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ARTE ACTUAL.
INTRODUCCIÓN:
Hoy artista es el que decide el sistema.
150 bienales (exposición de un tema, sin caracter comercial, con contenido teórico, realizada por un comisario) al año. Permiten enseñar a muchos artistas nóbeles. Las vienales tienen carácter político: carácter institucional.
- Pabellón de Rusia. Bienal de Venecia 2010
Explica la transformación de una ciudad industrial abandonada rusa. Se trata de utilizar el patrimonio industrial para dinamizar la ciudad. Modelo de intervención en el territorio.
Artistas actuales: algunos ligados a tendencias del pasado y otros que realizan obras innovadoras con tendencia actual.
Feria Art Bassel. En Basilea, Suiza. Es la feria más importante del mundo. Tienen una delegación en Miami. Si hay alguien importante en el mundo del arte actual estará presente en esta feria. Se presenta un proyecto y un comité de selección determina quien está presente en esta feria.
VIP Art Fair: Gran feria de arte que se celebra sólo en internet. Se trata de entrar en la web y comprar o intercambiar obras.
Arco: Es una feria que se pone en marcha en 1982. Surge tras la apertura al mundo de España tras la muerte de Franco. Genera dinamismo cultural y genera un éxito mediático enorme. El principal problema es que no ha generado un mercado, comparado por ejemplo con la Art Bassel. Han puesto en marcha un proyecto "First Collector". Comenzó siendo 20% galerías extrangeras, 80% galerías españolas, ahora es un 40% galerías españolas y 60% galerías extrangeras.
Siempre tiene una sección de galerías emergentes para que jóvenes galeristas puedan mostrar a sus artistas.
El déficit que hay en España de exposiciones internacionales perjudica la retroalimentación de los artistas.
Incremento actual de la apertura de nuevos museos de arte contemporáneo. Este arte es un elemento de notariedad a nivel urbano. Competición entre ciudades: Shangai, Berlín, Londres, París, Nueva York etc.
El concepto de museo ha cambiado también, ahora podría definirse como un "espacio de encuentro".
Macro, Roma: Antigua fábrica de cerveza que se ha convertido en museo. Lugar de
producción: no hay una exposición pero se invita a artistas para que creen instalaciones para el lugar.
Museo Nacional del Arte del S.XXI, MAXXI: De Zaha Hadid. Roma 2010. Arquitectura impactante que muchas veces aminora el efecto estético de las obras que alberga. Tratamiento artístico de la luz eléctrica.
Fundación Helga de Alvear. En Cáceres. Helga de Alvear es una de las mayores coleccionistas de arte contemporáneo en España. Es de origen alemán que se casó con un arquitecto español. El edificio está diseñado por Truñón y Mansilla.
La gran demanda devaluará productos.
GALERÍAS:
- Marlborough: Se fundó en Londres en 1946 y en la década de los 50 adquirirá prestigio porque hará exposiciones con importantes obras del expresionismo alemán. Será una de las primeras galerías que expongan a artistas como Francis Bacon. Tiene sedes en Madrid, Tokyo, Nueva York, Barcelona etc. Se dedican a la adquisición, venta y promoción y a la reresentación de artistas estadounidenses en Europa y artistas europeos en EEUU.
- Galería Leo Castelli: Es uno de los marchantes más importantes. Es de origen italiano. Expusó obras de Leger, De Kooning, Warhol etc. Es una de las grandes galerías más consolidadas. Leo Castelli es el que descubrió a Barceló y el que lo hizo conocer al mundo.
- Galería Gagosian. Es el representante de Damien Hirst y de los artistas más cotizados. Gagosian empezó vendiendo coches y se aficionó al mundo del arte.
muchas veces reacciona y muchas veces rechaza lo que se le está mostrando. Los libros de Félix de Azua reflexionan sobre este aspecto que es crucial.
En ausencia de ese discurso estético que nos permetiría valorar, lo único que queda es la cotización de las obras de arte. Ahora mismo, para muchos críticos. cuánto más cuesta una obra, más vale. Los grandes artistas del pasado también eran los más caros, los poderosos siempre han estado invirtiendo en arte.
Todo esto ha cambiado la naturaleza y la condición del artista. El artista actual practica diferentes disciplinas por lo tanto no es imprescindible que las domine todas perfectamente. El arte del SXX y XXI tiene un carácter experimental. Los artistas actuales se promocionan a ellos mismos y a su obra. Los artistas se convierten en promotores de su obra.
Naturaleza indefinida del objeto artístico. Todo esto ha llevado a algunos pensadores a pensar en una crisis y a un fin del arte. Esta sensación de final de una época no es algo nuevo, Hegel hace doscientos años ya escribió acerca de eso, reflejando el sentimiento de la época.
Desmaterialización del arte y estetización de la vida.
Contemporáneo: perteneciente al tiempo en el que se vive.
Actual: presente. Por convención historiográfica el arte actual es una sucesión de lo que se dio en las décadas anteriores.
Dificultad de clasificar límites fijos entre las diferentes épocas. El concepto de modernidad comienza con el Impresionismo y se consolida con las primeras vanguardias. De la mano de estos movimientos se dinamitan los valores clásicos del arte que se habían dado hasta entonces.
"El origen del mundo" de Courbet: algunos historiadores señalan este cuadro como
comienzo de la modernidad. Primera gran transgresión al academicismo imperante.
El gran momento de ruptura lo marcará Manet cuando expone su "Desayuno en la hierba" en el Salón de los rechazados (1863). Consideraban vulgar que una mujer estuviera desnuda alado de jóvenes vestidos. A muchos críticos lo que les chocó fue la modernidad del estilo desde el punto de vista cromático y compositivo. El siguiente hito sería la celebración de la primera exposición Impresionista.
El primer debate establecido es cuando acaba la modernidad y comienza la contemporaneidad. Para muchos historiadores la contemporaneidad empieza después de la II Guerra Mundial: hay un giro completo en el mundo, Europa está en declive y EEUU está en auge. París se sustituye por Nueva York. A partir de 1945 es el gran momento del arte americano. El MoMA será el bucle que construirá el arte contemporáneo.
Sin embargo, para otros autores el origen de la contemporaneidad se situaría en los 60 que es una de las épocas más interesantes en cuanto a las rupturas que se dieron en ella.
De "qué es arte" se pasa al contexto "cuándo o cómo se produce arte".
Concepción lineal del arte occidental: se rompe ante la diversidad de tendencias, artistas, materiales etc. Nos llevará a hablar de grupos pequeños de corta duración en el tiempo pero que son decisivos a la hora de comprender algunas de las tendencias del arte actual.
En los años 80 entraríamos en la postmodernidad, un concepto interesante que se formula en la arquitectura y que sobre todo conlleva la idea de sentar el concepto del relativismo cultural.
En este tránsito de la modernidad a la contemporaneidad, en los 60, se produce el cambio, el giro del arte contemporáneo.
Yves Klein:Antropometrías, 1960. Con un público selecto y con música, arrastró unas
mujeres por el lienzo, generando unas figuras muy interesantes.
Propio cuerpo como soporte de la pintura. Se realizaba la obra por medio de una especie de ritual. Punto de partida del body art.
El 17 de marzo de 1960, Jean Tinguely destroza su obra en el MoMA (uno de los centros más importantes en cuanto a la legitimización del arte). Celebración de otro ritual, especie de performance. El artista ha creado una maquina autodestructiva que está compuesta por elementos de deshecho de la naturaleza más variopinta (chatarra, objetos de bicicletas etc) ensamblados. Tiene una naturaleza efímera. Arte cinético. Estos objetos no suelen tener ninguna función más allá de hacer ruído y moverse.
El término happening se aplica por primera vez por un alumno de John Cage llamado Allan Caprough. Estos happenings eran espectáculos efímeros en los que estaba el músico y el propio John Cage.
- Provos holandeses: Serie de estudiantes que tenían ganas de provocar al sistema y que practicaban a traves de acciones en las calles un humor absurdo y una agresividad no violenta. Se mofaban de los valores de la sociedad europea y de la autoridad. Consiguieron la legalidad de la marihuana. Su precedente será el Surrealismo: Cabaret Voltaire.
En España las primeras obras de happening los hace un artista muy interesante llamado
Joan Brossa. Este artista catalán sufrió un enorme exilio interior. Manipula objetos: "País".
En 1946 hizo unas acciones-espectáculos.
Reflexión acerca de la pintura: Grupo BMPT, en 1967 exponen por primera vez en el salón de jóvenes pintores. Organizan diversas manifestaciones bajo el lema "Nosotros no somos pintores". Reivindican hacer una pintura sin ser pintores, el anonimato de las pinturas, quieren hacer desaparecer la figura del artista como genio creador, rechazan también la figuración y denuncian a cualquier función emocional de la pintura.
Daniel Buren: Reduce en su obra los gestos figurativos. Utiliza solo bicromía y rayas. Nacimiento del minimal.
-"Les deux plateaux", 1986. En un parking. Daniel Buren piensa en algo común de los
espacios públicos de París y constata que a los parisinos les gustan mucho las columnas y hace una performance basándose en esto.
Grupo Support(s)/Surface(s): Exposición en el museo de Arte Moderno de París en 1969. Entre todos los artistas reclaman que la pintura no está muerta, que sigue teniendo validez y que el objeto de la pintura es ella misma. Romperan los soportes.
Frank Stella: Expone en los 60 unas obras que el denomina sus "Black paintings" que
siempre tendrán el mismo aspecto: fondo negro con motivos geométricos. Estas pinturas abrirán la puerta al minimal con artistas como Serra o Morris.
Robert Rauschenberg: "Combine paintings": En 1964, en la 32 Bienal de Venecia este
artista americano recibe el Gran Premio de la Bienal. Era la primera vez que se premiaba a un artista americano.
Tate Modern, 2011: Las subastas se convierten en objeto de exposición. Falta de definición de qué es el arte.
Alison Knowles: Fluxus. Happening.
Accionismo vienés:
Comienzan a explorar el body art, algo que será fundamental en el arte que vendrá después. El objetivo que tiene es transformar el cuerpo del artista en superficie, soporte y elemento de la obra de arte; se produce un desplazamiento de la obra de arte que era algo que creaban los artistas a esta situación en la que el artista hace algo sobre su cuerpo por determinadas motivaciones. En los años 60 el body art tiene un corte político e ideológico muy concreto. Precedente: 1960 Yves Klein. Lo que caracteriza al accionismo vienés es que se trata de un grupo de artistas que van a desarrollar entre el 65-68 una recreación en público de una serie de rituales sangrientos, escatológicos y sexuales explicitamente. Alguna acción: defecación sobre la bandera austriaca. Todo tenía intención artística y social; querían poner en evidencia los tabúes de la sociedad austriaca (dos décadas antes había terminado la II G.Mundial en la que Austria tuvo un papel grande en el mundo nazi). A través de estas acciones públicas querían provocar el estupor de la sociedad biempensante burguesa. Los registros de sus acciones hoy en día siguen siendo molestas. Arte como catarsis.
Chris Burden (le disparan en una mano), Orlan (culto a la belleze), Ana Mendieta (escenifica una violación) seguirán la estela de este movimiento.
Exposición Art Corporel, Galería Stadler, París, 1975.
Se escribió un manifiesto sobre el arte corporal en 1974. Esta exposición cristaliza y se convierte en un hito.
Günter Bruss
mediante el body art. La exposición pretendía reflexionar sobre el futuro de las prácticas artísticas por lo que se planteó una exposición que tenía un carácter abierto. Reflexionaba sobre el papel del comisario de arte que se convierten en los mediadores entre el espectador y el artista. El comisario en la actualidad, generalmente, monta exposiciones-hipótesis, la exposición como una investigación que establece nuevas lecturas y nuevas maneras de concebir el arte y las prácticas artísticas y que tiene la idea de enseñar de manera abierta al espectador y de sugerir para que el espectador piense.
El primer gran cambio que arrastró a todos los demás museos fue la Tate Modern decide mostrar sus fondos de otra manera: dividen la colección en dos; artistas británicos y otros artistas. En vez de mostrarlo en orden cronológico lo plantean por temas: naturaleza, geometría, figuras etc. Una consecuencia de este cambio es el enfrentamiento entre artistas históricos y artistas actuales vivos. Esto es algo que se ha convertido en un fenómeno habitual que a veces es muy afortunado.
La llegada de la postmodernidad.
Hetereogeneidad en las prácticas artísticas en los años 70.
Discursos de la postmodernidad: "La condición postmoderna", Jean François Lyotard. El término "postmoderno" se empieza a utilizar en el ámbito de la arquitectura pero enseguida se utilizará en el resto de las prácticas culturales.
Este concepto engloba una amplia gama de movimientos, de pensadores, de artistas que surge en los 70 y en los 80 con el objetivo de oponerse a la contemporaneidad (en arquitectura al movimiento moderno). No se trata de un grupo homogéneo pero sí que comparten una serie de ideas comunes y sobre todo comparten la sensación de que la modernidad ha sido un fracaso en su objetivo de renovar el arte, la cultura, la filosofía y la sociedad. Nace de una situación de crisis que se genera a mediados de los 70 y que intenta superar esa crisis a través de una serie de valores como podrán ser: lo híbrido, lo mestizo, lo popular y en general de la relatividad de los valores. Hay una sensación general de pérdida de fé en el progreso, la razón etc. y también una sensación de que todo es relativo. Se habla también de la muerte de las ideologías. Todo esto es el testimonio de una sociedad fragmentada, plural, en la que conviven muchas identidades. No hay verdades absolutas si no interpretaciones de la historia. Pesimismo frente a la fé del progreso de finales del XIX.
Frente al dominio de la cultura occidental que es patriarcal, en estos momentos se defiende una sociedad multicultural en la que no hay un único foco: el centro del mundo no es Europa, habrá otros centros.
A parte de este multiculturalismo aparecerá la atención a las minorías raciales o de identidad sexual (homosexuales, mujeres). Todo esto tomará forma a partir de los años 70.
Hay una renuncia a las utopías, sensación de desencanto. Pérdida de fé en las ideologías totalitarias: religiones, socialismo etc. Todo esto se produce en un cambio en la economía:
el capitalismo como sistema general único. Dentro del capitalismo se producen también cambios; uno de los más importantes es el cambio de economía de producción a economía de consumo. En los 80 el mundo de las inversiones pasa al mundo del arte y esto transforma totalmente el mundo del arte.
Desaparecen también los grandes ídolos, habrá ídolos más efímeros y para minorías. Se produce también una revalorización de la naturaleza y del medio ambiente.
Excesiva información gracias a la masividad de medios de comunicación. La información se convierte en un entretenimiento.
La información está sustituyendo el conocimiento y los medios de comunicación se convierten en los transmisores de "la verdad". Esto se hace muchas veces sin que las prácticas de los informadores sean prácticas veraces.
Esta información hace que las personas se comporten de una manera concreta, la sociedad está "manipulada".
Otro de los hechos curiosos es que hay una pérdida de la intimidad y hay una sobreexposición de la misma.
La historia en general ya no se concibe como un gran relato: si se quiebran todas las lecturas lo que nos encontramos es que no hay historias completamente objetivas, se mira al pasado desde el presente actual. Quien hizo historia en los 70 la hizo de una manera y quien la hace hoy en día la hace de otra.
Nacen los denominados "Cultural Studies"; campo de estudio que se ocupa de todas las manifestaciones culturales de minorías que no se han estudiado hasta ahora. Incluyen los estudios de género: estudios relativos a la perspectiva, por ejemplo, de las mujeres. "Arte Queer".
Algunos sociólogos apuntan que el arte de hoy en día es una "neomodernidad".
Exposición de 22 Realistas, Whitney Museum (museo que organiza exposiciones de arte norteamericano que estará ligado a grandes exposiciones), NY.
Escultura de Duane Hanson. 1970.
En 1977 Jean Clair amplía esta exposición de la nueva subjetividad incluyendo a artistas anglosajones como David Hockney, de origen inglés que emigra a EEUU y vive en Los Angeles dónde se queda viviendo más de una década retratando vidas íntimas, le fascina el modo de vida de allí. Es una pintura que sorprende muchísimo. Él lo denominaba como mezcla de fantasía y realidades turbadoras.
1977, celebración de una serie de exposiciones en NY llamada "Pattern painting". Esta exposición da a conocer una serie de artistas que reivindican procedimientos artesanales que no se habían considerado como artesanales como el bordado. También reivindican el uso de motivos decorativos que siguen una repetición que se inspira en motivos persas, precolombinos, árabes etc. Reivindican la pintura como arte decorativo (frente al conceptualismo, al informalismo, al expresionismo abstracto etc). Tienen un valor añadido que es muy interesante y es que casi todas las artistas son mujeres. Se da mucha importancia al color. Reivindican la atención hacia el arte anónimo creado por mujeres.
Sonya Rapoport.Red graze.
Mirian Schapiro.Gates of paradise. Asian rendez vous.
Folk Art Museum: En este museo neoyorkino se guardan algunas de las obras de estas artistas.
Neoexpresionismo alemán: Aparecen como grupo aunque en estos años lo que vemos es siempre es un tono individual de los artistas.
Georg Baselitz:Sus obras recuerdan a los totems. Colores claros, muy contrastados, dejando a la vista las huellas de los instrumentos. Respecto a la pintura, el le dio la vuelta a la pintura y comenzó a colocar las figuras bocabajo.
Anselm Kiefer: Pintor figurativo, grandísimo formato, siempre trabaja con pinturas muy empastadas con una paleta de tonos ocres y tierras, tiene un punto lúgubre. Muy crítico con
Land art:
Christo y Jeanne Claude: Profundizan en el "land art" pero explorando otras vías. Entre 1973-1976.
"Running Fence": En California. Especie de cortina: postes de acero con una tela que medía 31 km de una colina hasta el mar, de alto esta cortina medía de alto 5m.
En los años 80 envolvieron el Puente Nuevo de París. No es una acción en el paisaje natural si no en el paisaje urbano. Según los artistas buscaban provocar efectos sorprendentes en el espectador porque para ellos los espectadores y los ciudadanos a menudo pasan alado de monumentos y no les prestan atención. Una manera de llamar la atención del ciudadano es quitando de la vista ese monumento que la gente no ve ya que lo tiene muy visto.
"Empaquetamiento del Reichstag" 1995: Ocultó este edificio de poder de Alemania.
Arte público: Intervención en espacios urbanos. Tendencias muy consolidadas en el arte actual.
Pater painting:
"Diference: On representation and sexuality", 1984. Primera exposición que se dedica al
concepto de género en función al lenguaje y a la sociedad. Surge esta cuestión en este momento a partir de los estudios de Lacan de la sexualidad: la sexualidad es algo fisiológico, y es un concepto que se construye simbólicamente (es un fenómeno cultural). Lacan fue junto al crítico de arte John Belger, los que primero empezaron a replantearse la imagen femenina.
Jeff Wall, Picture for women, 1979
Bárbara Kruger. Esta artista representa el feminismo postmoderno y que en sus obras se combinan imágenes fotográficas con textos. Consigue obras que son francamente impactantes. Es norteamericana, radical y subversiva. Cuestiona los roles de la mujer pero también le preocupa el consumo, los esquemas de la cultura dominante y el papel de los
"We don´t need another hero"
Artistas que hacen de la reivindicación social y políticas la línea de su trabajo.
Compassion and protest. Recent Social and Political Art, 1991
Cindy Sherman:"Untitled film"
Trabaja con un concepto de la autorreferencialidad. Artistas que se utilizan a sí mismos para explorar sus temas. Construcción del mito femenino, la utilización, la cosificación de la mujer a través de la mirada del hombre.
Ella saca fotos de sí misma en las que aparece vestida como una mujer de los años 50 que tienen un referente iconógrafico claro de películas etc.
Jenny Holzer: "Under a rock". Mezcla una serie de mensajes que tenían que ver con el
racismo, el sida, la violencia etc. junto con noticias de los deportes y del tiempo. Mensajes banales con mensajes más profundos.
Anselm Kiefer: "Deutschlands Geistesheldem" (Los héroes de Alemania), 1973. Crítica a
los políticos. Época del neoconservadurismo. Esta obra provocó el completo rechazo por la crítica alemana. Tenía que ver con el mundo nazi, los campos de concentración etc. Lo que quería mostrar esta exposición: el arte de lo sociopolítico había fraguado del todo ya.
Obras que cuestionan lo establecido.
- Bienal del Whitney Museum, New York. Institución que está en la 5ª avenida y que se caracteriza por su dedicación a arte norteamericano. La Bienal siempre ha sido como un evento mediático que atrae a artistas, críticos, galeristas etc. y que mostraba las últimas tendencias en el ambito americano. De alguna manera es una especie de espejo autorreferencial en el que se mira el panorama norteamericano.
La Bienal de 1993 confirmó el impacto del arte político (arte con contenido político). Un arte que está centrado en la mujer, en las minorías sociales etc. y que apunta a las controversias entre la sociedad y la política y sobre todo a dinamitar las estructuras de poder. El poder genera unas estructuras mentales para tenernos sometidos.
Todos estos artistas es probable que sean los más interesantes del panorama de los últimos años. Este arte es un instrumento de desmitificar la realidad y llamar la atención.
Público reflexivo. Crítica muy dura que afirmó que en muchos casos lo que había conseguido la bienal era lo contrario a lo que pretendía: trivializar el arte con toque político. La bienal puso fin a la idea de que el arte no norteamericano era un arte realizado tan solo por hombres blancos.
