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ARTE ACTUAL
TEMA 1 – CARACTERÍSTICAS BÁSICAS DEL ARTE ACTUAL.
Problemas terminológicos: modernidad, contemporaneidad, actualidad. El tránsito de la modernidad a la posmodernidad: hitos principales. Características básicas del arte actual.
Nunca antes el arte ha sido tan variado y multiforme. El arte actual aparece como una especie de caos en el que se mezclan corrientes, apuestas estéticas dudosas y es algo dificultoso, habrá que contemplarlos caso por caso. En común tienen que el artista actual utiliza los medios expresivos más diversos. Utilizan técnicas tradicionales pero también vídeo, fotografía, instalaciones... y no tienen porqué utilizar sólo una sino que se pueden mezclar y con ellas intenta captar la atención del público como productos de consumo en un supermercado. Si nos fijamos en la resonancia de estos artistas vemos que tienen características comunes a pesar de su individualidad. En general son obras espectaculares (ahora hay una tendencia a la construcción sobre todo en arquitectura). En los últimos años son obras fundamentalmente de gran formato:
- Puppy (del Gugenheim Bilbao) y el gran coracón rojo con vivos colores.
- Calavera de Damien Hirst Son obras sencillas que el público las reconoce fácilmente pero a menudo hay cierta carga grotesca, cierta ironía como en estos tres ejemplos que hemos visto. Lo curioso es que la atención mediática se centra tanto en las obras como en los artistas, en sus gestos – Damien Hirst en un momento puntual prescindió de su galerista y organizó una subasta él, las galerías le criticaron mucho, claro porque lo vendió todo y fue un gesto muy provocador por su parte pero ese gesto terminó en un triunfo. Para muchos historiadores, sociólogos, sus obras no son más que el síntoma de una sociedad enferma, pesimista, que rinde culto a la apariencia externa y a si misma, feria de vanidades y que tiene que afectar al arte como siempre lo ha hecho. Hay que tener en cuenta que este fenómeno está ocultando que hay artistas muy sólidos en el panorama actual pero que venden menos y sin embargo son grandes artistas. A menudo sólo tenemos como parámetro de juicio el mercado, entonces, ¿cómo podemos valorar, cuándo sabemos que es lo que merece la pena y que es lo que va a pasar a la historia? porque no tenemos parámetros con los que valorarlos. También existen artistas que al margen de la cotización son muy interesantes por las indagaciones plásticas que hacen, como Jasper Johns, etc... Todos tienen en común que utilizan métodos artísticos expresivos muy diversos, todo se utiliza y lo utilizan a veces mezclado y todos comparten un concepto casi indeterminado de la obra de arte porque
todo puede ser obra de arte, el campo es amplio y ampliable porque puede cambiar constantemente la naturaleza del arte. El término arte hoy se utiliza casi para cualquier objeto: arte del diseño, de la moda, publicidad, gastronomía, etc... se aplica a cualquier cosa y esto es problemático porque parece que no necesita ningún fundamento para diferenciarse de lo demás. Arte es todo “supuestamente” pero una de las primeras contradicciones es que esto debería conducir a que el arte es variado, pero se tiene la sensación de que hay una especie de homogeneización, los mismos artistas y el mismo tipo de obra en diferentes lugares y eventos. La internacionalización del arte no ha ido acompañada de variedad. Una de las cosas que discuten los artistas de países periféricos, es esa homogeneización y esa imposición de los valores occidentales (el libre mercado, el capitalismo cultural y económico). Y hay artistas que intentan pelear contra esto. Otro rasgo es que una de las grandes contradicciones es que el juicio estético (los argumentos que sirven para decidir lo que es are y lo que no), prácticamente ha desaparecido y se ha sustituido por otros mecanismos de validación y reconocimiento que son el mercado y la crítica: las galerías, casas de subastas, exposiciones, etc... Los críticos deciden lo que es arte y lo que no y se le ha quitado al espectador la capacidad en base a criterios estéticos y el público reacciona y no se traga lo que le dan. Antes era el concepto de belleza (que iba cambiando según las épocas) o la unidad, la utilidad, la firmeza, la mimesis, etc... los conceptos que se utilizaban para saber que era una obra de arte. Refleja pérdida de valores en la sociedad (libros de Félix de Azúa). En ausencia de ese discurso estético el único rasgo que queda es la cotización de las obras en el mercado. Ahora para muchos críticos y coleccionistas cuanto más cuesta más vale. En el pasado también los grandes artistas eran los más caros y hablamos de Tiziano, Velásquez, Rubens, etc... Todo ésto ha acabado por transformar la naturaleza del artista actual que no domina en concreto un oficio tal y como se hacía antes y sobre todo está el carácter experimental a lo largo del siglo XX. El artista será un artista que practica muchas disciplinas y más que un oficio se dedica a promocionarse él y su obra para poder captar clientela. Al final se diluye por esto la frontera entre el profesional y el aficionado. Y todo ha llevado a hablar de crisis de la modernidad y del arte. Esta sensación de final de una época no es algo nuevo, ya existía en el pasado y sí que hemos entrado en una nueva época. El objetivo es ver el tránsito de la modernidad al arte actual. Hoy vivimos en un mundo dominado por la estética y por la estetización, la desmaterialización del arte y estetización de la vida. ¿A partir de que punto tiene que hablarse de arte contemporáneo? El criterio cronológico no nos sirve de mucho aquí. Según la etimología el término:
- MODERNO - se refiere al tiempo de quien habla.
- CONTEMPORÁNEO – relativo al tiempo en que se vive.
- ACTUAL – presente (los últimos diez años).
el toque final. Son happening, performances que tienen que ver con el teatro y que lo que queda de ellos son registros fotográficos o vídeos porque sólo duran el momento de la acción.
El 17 de marzo de 1960 en su obra “Homenaje a Nueva York”, el artista JEAN TINGUELY destruye su obra en el patio del MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York). Ha creado una máquina autodestructiva compuesta por elementos de desecho de distinta tipo y tiene una naturaleza efímera. Era una instalación creada con ensamblaje que es la unión de elementos y objetos de naturaleza diversa. En origen el ensamblaje lo creo Marcel Duchamp. Esta obra se realizó por invitación de una institución como el MOMA que es una de las más importantes instituciones en la validación del arte contemporáneo (lo que es ha de pasar por el MOMA). Estas máquinas normalmente son de acción mecánica pero que no suelen tener ninguna función.
Otra de sus obras “El cíclope” – es un elementos recurrente en el arte contemporáneo. Nos recuerda mucho a la cabeza de la Expo Zaragoza 2008 y hay que pensar que “los artistas se retroalimentan de las obras del pasado”.
Otro evento importante fue el 16 de abril de 1960 con la aparición del “Primer manifiesto del Nuevo Realismo” de PIERRE RESTANY. Será la primera apropiación de los artistas de la realidad cotidiana y hará mención explícita de las obras de Klein, Tinguely y ARMAN del que vemos su obra “Acumulaciones de Arman”. Hay todo tipo de objetos acumulados, lo hace siempre así.
Son un rechazo visual a las artes propiamente americanas como el Pop Art y el Expresionismo Abstracto. Desde 1960 insiste en las diferencias entre Nueva York (NY) y París. Dice que los americanos se empeñan en una “fetichización” y “estecización” de los objetos de la vida mundana, iconos estetizados como hace Warhol con su lata de sopa.
Aquí vemos una acumulación de jarras, jofainas, etc... dan sensación de agobio, horror vacui, y al verlo nos acordamos de los collages dadaístas.
Una serie de artistas reivindican un cambio en el arte, quitar las distancias entre el arte y el público, muchas veces se recure a lo lúdico y reclaman la ayuda, la participación del espectador en s obra. El grupo se denomina GRAP – grupo de búsqueda de las artes visuales. En la imagen vemos como se invita al espectador a participar a través de un itinerario que debe de realizar (1966), lo que hacen es happening y performance.
El auge está en los años 50 en EEUU y uno de los artistas principales es JOHN CAGE que en 1952 y procedente de la Black Mountain College (BMC) El Black Mountain College fue una universidad fundada en 1933 cerca de Asheville (Carolina del Norte). El College usaba un nuevo sistema en los Estados Unidos en el cual el estudio del arte era el núcleo de la educación. Asimismo, los principios de John Dewey también jugaron un papel importante en el sistema de la universidad. A pesar de la fama que alcanzó durante su existencia, la universidad fue cerrada luego de 24 años en 1957.[] Éste artista montó allí su obra “Pieza de teatro nº 1” que tenía elementos teatrales pero sin trama, sin narración y sin música, había silencios. Era un happening, fue un acontecimiento porque se utilizaba por primera vez aplicado a estos espectáculos teatrales. Allan Kaprow era su alumno y lo utilizó por primera vez en 1958. Una manifestación artística efímera que luego se fecha y se le hace un expediente, da lugar a proyectos artísticos incluso divertidos como los “Provos holandeses”, eran estudiantes que querían provocar y practicaban un humor absurdo surrealista y mostraban una agresividad no violenta. Pretendían mofarse de la sociedad europea que estaba muy encorsetada y era muy conservadora. El happening y la performance son unas de las prácticas más importantes del arte actual. En España las primeras obras de happening las hace un poeta visual excepcional muy poco valorado en la historiografía – JOAN BROSSA – catalán que sufrió un profundo exilio interior porque no se fue del país y estuvo al margen de los cimientos tradicionales. Muy poco conocido en el exterior. Manipula objetos. En 1946 hizo acciones espirituales que eran happening.
En esta reflexión en torno a la pintura hay grupos intelectuales que opinan que todavía tiene valores. El grupo BMPT , son artistas visuales que todavía siguen en activo. En 1967 exponen sus obras por primera vez en el salón de jóvenes pintores y que se organiza bajo el lema “nosotros no somos pintores” y reivindican hacer una pintura sin ser pintores, rechazan la figuración y renuncian a cualquier función emocional de la pintura (claro que esto es muy complicado pretender eso, que una pintura no exprese nada y que no transmita a quien lo ve una sensación, un sentimiento). Uno de ellos es DANIEL BUREN – vemos u cuadro con rayas oscuras, bicromías, rayas y nada más.
Buscan romper con el mito del artista creador. La imagen siguiente es de 1986 colocada en el Patrio del Palais Royal de París, tiene fascinación por las columnas.
En 1969 es la primera exposición del grupo SUPPORTS SURFACES (expresión francesa, literalmente, apoyos-superficies). La pintura no está muerta, sigue teniendo validez y el objeto de la pintura es ella misma. Prestan mucha atención a la materialidad, utilizan telas de
de arte CONCEPTUAL – es un movimiento artístico en el que prima la idea sobre la obra, es más importante que su ejecución. Es una reacción al expresionismo abstracto de EEUU. En cuadros de fondo gris o negro pinta la fecha de un día y va acompañado de un recorte de periódico de ese día y de diferentes países y nos indica el lugar de procedencia.
JOSEPH KOSUTH IH – “One and three chairs”, 1965 (Una y tres calles) – es un texto que nos define que es una silla y está acompañado de una silla real y de una pintada, es decir, muestra el objeto su representación gráfica y su representación textual. No le hace falta más representaciones de otros objetos gráficos. Insistirá en la desacralización de la obra de arte, quiere eliminar lo decorativo en el arte: “esto es arte porque yo os digo que es arte”, “el arte después de la fotografía”. El gran hito en el paso de la obra de arte de apariencia a concepto fue Duchamp.
Arte Povera – arte pobre, son diversos artistas italianos. El término fue creado por un historiador y crítico italiano. El historiador / crítico va apareciendo en los años 60 como los grades difusores y avalan la trayectoria artística, son una especie de filtro entre el artista y la sociedad, el público. Esto es importante porque en el pasado no ocupaban un papel tan primordial, ahora sí en la formulación de conceptos, contenidos, etc... En la exposición de 1967 de Génova éste término se acuñó. Eran materiales naturales utilizados con muy pocas transformaciones, el término viene del mundo del teatro porque se hacía con muy pocos recursos. Quieren reaccionar frente al arte de la sociedad rica, opulenta que es la norteamericana. No significa carencia de medios sino una reducción a lo esencial, una reducción de objetos, un rechazo a la sofistificación tecnológica.
- Una obra de GIUSEPPE PENONE -. Esta de PISTOLETTO – “Venus de Stracci”, 1967 – instalación de la Bienal de Venecia, consistía en pedirle a la gente que llevan ropa usada y se colocaba allí.
- “Igloos” – MARIO MERZ
LAND ART – arte de la tierra, del paisaje abierto y también arte público en espacios urbanos. Tendencia que ha obtenido mucho éxito. RICHARD SMITHSON – 1970. Interés de los artistas por la naturaleza maltratada. La obra “Espiral Jetty” en el gran lago salado, ha desaparecido porque son obras efímeras, hechas en la naturaleza y que duran lo que tienen que durar según el clima, etc... de ellas sólo queda el registro fotográfico. Hay una creciente toma de conciencia hacia la ecología pero también
nace en el seno de la comunidad artística americana de EEUU que rechaza los sistemas de comercialización del arte, antigalerías y antimercado. Se alejan del escenario habitual de la ciudad, antiurbano y se busca el paisaje, la naturaleza. También hay un rechazo a la industrialización, a la sociedad de consumo que ha calado muy hondo entre los artistas contemporáneos.
Pero hay dos grandes cuestiones en cuanto al Land art:
- El contacto con el público – ¿es una obra para no ser contemplada por nadie? o ¿por casi nadie?, porque muchas veces está en medio de la naturaleza pero casi no se puede ni encontrar o ha desaparecido o medio desaparecido porque es efímera.
- Es un arte que legítimamente dice que no quiere entrar dentro del mercado, pero en la TATE se muestran los registros fotográficos de la acción y esto acaba suplantando a la propia obra de arte y se acaba vendiendo como tal, y esto nos indica que nadie escapa del mercado por mucho que quiera. - Otro hito importante fue en 1968, año en el que se empieza a realizar y conocer el movimiento FLUXUS – no es un grupo, es un conjunto variado que causa un impacto tremendo sobre los que vendrán después. Una de las artistas fundadoras fue ALISON KNOWLES – ella almorzaba siempre en el mismo local y siempre tomaba el mismo menú y animaba a la gente a que tomaran lo mismo y registraba sus impresiones, un ritual artístico en el que participaban los espectadores. Así FLUXUS lo que pretendía era derribar barreras entre el arte y la vida. Reconocida como un hito por el MOMA lo que hace hoy en día esta misma artista, es ir una vez a la semana a la cafetería de este museo y repetir la experiencia. Vemos pues la importancia que el MOMA concede a los happening y performance hoy en día. Leemos el artículo de la fotocopia ¿Es Damien Hirst? – el mayor experimento artístico para el Londres olímpico.
- En el mundo contemporáneo no se concibe un evento sin crear una obra artística, siempre van asociados.
- Vemos el museo como instrumento de legitimación de un artista (la TATE tan importante como el MOMA, ahora casi más). Legitima, antes hacía falta que pasara el tiempo para poder dar valor a una obra, ahora se hace de inmediato si se expone en tal o cual museo y puede que dentro de unos años no se considere tan buena, pero sí se reconocerá que fue un éxito de publicidad.
- Éxito para el artista y para los inversores, ya no se habla tanto del coleccionismo por amor al arte. Hay una reducción del arte al bien de consumo. Hay acontecimientos que se exhiben como una obra de arte cuando no lo son.
manera de entender la exposición y el comisario de arte se convierte en otro de los mediadores entre el espectador y el artista. En la actualidad generalmente su papel es montar exposiciones, no como algo cerrado sino también de investigación por su parte, establecen nuevas lecturas, nuevas maneras de concebir el arte y tienen la idea de enseñar no de manera cerrada, sino de sugerir para que el espectador piense. Este planteamiento ha acabado por transformar el museo contemporáneo, hoy en día ya no se exhiben sus colecciones igual que lo hacían antes, hoy deciden prescindir de la cronología para mostrar temas (lo hizo la TATE). Hay un enfrentamiento para producir nuevas lecturas entre los artistas históricos y los actuales vivos. Se ha convertido en habitual y que a veces es muy afortunado, el diálogo entre unos y otros, se les coloca juntos y hay artistas que ganan al presentarse junto a otro y al contrario porque ves que no está al nivel de su predecesor. Un ejemplo fue cuando maquetas de Santiago Calatrava se expusieron junto a esculturas de Miguel Ángel. En el Museo Reina Sofía de Madrid con mucha fortuna y acierto se unieron el Guernica, los Fusilamientos de Goya y el de Maximiliano de Manet, dio lugar a ver que había una relación no sólo formal sino también simbólica.
POSMODERNIDAD – se llama a la década de los 70 – 80. No es un grupo homogéneo pero sí comparten ideas comunes y la sensación de que el movimiento moderno ha sido un fracaso a la hora de renovar el arte, la cultura y la filosofía. Nace en una situación de crisis en los años 70 en todos los ámbitos e intenta superarla a través de la defensa de valores de lo híbrido, de lo mestizo, de lo popular y de la relatividad de los valores. Sensación de pérdida de fe en el progreso, en la razón y sensación de que ya no hay ideologías globales, que todo es relativo, se habla de la muerte y que la sociedad occidental que está fragmentada, que hay muchas identidades y todo esto es lo que intentan reflejar en su obra. Frente a la unión de la razón “los hechos no existen, sólo son interpretaciones”, no hay verdades absolutas. Frente a lo fe en el progreso de antes está el pesimismo y frente al dominio de una cultura occidental que es etnocéntrica (que se mira a si misma) y una cultura que se centra en el hombre, se defiende una sociedad plural, multicultural, en la que no hay un único foco. Esto es una tendencia que la realidad ha impuesto porque el futuro no pasa por Europa, pasa por Asia y algunos países latinos como Brasil. Nuevos focos de los que se empieza a tomar conciencia desde la posmodernidad. Hay una atención a las minorías raciales o sexuales sexual y aquí además de la homosexualidad también se incluye a la problemática de la mujer.
- se renuncia a la utópica idea de progreso y se tiene sensación de desencanto.
- (^) Pérdida de fe en las ideologías totalitarias (socialismos, religiones...), ya no resuelven los problemas.
- Cambio en el orden económico capitalista. Todo se reduce a una sociedad de consumo, todo se consume, todo pasa por ahí.
- También desaparecen los grandes ídolos.
- Revalorización de la naturaleza y defensa del medio ambiente.
- Hay una presencia dominante de los medios de comunicación, una excesiva información y hasta acaba devaluándose y es un mero entretenimiento. La información sustituye al conocimiento y eso sí es grave y parece que se constituyen en transmisores de la Verdad. Hay muchos artistas que en la actualidad reflexionan respecto a esto, en que estamos condicionados por los medios de comunicación. “El lenguaje de la arquitectura posmoderna” de Charles Jencks es una buena lectura. Otro de los hechos curiosos es que hay una sobre exposición, todo se cuenta, no hay intimidad. Desde el punto de vista de la historia, ¿qué consecuencias tiene todo esto? – la historia en general no es ya un gran relato y no es algo objetivo, nos encontramos con que no hay historias totalmente objetivas y vemos el pasado desde el punto de vista actual. Nacen los “estudios culturales” un campo de estudio de las manifestaciones culturales de las minorías que no se había contemplado hasta ahora, campos de género como el tema de la mujer. ¿Dónde estamos ahora? – está por definir, parece que la posmodernidad ha muerto pero... algunos hablan de Neomodernidad, el mundo cambió a partir de los atentados de las torres gemelas de 2001, hubo una crisis en el orden mundial y los filósofos del arte están todavía buscando una definición.
AÑOS 70
HIPERREALISMO – el retorno a la figuración. En la imagen vemos una escultura de una exposición titulada “22 realistas” de DUANE HANSON, 1970 – son esculturas hiperrealistas, son turistas.
En muchas ocasiones nos vamos a referir al MUSEO WHITNEY de NY que está ligado a grandes exposiciones que se convierten en hitos. También la Bienal de 1973.
En la imagen vemos esculturas a tamaño natural hechas con resinas acrílicas y que transmiten una extraordinaria vitalidad. La ropa, los accesorios son reales, transmiten esa sensación, es un juego de arte imitación y realidad. Consiste en reproducir la realidad más exactamente de lo que el ojo humano puede captar. Estos artistas abrirán una vía.
- En la misma exposición había pintura de RICHARD ESTES – tiene vistas de NY muy buenas y también es hiperrealista.
color, a lo decorativo, son muy coloristas, tienen flores, etc... Cuestionan la jerarquía de las artes.
Hablamos de artistas que reivindican la pintura, el colorido vivo, el dibujo y a través de esta reivindicación de la pintura decorativa atacan al sistema social que es extraordinariamente machista y conservador según estas artistas que son mujeres. Desde la perspectiva de género se pueden dar respuestas artística que son radicalmente diferentes. Ya hemos visto a Ana Mendieta que hace happening, performance y a Miriam Schapiro que hace algo radicalmente opuesto. Hay heterogeneidad, variedad de los modelos expresivos y que se van a diferenciar respecto a otras estrategias artísticas. Otra de las tendencias en los años 70 y que se consolidará en los 80 es la recuperación de la pintura (en los años 60 había triunfado el arte conceptual y el mínimal), son movimientos pendulares.
BAD PAINTING (PINTURA MALA)
NEIL JENNEY – pintura realizada rápidamente, parece “ala prima”, tosca, cierto carácter informal.
¿Cómo surge?, pues a partir de una exposición que se organiza en el New Museum of Contemporary Art de NY, en 1978 – una exposición organizada por la directora de este museo y se reunieron trabajos de artistas que tenían una trayectoria y una formación dispar pero con un deseo común, el rechazo al gusto elitista, al puritanismo de lo mínimal, de lo conceptual, ofrecían esta “pintura mala”, ofrecían la cultura de lo popular con una ejecución torpe, disonancias cromáticas. Técnicamente están muy bien hechas, muy empastadas, llenas de modelos diversos inspirados en la publicidad de los años 50. En general utilizan composiciones muy descentradas frente a lo mínimal que es muy rigurosa y equilibrada. Son obras de vivos colores, de diferentes materiales, hay una libertad total de estilo.
Exposición “A NEW SPIRIT IN PAINTING” de la Royal Academy of Arts de Londres – 1981 – NUEVOS AMERICANOS JULIAN SCHNABEL – incluso ha dirigido películas. Como pintor es muy cuestionado por la crítica. Forma parte de esa “marca americana” y aquí en el Museo Gugenheim Bilbao hay mucha obra suya.
¿Qué es esta exposición?, son artistas que están en sintonía con el Neoexpresionismo alemán, con la figuración italiana. Contribuyeron al éxito de la pintura neoexpresionista, utilizaron muchas vajillas rotas, platos rotos, llegaron a decir que es como referencia al famoso trencadís de Gaudí. Se denomina pintura sensual, física, que goza del color, de la materia, en contra de lo exitoso del mínimal, de lo conceptual. No hay que olvidar que su obra se expuso junto con la de DAVID SALLE – mezcla elementos del cómic con el mundo antiguo, extraordinariamente ecléctico y con un punto bastante onírico, maneja un código con una gran libertad.
Que forma parte de una nueva ofensiva norteamericana, fruto del auge del mercado en los años 80 y que llega a NY y su auge cultural (los años 60/70 son muy duros para NY, hay mucha criminalidad, una crisis humana tremenda entre minorías y se soluciona sacando la policía a la calle, así se recuperaron los espacios públicos para los ciudadanos y se ve más vitalidad en la ciudad, todo esto junto al boom económico y lo cultural y el arte inundarán toda la ciudad). Eso va de la mano del papel que tendrán el MOMA, el Gugenheim, el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Whitney Museum of American Art), etc... unos de los grandes focos del arte actual. JEAN MICHEL BASQUIAT – ARTE UNDERGROUND – tiene que ver con las vallas publicitarias, los muros del metro, etc... “Tags” es la firma, la huella de ellos, expresión de las minorías sociales y raciales de NY y por ende del país, los hispanos, negros, la miseria, el hip – hop. Sólo unos pocos pasarán al mercado. Este artista falleció muy joven, partiendo del mundo de los graffiti se había empapado del Art Brut, de Dubuffet. Hará una pintura de una estética fiesta, cruda, en la que está muy presente el lenguaje y la denuncia de las minorías y su situación en la sociedad. Su “tag” era SAMO (la misma mierda de siempre). Era amigo de Warhol, muy valorado por las galerías aunque no es muy comprado.
KEITH HARING – ocupa otro lugar en el mundo del graffiti y en la cultura underground. Usa el lienzo, hace esculturas en espacios públicos, también con la idea de recupera zonas en barrios conflictivos de la ciudad. Tenía un componente social muy importante, sobre todo comprometida con el SIDA con su fundación que da mucho dinero ya que ha tenido mucho éxito. La plástica es muy efectiva visualmente como el arte Pop, utiliza el cómic, son como viñetas con imágenes sencillas, con superficies de color plano que es muy efectivo, sencillo y que comunican fácilmente.
Estos artistas triunfan antes en Europa que en EEUU. En Francia, en 1991 se organiza la exposición “Artistas americanos y franceses” que se organiza, junto con las exposiciones,
sensible a la cultura alemana del nazismo, etc... el que vemos tiene un aire opresivo y es uno de los autores vivos más cotizados.
Volvemos a los años 70 con artistas que trabajan el LAND ART – son una pareja – CHRISTO y JEANNE CLAUDE – profundizaron en el Land art entre 1973 – 1976 y construyeron esta obra que vemos en la imagen, es la llamada “Cerca corredera en California”, una especie de cortina sujeta con postes y cables de acero, una tela plástica que recorría 31 km. y tenía 5,5m/h.
También envolvieron el Puente Nuevo de París en 1984, son los llamados “empaquetamientos” que ya no son sólo en el paisaje natural sino que entra en el urbano y que según ellos buscaban causar efectos sorprendentes en el espectador, sugerentes y poéticos y que muchas veces no somos conscientes de lo que tenemos por verlo a diario, y que si se borra es cuando vemos que falta y llama nuestra atención. Son obras muy complejas de realizar y es necesario contar con personal adecuado para poder hacer el montaje. La más famosa intervención fue el empaquetamiento del Parlamento de Berlín el Reichstaf en 1995, el edificio que es el símbolo del poder en ese país. En otras ocasiones colocan telas de colores como si pintaran un paisaje y resulta muy poético.
Dejamos aquí el Land Art.
AÑOS 80
De regreso a los años 80 vemos algo que ya viene de los 70, el arte de género es clave para entender lo que viene detrás. Cristaliza con mucha fuerza a partir de las exposiciones de los años 80. La exposiciones del MOMA de 1984 “Diferencia entre arte, sexualidad y sensualidad” – era la primera exposición que se dedica al concepto de género en relación al lenguaje y con la sociedad. Pero ¿por qué surge ahora?, porque surge a partir de .....................(este trozo no lo veo claro!!!!) francés ............. la sexualidad para él era un concepto que se ......... simbólicamente (niñas/muñecas y niños/coches). Y este fue junto al crítico inglés Bergen, los que primero empezaron a replantearse la imagen femenina, cómo se había construido a través de la historia (siempre vista a través del hombre) y que en muchos casos respondía a estereotipos masculinos. Indaga en el pasado para ver cómo se ha ido construyendo esta imagen para poder cuestionarla. Son muchas obras, entre los artistas más destacados vemos a JEFF WOLF y a BÁRBARA KRUGER – representa lo femenino posmoderno según las críticas. Es diseñadora gráfica y combina textos
con colores como el rojo, blanco y negro, también incluye fotografías. Su obra es muy importante y es norteamericana, radical, muy subversiva, cuestiona los roles de la mujer, también el consumo, los esquemas de la cultura dominante y el papel de los medios de comunicación en este esquema. Ha hecho instalaciones, carteles, bolsas de la compra de diversos comercios, etc... utiliza soportes muy diversos. Y comenta que “la brevedad de los textos es una manera de eliminar lo superfluo...”, quiere focalizar la atención del público, captarla de la manera más rápida posible, que se eficaz el mensaje. “Compro luego existo”
“Tu cuerpo es un campo de batalla”
Cuestiona el poder continuamente:
Incluso trabajó para una cadena comercial haciendo los carteles para las rebajas, lo hace porque cree que así llegará el mensaje a más personas de las que entrarían en una galería de arte. Apela a la inteligencia del público y sus frases en esos carteles van en contra del gasto y del derroche en las rebajas, que es justo lo contrario que el comercio pretende. Intenta buscar nuevos medios para llamar la atención. Es un arte explícito de denuncia política y que se consolidará en los años 90.
En la misma línea de esta exposición de 1984 hay que situar exposiciones de los años 90 del Museo de Arte de San José en California, artistas que hacen suya la reivindicación social y política. Entre ellas está CINDY SHERMAN – utiliza la autorreferencialidad, se utiliza a si misma para explorar temas. La construcción del mito femenino, la utilización de ella a través de la mirada del hombre, etc... Cindy Sherman es fotógrafa, norteamericana y se disfraza y construye su propia imagen en torno a mitos o estereotipos. En esta exposición de 1991 presenta fotos que saca de si misma en las que aparece vestida como de los años 50 y a menudo imágenes tomadas de películas de la época, estereotipos de belleza, de la condición femenina, mujeres como amas de casa, hace una relectura de esos estereotipos a partir de ella misma.
También la artista JENNY HOLZER – vemos la instalación hecha debajo de una roca con mensajes que tenían que ver con el racismo, el SIDA, la violencia, junto con noticias del tiempo, de los deportes... nos habla de lo banal y de lo profundo. Completan esta exposición otros grupo de artistas que hablan de las minorías raciales. También había vídeos y documentales del mundo
Otro de los mitos que quería zanjar esta bienal era el eurocentrismo del mundo occidental en cuestión de arte. Dio una visión amplia de lo que se hacía en Cuba, Méjico y Corea con un artista como BYRON KIM – un coreano del que vemos la obra:
- “Sinecdoche” de 1953, aquí lo vemos en la fase mínimal. Son trescientas placas de cerámica de diferentes tonos de color desde el ocre claro al marrón oscuro y es así porque son las diferentes tonalidades de la piel humana, para ello tuvo trescientos modelos y les copió el tono de la piel. Ella quiere decirnos que ¿el color de la piel es lo que nos define como personas?
Todos estos artistas luego llevaron caminos a veces muy diferentes.
- Otra de sus obras fue hacer fotografías de imágenes digitales de lo que veía desde su casa, el resultado visualmente es muy interesante.
En la bienal se introdujo un vídeo como si fuera una obra de arte, era de un policía golpeando a un hombre negro, pero al presentarlo como la obra de un artista lo que se quería subrayar era la idea de que cualquier persona podía ser un artista, que no hace falta tener una formación artística para poder serlo. Desde el punto de vista generacional la bienal del 93 fue muy interesante porque fue la primera vez que se ofrecía al público la posibilidad de ver un grupo de jóvenes que luego se consagrarán en el mundo del arte. Otra de las artistas fue KIKI SMITH –
- “Mujer sin título”, es una mujer colgada, un poco macabra.
NAN GOLDIN –
- fotógrafa que trabaja el género de la fotografía documental con escenas de la sociedad, está entre el periodismo y lo artístico. Se hizo famosa por registrar la vida cotidiana del mundo de las artes de los años 70 y 80. Hace muchas fotografías en interiores de su familia y también de ella misma. Le interesa mucho el tema de la afectividad, intimidad pero no son escatológicos ni macabros, al contrario, transmiten mucha serenidad. Hizo una serie sobre paisajes.
Esta bienal del 93 para algunos críticos representó un momento de gran calidad que avanzaría todo lo que vendría en la década de los 90. Pero esta bienal no habría sido posible si antes no se hubieran promovido otras exposiciones que apuntaban a que la realidad artística tenía que ser multicultural. Si la consideramos un hito es porque antes ya habían abierto el camino. “Cultura e Imperialismo” – este libro lo escribió Edgar Said en 1994. Una de esas exposiciones previas a esta bienal del 93 fue – “Magos de la Tierra” 1989, en el Centro Pompidou de París. Se mostraban obras de artistas africanos, asiáticos, de Oceanía, etc... junto con otros
occidentales. Fue la primera vez que se plantea mirar a estos artistas con una mirada no colionalista, uno de los invitados fue CYPRIEN TOLOU. L a idea es que la gente se diera cuenta de que en el mundo hay otras reglas estéticas. El problema es que el espectador cuando la visitaba no llegaba a comprender que es lo que tenían en común unos artistas con otros, buscaban un nexo y no lo encontraban porque no lo tenían porque eran culturas diferentes. El éxito de ella fue hacer visible lo invisible y poner en cuestión el hecho de que el arte tenía que estar sólo en manos occidentales. Otra exposición en la misma línea fue la titulada “Cocido y crudo” que se hizo en Madrid en el Museo Reina Sofía en 1994.
- En la imagen vemos una instalación del artista KCHO – cubano de nacimiento que reflexiona con materiales de desecho (en la imagen lo tiene todo colgando del techo) y da la sensación de que estamos bajo el mar y por encima tenemos un montón de basura flotando. Y al ser cubano nos lleva a reflexionar sobre los balseros que cruzan el mar y arriesgan su vida para tener una vida mejor. Cuba es un país que cuenta por parte del estado con gran dedicación hacia el arte y el nivel es muy superior a otros países del entorno latino.
Otra exposición fue “Inclusión – Exclusión”, 1997 y se hizo en Austria. Uno de las artistas destacadas fue MONA HATOUM. Todos estos artistas son los que aparecerán en la Bienal de Venecia y la de Kassel y ahora ya son un hecho consolidado y ya hay una nueva categoría artística. Para algunos comisarios africanos no hay tanta diferencia entre Miquel Barceló y alguno de los artistas de ese continente.
- Pasamos a otro ámbito a finales de los 80 – 90 con el VIDEOARTE
- Relaciones entre arte y tecnología. Hubo una exposición en el año 1989 en Berlín y Zurcí que fue un hito dentro del videoarte, reunieron cuarenta y cinco obras. Uno de ellos fue WOLF VOSTELL. ¿Qué es el videoarte? Consiste en utilizar tanto el soporte magnético como la pantalla para generar formas que puedan verse electrónicamente, como vídeo para documentar acciones, crear instalaciones, registros y hacer participar al espectador. Es un concepto bastante amplio, hay tres categorías:
- Vídeo – acción – son obras en las que se registran acciones, performances, bocy art, land art, etc...
- Vídeo experimental – manipulan la imagen electrónicamente o para el ordenador.
- Vídeo escultura, vídeo instalación y el environement – imágenes que mezcladas con objetos y el espectador interactúa.
