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Los movimientos que tienen como por ejemplo la Gorgono en Corfú, procede de influencia Egipcia (y más allá, oriente)
La escultura se considera como práctica.
Se plantean problemas a resolver –> Las teorías de Egipcio están basadas en piedras duras como el basalto eso hace que en Creta se adopten técnicas diferentes para los materiales cretenses. En las ciudades si que si permite la aplicación tal cual procede de Egipto, ya que está el mármol (tan duro o más que el basalto).
El uso de la ciudadanía en Egipto, no será la misma en la cultura cretense.
En Egipto la escultura se obtiene por abrasión. Esta técnica no se utiliza en Creta en el tallado se usaban instrumentos de hierro. Creta actúa como intermediaria y aporta unas influencias como a la isla de :/Naschos/.
A pesar de las diferencias técnicas, el canon dedálico se percibe en Creta
CARACTERIZA:
Detalle autonómico muy convencional.
Mis convivencias.
Nos recuerda a los estados cubo.
Koré o Artemisa de Delos.
Cerámica:
3 CENTROS: Atenas, Corinto y Rodas.
Estamos entre el 720 y 600 a.C. (periodo orientalizante)
Se mezcla la tradición geométrica con un tipo de soluciones orientales
ATENAS: Sensación de color (aparece la policromía) y el cómo se va confeccionando estructuras decorativas que se repiten.
PROTOÁTICA: Utiliza los fondos de color gamuza (muy claros), se crea ya un programa decorativo. Los hombres, el vaso, la basa y el cuello son zonas que se decoran con motivos genéticos. La panza y la parte media del cuello reciben figuración. Este esquema se repite con frecuencia. Se trata siempre (casi siempre) de desfiles de esfinges/figuras en procesión. Rostros son expresionistas (muy expresionistas). Abandono del geométrico. Origen de estos objetos cerámicos es en las ánforas funerarios. Al ser objetos grandes, la pintura, el dibujo se desarrolla. En la evolución del dibujo se consigue adaptar la forma de motivos por el ‘’horror vacui’’ se sustituye por motivos geométricos Consecuencia de ese momento.
Estilo en blanco y negro: Figuras negras, sobre fondos claros.
CORINTO:
Producción tan amplia que distingue varios periodos.
PROTOCORINTIO: Línea de dibujo que marca la separación en figuras 750-640 a.C. Hay mezcla entre lo geométrico y lo orientalizante. Destacan los aribalos, píxides, alamosrtonoes. Tamaño más reducido. Figuras de hasta tres centímetros. Importancia en la silueta No define determinadas aspectos como el movimiento sobre la silueta se va utilizando un cierto volumen. Se rellena de colores (negro/marron). Esa técnica incisa es propia de corinto. Sobre la silueta se va raspando, se expande por el resto de Grecia. Silueta de color negro o marrón. Se va ampliando la gama de colores (esto no significa que se mantenga).
TRANSICIÓN: 640-325 a.C. Mayor realismo. Recipientes de mayor tamaño. Aparcen, Olpos, Skifos… Se siguen dibujando figuras humanas y animales. Se precisa el dibujo más detallado, Naturalismo afecta a lo que la figura hace. Mayor atracción a los objetos.
PRIMITIVO: 625-600 a.C. Cierta regresión al Horror Vacui, uso de color para dar volumen. Se comienza a copiar los tejidos que llegan de Oriente. Decoración utilizan decoración humana. Toda la panza se rellena con frisos compuestos de animales, generalmente animales. (Olpe Vaticano)
MEDIO TARDÍO: 575-540 a.C. Oinochoe Levy, mantiene formas anteriores. En este momento hay caída de cercanía, ya que deja de ser en Corintio uno de los productos importantes, por eso aparece un cierto retroceso. A veces estos objetos de bronce. Figuras se prefabrican que se incorporan al vaso. Las asas de la crátera tienen forma de Gorgona.
CERÁMICA DE RODAS: La más difundida en la Grecia Oriental, llega a ser una copia de las de Corinto. A pesar de esto, nos encontramos fondos cada vez más blancos, la decoración imita el bordado. A veces podemos relacionarlo con un tapiz. Se utiliza un color marrón oscuro y las figuras son siluetas que separan pares para dar una mayor sensación de realismo. La influencia oriental no es tanta. Los motivos de relleno ya no son tan geométricos, no son rosetones. (Cerámica de Fikellura) Lienzo aparecen figuras humanas.
TEMA 5: GRECIA ARCAICA (600-480 a.C.) Arquitectura:
1.Órdenes (mirar ficha) 2: Templo
Desde mediados del S.VI al 480 hay un cambio considerable. La evolución del sistema urbano, es lo que hace que ocurra eso. Durante este periodo se va evolucionando poco a poco hacia la democracia (el sistema más
Templos Anfiprostilos: Columnas en fachada y parte trasera.
Templos Perípteros: Columnas rodean el templo. Templos Dípteros: Dos filas de columnas rodean el templo.
En función del número de columnas de fachada principal:
Dístilo: dos columnas Tetrástilo: cuatro columnas
Hexástilo: Seis columnas Octóstilo: Ocho columnas
Decástilo: Diez columnas
Es raro ver un número impar de columnas, pero hay casos.
TEMPLO DÓRICO:
Utiliza generalmente el templo hexástilo. En los laterales hay el doble de columnas que en la fachada principal más uno trece. TEMPLO JÓNICO:
Especialmente los de Asia Menor tienen influencia de los Bit-Hilani. Tendencia a usar muchas columnas. Templos dípteros octóstilos.
Templo arcaico:
- Templo dórico (quizás los más numerosos y más importante por su monumentalidad): Se va a extender por toda la Grecia continental, pero también alcanza Sicilia y la magna Grecia. En función de la región va a tener características propias. Santuario de Olimpia (Heraion de Olympia): Finales del siglo V a.C., templo hexástilo. Las columnas de los laterales tenían el doble más uno (no siempre se cumple). En este caso no se cumple. La celda es un hecatónpedon. Presenta una especie de pronaos o vestíbulo que carece de columnata axial (la del centro). Aparecen dos columnatas laterales, esto no confiere planta de basílica, pero no se fragmenta el espacio en tres naves, ya que en cada alteración de columnas hay un muro que separa esto nos indica que no existe la técnica suficiente para levantar un muro sin que se caiga, más que muretes son contrafuertes interiores. Crean un espacio a los laterales que son como cuatro capillas, con la columna en el centro. La columna tiene todavía un carácter
casi divino. Ese pórtico exterior en un principio se construyó en madera y poco a poco se va pasando a la piedra. Este hecho tan simple de pasar de la madera a la piedra impone una serie de condiciones. La madera es flexible la piedra no, la piedra es mucho más pesada que la madera, significa que crea nuevos problemas para la estructura, con la madera podíamos construir espacios más amplios (más distancia por ejemplo entre una columna y otra) con la piedra no se puede, más limitación, dado el peso. También hay condiciones de tipo decorativo, gran parte de la decoración en piedra es un traslado de la que había en madera. Las columnas son estriadas, (las columnas estriadas representan las huellas que deja el hacha cuando se tala un tronco del árbol clara imagen del traslado casi al completo de la madera a la piedra) Las techumbres de madera, se intentan pasar tal cual a la de piedra (vigas de madera por vigas de piedra). El cambio de un material a otro está incluyendo una gran cantidad de condiciones. Se está produciendo la evolución de la madera a la piedra.
Sur de Italia (culturalmente griega nos aporta una idea como la presencia de Pitágoras (aporta conocimientos matemáticos), nos damos cuenta que la arquitectura como el resto del arte no surge por cuestiones de gusto, sino por una serie de pensamientos. En Paestum (Poseidonia) nos vamos a encontrar con un conjunto de espacios sagrados, en el que se dedica el santuario a la diosa Hera. Se encuentra en la llanura del río Sele. Nos encontramos un grupo de templos, que durante la Edad Media, Renacimiento, Modernidad, permanece intacto, como si estuviese en una burbuja temporal se redescubre hacia mediados del siglo XVIII 540- a.C. se trata de un templo heneástilo (9x16 columnas). Si aparece la columnata axial (muestra de evolución del templo anterior). Templo de bastante envergadura. Determinadas columnas son especial (la de los extremos son más voluminosas). Las estrías se remarcan mucho y nos llama también la atención el tipo de capitel (muy fino, prácticamente como si fuese una ‘’hogaza de pan aplastada’’). En la unión con el fuste aparece también un collarino de hojas finamente tallado cuando la decoración se talla eso indica que después se pinta (generalmente blancos, rojos y azul). En algunos textos se va a encontrar que cuando el frente tiene un número impar de columnas, es porque aparece generalmente una columnata central/axial, pero no siempre se da así Esta idea arranca de antes. También se conoce como ‘’La basílica’’ dada su envergadura. Nos damos cuenta que las relaciones en la estructura son más próximas a un templo jónico toda esta zona de la magna griega, han sido tomadas por ciudades jónicas, como de la costa del egeo de Asia Menor. Por ejemplo se utiliza la proporción jónica de 4x9 luego aparece en el Partenón. Eso se
más armónica. El templo más importante es el ‘’f’’, el de la concordia, construido encima de una colina muy suave busca la vista y el aire, que actúa como un elemento de purificación y de limpieza. Hay otro templo como el caso del Templo de Zeus Olímpico. Colinas onduladas que dominan el paisaje. El templo de Apolo en Corinto, en Delos o en Siracusa.
TEMPLO JÓNICO:
En la isla de Samos nos encontramos con dos arquitectos Roicos y Theodoros; quienes van a trabajar en el Heraion de Samos (570-550 a.C.) construyen un templo díptero y octástilo, en total el conjunto tiene 140 columnas. Tiene un número de columnas enorme, son 104 columnas, y esa va a ser unas de las características. La zona de origen es casi siempre la costa del egeo de la actual Turquía, la multiplicación de columnas será una de las características. La celda estaba precedida de un pronaos y dividida por tres filas de columnas con lo cual sí que habías tres naves en el interior. Se reconstruye este templo hacia el 525 a.C. y en ese momento es cuando se amplia y se construye ahora con un pórtico octástilo pero que tiene en el lado este una triple fila de columnas. Y también en el lado occidental se le añade una fila de columnas SE MULTIPLICAN LAS COLUMNAS.
Artemision de Éfeso; se hace a mediados del siglo sexto antes de Cristo, se conoce el nombre de los arquitectos (Chersiphron y Metágenes y colabora también Theodoro de Samos). El templo fue incendiado y reconstruido en época de Alejandro Magno. Lo más importante es que la nao no estaba cerrado sino que era una especie de patio abierto, todo el templo estaba rodeado de un jardín, porque ese era precisamente el símbolo de la diosa Artemisa.
Templo de Apolo Didimeo: En realidad era un santuario de oráculo, había una sibila. Durante mucho tiempo fue un templo bastante importante, muy cerca de la ciudad de Miletos y existía una vía sacra, también aparecía este elemento que servía precisamente para las procesiones de la divinidad. En el patio no había techo.
Tesoro de los Sifnios: El templo jónico arcaico, se trata de un templo dístilo in antis. Lo más importante de este templo es el programa escultórico que lo decora (el friso), tiene escenas de la guerra de Troya, la Gigantomaquia, el juicio de Paris, el rapto de Leucípides raptado por Crastor y Polus. El frontón este donde se represente la lucha por el trípode entre Hércules y Apolo.
Mirar arte etrusco (tablón de docencia)
El urbanismo arcaico
Una vez que se impone la democracia en la ciudad griega, la polis se concibe como una entidad autárquica, y en la administración participa necesariamente toda el pueblo, la democracia se incluirá paulatinamente. Entre los siglos VIII al VI a.C. se va formando este modelo de ciudad, donde lo más importante es la idea de independencia y la idea de libertad. Grecia es una cultura configurada por pueblos muy diferentes que deciden en un momento unirse todos. La ciudad se configura con las influencias de TODOS los pueblos. El elemento común el ser humano es el centro del mundo, antropocentrismo. A partir del ser humano se va a crear la ciudad. Se toma al ser humano como modelo nos encontraremos una ciudad perfectamente racionalizada (como nuestro cuerpo) con partes perfectamente combinadas. Se tratará de una ciudad orgánica --> se comporta de la misma forma que el ser humano.
Defensa, seguridad (estabilidad) y la intención de generar bienestar y felicidad a los ciudadanos. Para conseguir que una ciudad (5000 y 20000 habitantes) adquieran estas características, es fundamental que se conozca a la persona que lo haga posible, se necesita que el grupo no crezca demasiado para que haya una mayor cercanía). Las ciudades griegas ejercen un control real, agrícola, sobre la franja de tierra y dependen directamente de la agricultura. Así mismo, las ciudades costeras necesitan de esa franja de terreno agrícola, no se concibe una ciudad sin la agricultura. En este momento la guerra impone el que las ciudades siempre sean amuralladas (de entre 2 y 4 metros de anchura, cuya parte central está relleno de mampuesto y mortero de cal). Ciudad amurallada con una franja de cultivo alrededor, no es excesivamente grande. Lo más llamativo de este germen, es el carácter orgánico, se van a distribuir espacialmente. En cuanto a las funciones de tipo sociopolítico estarían representadas por un espacio que ya conocemos la acrópolis suele ser el asentamiento más primitivo, donde se origina la ciudad, colocada en la parte elevada de la ciudad. El asentamiento en la cima de la colina garantiza la seguridad. Generalmente ese asentamiento data de época del neolítico. El centro neurálgico de la ciudad va a ser el ágora (plaza donde también se localiza el mercado; por regla general se encuentra en el centro, pero con el paso del tiempo, el ágora va desplazándose a la periferia). A esa plaza central, confluyen las calles más importantes y en ella se encuentran siempre, los edificios más bellos de la ciudad. El bouleterion (donde se reúnen los senadores, representa el poder), junto con este se encuentra el pritaneo (especie de
naturaleza religiosa en un lugar de encuentro de diversión, el esplendor estará en el siglo cuarto antes de Cristo. El teatro será sobre todo, un lugar de encuentro con connotaciones de tipo político, donde el espectador recibe información no solo de la cultura sino también de la situación política de la ciudad. Con todos estos requisitos es normal que el teatro suela utilizar la ladera de un monte porque de esa manera se facilita enormemente la construcción (en este caso no hay que construir cimientos para las gradas, ya que esta descansa sobre la roca madre de la ladera). Muchas veces estos enclaves se encuentran en las afueras de la ciudad, y esto da lugar a una extensión del plano. En la mayor parte de las ocasiones el teatro se coloca en las afueras. Las partes más importantes del teatro son:
Parodoi : son las dos entradas laterales
Koilon: Graderío. Tiene varias partes; pasillo concéntrico, pasillos en disposición radial. Dividido en sectores: kentroi. Esos kentroi están delimitados por esos pasillos que se llaman kerkides (de arriba abajo). Los kerkides se duplican en los pasillos en la parte de arriba, ya que hay mayor cantidad de asientos que en la parte de abajo. Existe también el diazoma es el pasillo concéntrico en torno a un espacio central circular. Es el espacio destinado a los coros. Aquí antiguamente es donde tenía lugar las escenificaciones del rito de la ceremonia del culto a Baco, y esa es la razón de que justamente ahí aparezca un altar ( thymele ). La scena o skena tiene varias partes, tenemos un cuerpo frontal, que es lo que se llama el proskenion, delante de la escena sobre esta aparece otro, logeion ahí es donde tiene lugar la representación, y justo por debajo, aparece el hiposkenion, es la que se dedica a la tramoya (solía haber unos prismas de tres caras que se iban haciendo girar y al girarlo servían para cambiar el decorado). Thyroma son ventanales que sirven para dar diferentes escenarios. La parte central es circular. En la parte más baja del graderío, aparecen asientos especiales para los personajes más importantes de la ciudad. A parte de este tipo de teatros, suelen aparecer otros teatros más pequeños que generalmente se utilizaban solo para audiciones de tipo musical.
La zona de enterramiento, necrópolis, siempre aparecen fuera de los muros de la ciudad, por higiene, pero en clara conexión con las vías de acceso más importantes de la ciudad. Las costumbres de enterramiento van cambiando, poco a poco se va abandonando la cremación y se va adoptando la inhumación (por tierra), fuere lo que fuese, los cementerios que se abrían a las puertas de la ciudad, se caracterizaban por la aparición de grandes vasos de cerámica. Pero poco a poco ese tipo de monumentos funerarios (vasijas de gran tamaño), se fueron sustituyendo por otro tipo de monumentos y lápidas; las esculturas de kuroi. Generalmente el cadáver se coloca orientado hacia el oeste. El ajuar masculino de las tumbas es inferior al de los femeninos. Se prohíbe que los hombres porten armas en la ciudad. Las espadas en los enterramientos, acaba por perderse. Desaparecen las espadas de los
enterramientos. En un principio el cadáver, se depositaba directamente sobre el cadáver, pero poco a poco, las personas más pudientes, adoptan la costumbre de utilizar sarcófagos de tufo (piedra volcánica, fácil de labrar) o mármol, pero esto no es lo habitual. En la ciudad griega no existen los servicios públicos (ni los vertederos, ni las cloacas) aquí está solo en estado incipiente. La ciudad griega le da una gran importancia al traslado del agua.
La escultura arcaica:
Pregunta con frecuencia esta parte en el examen
La escultura de este periodo es el que mayor logro técnico alcanza en toda la obra del arte griego. Gran salto prácticamente de no tener escultura a tener una específica con características propias (personal y definida). En este salto juega un papel fundamental el cuerpo masculino. El de la mujer vendrá cien años más tarde. El cuerpo masculino de jóvenes atletas. El cuerpo humano no es más que arquitectura en movimiento (estructura con elementos sustentantes y sostenidos, siempre necesitara del concepto de equilibrio). Si hubiese que elegir dentro de la arquitectura una forma, sería un templo. Sobre esta idea se aplica todo un concepto de belleza, que en absoluto es artificial, sino que deriva directamente de lo que se conoce en este momento de la naturaleza. No se basa en el gusto, es así porque responde a lo que se conoce en este momento de la naturaleza (se conoce poco de ella).
- El arraigo tipológico:
Escultura en piedra, pero no podemos olvidar que la escultura en Grecia, utilizaban antes la madera, eran las xoana , eran esculturas en madera de árboles sagrados (como el olivo), poco a poco esa escultura (la cual nace asociada a la religión) de madera se pasa a la terracota y caliza. Ese salto se produce por influencia oriental a través de Asia Menor y Egipto. El salto forma parte de una evolución de los materiales, que hacia finales del siglo séptimo se complica aún más cuando junto a la terracota y la caliza comienzan a utilizarse el bronce y el mármol, para esta época lo que tenemos son diferentes posibilidades materiales (caliza, terracota, bronce, mármol, elementos que se incorporan poco a poco en la escultura). Ese último salto hacia el bronce y el mármol, se justifica con la influencia que ejerce esta ciudad, Naucrátis, que se funda en el 625 a.C., es el punto de contacto entre Egipto y el exterior, se realiza a través de este puerto. Naucrátis juega un papel muy importante en ese cambio de materiales. Esa influencia no se produce tal cual, sino que debe de ser filtrada. Se hace una selección de las influencias y se adapta. Durante los siglos séptimo y sexto antes de Cristo. Fianza el sistema iconográfico y el sistema técnico. Poco a poco lo que se hace es crear una especie de CHORPUS, de teoría y práctica, conjunto de
vamos viendo es como el cuerpo acaba adoptando una forma de bulto redondo, de una postura de influencia oriental y egipcia, que confieren un aspecto hierático (en presencia de la divinidad). Sin embargo, a partir de aquí, se evoluciona hacia un tipo de escultura mucho más dinámico, abierto, naturalista.
Características del kulós (heredada por influencia egipcia)
Aº Tipo monolítico Bº Figura cerrada (los miembros del cuerpo no crean espacio con la estructura corporal) Cº Carácter hierático (actitud en presencia de la divinidad)
Dº Influencia oriental, que llega desde la zona de Asia Menor (algunos hablan de influencias Africanas).
Eº Una de las características fundamentales es que el ser humano se concibe como una estructura arquitectónica (especial atención en articulaciones y los músculos ahí siempre habrá algunos detalles específicos, por ejemplo: las rodillas se resuelven en una forma geométrica –formando un pentágono regular inscrito en un círculo- la razón de la geometría puede ser:
- En ese momento se desarrollan las ideas de los pitagóricos, quienes buscan explicar cómo funciona la naturaleza. Observan y se dan cuenta, que en la naturaleza hay siempre una cierta regularidad, por ende el cuerpo humano también comprende una regularidad. Este tipo de figuras humanas, refleja lo que será la media naturalismo: la figura representaría a todo el grupo de animales (pero no a todos, a la mayoría).
Ley ornamental: lo que hay detrás no es más que ajustar la figura a las leyes matemáticas que se están extrayendo de la naturaleza. Se dan cuenta que la estructura humana está compuesta por varias partes, que lo estructuran en diferentes trozos, pero también ven una cierta relación en cada una de las partes humanas. Ven que no tienen expresividad, y a partir de ahí van evolucionando los ojos van evolucionando y cobran expresividad. Cada vez más se va ganando ese naturalismo
Estas figuras en un principio se pensaba que eran representaciones del dios Apolo (por su carácter juvenil) pero vieron que era extraño que en muchos casos apareciesen en cementerios, heroones (lugares para personas heroicas, NO DIOSES), todas ellas llevan la tenia (cinta que se anuda detrás de la cabeza, en la frente lo que hace es desviar el sudor, la suelen llevar los deportistas). Se cae en la cuenta de que esto no es una representación del
dios Apolo sino de atletas y efectivamente aciertan estas estatuas son parte del premio que ganan los atleta. A medida que ese atleta gana más, la figura cobra más realismo (sin llegar al realismo).
Las korés (tipo femenino), también se define en el arcaísmo, más tarde que los kulós, alcanza su mayor esplendor hacia la segunda mitad del siglo sexto antes de Cristo (muy próximo al clasicismo). Lo más importante de esta tipología va a ser como evoluciona la ropa, los pliegues del vestido, nos indicarán cual es el grado de evolución. La mujer aparece vestida porque los desnudos se atribuían solo a los dioses y a los hombres. En este momento, la mujer no se entiende como posible heroína, no es susceptible de ser héroe, por eso va vestida No se reconoce esa capacidad de convertirse en heroína. Las diosas aparecen por tanto vestidas, ya que se generaliza el desnudo en la mujer.
El vestido de la mujer siempre se compondrá del chitón, (túnica pegada al cuerpo de la mujer, como la túnica romana), por encima del chitón, aparecerá el imatión (manto largo de tela, que cubre al menos un hombro y se coloca sobre el chitón y a veces por encima del imatión aparece otro manto corto, que es lo que se llama peplo.
También existían diferencias en cuanto al vestido dorio más sobrio, vestido jónico con más detalle y movimiento, introduce pliegues y diagonales. Diferentes composiciones, rápidamente se dan cuenta de que las líneas sirven para dirigir la mirada, no es lo mismo colocar una línea a la derecha, que a la izquierda a partir de ahora las imágenes entran en ese juego de la composición. El cuerpo en el caso de los hombres siempre aparecen a lo largo del cuerpo y ceñido a este, así evita la rotura de los miembros, en el caso de la mujer el brazo de la mujer se coloca sobre el pecho y otro se alza, realizando una ofrenda, el carácter de este retrato femenino es de estatua oferente, esto ocurre desde el principio. Los rasgos faciales sufren también la misma evolución. Comienzan siendo unos rasgos muy simples y poco a poco son más naturalistas. Estatuas van policromadas.
Moskóforos: tipo escultórico que se desarrolla en el arcaísmo, figura que lleva animal en los hombros. Cuando nace, realmente no se sabía que representaba, pero parece ser que representa a un hijo de la diosa Pales. Característica muy similar a la del kurós. La disposición de los brazos nos recuerda a la de los egipcios, puede ser por influencia por la escultura egipcia faraónica.
Estelas funerarias: Denotan influencia procedente de la zona mino asiática. La estela funeraria sobre todo la del arcaísmo medio, procede del cementerio kerámicos. Estas estelas demuestran la opulencia de las clases altas, que pueden permitirse este tipo de decoraciones. Lo más importante de estas escenas, es que vemos como la mayor parte de estas figuras evidencian en los gestos, la tranquilidad, la reflexión o simplemente la aceptación del hecho de la muerte. Generalmente la estela suele ser una basa sobre la que se coloca un pilar con capitel, y sobre este se coloca entonces una palmeta o a veces una esfinge que está agachada (no sentada). Poco a poco se van trazando más detalles, el rostro es muy similar al de los kurois. La mayor parte de las estelas que aparecen en este momento es como la estela de Aristión (por Aristóteles).
movilidad. Los rostros se representan con la sonrisa ginética y también el desnudo: esto diferencia la escultura cicládica de la egipcia. Escuela peloponésica o continental: Será base de la escultura posterior. Su influencia va a ser grande, se va a extender que por ejemplo lo que hace la escultura cretense o jonia. A esta escuela pertenece: Cleobis y Bitón: Eran hijos de una sacerdotisa de la diosa Hera. Llevan a su madre para que deje una ofrenda. La llevan sustituyendo a los bueyes, ya que no tienen bueyes. Estas esculturas reflejan muy bien la musculatura. Acción suspendida: recurso que nos econtramos a partir de ahora en la escultura griega. Recurso muy habitual. El espectador ya conoce la historia (la de la madre, los bueyes, el carro, etc) y el escultor lo que ha hecho ha sido tomar una imagen donde la acción no se está desarrollando en sí el espectador es capaz de imaginarse lo que ocurre en la historia solo viendo un momento. Hace partícipe al espectador de la figura, por ejemplo en la escultura cicládica no lo hace partícipe. Será uno de los grandes logros. Este sería uno de estos grupos por Polymedes de Argos (pertenece a la escuela de corinto/Peloponeso). Polymedes de Argos, también trabaja en la decoración del templo de Artemisa en Corfú (hacia 590 a.C.). Esta escuela también va a generar una serie de temas y tendrá bastante influencia. Pero lo más interesante es el deseo de decorar el tímpano la intención de decorar el tímpano es nuevo, antiguamente era usado para que entrase la luz. Todo lo que cubre el tímpano automáticamente es un espacio sagrado (solo usado para los templos en Grecia). Todavía se observan problemas propios del arcaísmo: La figura del tímpano está saliendo del marco Puede ser que fuese para dar una mayor comunicación con el espectador, cuando sale, puede estar más cerca de él.
La Gorgona; aparece con sus zapatos alados, en teoría está volando y por eso las extremidades forman casi una esvástica. Intenta inspirar miedo. Los temas que se representan van adaptándose a leyes que a partir de ahora se van a mantener. La Gorgona aparece entre dos panteras señora de las bestias/fieras (aparecen afrontadas, influencia procedente de la zona oriental). Pero aparecen otras figuras de tamaño inferior: crisaor y pegaso son los hijos de la Gorgona, cuando Perseo le corta la cabeza a Gorgona nacen de la sangre crisaor y pegaso, personajes que se encuentran figurados a los lados de la Gorgona. El tímpano está muy decorado. En el tímpano central está el tema más importante de mayor tamaño, en las zonas más pequeñas los temas secundarios, y también se aprovechan los huecos para decorarlas. Pero esta ley muy pronto se quiebra. En las esquinas se representan temas secundarios, tema de Zeus, que está luchando contra uno de los gigantes y lo persigue con los rayos. En el ángulo izquierdo aparece una escena de la guerra de Troya CARACTERÍSTICAS DE LA DISTRIBUCIÓN DE LAS FIGURAS EN EL TÍMPANO. En este momento las figuras de mayor tamaño son las más importantes.
En las colonias se están creando soluciones que luego en las Metrópolis se pondrán de moda. Siempre se ensaya en la colonia lo que luego se espera que tenga éxito en el lugar de origen. El material por excelencia en la metrópolis es de mármol y en las colonias serán de barro. La religión griega se hace sobre
todo con la ceremonia (igual que en Egipto, teología eran tan diferentes entre sí, que lo único que tenían en común era en la ceremonia) las ceremonias estaban vinculadas a la polis, por tanto las colonias están vinculadas a la polis. Poco a poco van cobrando cierta autonomía respecto a la metrópolis y van desarrollando un tipo de ceremonia, pero la distancia relaja las leyes y esa base es la razón que en las colonias se realicen pruebas. La colonia innova en cuestiones artísticas y culturales. Otro ejemplo es el Kurós de Tenea, representa un avance, en concreto en el rostro: sonrisa idiotizada. Va ganando el naturalismo, casi el realismo, hay mayor adecuación entre los miembros, de los volúmenes a la realidad. La musculatura y tendones mejor definidos, pero todavía tenemos algunas convenciones geométricas (rodillas; pentágonos inscritos en un círculo). Se intenta desdibujar las líneas. El abdomen aquí es casi una convención. El abdomen intenta ser mucho más naturalista.
Escuela Ática:
Centro de la cultura griega a partir de esta época, 100 años más tarde será el centro de la cultura griega. Por su situación se permite la mezcla de influencias (de oriente, del norte del continente, de tipo griego e incluso de mucho más allá de Grecia). Recibe todas las influencias y las mezcla, no las mantiene para que podamos reconocer su procedencia con esto consigue crear un arte nuevo. Lo más interesante es que su escultura consigue el dominio sobre la musculatura. Vemos que los volúmenes se han naturalizado, no tan geométrica. Mantiene todavía algunos detalles que son arcaicos, pero de los primeros momentos.
La primera época es el Ático inicial (600-570 a.C.):
Kurós del Cabo Sounion (finales del siglo VII a.C.). La impronta que deja en nuestra vista lo asemeje a cualquiera de los kurós, pero cuando nos fijamos en los detalles, vemos las diferencias. Las rodillas han variado, ya tiene un volumen propio. La barbilla tiene prognatismo. Frontalidad, rostro arcaizante, pelo muy cuidado y sobre todo que la figura está realizada en tramos, se marcan las diferentes partes del cuerpo (con líneas como la clavícula, la rótula). Por la parte de atrás los pliegues lo que hacen es intentar marcar la curva de la espalda, son líneas, incisiones lo que resumen la anatomía. Todavía tienen detalles muy arcaicos. La dama de Keratea. Influencias de otras escuelas como el hecho de querer tratar el plegado de paños. Todavía hay una cierta desproporción en la dama de Auxerre. El rostro poco a poco va adquiriendo mayor naturalismo, de la época también es el Moscóforo, lo interesante es como el rostro se va suavizando, se naturaliza mucho más, como sujeta las patas del animal: se trata de una escultura de un metro de alto y resulta interesante la evolución que vemos en el rostro. La anatomía se va dulcificando, va perdiendo esa geometría a la que se veía sometida. Se corresponde con las formas de pintura de cerámica.
Atrico Primitvo (570-550 a.C.): La evolución es evidente. Técnica del trépano, sobre todo en el pelo vemos cómo va apareciendo esa técnica de realismo. Influencia sobre todo de la escultura que se hace en arcilla. Va cambiando el cuerpo, la anatomía se va haciendo más natural, lo que si vemos es que luce
El frontón del templo de Artemisa en Corcira (Corfú): El templo está dedicado a a Artemisa (diosa de los animales salvajes). 580 a.C. Se le dedica el templo a ella, pero por eso la decoración que aparece tendrá alguna relación con el personaje. Se representa a la Gorgona (personaje que la dios Artemisa, encarga para que proteja a los animales). [Aparece en el centro del tímpano.] La Gorgona tenía la intención de asustar a las malas ‘’auras’’.
Delfos se establece un santuario en honor a Apolo. Cada una de las ciudades guardan los tesoros dados en las ofrendas.
La decoración escultórica del templo se realiza entre el 520-530 a.C. Hay dos muros in antis y en lugar de dos postes, se han colocado dos cariátides (Korés, arcaicas jonias). El técnico que se dedica a poner orden, donde están los que colocan las piedras y los decoradores. En un edificio podemos llegar a encontrarnos dos escultores diferentes trabajando pero lo habitual es que trabajen de la misma forma. Por un lado tenemos el maestro de obras y por otro el autor del frontón este y el friso norte:
MAESTRO DE OBRA:
Sería una persona muy próxima al taller de Antenor (autor del grupo de los tiranicidas). Se trata de una escultura arcaica de la época alta. CARACTERÍSTICAS del maestro de obra sería el deseo de recortar el mármol sin remarcar la figura (la figura se procura que sobresalga del fondo, pero para que sobresalga del fondo se recorta como si fuese un dibujo. Vemos como si fuese un recortable desplegable, la sensación es de una figura muy plana. Este hombre lo que hace es por eso una figura, que son demasiado estáticas. Trabaja en el frontón Oeste, del que no queda nada prácticamente, parece que se dedica a la diosa Afrodita, también trabaja en el friso Oeste, y aquí, destaca el juicio a Paris. Trabaja por último, en el friso sur, trata la escena del rapto.
El autor del frontón este y del friso este, se caracteriza porque sus perfiles son sinuosos (los perfiles tienen curvatura, aun estando las líneas rectas).
En cuanto a los frontones: El frontón este reproduce la lucha de Hércules y Apolo por el trípode profético. En el Friso Este se reproduce un tema de la Ilíada. Todavía no saben cómo hacer la sensación de espacialidad y perspectiva. Intentan dar la sensación de cómo ocurre la acción. A partir de un personaje, se repite la simetría. La posición de las figuras es para dar la sensación de espacio y de asamblea.
La diferencia entre una mano y la otra es que en el primer caso, al ser muy secantes, destacan más las sombras. Comparación de la Gigantomaquia en un friso del Tesoro de los Sifnios en Delfos.
Se trata de grupos de trabajo y por esto podemos encontrar características diversas (que nos recuerden a Egipto, Asia Menor, Mesopotamia...) Poco a poco, se va creando un estilo propio.
En los frisos encontraremos no figuras en procesión, aquí las figuras configuran grupos, en el cual ocurren acciones diferentes a las anteriores. En este momento nace el tipo de escultura que conocemos/estamos habituados.
LA CERÁMICA:
A finales del siglo VI a.C. veíamos pequeña cerámica que medía 7 u 8 cm, esto daba unas características especiales. Este tipo de cerámica de la época anterior. A finales del siglo VI a.C. se convierte en figuras negras. El interior de las figuras se colorea con el color negro. Si el contorno es negro, para resaltar la imagen, nos queda: o diferenciamos partes de la figura, que no puede ser negro, ya que la figura es negra, por lo tanto blanco o bien vamos utilizando manchas de color. Un trazo de dibujo que va a utilizar blanco o castaño (el del fondo de la imagen) o pequeñas manchas de color que dan mayor sensación de volumen. Dentro de esta nueva cerámica, va a destacar Atenas (centro alfarero) Este tipo de cerámica se expande por todo el Mediterráneo. La cerámica de Atenas triunfa por la buena calidad de la pieza, por el barro rojo, que al cocerse, refuerza este color lo importante no es el color rojo de la pieza, ya que no se ve, porque está cubierto de la pintura. Lo relevante por tanto es la calidad. Tiene un gran éxito comercial, permite el perfeccionamiento, no solamente en la técnica, sino sobre todo permite y exige, el perfeccionamiento en el dibujo. El hecho de que todo el mundo quiera esta cerámica, hace que se le preste mucha atención a su composición (dibujo, material, etc.)
Pocas figuras necesitan concentrar la atención y para llamar la atención, lo que sucede es que estas figuras necesitan hablar. La figura adquiere un sentido, carácter narrativo. La figura cuenta algo. Solamente pueden hablar a través de la acción. Pequeños grupos de figura que tratan una acción (acción concentrada). Sentido narrativo de la figura.
Los pintores que no conocemos su firma, lo que se hace es referirnos a él por el nombre de la pieza. Jarro de los Carneros: figuras completamente negras, donde una línea blanca, remarca los detalles, da sensación de volumen. Cada uno de estos maestros realizan los perfiles de una forma determinada.
También tenemos la cerámica proto-ática (el pintor de Neso).
Pintor de las Gorgonas (el dibujo evoluciona hacia algo mucho más clásico: mayor proporción, tendencia del dibujo hacia algo más naturalista, más severo, convencionalismos no se han perdido, el convencionalismo de correr, se sigue aplicando a todas las figuras (la idea es la de dar un mayor movimiento))
De Sóphilos aparece su firma, reproduce en dos vasos carreras de carros de los generales de Patroclo.
La pieza más importante de la cerámica de figuras negras. Vaso François es uno de los más importantes, sobre todo porque se ha concebido la decoración con procesiones de figuras, se hace hacia el 570 a.C. En el vaso aparecen casi 270 figuras diferentes, La mayor aparecen identificadas con una carátula o letrero (con esto facilita el tema que trata). El vaso que también está firmado, lo
