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BARROCO
Constituye una ruptura definitiva con el clasicismo del arte renacentista.
Es una respuesta al lenguaje clásico que ya había puesto en valor el manierismo pero
que ahora se amplifica exagerando la expresión artística hasta límites extremos.
Se recargan las decoraciones, se agitan las proporciones, se quiebran los ideales de
proporción y equilibrio, y se generaliza el artificio y la desmesura.
Es un arte contradictorio, variado, idealista, grandilocuente y sobre todo un arte de la
apariencia, escénico y teatral.
Además es un reflejo exacto de la época en la que se desarrolla caracterizada por dos
fenómenos históricos que tendrán una repercusión directa sobre la creación artística: la
ruptura de la Cristiandad entre Católicos y protestantes, después de la Reforma
Protestante y de la Contrarreforma Católica auspiciada desde el Concilio de Trento y el
predominio de las monarquías absolutas. Ambos aconteceres encontrarán en la obra
artística su mejor instrumento de difusión y divulgación convirtiéndose por ello en un
arte de la propaganda. Propaganda de los nuevos ideales pregonados tanto por católicos
como protestantes. Propaganda política del poder incontestable de las monarquías
absolutas.
Italia mantiene la inercia del liderazgo artístico que había asumido durante el
Renacimiento y de ahí que el Barroco italiano siga siendo una referencia de primer
orden y que sus artistas sigan asumiendo un protagonismo de carácter universal.
No obstante el contexto histórico en el que se desarrolla el Barroco se extiende por toda
Europa, y por ello se generaliza el uso del arte como arma arrojadiza entre católicos y
protestantes, y como argumento político de los reyes absolutos, por lo que no debe
extrañar que el arte barroco se generalice por todo el continente de una forma mucho
más amplia que lo había hecho el Renacimiento.
PINTURA BARROCA
Es de una gran variedad y riqueza. Italia asume un indudable protagonismo gracias a la
figura precursora de Caravaggio pero los demás países europeo cuentan también con
escuelas de enorme importancia y gran calidad, como ocurre con el Siglo de Oro de la
pintura barroca española. O con la saga de grandes pintores flamencos y holandeses, y
con las figuras que también destacan en otros centros como Francia e Inglaterra.
Cabe destacar los nombres propios de la pintura barroca que se convierte en referente
universal de la historia del arte.
Además de Caravaggio en Italia, lucen con luz propia Rubens, Rembrandt, Vermeer de
Delf en los países Bajos; Ribera, Zurbarán, Murillo y por encima de todos ellos la figura
insustituible de Velázquez en España.
Dos características definen por sí solas al barroco en pintura: el tenebrismo y el
naturalismo pictórico. El tenebrismo consiste en un peculiar tratamiento de la luz
caracterizado por sus violentos contrastes de luz y sombra.
Es de pincelada suelta, muy colorista, con el predominio del color sobre el dibujo, de
composiciones abiertas, de líneas diagonales y estructuras centrífugas. De luces
extremas y que tienen en el tratamiento del color a su principal protagonista. Es muy
colorista y encuentra en el estallido cromático un complemento al dinamismo en la
composición y al esplendor ornamental.
Son numerosos los géneros, que se diversifican en esta época desde la pintura religiosa,
de gran intencionalidad propagandística en los países católicos a la mitológica, como a
la pintura de género como el bodegón o el paisaje, el tema costumbrista o el retrato
regio. Y son así mismo muy variadas las tendencias dentro del propio estilo barroco
porque conviven al unísono la pintura de formas voluptuosas y de gran agitación y
movimiento, típicamente barrocas, de una de Rubens por ejemplo; con la pintura
naturalista de Caravaggio, el barroco clasicista de Carracci, el realismo extremo de
Velázquez y Rembrandt.
Rubens
De regreso a Flandes, comenzó a trabajar como pintor de la corte de los reyes españoles, e inició una fructífera carrera. Rubens abrió su taller para satisfacer las demandas de su clientela. En él trabajan artistas de renombre como Van Dick y Jordaens. El maestro hacía los bocetos y las figuras principales y las más destacadas de la obra. El resto lo hacían sus aprendices. También fue diplomático, por lo que viajó por toda Europa.
En su estilo , domina el dinamismo y la vitalidad. Sus composiciones son abiertas y en diagonal , lo que da mayor sensación de movimiento. Sus tonos son c álidos , debido a la influencia de la escuela veneciana y, en especial, de Tiziano en los que se refiere a la pincelada suelta y deshecha. Los colores no se yuxtaponen, se introducen los unos en los otros. La temática de sus cuadros es muy variada: hay temas religiosos, mitológicos, retratos, paisajes... Tiene predilección por los desnudos femeninos. Sus mujeres son voluminosas y palpitan vida y acción. Dentro del género religioso, sus obras son grandes composiciones fieles al estilos de la Contrarreforma. Esta es "La adoración de los Reyes Magos" del Museo del Prado.
Este es "El Descendimiento de la cruz" de la Catedral de Amberes.
Entre sus obras mitológicas destaca este "Rapto de las hijas de Leucipo"
El color de las carnes blandas de las gracias es fruto de la combinación de tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. (Fijaros bien en el tono de la piel, qué solo Rubens consigue. Es fácil adivinar que es una obra de Rubens por su color.) El cuadro representa, siguiendo la mitología griega, a las tres gracias (Eufrosina, Talía y Aglae), hijas de Zeus y de la ninfa Eurymona, y que eran las diosas del encanto, la alegría y la belleza. La diosa de la derecha es la primera mujer del pintor (Isabella Brandt) y la de la izquierda es su segunda esposa (Helene Fourment).. Como su situación económica se lo permitía, Rubens guardo este cuadro hasta su muerte. Tras lo cual, se subastaron sus obras y Felipe IV la adquirió.
Como retratista, Rubens refleja la psicología del retratado, sin descuidar la exaltación de este, como se aprecia en este "Enrique IV recibiendo el retrato de María de Medicis"
o en este retrato de María de Medicis, con el que crea un tipo de retrato de tres cuartos que se prolongará durante el barroco posterior.
2.- Antoon Van Dyck (1.599 - 1641) Se formó en Amberes en la escuela de Rubens, de quien aprendió la técnica y algo de su estilo. Luego viajó a Italia donde estudió a los pintores del s. XVI y se sintió atraído por el colorido veneciano y por el claroscuro de los tenebristas. En Inglaterra fue pintor de cámara de Carlos I, por lo que los retratos son lo más conocido de su producción. Todos ellos tienen varias características en común:
- son de cuerpo entero,
- en ellos domina la elegancia, la delicadeza y la distinción,
- tiende a adelgazar las formas,
- y sus manos, de dedos largos, puntiagudos y caídos, son inconfundibles.
En su etapa inglesa, el colorido es más frío, con transparencias grises y plateadas. Introduce pajes, caballos o perros para encuadrar sus obras. Su influencia en Inglaterra fue tal, que marcó el retrato inglés del s. XVIII. Este es un retrato de Carlos I de caza.
Aquí tenemos un autorretrato de Van Dyck y E. Porlier.
-Existieron también otros maestros barrocos, como los Holandeses Rembrandt, Vermeer de Delf, Hals; así, es el momento del triunfo del bodegón, el paisaje y la pintura de género.
-En cuanto al retrato existen dos vertientes: la intimista, que recoge la labor cotidiana de un personaje de la casa, género muy cercano a la pintura de costumbres; éste es el caso de Vermeer de Delft, quién retrata siempre a mujeres haciendo algo dentro de una habitación, con un mapa y una silla comúnmente presentes en varias de sus obras. La otra vertiente es la del retrato de grupo, encargado por cofradías de profesionales o gremios, como sería el caso de la famosa Lección de Anatomía de Rembrandt. No puede omitirse al famoso pintor Pedro Pablo Rubens, quien con sus bodegones exuberantes, sus escenas picantes, su alegría de color en los cuadros religiosos, gustaron mucho en la Corte española.
-Existe otro estilo nombrado como final del Barroco, hablamos del Rococo.
-El Rococo se sitúa característicamente en Francia, en la corte francesa y en sus suntuosas y grandiosas fiestas en el palacio de Versalles, mientras el pueblo se moría de hambre. Es la época de la frivolidad, vanidad y trivialidad.
-Los temas utilizados mayormente son las escenas cortesanas, pastoriles, temas mitológicos y venus, donde todo es paz, amor y tranquilidad.
Son artistas de la época Fragonard, Bateau y Boucher, los tres franceses.
1.1-Características
-La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes:
-Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.
-Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una mayor mobilidad y fuerza a las representaciones.
-Se utilizaba una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizaron los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.
-Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.
-La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”.
2.-Pintura Barroca En España
-La temprana aparición del naturalismo barroco en España estuvo motivada por la influencia de Italia y, sobre todo, por la importancia política de la Iglesia católica.
-El florentino Vicente Carducho contribuyó materialmente al establecimiento en el centro de España del estilo pictórico antimanierista propugnado por la Contrarreforma. Juan Sánchez Cotán y Juan van der Hamen destacaron por el realismo de sus bodegones (naturalezas muertas) en los que combinan la influencia flamenca con la de Caravaggio.
-En Valencia, el naturalismo se puede apreciar en la obra del pintor Francisco Ribalta, conocedor del arte italiano del renacimiento, de la pintura de Tiziano, de Caravaggio y de su paisano José de Ribera, que desarrolló su actividad artística en Nápoles. Sevilla y Madrid se convirtieron en los dos centros principales del arte barroco español. Así, a comienzos del siglo XVII las características típicas del barroco se aprecian ya en los cuadros de Juan de las Roelas, Francisco Pacheco y Francisco de Herrera el Viejo.
-Francisco de Zurbarán, afincado en Sevilla desde 1629, fue el pintor monástico por antonomasia; nadie como él supo representar con más sencillez el fervor religioso de la vida monástica contrarreformista. Los volúmenes simples, la sencillez compositiva y el tenebrismo, caracterizado por los fuertes contrastes de luz y sombra, definen el estilo que no cambiará hasta los últimos años de su vida, cuando la influencia de Bartolomé Esteban Murillo le lleve a experimentar con una pincelada más suelta y ligera y un uso más vaporoso de los colores.
-Diego Velázquez, el pintor más importante del barroco español, se moverá entre el naturalismo de la primera mitad del siglo XVII y el barroquismo de la segunda. De su etapa juvenil en Sevilla sobresalen obras como la Vieja friendo huevos y la Adoración de los Magos.
-En 1623 se trasladó a Madrid como pintor de corte de Felipe IV, cargo que ocupará ya toda su vida. Sus series de retratos reales culminaron con Las Meninas , retrato colectivo de las infantas, las meninas y otros personajes de la corte, en el que aparece también el propio pintor. Maestro en el tratamiento de los volúmenes, la forma y el color, y pionero de la perspectiva aérea y las grandes pinceladas, Velázquez destacó también por sus cuadros de tema histórico, como La rendición de Breda , y mitológico, con obras como La fragua de Vulcano y la Venus del espejo.
-Contemporáneo de Velázquez fue el granadino Alonso Cano, escultor, arquitecto y pintor célebre por sus delicadas representaciones del cuerpo humano, como muestra el Descenso al limbo, uno de los pocos ejemplos de desnudo en el barroco español.
-Murillo, pintor sevillano algo más joven que Velázquez, fue el maestro de la gracia y delicadeza femenina, encarnando un tipo de devoción plenamente sentimental que evidencian sus representaciones del Niño Jesús y la Inmaculada Concepción.
-La última fase del barroco sevillano tiene en Juan de Valdés Leal a su mejor representante. Entre sus obras destacan los dos Jeroglíficos de las postrimerías (1672, Finis gloria mundi e In ictu oculi, representaciones de la caducidad de la vida y las postrimerías del hombre) del hospital de la Caridad de Sevilla, escalofriantes pinturas de esqueletos y cuerpos putrefactos plenas de morbidez y exacerbado realismo.
-En Madrid, la última generación de pintores barrocos incluye a artistas como Francisco Rizzi, Juan Carreño de Miranda y Claudio Coello, cultivadores de un estilo decorativo de clara influencia italiana.
2.1-Características
-El siglo XVII es el siglo de oro de la pintura española.
Características generales:
-Temática : predominantemente religiosa. Como otros géneros únicamente pueden citarse el bodegón y el retrato. Se da una carencia casi absoluta de pintura profana y mitológica ya que la clientela era religiosa en su mayor parte. Los prejuicios morales son extremados. La corte y la nobleza adquirirán los cuadros de esta temática en Italia y Flandes y la burguesía del XVII no es potente ni ilustrada. Solo Velázquez cultivará estos géneros.
-Estilo : frente a lo heroico y triunfal predomina una cierta intimidad y una humanidad poco teatral. Ausencia de sensualidad.
-Ausencia de rasgos, que fueron habituales y definidores, especialmente en Italia, durante el Renacimiento: lo heroico, los tamaños superiores al natural, las glorias corales de los fresquistas italianos. Predomina una cierta intimidad y un sabor de humanidad poco o nada teatral. En resumen, se prefiere un equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla.
-Ausencia de sensualidad, por obra de una implacable vigilancia que no se ablanda en España.
- Tenebrismo , que expresa muy bien esos valores, por lo que se comprende mejor su éxito entre nosotros y no es posible reducirlo a un recurso o técnica meramente importada de Italia.
-División de los pintores barrocos en función de la ubicación geográfica de sus centros de trabajo, y así se habla de la escuela valenciana o sevillana o madrileña. Sin embargo tal clasificación es insuficiente fundamentalmente por dos motivos: no puede dar razón de las grandes diferencias que se observan entre pintores de la misma escuela y no explica tampoco de modo satisfactorio la evolución pictórica que va desde el Manierismo hasta la decadencia del propio barroco.
3.-Autores
3.1-Escuela Italiana
3.4.5.-Claudio Coello
Claudio Coello (1642-1693), pintor español, uno de los principales representantes de la escuela barroca madrileña. Como la mayor parte de sus contemporáneos, pintó retratos y obras religiosas, siendo un extraordinario compositor de cuadros de altar. También destaca como pintor de frescos, técnica poco frecuente entre los pintores españoles de su tiempo.
-Autor: José de Ribera
-Obra: Martirio de San Felipe
4.-Obras
-Autor: Velázquez
-Obra: Las Meninas
-Autor: Caravaggio
-Obra: La Crucifixión de San Pedro
-Autor: Bartolomé Esteban Murillo
-Obra: Inmaculada Concepción
-Autor: Rembrandt
-Obra: Ronda de Noche
-Autor: Francisco de Zurbarán
-Obra: San Hugo en el Refectorio
