¡Descarga apuntes Barroco y más Ejercicios en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
El Barroco.
I. EL MARCO HISTÓRICO. CARACTERÍSTICAS GENERALES
DEL BARROCO.
1. El concepto de Barroco.
Definir el barroco no es fácil; para algunos autores está cargada de connotaciones negativas; para otros sirve para definir la tercera fase en la evolución de cada estilo (nacimiento, esplendor y recargamiento) tal vez porque se le supone la conclusión del Renacimiento, su última etapa; en todo caso sí que hay que asociar a este término ciertas connotaciones como exceso decorativo, movimiento... Nosotros lo vamos a estudiar como el arte posterior a la Contrarreforma, es decir, el arte de finales del siglo XVI, el XVII y la primera mitad del XVIII. El Barroco es también un arte propagandístico ; en el sur católico se utiliza para exaltar la religión católica y sus principios frente al protestantismo; en los países del norte de Europa (países protestantes) es un arte más laico. Sin estas referencias no podemos entender lo que es el Barroco. Desde el punto de vista técnico no supone ninguna innovación con respecto al Renacimiento, se siguen utilizando los mismos elementos. A las ideas renacentistas de armonía, medida, cálculo y orden se oponen las barrocas de movimiento, gusto por el efecto y los contrastes, por lo escenográfico y lo teatral. Estos aspectos se manifiestan en todas las artes. Es, quizá el mundo de los
1. Transparente de la sentidos frente a la racionalidad renacentista. catedral de Toledo. N. Tomé.
Además de ser un arte al servicio de la religión es un arte al servicio del poder, la monarquía absoluta se considera de origen divino y la Iglesia y el Estado están íntimamente identificados.
En países como Holanda se va a generalizar el uso privado del arte.
2. La Monarquía absoluta y la Iglesia.
El arte barroco está al servicio del poder, tanto civil como eclesiástico.
El siglo XVII coincide con el punto culminante del poder real. La Monarquía justifica su poder absoluto porque lo ha recibido de Dios y no encontrará ninguna oposición a sus decisiones ya que atacar al rey sería atacar a Dios y es así la Iglesia la que legitima el poder del rey, se producirá un entendimiento o alianza entre las dos partes. La administración se concentra en la corte del rey y ésta ya reside en una capital fija, Madrid, por ejemplo, es capital desde el 1562, la capital del reino será tratada con mimo, reordenada, decorada... El rey utilizará el arte para lograr el asombro y
admiración de sus súbditos y de los extranjeros, dentro de una línea muy barroca.
El arte estará también al servicio de la iglesia católica, el mismo concilio de Trento (que se hace para reformar la Iglesia y luchar contra los protestantes) da al arte un papel muy destacado, define cómo tiene que ser el arte y cómo éste tiene que servir de propaganda de la fe católica, el arte tiene que exaltar lo principios católicos frente a los protestantes, dentro de un marco de teatralidad, espectacularidad... que es al fin y al cabo el Barroco. Las procesiones de Semana Santa o del Corpus, por ejemplo, eran manifestaciones colectivas donde se exaltaban los valores de la religión católica y estos principios eran expuestos de forma clara a los fieles con la intención de deslumbrarle. También el Papa, como monarca absoluto y teocrático quiere dejar claro su papel, y es en Roma donde se ve toda su obra: creación de la plaza de San Pedro con su columnata, el Baldaquino... Además, en cada reino o país la Iglesia muestra su poder a través del arte, arte que, como hemos visto, sirve para difundir los principios religiosos.
2. Plaza Vendôme de París con la estatua del rey, es el símbolo del poder real.
3. Planta del palacio de Versalles y todo el urbanismo vegetal de los jardines.
superficies planas que son sustituidas por las líneas curvas o mixtas y superficies onduladas.
Se introduce en la más estática de las artes la idea de movimiento (también en escultura y en pintura). Además de ondular la planta se ondulan las fachadas, los interiores. Para resaltar más la idea de movimiento se introducen algunos elementos nuevos: columnas salomónicas, frontones partidos, el óvalo en vez de los círculos en los vanos...
La luz adquiere un nuevo papel en arquitectura, contribuye a crear efectos de movimiento, de claroscuro... Veamos cómo construye el arquitecto pensando en la luz:
- Hace superficies discontinuas con profundos entrantes y salientes para que al iluminarlas el sol una parte quede en sombras y otra muy iluminada.
- Al decorar las superficies si la luz incide sobre éstas se producirá también el contraste de luces y sombras.
Los tradicionales elementos y formas arquitectónicas (arcos, columnas, frontones, cornisas...) se enriquecen y complican buscando, sobre todo, lograr efectos teatrales , espectaculares... Se da mucha importancia a lo decorativo que enmascara muchas veces la estructura del edificio. Se introduce un sentimiento nuevo, el del espacio dirigido hacia el infinito, se aprecia principalmente en los interiores:
- Se busca la prolongación del edificio más allá de los límites reales mediante la luz, la decoración general (y en particular las bóvedas pintadas), la utilización de espejos... Todo esto contribuye a dar la sensación de que el espacio se amplía y que la mirada del espectador va hacia el infinito. Este espacio dirigido está también presente en varias obras que en un reducido espacio intentan aparentar mayores dimensiones como en el palacio Spada en Roma con una galería perspectiva , el engaño es evidente: las columnas se van aproximando entre sí en el fondo, pero no en la zona próxima al espectador, a la vez también se van reduciendo de tamaño en la lejanía, lo cual nos realza la sensación de profundidad. También apreciamos ese efecto en la Scala Regia de Bernini ( fotografía nº 6 ).
- El punto culminante de este espacio dirigido, de este engaño en el que las paredes caen y se intenta aparentar dilatadas superficies, es la utilización de espejos, como en el Salón de los Espejos del palacio de Versalles ( fotografía nº 5 ).
- Los efectos ópticos eliminan la pared real, esta se alabea (se curva) con lo cual se realza el espacio. Esto combinado con los focos de luz hace que nos encontremos en un lugar irreal. Los edificios típicos suelen ser la iglesia y el palacio, como en el Renacimiento. Entre los palacios destaca en importancia el palacio real.
2. La arquitectura barroca en Italia.
En Italia es donde surgen los primeros chispazos de este nuevo arte. El principal
protagonista de la arquitectura barroca italiana será la columna, tanto para decorar fachadas
como para producir efectos de perspectiva.
6. Scala Regia. Vaticano. Bernini. Ejemplo de engaño óptico en la perspectiva. 7. Il Gesú. Vignola.
La arquitectura barroca italiana pasa por tres fases:
- Hasta 1630: Barroco reposado, continuación del estilo contrarreformista, es el inicio del Barroco, el edificio más significativo es la iglesia de Il Gesú de Roma.
- El resto del siglo XVII es la exaltación de la curva y la decoración: es la época de Bernini y Borromini, los dos genios del Barroco, en esta etapa nos centraremos.
- La primera mitad del XVIII es la aproximación a lo clásico sin perder de vista las grandes dimensiones, como arquitectos destacarán: Juvarra, Saccheti... En este siglo Italia pierde la preponderancia artística de la que había gozado desde hacía siglos y será sustituida principalmente por Francia.
La igleia de Il Gesú de Roma.
Los inicios del Barroco los encontramos con el arte de la Contrarreforma, el ejemplo más representativo es la iglesia de Il Gesú en Roma, iglesia de los jesuitas, orden religiosa que surge ahora en defensa de la fe y del papado. Esta iglesia supone el final del Renacimiento y el principio del Barroco. Será importante esta iglesia porque algunas de sus características se van a repetir por toda Europa en las iglesias jesuíticas y en las de otras órdenes, sobre todo en España, por eso la estudiamos. Una de las características fundamentales es la existencia de una sola nave longitudinal y con capillas entre los contrafuertes. La planta, ejemplo de espacio continuo, es de cruz latina, pero enmarcada en un rectángulo. Destaca también la bóveda que en este caso será totalmente decorada con pinturas al fresco, se consigue así esa sensación de espacio dirigido. El crucero se cubre con una cúpula, recordemos la resurrección de las cúpulas con Brunelleschi y Miguel Ángel.
No existe en esta etapa un juego de curvas y contracurvas como más tarde veremos, es, por tanto, un barroco reposado, pero sí ciertos entrantes y salientes en la fachada de Il Gesú que nos anuncia lo que será la siguiente etapa del Barroco (fijate en la planta, en la fotografía nº 7 , cómo es la fachada). La fachada se articula en dos cuerpos:
- Uno más largo y de forma rectangular articulado por columnas.
- Otro más pequeño (cuadrado) sobre el anterior y coronado por un frontón.
- Entre ambos cuerpos se colocan aletas como cuerpo de transición (es la única curva, junto con el frontón, importante en la fachada. Esta forma de estructurar la fachada nos recuerda a la fachada de Santa María Novella de Alberti en el Quattrocento. El edificio fue construido por Vignola y Della Porta entre 1568 y 1584.
8. Fachada de Il Gesú. **Giacopo della Porta.
- Fachada de San Pedro. Carlo Maderno.**
conjunto algunas partes que salen hacia la plaza a modo de templetes tetrástilos en el eje mayor de la elipse y en los cuatro extremos de la columnata. Junto a la plaza hay otro elemento a resaltar: el espacio que hay entre ésta y la iglesia. Es un espacio divergente que permite una mayor visibilidad ya que potencia la fachada y hace que la cúpula y la fachada se vean individualizadas. Es también otra forma de espacio dirigido, propio de lo artificioso del Barroco. Bernini trabajó también en el interior, fue el arquitecto preferido de los papas, en el interior nos dejó el famoso Baldaquino de San Pedro , un edículo debajo de la cúpula de Miguel Ángel, hecho en bronce y con bastante decoración alegórica, debajo de él se encuentra el altar mayor, aquí se utilizan por primera vez las columnas salomónicas que serán el símbolo de lo barroco. En el Baldaquino trabajó también Borromini, el otro gran arquitecto. Detrás del Baldaquino de S. Pedro realizó la Cátedra de Pedro , un aparatoso decorado en el que se encuentra el trono papal con una reproducción de la silla del primer Papa (S. Pedro), es un conjunto artificioso y efectista, la decoración es exuberante y la luz contribuye a lograr un efecto de teatralidad. También realizó en los palacios papales la célebre Scala Regia ( fotografía nº 6 ), una galería con efectos perspectivos. Sobre la obra escultórica de Bernini hablaremos más adelante.
OTRAS OBRAS DE BERNINI.
Como arquitecto papal realizó Bernini otras obras y además supervisó todo lo que se hacía en este momento esplendoroso para la Ciudad. En sus iglesias utiliza la planta oval o elíptica (San Andrés del Quirinal, Castel Gandolfo y Ariccia), de las tres más importante vamos a seleccionar San Andrés del Quirinal. Es una pequeña iglesia donde combina la curva y la contracurva, lo convexo y lo cóncavo, si nos fijamos en la planta y el interior vemos que está inspirado en el Panteón (acuérdate de la arquitectura romana) pero con una cúpula elíptica, la portada sobresale hacia afuera en un sentido convexo pero en una fachada cóncava, ese es el juego barroco, así se crea movimiento y tensión, algo inimaginable en el Renacimiento. Participó también en la elaboración de muchas iglesias romanas como Santa María del Monte Santo en la Plaza del Pópolo y San Andrea della Valle en Roma. En sus obras civiles destaca la fachada del palacio de Montecitorio (actual parlamento italiano) donde utiliza fachada ligeramente curvada y pilastras gigantes.
FRANCESCO BORROMINI (1599-1667).
Contemporáneo de Bernini y rival suyo fue
13. San Andrés del Quirinal. Bernini.
15. San Carlo alle Quattro Fontane. Borromini.
14. Bóveda de San Carlo alle Quattro Fontane. Borromini.
16. Planta de San Carlo alle Quattro Fontane. Borromini.
Francesco Borromini , el otro gran genio del barroco romano del XVII. Su obra es mucho más movida e imaginativa que la de Bernini y se puede calificar como tremendamente original. De entre el gran número de obras que realizó en Roma debemos hacer una selección. San Carlo alle Quattro Fontane es quizá su obra más representativa, en un espacio minúsculo e irregular debía realizar una iglesia monumental, y lo consiguió. La planta es muy movida, no hay esquinas, la línea curva es la protagonista, el efecto es monumental, las dimensiones muy
pequeñas, esto está logrado con un hábil manejo del espacio. Un efecto importante es la sensación de amplitud que logra en la cúpula, los casetones de la parte inferior de ésta son más grandes que los de la parte superior, así nos da sensación de profundidad. Interesante es el pequeño claustro anexo. La fachada es todo un manifiesto de la obra de Borromini, utiliza la curva, la contracurva, si en un lado de la parte inferior utiliza líneas cóncavas, en la parte superior y justo encima utiliza las convexas...esto unido a la decoración de ventanas, esculturas que enmarcan las puertas y el gran escudo que rompe la fachada por la parte superior nos da una gran sensación de movimiento. Participó Borromini también en Santa Inés de la plaza Navonna y también en un pequeño espacio logra una sensación de amplitud, su mano se nota también en la fachada, en esta iglesia trabajaron también los Rainaldi. En el Oratorio de S. Felipe Neri Borromini supera otro reto, la fachada no se corresponde con el interior, es totalmente cóncava y se remata con un frontón curvo que en su centro se convierte en frontón triangular, las pilastras encajonan a las ventanas dando sensación de angustia y movimiento, la curva es compensada con algunas líneas convexas. Pero tal vez su obra más imaginativa sea el concluir el edificio renacentista de Sant´Ivo alla Sapienza , la universidad de Roma, con la capilla. Frente a las líneas severas y rectas del Renacimiento coloca una fachada totalmente curva, esta curva se encuentra en altura contrarrestada por la contracurva de un gran tambor que enmascara una cúpula originalísima. La planta es una estrella que resulta de la superposición de dos triángulos equiláteros, la cúpula que remataría esta superficie tan movida no es ni circular ni elíptica, es la continuación exacta de las paredes, la originalidad de Borromini es increíble. También trabajó Borromini en la torre de San Andrea delle Fratte , con un remate originalísimo, muy en su línea. En la galería del palacio Spada consigue una gran sensación de perspectiva con columnas cada vez más pequeñas y juntas. Original e imaginativo se muestra también en el Colegio de la Propaganda Fide.
PIETRO DA CORTONA (1596-1669).
Fue contemporáneo de los dos arquitectos anteriores pero inferior en genio e imaginación. Además de arquitecto fue pintor, famoso fue por la decoración al fresco de grandes bóvedas como las
17. Planta de Sant´Ivo y vista de la cúpula. Borromini.
18. Galería del palacio Spada. Borromini.
19. Santa María della Pace. P. da Cortona.
altos pedestales, están colocadas delante de pilares trapezoidales. Los elementos estructurales (columnas, arcos, entablamento...) están resaltados por el color gris de la piedra, mientras que el resto aparece enlucido de blanco, esto nos recuerda a Brunelleschi, pero sobre todo a Palladio. Las cubiertas están presididas por dos cúpulas, una más grande levantada sobre el octógono central y otra más pequeña sobre el altar. Las cúpulas están constituidas cada una por dos, la interior más sólida, y la exterior realizada por un entramado de madera y plomo que se apoya sobre la interior. El peso va a parar a los pilares interiores y a los arcos de la galería del octógono a través de contrafuertes en forma de volutas o espirales. La galería del octógono está cubierta con bóvedas de arista y sobre los arcos que separan un tramo de bóveda de arista de otro, se apoya la cúpula. En el exterior encontramos una fachada espectacular, escenográfica, plenamente barroca, en el alzado de ésta encontramos que las columnas del cuerpo bajo no se continúan en el segundo cuerpo que, aunque octogonal, es totalmente independiente. Una escalinata, que arranca casi del Gran Canal, se coloca delante de la fachada para revalorizar el conjunto.
GUARINO GUARINI (1614-1683).
Es el arquitecto más imaginativo del barroco italiano después de Borromini. Su obra se centra en Turín, aunque realizó proyectos en muchos sitios: París, Lisboa... Perteneció a la orden religiosa de los teatinos, de la cual fue arquitecto principal. Sus atrevidas formas están basadas en profundos cálculos matemáticos que justifican esas imaginativas formas. Quizá su obra más original sea la iglesia de San Lorenzo donde encontramos una original cúpula donde los arcos no se curzan en el centro sino antes, creándose formas que nos recuerdan la arquitectura musulmana española (ver la cúpula que hay delante del mihrab de la mezquita de Córdoba, y algunas iglesias románicas con cúpulas de influencia musulmana). Por el cálculo matemático de sus construcciones está más próximo a Bernini, pero se parece más a Borromini por la imaginación desbordada en la creación de nuevas formas. Obra suya también es la capilla del Santo Sudario de la catedral de Turín.
FILIPPO JUVARA (1676-1735).
Es el último de los grandes arquitectos barrocos italianos. Su actividad artística se
inicia en Turín donde construye el Palacio Madama de Turín , la Basílica de Superga y el
Pabellón de Caza de Stupinigi. En su obra se aleja del
barroco recargado de Borromini y se acerca más a Bernini.
Con él podemos decir que el barroco italiano abandona lo
recargado y aparatoso para volver otra vez a lo clásico. En
sus obras se abandonan las formas retorcidas y el juego de
curvas y contracurvas para volver a la línea recta y a los
órdenes clásicos. Elaboraría un nuevo prototipo de palacio
que influiría en toda Europa. Murió en Madrid en 1735
mientras proyectaba el Palacio Real de Madrid.
En Roma en el siglo XVIII destacarán las figuras de
Nicola Salvi que realiza la Fontana di Trevi concibiéndola
22. Cúpula de San Lorenzo de Turín. Guarino Guarini.
23. Escalinata de la Plaza de España de Roma. De Sanctis y Specchi.
como el proscenio de un teatro, y De Sanctis con la monumental
escalinata de la Plaza de España de Roma.
3. La arquitectura barroca en España.
La arquitectura barroca en España es muy distinta de la italiana, las fachadas curvas y el movimiento extremo tardan en imponerse. Otro hecho importante es que España acepta plenamente el espíritu contrarreformista, muchos teólogos españoles han participado en el concilio de Trento y sus orientaciones calan profundamente en el pueblo, como ejemplo tenemos a S. Ignacio de Loyola, el fundador de la compañía de Jesús (jesuitas), que era español. Para el estudio de la arquitectura vamos a distinguir tres etapas:
1. La primera mitad del siglo XVII , es la continuación del estilo herreriano, la influencia de Herrera y El Escorial pesan mucho. 2. La segunda mitad del siglo XVII , se va perdiendo la severidad del estilo anterior y empieza a cobrar protagonismo la decoración. 3. La primera mitad del siglo XVIII, el barroco español vive su mejor momento, es la etapa de apogeo, la decoración es exuberante y las plantas y fachadas se curvan. Paralelamente en la corte se ha introducido, a partir de 1700 con la dinastía borbónica, el barroco clasicista con influencias italianas y francesas. Este tipo de arquitectura palaciega lo estudiaremos en otro apartado.
En España el siglo XVII es un siglo de decadencia, de crisis económica en todos los niveles, eso va a influir de manera decisiva en el arte, no se van a realizar grandes programas urbanísticos o constructivos similares a los llevados a cabo en otros países como Francia, tampoco se realizarán casi iglesias de nueva planta sino que se completarán o remodelarán iglesias anteriores. Por otro lado, los materiales van a ser casi siempre pobres, predominando el ladrillo, siguiendo así con la tradición mudéjar, y usando pocas veces la piedra con la excepción de Galicia; un descubrimiento sorprendente es el de la cúpula encamonada que no es tal cúpula en realidad sino una cúpula falsa hecha con un armazón de madera y revestida de yeso. Desde el punto de vista de los edificios van a predominar los religiosos y la construcción de palacios queda en un muy segundo lugar, con la excepción hecha de los palacios reales.
A) El primer barroco (primera mitad del siglo XVII).
Como ya adelantábamos más arriba es la continuación del estilo herreriano, los tejados inclinados de pizarra, las torres rematadas en chapitel y las fachadas totalmente rectas se repetirán por todo el país. Destacaremos en los inicios del siglo la figura de Francisco de Mora que en este lenguaje herreriano construirá todo el plan urbanístico de la ciudad de Lerma (Burgos), el duque de Lerma se construye allí una auténtica corte ducal. También realizó la iglesia de San José en Ávila que será el antecedente de la fachada conventual típica. Su sobrino Juan Gómez de Mora se aleja de lo herreriano con un espíritu muy geometricista. Él es el autor de la Clerecía de Salamanca, edificio complejo, destinado a albergar un colegio, el seminario de los jesuitas y
24. Esquema de cúpula encamonada.
25. Planta de la Clerecía de Salamanca. Gómez de Mora.
entrada en el interior se coloca el coro, algo típico en las iglesias españolas. La fachada está realizada en piedra y se encuentra en el interior de un espacio cuadrado formado por dos edificios conventuales realizados en ladrillo que se adelantan hasta la altura de la verja de la calle. Será muy importante porque todas las iglesias carmelitas españolas seguirán este esquema de fachada y además influirá en otras órdenes religiosas. Pedro Sánchez y Francisco Bautista construirán la catedral de San Isidro. Crescenci en El Escorial llevará a cabo la decoración del Panteón Real. Otra obra importante por su decorativismo es la Sacristía del Monasterio de Guadalupe (Cáceres), de autor desconocido, tiene una profusa decoración que marca ya el paso a la etapa siguiente. Una peculiaridad es Andalucía donde la planta típica es la iglesia de cajón , es decir, de una sola nave.
B) La consolidación del estilo. (Segunda mitad del XVII).
A partir de los años centrales del siglo la arquitectura pierde paulatinamente su severidad anterior y el recuerdo de lo herreriano es superado por una tendencia más decorativa y movida. Pedro de la Torre va a realizar la Capilla de San Isidro en la iglesia de San Andrés de Madrid , su rica decoración interior fue quemada en la Guerra, el exterior presenta una masa cúbica decorada con pilastras y ménsulas y rematada por una cúpula sobre tambor octogonal.
Alonso Cano realiza en 1667 (año de su muerte) un proyecto de fachada para la catedral de Granada (recuerda que en el Renacimiento Diego de Siloé levantó la catedral sobre unos cimientos góticos). Aunque se acepta su proyecto se le impondrán algunas modificaciones. En esencia elige cuatro grandes contrafuertes sobre los que se apoyan tres grandes arcos (o pequeñas bóvedas de medio cañón)que recuerdan a los arcos de triunfo. Esta grandiosa fachada se divide en dos cuerpos. Los contrafuertes están decorados con pilastras y se incluye una importante decoración escultórica con relieves y estatuas exentas, en el centro de la puerta principal está el relieve de la Encarnación y en las laterales de la portada la Visitación y la Asunción de la Virgen. Como vemos el contraste de luces y sombras es profundo, se ha acabado con la planitud de las fachadas. Los medallones y ventanales semicirculares o estrellados aportan también
29. Sacristía del monasterio de Guadalupe.
30. Capilla de S. Isidro en la iglesia de S. Andrés de Madrid. De la Torre.
31. Fachada de la catedral de Granada. Alonso Cano.
tensión. De las dos torres laterales previstas sólo se realizó una, la otra quedó inacabada. Dentro de esta etapa adquirirán gran importancia los retablos , han evolucionado desde épocas anteriores y ahora es el apogeo de este género. Todas las características barrocas confluyen en los retablos: movimiento, claroscuro, espectacularidad, engaño, suntuosidad, propaganda... allí se concentran los principales motivos decorativos de los templos. A menudo exige una gran destreza su diseño, normalmente a cargo de arquitectos. Para el montaje de éstos, una auténtica labor de carpintería, se recurre a los ensambladores , luego vienen los doradores que doraban las maderas: dinteles, entablamentos, pero, sobre todo, estípites (un soporte decorativo muy original) y las columnas salomónicas decoradas con racimos de uvas y pámpanos. En todo este marco se desarrollaba el programa iconográfico normalmente pictórico, pero a veces combinándose con lo escultórico. Destacará el retablo de la iglesia de la Caridad de Sevilla.
C) El apogeo barroco (El siglo XVIII).
La tendencia decorativa de la etapa anterior culminó con el barroco dieciochesco, es el barroco típico, recargado y aparatoso, los críticos del Neoclásico (segunda mitad del XVIII y principios del XIX), ya dentro de un nuevo clasicismo, calificaron a este estilo como churrigueresco por la obra de los Churriguera, una familia de arquitectos que, para muchos, es el prototipo de arquitectos barrocos. La familia Churriguera , aunque de origen catalán, desarrollará su actividad en Madrid y Salamanca. De todos ellos destacó José Benito Churriguera , en él triunfa lo teatral y la gran libertad decorativa, suyo es el retablo de S. Esteban de Salamanca, a él hacíamos alusión anteriormente, también realizó las trazas para un nuevo pueblo en las afueras de Madrid, el Nuevo Baztán. Joaquín fue también un gran arquitecto y proyectista.
La Plaza Mayor de Salamanca.
Pero la figura más representativa de la familia tal vez sea Alberto Churriguera al realizar la Plaza Mayor de Salamanca , en ésta encontramos ya perfeccionado y acabado el prototipo de plaza mayor. Fue realizada entre 1729 y 1733 y en ella encontramos ya una plaza totalmente cuadrada (y no rectangular como en Madrid) cerrada y porticada, formando grandes arcadas sobre las aperturas de las calles; recordemos que la Plaza Mayor de Madrid es
32. Retablo de San Esteban de Salamanca. José Benito Churriguera.
33. Estípite.
34. Plaza Mayor de Salamanca. A. Churriguera.
Por último destacar la figura de Vicente Acero , su obra más importante fue el proyecto de la Catedral de Cádiz , la última catedral española, sería terminada en estilo neoclásico.
En Levante van a destacar las fachadas curvas, esta tendencia fue iniciada en la zona por el alemán Conrad Rudolf en 1703 con la fachada principal de la catedral de Valencia. Parecida a lo francés por la decoración es la fachada del palacio del marqués de Dos Aguas en cuyo diseño intervino Rovira , en esta obra valenciana vemos el influjo del Rococó (último barroco decorativo francés). La fachada curva y la influencia rococó fue llevada a sus últimas consecuencias con Jaime Bort con la fachada de la catedral de Murcia, ya a mediados de siglo.
Peculiar será el barroco gallego al utilizar el granito como principal material, estará particularmente centrado en la ciudad de Santiago de Compostela. A principios del barroco Andrade había realizado la Torre del Reloj de la catedral compostelana, ahora Casas Novoa construirá la monumental fachada del Obradoiro , dos torres en un segundo plano flanquean una fachada tremendamente decorada con entrantes y salientes, detrás de esta fachada se encontraba el Pórtico de la Gloria de la época románica que fue respetado por el constructor.
Hemos realizado un breve recorrido por el barroco español destacando lo más importante, pero no todo. Este estilo fue muy abundante y se conservan hoy en día muchas huellas barrocas en casi todos los lugares de España. Aunque no hayamos estudiado el barroco catalán, vasco, extremeño... eso no quiere decir que allí no se construyera.
4. La arquitectura palaciega en Francia y España.
Ya hemos adelantado cómo el palacio real es el símbolo de la monarquía absoluta, pues bien, una vez estudiado el barroco religioso nos centraremos en el palaciego, hablaremos de Francia con la construcción del palacio de Versalles y de España con la arquitectura palaciega del XVIII de los Borbones; en Italia con Juvara se desarrolla también una forma interesante de hacer palacios pero a ella ya hemos hecho referencia. Es el rey francés Luis XIV el que mejor encarna el prototipo de monarca absoluto ( el Estado soy Yo ), por tanto el palacio del rey ha de ser el mejor de todo el reino. En Francia se crean además las Academias o lugares donde se forma el artista que es ahora más culto y refinado. En el siglo XVII los palacios franceses siguen siendo, en esencia, como en el Renacimiento: un gran tejado de pizarra de gran pendiente, buhardillas... al contrario que los italianos que son rematados en terrazas y coronados por balaustradas. Pero mientras en el palacio italiano se van a imponer las curvas y contracurvas, los
38. Fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela. Casas Novoa.
39. Fachada del Palacio del Louvre. Perrault.
entrantes y salientes, en Francia predomina un aire clasicista (predominio de la simplicidad y de la línea recta aunque tenga entrantes y salientes. De entre los palacios anteriores a Versalles destacará el palacio de Vaux-le-Vicomte del primer ministro Fouquet, el arquitecto fue Levau que destaca también como proyectista de edificios religiosos. La segunda mitad del siglo XVII es el apogeo del arte monárquico, Luis XIV desea terminar el palacio del Louvre , en estos momentos era el palacio del rey y no un museo; para la organización de algunas fachadas rechazó el proyecto de Bernini de fachada curva y aceptó el de Perrault : sobre un piso macizo coloca una galería de columnas de grandes dimensiones, en la parte central coloca encima un frontón, el remate del edifico sería al modo italiano (terraza y balaustrada).
El palacio de Versalles.
Pero el gran proyecto del rey Sol sería la construcción del palacio de Versalles , un palacio que ensombreciera al de Fouquet y al de cualquier monarca europeo, en este palacio enorme fijaría su residencia y corte. El arquitecto del edifico fue Levau que edificó una nueva estructura alrededor de un viejo castillo de Luis XIII, dándole así una forma casi cuadrada (realmente parecía una gran U). Jules Hardouin Mansart , otro de los grandes arquitectos del barroco francés, hace en 1678 otra ampliación, añade dos alas prolongadas colocadas en escuadra (en ángulo recto) con el núcleo anterior siguiendo proyectos de Levau, en el ala derecha se instalarían despachos ministeriales y en la izquierda la residencia de los príncipes. Posteriormente iría creciendo el número de edificios alrededor del palacio con otras construcciones y palacetes: el Invernadero, las Caballerizas, el Gran Trianon... Es de destacar en el conjunto la capilla que tiene cabecera semicircular, el rey aparece en la tribuna frente al altar mayor, sus súbditos le miraban a él y el altar quedaba a sus espaldas. Otras dependencias son los salones de la Paz, de la Guerra, la Galería de los Espejos... Si el exterior es sencillo y clásico, el
40. Fachada principal que mira a los jardines. Palacio de Versalles. Levau.
41. Vista aérea del Palacio de Versalles.
su lenguaje, se constituiría como un gran bloque con un gran patio en el interior. En su construcción se emplearon materiales nobles y duraderos. En sus paredes se utilizan, alternándose, la caliza (en dos tonos) y el granito. La fachada se estructura algo parecida a Versalles: sobre un piso macizo con franjas horizontales con ventanas y puertas, se levanta el resto del edificio; utiliza columnas de orden gigante en el centro y los extremos de la fachada y en la parte central, el resto de la fachada está articulada por pilastras; algunas partes están resaltadas hacia fuera, entrantes y salientes que crean efectos de claroscuro y rompen la monotonía; los tejados son en terraza y el remate en balaustrada (influencia italiana), en el patio de la Armería el cuerpo central tiene un curioso remate. Todo el conjunto se pensó que estuviera decorado con un gran número de estatuas alegóricas sobre la monarquía española a lo largo de la historia, pero una vez colocadas en las fachadas éstas se bajaron a abajo ante el temor a que se cayeran. En el interior de palacio, que tiene decoración de todas las épocas, destacan dos partes: la escalera principal y el espacio que se logra en la capilla, capilla que ocupa un lugar central a diferencia de Versalles.
El palacio de la Granja de San Ildefonso.
Este palacete de la sierra de Guadarrama existía ya desde la época de los Austrias, era una hospedería de monjes jerónimos, ahora va a sufrir una gran remodelación que le va a dar un aspecto clasicista. El primer arquitecto que trabaja allí en el XVIII, es Teodoro Ardemans que aunque de origen alemán se adapta al lenguaje herreriano popular con pizarras, torres en chapitel... a este núcleo se añadirían otros edificios y dos alas más, en una de ellas se encuentra el movido patio de la Herradura y en el otro lado uno más clásico. La fachada principal se la hizo Sacchetti con un proyecto de Juvara, eso se nota en el remate de la fachada, ático, que como en el palacio Real es muy del gusto de Juvara. Los materiales utilizados producen un gran colorido: granito, caliza rosada, pizarra... Lo realmente francés son los jardines, grandes avenidas vegetales que se cruzan formando plazas en las que se colocan fuentes con alegorías de Neptuno, las Ninfas...
El palacio de Aranjuez.
Este palacete sufrió un incendio en el año 1748, el incendio afectó a su interior pero se remodeló todo el conjunto. Santiago Bonavía fue el arquitecto encargado de la remodelación construyendo una nueva escalera y edificando una nueva fachada inspirada en Vignola y muy del gusto del barroco
45. Palacio de La Granja. Vista aérea. Ardemans.
46. Palacio de Aranjuez. Fachada principal. Santiago Bonavía.
clasicista palaciego, esta portada constaba de arcadas a donde llegaban los carruajes. Sabatini , ya neoclásico, colocó dos grandes alas delante de la fachada ganando así el conjunto en espectacularidad y profundidad. Destacan también sus jardines pero son menos importantes que los de La Granja.
Las reformas clasicistas alcanzarían a otros edificios, entre ellos al palacete de Riofrío que repite en pequeño el esquema del palacio Real de Madrid.
III. LA ESCULTURA BARROCA.
1. Rasgos generales.
El ansia de movimiento está presente en la escultura de una manera obsesiva, más incluso que en arquitectura. Este interés fijo por el movimiento lleva consigo:
- El empleo de esquemas compositivos libres, no reproducen composiciones simples, buscan lo escenográfico y teatral.
- La representación de figuras y escenas en movimiento y particularmente en el momento más inestable de la acción, donde se produce el mayor desequilibrio e inestabilidad, la culminación del mismo.
- Gusto por representar el cuerpo humano en torsión, en veloz rotación, como ejemplos tenemos el Apolo y Dafne de Bernini o su David. Los ropajes que envuelven los cuerpos de los personajes se agitan, estén o no estén éstos en movimiento, son ropajes anchos, movidos, hinchados. Además para acentuar más el claroscuro se utilizan gestos teatrales.
La escultura se concibe dinámicamente hacia afuera y no suele concebirse para estar aislada. Por eso son frecuentes las composiciones en aspa, los ropajes flotantes, la gesticulación expresiva... además se concibe para uno, o a lo sumo dos, puntos de vista y sólo en casos excepcionales se convierte en auténtica escultura exenta. En general la escultura está orientada dentro de un contexto arquitectónico (imagen de un altar, de una tumba, jardines, nichos...) y su efecto nunca queda restringido al espacio que ocupa, sino que se extiende a su entorno y es en éste donde adquiere toda la significación.
Los temas principales en el Sur católico son, lógicamente, la exaltación de la fe (no olvidemos el concilio de Trento y la Contrarreforma) vidas de santos, milagros... pero en algunos casos se representarán también temas mitológicos e incluso retratos reales. Lo que sí está claro es que a las representaciones se las dota de un gran naturalismo, sobre todo en los retratos.
Los materiales utilizados son frecuentemente el mármol y el bronce, y en algunas obras una combinación de ambos. A la escultura barroca hemos de contrastarla con la renacentista para ver cómo se ha perdido el ideal clásico, o cómo se ha transformado.
47. Rapto de Proserpina. Bernini.
