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TEMA 11. ARTE BARROCO I: EUROPA EN LOS SIGLOS XVII Y XVIII.
**1. Introducción histórica.
- Caracteres generales del Arte Barroco**
- el concepto de Barroco, cronología y ámbito geográfico
- el arte Barroco al servicio del poder: . de la Iglesia (el papado): . el arte utilizado para propagar y defender las verdades católicas. . Aparatosidad y fastuosidad. . la expresión de la verdad (el contenido) sustituye a la idea de belleza. . de los reyes absolutos
- huida del vocabulario clásico . Predominio de la sensación frente a la razón, del desequilibrio frente al equilibrio renacentista . Simbiosis de arquitectura, escultura y pintura , con predominio de la primera
- escaso progreso técnico 3. Características generales de la arquitectura y escultura italianas: Bernini y Borromini.
3.1. la arquitectura italiana: Bernini y Borromini
- ruptura del concepto de belleza clásica, basada en la armonía, equilibrio, proporción, la ordenación racional, etc..
- pervivencia de la mayoría de los elementos arquitectónicos anteriores, utilizados con mayor libertad.
- predominio de la línea curva: elipses, parábolas,... columnas que se retuercen, los muros se curvan, plantas elípticas, circulares, mixtas, etc..
- exuberancia decorativa.
- espacio interior irreal, decorado, inabarcable.
- espacio exterior:
.juego de luces en las decoradas fachadas.
.creación de espacios que permiten una mejor visión del edificio.
- desarrollo del urbanismo. - mecenazgo de los papas.
- En Italia, el barroco muestra una mayor mesura decorativa en los exteriores y un equilibrio clásico.
- Bernini:
.características.
.obras.
.características.
.obras.
3.2. la escultura italiana: Bernini.
- materiales: mármol y bronce
- temas: religiosos, funerario, retratos, mitológicos, etc.
- movimiento y aparatosidad.
- naturalismo.
- expresividad de los rostros.
- carácter pictórico.
- Bernini:
.características.
.obras.
**4. El tenebrismo: Caravaggio.
- Caracteres generales de la pintura barroca**
- predominio del color sobre el dibujo.
- profundidad continua: perspectiva lineal, aérea, escorzos, diferentes planos de la luz, etc..
- hegemonía de la luz.
- composiciones asimétricas y atectónicas.
- movimiento.
- naturalismo.
- expresión de sentimientos.
4.2. Caracteres del tenebrismo: Caravaggio.
- predominio zona oscura que iluminada.
- naturalismo: se extrae a personajes de la realidad más cotidiana.
- luz artificial (sótano) procedente de un foco único, elevado y que se encuentra fuera del cuadro, que cruza diagonalmente la escena, destacando parte de las figuras sobre un fondo oscuro y resaltando las expresiones de rostros y manos.
- contraste luminoso de luz y sombra.
sustentando elementos arquitectónicos), los entablamentos se curvan, los frontones aparecen partidos, curvos, mixtilíneos, las cubiertas son generalmente abovedadas, con cúpulas de grandes dimensiones y de formas caprichosas (ovales), etc.
En el barroco no sólo se alteran los elementos arquitectónicos, sino que también sufre una transformación la concepción general del edificio, resultado de llevar las líneas curvas y mixtas a las plantas (elípticas, circulares o mixtas). Los muros dejan de ser rectilíneos, de cruzarse en ángulos rectos y las salas, muchas veces, no serán rectangulares o cuadradas. Empleo del orden colosal o gigante.
El muro, especialmente la fachada, adquiere un carácter dinámico y efectista con diversos entrantes y salientes. En las fachadas podemos ver la alternancia de zonas cóncavas y convexas, de nichos y salientes, columnas que se separan de la pared, etc. Las fachadas se conciben en relación con el entorno urbano, perdiendo su correspondencia con el interior del edificio. Son la pared de la calle por donde transita el fiel y su misión será la de atraerle hacia ese interior para que participe en el triunfo de la Iglesia.
Gran riqueza decorativa. Generalmente es geométrica y botánica, evolucionando hacia un naturalismo. Los mismos elementos arquitectónicos se utilizan muchas veces con carácter decorativo.
El espacio interior es muy complejo. Las plantas adoptan diseños caprichosos, dificultando una visión global del edificio. La decoración se hace muy recargada. La decoración escultórica y pictórica llega a enmascarar la estructura arquitectónica del edifico. Los frescos de bóvedas y cúpulas, representando cielos con figuras, crean la ilusión óptica de abrir los interiores y fundir el espacio interior con el exterior. La luz, muchas veces sin saber claramente de donde procede, produce al chocar en los muros claroscuros y efectos deslumbrantes al reflejarse en la rica decoración. El resultado es un espacio interior distorsionado y dinámico, irreal, inabarcable y lujoso.
Las ideas contra reformistas condicionaron el espacio interior, que debía facilitar la propaganda y la difusión de la fe católica. Este concepto se ve claramente en las iglesias que siguen el esquema de los templos jesuíticos. El espacio interior debía de ser lo suficientemente amplio para albergar al mayor número posible de fieles, sin dificultar la visión del altar o la audición de las predicaciones realizadas desde el púlpito. La primera iglesia que se construyó siguiendo estos presupuestos fue la de los jesuitas en Roma, el Gesú, que se convertirá en prototipo de iglesia barroca: una sola y amplia nave, capillas laterales y cúpula sobre un crucero de brazos poco desarrollados.
Externamente, las curvas de las fachadas y la decoración favorece el juego de luces y sombras y aportan una visión dinámica de la construcción, pues el edificio va cambiando su fisonomía según el transcurrir del sol, lo que resalta su carácter escenográfico. Además, el edificio no se concibe para ser contemplado desde un único punto de vista frontal; por ello se suele rodear de un espacio más o menos amplio (plaza, jardines) que favorecen la diversidad de puntos de vista y las perspectivas.
En cuanto al urbanismo, se intenta una ordenación, comunicación y articulación de la ciudad a base de jardines y plazas (con estatuas y fuentes), escaleras para salvar desniveles, grandes y rectas avenidas para poner en contacto los distintos puntos principales de la ciudad. Y el edificio, en lugar de definir el espacio, como ocurría en el renacimiento, se amolda al conjunto. El jardín conocerá una gran expansión tanto en la ciudad como en los edificios que se levantan en el campo. Se le trata con criterio urbanístico, formando perspectivas, calles, avenidas y cortando los macizos en forma de
figuras geométricas. Dentro de ellos juega una gran importancia el agua de sus fuentes y canales y las esculturas.
3.1.2. Bernini y Borromini.
En Italia surgió el barroco y en este país es donde se hallan los prototipos de la arquitectura barroca. Se distingue la arquitectura italiana por el gran empleo de la columna, tanto para decorar fachadas como para crear efectos perspectivos. Los edificios se enriquecen fantásticamente con mármoles polícromos, bronces, etc. Pero siempre guardará una carga clásica que le llevará a reducir la decoración exterior y más si comparamos sus edificios con los que se levantan en España.
En la evolución de la arquitectura barroca italiana pueden distinguirse tres momentos: el anterior a Bernini, el pleno barroco de Bernini y Borromini, y la primera mitad del siglo XVIII cuya figura más destacada es Felipe Juvara.
La gran obra de la primera etapa es la transformación de la iglesia de San Pedro del Vaticano por Carlos Maderna, quien prolonga la planta de cruz griega, llegando así a un compromiso entre el tipo de cruz latina y el de cruz griega. Y levanta la gran fachada con frontón central y ático coronado por estatuas monumentales. Fachada que en su estructura no se corresponde con la organización interior del templo.
Con Bernini y Borromini se inicia el período característico de la arquitectura barroca italiana.
Bernini, siguiendo las ideas contra reformistas, concibe su arquitectura ligada al carácter representativo de la ciudad de Roma. Para él, Roma era el símbolo del prestigio histórico y del poder político de la Iglesia. De ahí la grandiosidad, la solemnidad y el sentido retórico y escenográfico de sus realizaciones, que lo convierten en el representante del barroco oficial al ser el arquitecto de la Curia y de las grandes familias. Utilizó materiales nobles para acentuar el significado político-religioso de los edificios y para realzar la belleza de sus formas. Bernini es mucho más clásico que Borromini, arquitecto que se caracteriza por su mayor fantasía y libertad.
Boromini utilizó generalmente materiales más pobres que Bernini, como el ladrillo y el estuco, debido al menor poder económico de sus clientes, pero también buscando su ductilidad. Esto le permitió mayor libertad y fantasía en los elementos arquitectónicos y decorativos, rompiendo con el sentido clásico que había dominado en la obra de Bernini. Utiliza las plantas y formas decorativas más inverosímiles, en un triunfo de la contraposición de curvas, contra curvas y rectas.
(completad Borromini, libro de texto, tema 16, apartado 2).
3.2. la escultura italiana: Bernini.
3.2.1. Caracteres generales de la escultura barroca.
Los materiales más usados son el mármol y el bronce, no siendo extraña la utilización en una misma obra de mármoles de diversos colores o la combinación de mármol y bronce
Los temas cultivados son el religioso en primer término (santos, escenas de martirios, éxtasis, etc.) Pero junto a ello, destaca la escultura funeraria, empleada más para mostrar las gloria terrenal del difunto y la exaltación de su poder. El naturalismo favorece el desarrollo del retrato, que se interpreta de un modo íntegro, físico y moral. También aparecen estatuas ecuestres y los temas alegóricos o mitológicos circunscritos a las fuentes y a las obras para palacios y jardines, en especial en Francia.
sustentan el trono del apóstol San Pedro bajo una gloria angélica dispuesta en torno a una ventana oval con vidrieras que contiene la figura del espíritu santo. A través de esta ventana, la luz se incorpora a la composición, tanto física como espiritualmente, ya que simboliza la inspiración divina a través del espíritu santo que ilumina al Papado. Este será el origen de la estructura arquitectónica llamada transparente.
En la escultura funeraria, Bernini crea una nueva interpretación del tema, de amplia influencia posterior, basada en la exaltación personal del difunto, al que sitúa sobre un basamento flanqueado por figuras alegóricas de sus méritos y virtudes. Destacan el mausoleo del Papa Urbano VIII y el de Alejandro VII.
Por último hay que recordar las numerosas obras que Bernini proyectó para la ordenación y embellecimiento del espacio urbano de Roma, como la fuente de los Cuatro Ríos y el obelisco sobre el elefante.
(Consultad libro de texto, tema 16, apartado 2 -escultura-).
4. El tenebrismo: Caravaggio.
4.1. Caracteres generales de la pintura barroca
Si el clasicismo renacentista se caracterizaba por una concepción del mundo basado en lo estable, en el ser, el barroco se basa en lo efímero, transitorio y cambiante.
La pintura barroca participa de la mayoría de los caracteres observados en la escultura: naturalismo, movimiento y el gusto por lo efectista y teatral.
Los pintores, cansados de la perfección clásica y de los cánones de belleza renacentista y atraídos por la realidad, caen en un naturalismo que no se detiene en lo feo, desagradable y escabroso.
Hay una gran preocupación por la expresión, contemplándose todos los estados del ánimo, sin detenerse en la representación del dolor que será utilizado en la estatuaria religiosa para fomentar la devoción.
Los temas pictóricos se multiplican en el barroco. Se enriquece la iconografía religiosa. En los países católicos se insiste en la representación de los asuntos combatidos por los protestantes (la Inmaculada, escenas alegóricas del Santísimo Sacramento, etc), la representación de escenas del Nuevo Testamento y las historias y martirios de santos se hacen más numerosas y son frecuentes las series de lienzos a ellos dedicados para decorar iglesias y claustros de conventos. En los países protestantes predominan las escenas del Antiguo Testamento.
Entre los géneros profanos, se sigue utilizando el tema mitológico y se desarrollan otros nuevos. El retrato se difunde considerablemente, generalizándose el de cuerpo entero y creándose de forma definitiva el de grupo. El paisaje adquiere una importancia extraordinaria, convirtiéndose en género independiente. Aparece el bodegón con figuras, por lo general de medio cuerpo, comiendo, bebiendo o jugando; los interiores de viviendas; la naturaleza muerta, de carnes, pescados o frutas; el cuadro de flores, de animales, etc.
El fresco se sigue utilizando para la decoración de las bóvedas, donde se desarrollan espectaculares cuadraturas y composiciones de figuras que se mueven por un ficticio firmamento. Se abandona el temple y la madera y se generaliza el óleo y el lienzo. Esto último permite la realización de cuadros muchos más grandes que los de tabla, y gracias a ello, los cuadros de los retablos mayores son todo lo gigantescos que exige el sentido de la grandiosidad de los arquitectos barrocos.
El bodegón puede ser considerado como una creación flamenca. Suele ser de proporciones apaisadas. Algunas veces se reducen a representar alimentos, pero lo más frecuente es que se le añada, piezas de cristal y orfebrería, etc. A veces se completan los bodegones con algún animal y personas. Pese a su aparente desorden, en los cuadros existe una composición muy cuidada. En general destaca por la exuberancia de sus manjares, sensualidad y el estudio de las calidades.
El retrato tiene un carácter aparatoso y solemne, resaltando la elevada posición del retratado.
Rubens fue un artista con una obra amplísima, algunas de ellas de grandes dimensiones, y con una desbordante imaginación. Pero su arte no ofrece variaciones. Formado tempranamente, mantiene las mismas características a lo largo de toda su vida.
Formó su personalidad en Italia, bajo la influencia de los grandes maestros del siglo XVI. En Rafael y Leonardo se inspira en el arte de componer; de los venecianos copia algunas composiciones y el color; de Miguel Angel, el sentido de la grandiosidad; en Caravaggio, la luz y en los Carracci, el sentido decorativo de las grandes composiciones.
Abarca todos los temas: religiosos, mitológicos, históricos, retratos, etc.
Rubens, después de un período de influencia tenebrista, forma su estilo más movido y de colorido más claro y brillante. Presenta un estilo lleno de vida, movimiento, colocando a las figuras en equilibrio inestable, con una abundancia y desbordamiento de la forma. Muestra una preferencia por el desnudo de blandas y desbordantes carnes.
Es el prototipo de pintor barroco por excelencia. Su colorido es fogoso, caliente, muy veneciano. Las composiciones se disponen orquestalmente, de forma aparatosa. Un ritmo curvo, de torbellino, una composición en diagonal dan a los cuadros un dinamismo y grandiosidad sin límites.
Pero, por contra de esta grandielocuencia, existe en su pintura una escasa dimensión espiritual. En él lo dramático es más movimiento y actitud que expresión.
Pintor de retratos, rompe con los cánones del retrato refaelesco, que ya no es de forma cerrada, sino que presenta un movimiento dirigido hacia el exterior. No profundiza en el estudio de las almas.
5.2. la pintura en Holanda. Rembrandt.
Holanda es un país rico; pero el elemento influyente no lo constituyen los aristócratas, sino los burgueses. En Holanda desaparece por completo la pintura religiosa de altar al no darse el culto a las imágenes. Se cultivan, sin embargo, la pintura de asuntos bíblicos del Antiguo Testamento, en cuadros para ser contemplados y meditados en las habitaciones, por lo general pequeñas, de la burguesía. Los temas mitológicos apenas se tratan y, cuando existen, casi siempre tienen una intención alegórica o moralizante de carácter puritano. El retrato toma un tono de intimidad, sobriedad y realismo, y aparece el retrato corporativo, en el que se retratan conjuntamente los miembros de una comunidad, en un tono de igualdad democrática. Pero lo característico de la pintura holandesa serán los géneros realistas, tan del gusto burgués, en cuadros de dimensiones reducidas para la decoración de las casas de la burguesía, en las que, más que el lujo de los palacios de la nobleza, se busca la comodidad y el confort. Aparecen así cuadros de interior, con escenas domésticas, los cuadros de animales, paisajes, tanto de campo como de ciudad o marítimo y el bodegón en su más amplia gama.
Rembrandt (1606-69)es uno de los grandes pintores universales, abarcando todos los temas y destacando en el dibujo como lo demuestra la calidad de sus grabados.
En los temas de sus cuadros suele huir de lo particular y siente una predilección por los temas universales, lo genérico. Es un predicador de ideas generales. Como Descartes, del hecho analítico y positivo se eleva a lo general. Cuando Rembrandt pinta a un pobre, no pinta a un individuo, sino a la pobreza. Este fuerte idealismo ofrece un gran contraste con el carácter realista holandés.
Rembrandt es uno de los grandes maestros del claroscuro. Gusta de los fuertes contrastes de luces y sombras. Para él, la sombra no es una zona opaca, donde las formas desaparecen, sino un ambiente donde los colores vibran con menor fuerza, aislando la escena del mundo, produciendo el sentido de misterio, de soledad, de efecto poético en sus cuadros. Por el contrario, las zonas ricamente iluminadas presentan un derroche de colores ricos e intensos. Es un gran maestro del color.
La luz suele ser cálida y provoca, con su juego de matices y creación de planos, la sensación de profundidad en las escenas, perspectiva aérea.
