos ni estéticos, abierto y destinado a los jóvenes. En esta primera etapa el movimiento busca una unidad de estilo, no debían destacar uno frente a otro, el grupo trabaja en común. Por lo que intentan realizar obras donde intervengan varios artistas. Es un trabajo de conjunto.
Características comunes: La utilización de la técnica xilografía: grabados sobre madera de los cuales se pueden hacer muchas tiradas, de esta manera van a popularizar el arte. Esta técnica que era considerada un arte menor pasa a considerarse de arte mayor gracias a este movimiento. Esta técnica da un efecto salvaje, bruto, inmediato, directo, sin arrepentimientos. Los planos son muy angulosos y dislocados, y las escenas son degradadas y apretadas. El color: colores simultáneos, van a experimentar con el blanco y negro, sentimientos y emociones. Tonos vivos no realistas. El color es considerado un recurso artístico más destacado y donde se concentra todo el espíritu del objeto o del ser humano retratado.
Nos encontramos con un estilo común en esta época. Todas las obras que nos encontramos son grabados como: Desnudo sobre alfombra y Dos nativos de Palau de Max Pechstein, influencia de la escultura de Gauguin.
Más obras como: Max Pechstein (1881-1955) con Bañistas (1912).
perdido, una unión con Dios, es una unidad entre el ser humano y el mundo natural. Todo esto se expresa a través del desnudo. Para ello se van a los Lagos de Moritzburg donde veranean con sus modelos. Gusto por convivir, disfrutar del entorno. Por ello encontramos a los artistas con las mismas temáticas: las tres gracias, desnudos.
Desarrollan un método: " el desnudo del cuarto de hora " donde las modelos cada cuarto de hora debían cambiar para pintarla de varias posturas. En el expresionismo urbano: exageran las extremidades, los rostros, las caras... Espacio decadente y falso. Se contrasta con colores falsos. Aparecen plumas en sus vestidos porque son prostitutas. Banalidad, esnobismo y superficialidad.
Max Pechstein (1881-1955)
Es uno de los primeros que se embulle en esta estética. Es posible que sea el pintor más ligado a las escenas naturales y a la fusión del desnudo con las mismas, pero, aun así, en su pintura se aprecian ciertos cambios respecto a lo que venía haciendo en los años anteriores. Sus desnudos ya no se distinguen tanto por la vivacidad cromática espontánea cuanto por el modo en que los contornos de un cuerpo más plásticos se integran en los ritmos de los árboles y las colinas. Al aire libre, bañistas de Moritzburg (1910): no es importante el dibujo sino transmitir la idea. Sobre todo la intensidad del color, la fuerza emocional que transmite.
Tres desnudos en un paisaje (1911): serían las tres gracias: no se puede vivir más a gusto que viviendo en la naturaleza. Sus volúmenes armoniosos, de enorme simplicidad formal, sólo se distinguen cromáticamente de lo que los rodea por sus gruesos trazos negros, pero más, que por la violencia de sus rojos, están impregnados por una calma y una voluptuosidad en un paisaje idealizado que les acerca a Matisse, algo que es todavía visible en ciertas litografías.
Verano en Nidden (1919-1920): en esta obra el dibujo es mucho más marcado. El sol marca el dinamismo, las fuerzas, es algo que se utiliza en el Futurismo, es la influencia también del mundo cubista. Mayor estructuración y geometría que en el cuadro anterior. Mayor cristalizado, con ángulos más marcados.
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)
Volcado siempre en la naturaleza, en 1912 introduce ciertos cambios decisivos en dos direcciones. La primera modifica el volumen de los cuerpos, y la segunda sus desnudos se condensan.
Muchacha en el baño (1912): utiliza el icono de la mujer para convertirla en un prototipo de la naturaleza. Son meramente dibujos con cuatro líneas. Busca la intensidad y contrastes de colores en las distintas partes del cuerpo.
Después del baño (1912): aquí destacan los rostros que son alusivos a la cultura africana, la máscara africana. Las corrientes primitivas se mezclan en el arte. En esta obra conjuga la todavía plasticidad de los cuerpos clasicistas con los rostros bárbaros.
amarillo-ocre de las rocas, mientras todo el resto se halla tamizado por las transparencias de unas formas prismáticas y cristalinas que se refractan en la límpidas y tranquilas aguas del lago.
Otto Mueller (1874-1930)
Tres desnudos en el bosque (1911) también convive con la naturaleza con tonos más bajos. No se cultiva la erótica provocadora o las deformaciones, ni se libera de los colores locales, sino que todo se sacrifica en aras de una armonía de tonos amarillentos, ocres y marrones envolventes y volúmenes bien definidos a través de gruesos trazos negros, con la naturaleza. Ajenos a los tonos violentos y complementarios de sus compañeros expresionistas o a las vibraciones lumínicas del impresionismo ambiental, todo transpira una espontaneidad y frescura naturalista que se acerca a la serenidad del movimiento clasicista de las Tres Gracias.
Dos muchachas entre las dunas (1922) formas más angulosas, protagonismo femenino.
Pareja de enamorados (1919), se hace famoso con estas obras ya que gustan mucho a la sociedad de la época. Mujer gitana (1930) también se encuentra dentro de esta serie.
Emil Nolde (1867-1956)
Uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes, cuyo crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional. Estuvo muy influido por Van Gogh, Munch y Ensor. Las ansias de encontrar una vida no corrompida todavía por la civilización del hombre blanco y de beber en las fuentes primigenias que fluyen del arte “salvaje” fueron los móviles que le impulsaron a embarcarse en tal aventura. Busca un efecto salvaje, animal, donde introduce sus tradiciones más folclóricas como en La danza del becerro de oro (1910), el color amarillo invade la obra, búsqueda del primitivismo.
Bañistas bajo los árboles (1913)
El juicio de París (1913)
Autorretrato como soldado (1915): es un autorretrato ficticio, no tiene mano. El considera que la IGM les ha cortado algo, su libertad, y él crítica esa pérdida retratándose sin mano.
Kirchner va a pasar de la naturaleza a la ciudad donde busca reducir la ciudad a algún aspecto que lo identifique: emblema, calle, monumento. En la obra La torre roja en Halle (1915) juega con las perspectivas y aquí aparece el emblema de la torre.
Otra característica en la obra: Calle con buscona de rojo (1914-1925), son personajes grotescos, que deambulan por la ciudad, reflejan los vicios de la ciudad. En el centro de la composición está la prostituta, convirtiéndose en la crítica. La composición está en forma de X donde el punto donde convergen las líneas es el bolso de la mujer. Esta obra pertenece a una serie de escenas callejeras berlinesas con prostitutas como protagonistas. Las mujeres, por lo general de un canon muy estilizado y siempre elegantemente vestidas, aparecen en primer plano caminando, a veces absortas y otras lanzando rápidas miradas. Únicamente sus grandes sombreros con plumas delatan su condición. Alrededor de ellas hay hombres, también vestidos elegantemente y tocados con sombrero. El alineamiento de estos y la repetición de sus actitudes le da un cierto aspecto de autómatas.
Como en otra obra: Ciudad apocalíptica (1913) representa a la ciudad como si fuera pecado. En la ciudad se vive con vicios, impera la hipocresía y Meidner rechaza esta forma de vivir de los personajes. Las pulsiones expresionistas de los contrastes cromáticos acentúan las cualidades emocionales y se ven reforzadas por los ritmos, la agitación febril, la tensión y la desintegración de las formas. Todo se desparrama y los ángulos rectos de las calles y sus arquitecturas huyen precipitadamente, las líneas de fuerza se interseccionan según perspectivas múltiples, mientras las casas se desmoronan, envueltas en llamas, como si estuvieran sacudidas por los efectos de un seísmo.
Ciudad en llamas (1913) en contraposición a Kirchner, trata el asunto desde fuera.
George Grosz (1893-1959)
Es otro de los artistas más impactantes del Expresionismo. Se centra en la ciudad desde el punto de vista negativo, pintando todo aquello que le produce repudio de la ciudad. Va a ser uno de los críticos más fuertes. Grosz nos ha dejado tres composiciones muy significativas esa fiebre o efervescencia incontenible que se desprenden de un “exceso de vivencia”, de un sentir crepuscular y de las palpitaciones de un corazón compasivo.
Metrópolis (1916) nos muestra una ciudad bañada por la tonalidad roja (el tono rojo es el de la pasión), los seres que aparecen en el cuadro son seres que están corriendo, están violentados, y vemos como la ciudad se convulsiona, los habitantes son un amasijo de figuras, máscaras. Hay elementos que nos recuerdan a la modernidad: la arquitectura, la farola, los luminosos, la publicidad, el hotel... Nos describe una ciudad moderna que disfruta de todos los avances.
- Homenaje a las vanguardias históricas: detalles cubistas en algunas arquitecturas del primer término, las casas son bloques geométricos y rotundos, como el primer cubismo de Picasso y Braque.
- Función crítica del arte: en el lienzo se desarrolla una dura crítica a la ciudad alienada, cuyos habitantes están dominados por las prisas. Las figuras se confunden en un mar de asfalto y adquieren el aspecto de autómatas.
- Ecos expresionistas: formas desgarradas, deformes, que acompañan al pintor durante su carrera. También la paleta de color que emplea procede de esa tradición del expresionismo.
- Influencia del cine y la fotografía: las nuevas artes del siglo XX fueron incorporadas a menudo a la pintura. En esta ocasión, se puede concretar en la imponente figura del edificio central y en el punto de vista, en picado (de arriba abajo).
- La llegada de la publicidad: para el artista, la ciudad es sinónimo de cosmopolitismo. Un mundo de luz artificial, dominado por la noche y el lujo, pero en terrible contraste con la situación real de una Alemania en guerra y más tarde derrotada y humillada.
- Confusión de líneas: las formas surgen a partir del cruce de líneas y planos, consiguiendo una sensación de enorme dinamismo y tensión, con los que Grosz define su época. La deuda con el Futurismo resulta evidente en este aspecto.
Sobre esta obra tiene distintas versiones: Metrópolis 2 (1917) diferencias: cercanía de los personajes, aparecen prostitutas, burgueses... Personas que él rechaza, estas personas deambulan por la ciudad de una manera aislada. Su espacio es más abiertamente futurista y sus personajes, muy tipificados e individualizados a través de sus rostros y vestimenta, deambulan nerviosa y casi furtivamente entre unas arquitecturas modernas.
Dedicatoria a Oskar Panizza (1917-1918): los personajes que aparecen son un sacerdote por lo tanto sería una crítica a la religión, un borracho, una máscara que simboliza la sífilis. Detrás aparece un ataúd con un esqueleto que significa la muerte. Se trata del entierro de Oskar, que era un anarquista que tras haber insultado al emperador, fue a la cárcel, y sus injurias le convirtieron en un personaje rechazado por las altas esferas. Oskar estuvo en un sanatorio donde conoció al pintor y por ello le dedica este cuadro. En el cuadro abundan los personajes deformes, lleno de máscaras, grotescos, que crean una procesión ilimitada. Aquí confluyen todos los males que él odia. Es una alegoría a través del entierro a todos los valores de la sociedad urbana.
La escena representa una visión infernal de la ciudad que se desarrolla en el labirinto callejero de la noche iluminada al modo futurista. La bajada a los infiernos y la danza de la muerte, temas medievales y barrocos son interpretados en clave contemporánea en cuanto metáforas de la desesperación del ocaso de la humanidad. Con el fin de provocar las sensaciones de caos y desorden, Grosz recurre a la simultaneidad futurista, así como a una compenetración fragmentaria de formas y a un intenso cromatismo rojo y azul oscuro que, auxiliado por su gran habilidad para el dibujo y la caricatura, transfiguran a los personajes en máscaras y a la escena, en la celebración de los propios funerales como acto final de la decadencia.
El Jinete Azul (1910-1914)
Liderado por Kandisky y Klee. Abre nuevas expectativas, algunos artistas tenían inquietudes parecidas a las del El Puente, por un lado, mover la anquilosada situación alemana y atraer a todos los elementos renovadores, y por otro lado, hacer del arte la expresión de necesidad anterior. Nace en Munich, con una intención de asociación que sirvan para difundir sus proyectos a través de la Nueva Asociación de Artistas (NKV), y a través de los medios como el Almanaque, y exposiciones, conferencias y publicaciones.
Lírico (1911): reduce a lo mínimo la representación de una figura. Representa un caballo y un jinete a base de líneas, y manchas de color. Capaz de transmitir una idea con poco elementos.
Abstracción lírica: trabaja las formas y los colores. Abstracción geométrica: otros autores también trabajan este tipo de abstracción, Mondrian y Malevich. Aquella que trabaja las formas geométricas. En algunas ocasiones ambas abstracciones se pueden encontrar en una misma obra. Kandinsky escribió dos libros en los que analiza sus obras: “De los espiritual en el arte” (1912). Trabaja los aspectos psicológicos y los efectos del color sobre el arte. “Punto y línea sobre el plano” (1922). De los aspecto de los que se compone. Entre los dos caminos indicados, se encuentra un número infinito de formas. Kandinsky cree que las combinaciones surgen de lo que el mismo denomina, las tres fuentes originarias diferentes: Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.
Impresiones Llama impresiones a la impresión directa de la naturaleza exterior que se expresa de una forma grafico-pictórica. Impresión V-Parque (1913): vinculado a las montañas y se aprecia una figura, el resto son manchas.
Improvisaciones Las improvisaciones, son obras espontáneas que surgen de una manera impulsiva y rápida de ejecución. Pequeños placeres. Improvisación 26- Remo (1912)
Improvisación soñada (1913): trabaja con la materia.
Composiciones Las composiciones, obras complejas y trabajadas. Opera la intención, la razón, lo consciente. Composición con mancha roja (1914)
azul, amarillo o del rojo. Los caballos se vuelven un tanto irreales y se transfiguran a través de unos colores cada vez más puros. Pintura antinaturalista. Busca transmitir una fuerza mayor con los colores.
La vaca amarilla (1911): animales libres. Paisajes irreales llenos de color.
Dos gatos, azul y amarillo (1912)
Tigre amarillo (1912): influencias del cubismo. Figuras representadas con ángulos y planos cortantes.
El sueño (1912): situación irreal. Simboliza la presencia de la humanidad. Es un sueño donde se mezcla el mundo animal con el humano. Todo está desproporcionado, no hay perspectiva, los animales son de colores diversos. Sueño congelado, cargado de irrealidad.
Corzos en el bosque II (1914): visualizar la imagen a través de un cristal roto.
Tirol (1914)
