Construcción del espacio e iconografía - Apuntes de Ingeniería Infórmatica

HISTORIA DE LAS ARTES VISUALES II -

BLOQUE 1: RENACIMIENTO EN ITALIA Y FLANDES: PINTURA-

TRABAJO PRÁCTICO nro. 2-

Construcción del espacio e iconografía-

Respuestas al cuestionario sobre el texto de Francastel

1) Florencia se configura como el gran centro cultural del Renacimiento, reflejando el desarrollo

económico de la ciudad que perfiló a esa sociedad a la modernidad, asociado a la evolución del

pensamiento abstracto, la profundización del empirismo medieval. Los artistas buscan nuevos

métodos de representación y así surge la especulación sobre el espacio matemático y obras

reflexivas sobre el ser humano.

2) Francastel habla de tres generaciones que configuran la nueva concepción del espacio pictórico,

cada una fue avanzando, profundizando los aportes sobre las formas de representación.

-Primera generación (1400-1450): Masolino, Masaccio, Fray Angélico, Andrea del Castagno,

Ucello, Brunelleschi, Ghiberti, Donatello.

Comienzan las novedades (que reflejan las inquietudes de los artistas) en cuanto a la especulación

sobre el espacio matemático. Hay un uso de la perspectiva lineal, una visión empírica y teórica, da

cuenta de un empuje del pensamiento abstracto. Estos se pueden observar mayormente en la

arquitectura y escultura, se percibe un acercamiento entre la técnica y el pensamiento que en la

pintura no. En esta disciplina, el cambio pareciera ser más lento porque posee una ambigüedad

entre la captación de lo concreto y la puesta de lo imaginario.

También se suman nuevos sistemas de representación como el ojo de pez, la perspectiva caballera

y la casa de muñecas.

-Segunda generación (1450-1480): Piero Della Francesa, Gozzoli, Filippo Lippi, Baldovinetti,

Giovanni Bellini, Antonello da Messina, Mantegna

Se profundizan los aportes de la generación anterior, estos artistas ya no tienen el mismo contacto

con el Medioevo (no se refleja la ambigüedad mencionada antes). El espacio es más pictórico, hay

una idea de narración en lo representado así como hay una relación entre la arquitectura y los

personajes, que se vuelven también más naturalistas y menos rígidas. Es persistente el uso de la

perspectiva, aunque de manera intuitiva porque no está sistematizado, a distintos puntos de fuga y

el recurso espacial “veduta” que rompe el muro de la escena para mostrarnos un paisaje que se

extiende. Esto refleja que la vida de la sociedad renacentista ya no es entre murallas, es un nuevo

sistema de asociación de elementos de diferentes niveles, de las formas con las ideas.

-Tercera generación (1480-1520): Botticelli, Ghirlandaio, Signorelli, Perugino, Verrochio,

Pollaivolo, Carpaccio.

Uso de la perspectiva lineal fundada sobre conocimientos reflexivos, todas las partes son

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HISTORIA DE LAS ARTES VISUALES II - BLOQUE 1: RENACIMIENTO EN ITALIA Y FLANDES: PINTURA-

TRABAJO PRÁCTICO nro. 2-

Construcción del espacio e iconografía-

Respuestas al cuestionario sobre el texto de Francastel

Florencia se configura como el gran centro cultural del Renacimiento, reflejando el desarrollo económico de la ciudad que perfiló a esa sociedad a la modernidad, asociado a la evolución del pensamiento abstracto, la profundización del empirismo medieval. Los artistas buscan nuevos métodos de representación y así surge la especulación sobre el espacio matemático y obras reflexivas sobre el ser humano.
Francastel habla de tres generaciones que configuran la nueva concepción del espacio pictórico, cada una fue avanzando, profundizando los aportes sobre las formas de representación. -Primera generación (1400-1450): Masolino, Masaccio, Fray Angélico, Andrea del Castagno, Ucello, Brunelleschi, Ghiberti, Donatello. Comienzan las novedades (que reflejan las inquietudes de los artistas) en cuanto a la especulación sobre el espacio matemático. Hay un uso de la perspectiva lineal, una visión empírica y teórica, da cuenta de un empuje del pensamiento abstracto. Estos se pueden observar mayormente en la arquitectura y escultura, se percibe un acercamiento entre la técnica y el pensamiento que en la pintura no. En esta disciplina, el cambio pareciera ser más lento porque posee una ambigüedad entre la captación de lo concreto y la puesta de lo imaginario. También se suman nuevos sistemas de representación como el ojo de pez, la perspectiva caballera y la casa de muñecas.

-Segunda generación (1450-1480): Piero Della Francesa, Gozzoli, Filippo Lippi, Baldovinetti, Giovanni Bellini, Antonello da Messina, Mantegna Se profundizan los aportes de la generación anterior, estos artistas ya no tienen el mismo contacto con el Medioevo (no se refleja la ambigüedad mencionada antes). El espacio es más pictórico, hay una idea de narración en lo representado así como hay una relación entre la arquitectura y los personajes, que se vuelven también más naturalistas y menos rígidas. Es persistente el uso de la perspectiva, aunque de manera intuitiva porque no está sistematizado, a distintos puntos de fuga y el recurso espacial “veduta” que rompe el muro de la escena para mostrarnos un paisaje que se extiende. Esto refleja que la vida de la sociedad renacentista ya no es entre murallas, es un nuevo sistema de asociación de elementos de diferentes niveles, de las formas con las ideas.

-Tercera generación (1480-1520): Botticelli, Ghirlandaio, Signorelli, Perugino, Verrochio, Pollaivolo, Carpaccio. Uso de la perspectiva lineal fundada sobre conocimientos reflexivos, todas las partes son

mensurables en la misma escala, los lugares y los objetos se encuentran igualmente en el punto de las coordenadas geométricas. Hay unidad espacial, y con ello, unidad temporal. Francastel atribuye a esta generación la consolidación del nuevo sistema de significación que surge de la relación físico-mental entre el hombre y la naturaleza, el pensamiento humanista.

Ucello: El paisaje se extiende, como un verdadero objeto figurativo nuevo por su precisión y separación del resto de la obra, un paisaje artificialmente compuesto.

La roca como testigo de los objetos securales y con la figuración de una ceremonia tradicional, como un signo nuevo que establece un vínculo entre el antiguo y el nuevo mundo de lo imaginario. Cascos, lanzas, gonfalones, puntos referenciales de la composición moderna, también como soporte de una triangulación del espacio.. Volúmenes salientes, pinceladas impresionistas, figuras diferenciadas del plano espacial: remiten al nuevo sistema de asociación de las formas con las ideas, que constituyen la significación esencial de la pintura.. Mantegna: Confiere nuevos valores a ciertos signos que eran comunes a los hombres de mediados de siglo, también crea nuevos signos adaptados a los nuevos valores. Nùvola, gruta y roca: tres signos figurativos, ejemplo de composición acumulativa a partir de objetos figurativos tradicionales de civilización.

La vieja roca que era un signo de comunicación entre la tierra y el más allá, es ahora un rasgo descriptivo de los modos de poder principesco.. Composiciones liberadas de las tradiciones cristianas de lo imaginario. Tentativa por crear un nuevo lugar simbólico que atestigua acerca de la verdad de los hechos de la historia humana, que es tomado como una referencia, deja de ser conmemorativo. El carro, con referencia a los textos pero sobre todo, al universo moderno, porque ahora solo interviene como elemento episódico. También ocurre con la columna, elemento clásico que evoca la fundación, ahora la composición se da alrededor de ella, se constituye como un eje con significación propia. Expresa el interés de la época por las ruinas romanas y la idea de fundación por el hombre.. El escorzo, como figuración de los sentimientos. No construye el espacio, explicita un valor: el sentimiento dramático de la vida. Una relación directa entre el pensamiento y la forma. Ornamentación antigua con un espíritu diferente, no solo como una evolución sino para elaborar un repertorio ligado a las condiciones actuales de la sensibilidad.. Adapta el sentido de los signos antiguos a sistemas de referencias complejas mientras crea otros. Ambigüedad del lenguaje figurativo de finales del Quattrocento: mundos imaginarios que se implantan en el tejido de las percepciones de las actividades corrientes.. El realismo de la luz que muestra la naturaleza muerta moderna: visión de fragmentos desprendidos de lo real, aislados del nudo de la composición.

espacio autónomo del arte occidental. El mecanismo de la invención aparece sobre el plano del estilo (fragmento) y a su vez, del plano de la expresión, la jerarquía de las partes. La parte por el todo, volvemos a ver la simplificación de elementos. Aplica el método de representación expandido del retrato a las figuras sagradas, que habla del modernismo de sus obras. Vincula el sentimiento religioso con valores extraños a esta. Se refleja en las Vírgenes de Bellini, por el despojamiento de su forma con cierta actitud intelectual, poseen un carácter de intimidad, el diálogo con la divinidad se da a través del poder de la imagen. Ampliando el desarrollo de Bellini sobre los paisajes, dice el autor, que introduce un nuevo proceso de adaptación y luego de mutación. Estos están compuestos por elementos/signos convencionales establecidos en la tradición: la roca, la gruta, la ciudad, el techo, el pesebre, etc. Con una realidad natural de segundo grado. Bellini procede como sus antecesores, a operaciones de montaje sin poner en cuestión la relación signo y naturaleza pero, por ejemplo la roca, le otorga otras formas y otros empleos.

Leonardo Da Vinci, junto a Giorgione, completa la elaboración del estilo de finales de Quattocento, con él encontramos el momento en que las posibilidades manifestadas por los innovadores toman el aspecto de sistema, se traducen en estructuras. El nuevo orden figurativo moderno implica que el campo de dos dimensiones soporta signos y objetos no solamente heterogéneos sino también susceptibles de ser captados por el espectador según múltiples reglas de interpretación. La invención mayor ha sido la de los niveles diferenciados y combinatorios de la imagen. En Leonardo podemos apreciarlo en “la Adoración de los Magos”, se ven los elementos propios del artista, el horizonte montañoso, el paisaje lejano. En esta composición, el rasgo más notable está constituido por la introducción de un lugar diferenciado. En el primer plano, se reúnen únicamente unas figuras, desaparece el estrado-podio para dar lugar a la subida de los personajes hacia la figura única, la Virgen. Se sitúan simultáneos en el espacio donde nos encontramos y en el doble lugar imaginario y figurativo de la obra. Francastel dice que en ese momento, 1481, encontramos las pruebas de destrucción de la unidad del campo figurativo: la puesta en perspectiva de los elementos integrados al espacio figurativo de la obra y la creación de un espacio diferente al primero, ligado al campo operatorio. Leonardo utiliza manifiestamente, todo el arsenal de los elementos figurativos que le lega el Quattrocento. Se trata de definir un nuevo contenido, pero sin romper con el “sistema” anterior y no un nuevo tipo de imágenes, no hay mutación. La finalidad de Leonardo es realizar una toma de posesión total, mediante el sentido de la vista, del dominio natural. Es una finalidad de ampliación, de profundización de la tradición figurativa y no de sustitución efectuada por un orden nuevo, sea en la forma o en el fondo. Su principal preocupación es penetrar la naturaleza. , la pintura se vuelve, en verdad, instrumento de conocimiento y ya no tan solo de la representación de actos y de ritos importantes para la toma de conciencia colectiva de una sociedad estabilizada.

Varios autores han reflexionado sobre la obra de Giorgione, expresando que este artista encarna ciertas virtualidades del sistema moderno, estableciendo una relación nueva entre el hombre y la cultura que dio una última dimensión al arte y al sistema figurativo del Renacimiento. Hablan del ilusionismo objetivo y escultórico, que su gran merito fue pintar la totalidad de sus cuadros como los fondos, suponiendo un rechazo hacia el procedimiento clásico de sus predecesores, especialmente de Leonardo. Este proceso, que constaba de pintar los primeros planos mediante superposición de capas de color, volvía las figuras “no tangibles”, es decir, en la esfera de la poesía. Acerca de su obra “Tempestad”, Lionello Venturi escribió “El tema de Giorgione es el producto de una fantasía absolutamente autónoma, que no debe nada ala tradición figurativa, ni a la tradición literaria e intelectual de su tiempo, sino que depende del puro placer personal, de la fantasía de Giorgione… ” Esta obra demuestra el profundo compromiso de la imaginación del artista con la cultura de su medio, ya que por esa época había sido publicado Las Metamorfosis de Ovidio y podían rastrearse sus Fábulas en los personajes y elementos de los cuadros de Giorgione. Así se aleja completamente de la leyenda cristiana para avocarse al pensamiento antiguo y lo novelesco eterno de la aventura humana. Su arte procede totalmente de una tradición nueva y opuesta a la tradición platónica., enriqueciendo un estilo figurativo estrictamente adaptado a sus fines. Giorgione deja asentada la toma de conciencia del hecho de que la Fábula antigua contiene los referentes de la cultura humanista, no toma símbolos elaborados por la Antigüedad concreta signos modernos, representaciones nacidas del saber comunes a la sensibilidad del artista y su medio. El nuevo sistema figurativo hace posible el ejercicio del pensamiento fuera de las vías asociadas a las tradiciones.

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