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Fichas de películas formativas 4
Orden alfabético
Me-R
Recopilador: José L. Caravias sj
Asunción - Paraguay
Mayo 2013
Me llaman Radio
TITULO ORIGINAL Radio 6.3/10 MB AÑO 2003 DURACIÓN 109 min. PAÍS DIRECTOR Michael Tollin REPARTO Cuba Gooding Jr., Ed Harris, Debra Winger, Alfre Woodard, S. Epatha Merkeson, Riley Smith, Sarah Drew GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Deporte (Fútbol americano) / SINOPSIS: Me Llaman Radio es un cuento dramático y edificante inspirado en los sucesos reales basados en la relación entre un entrenador de fútbol de instituto y Radio, a quien su madre describe como “igual a todo el mundo, sólo un poquito más lento que la mayoría”, y como su relación cambia totalmente las clasistas actitudes de un pequeño pueblo de Carolina del Sur. Apodado ‘Radio’ por su famosa colección de radio y su amor por la música, empuja su carrito arriba y debajo de las calles. Él no habla con nadie y es raro que alguien se dirija a él, hasta que un día, el entrenador Harold Jones, uno de los hombres más respetados del pueblo, y entrenador del popular equipo de fútbol del instituto, se hace amigo suyo. Poco a poco, el entrenador Jones se gana la confianza de Radio y abre un nuevo mundo ante él. Le invita a ayudar en los entrenamientos y durante los partidos y a sentarse durante sus clases en la escuela, a pesar de las desavenencias iniciales con la directora Daniels. Drama sentimental que obtuvo flojas críticas en Estados Unidos. Basada en hechos reales, "Radio" cuenta la historia de la relación que se establece, en el instituto de una pequeña localidad de Carolina del Sur, entre un respetado entrenador de fútbol americano (Ed Harris) y un joven mentalmente retrasado, apodado Radio (Cuba Gooding Jr.), que es objeto de chistes y bromas por parte de sus compañeros. Su amistad durará décadas, en las que Radio pasará de ser un chico tímido y atormentado a convertirse en toda una inspiración para su comunidad. La vida del entrenador de fútbol americano se enriquece con Radio, con el que aprende a valorar la amistad y los lazos familiares, tanto como valora los trabajos de entrenador.
Conocer y analizar el papel de los otros en la edificación de una persona.
Valorar los sentimientos, las motivaciones y los principios morales que mueven a los principales
protagonistas de la historia.
Apreciar el valor de la amistad incluso cuando hay diferencias generacionales.
Valoración de la película como reflejo del sentido de la amistad partiendo de la aceptación personal.
Identificación y explicación de los referentes personales que aparecen en el film.
Análisis de la estructura narrativa y temporal del film.
Comprender las reacciones y los sentimientos de los principales personajes de la película a partir del
momento en qué entran en contacto.
Entender el valor simbólico de algunos protagonistas del film
Valoración crítica del final del film.
GUÍA DIDÁCTICA
- Tema: Ser persona.
- Valores: Amistad, comprensión.
- Propuesta de actividades:
- Debate en clase entorno a los conceptos y valores que expone la película: ser persona, amistad,
comprensión. Trabajar con atención los fenómenos de actitudes personales que se puedan dar hoy
día.
- Hoy día se da cierto grado de marginación con personas discapacitadas, analízalos y relaciónalos con
la película.
- Que influencia tienen los sentimientos de culpa que uno tiene en la vida para ser personas auténticas.
FICHA DE TRABAJO
1. Haz un breve comentario de la siguiente afirmación: La historia de Radio trata esencialmente sobre
una gran amistad que se forja entre dos hombres que, gracias a su ejemplo, tocan las mentes y los
corazones de todo el que los rodea.
2. Después de ver la película, ¿cómo interpretas la siguiente frase: "alguien en quien confiar"?
3. ¿Cuál fue la gran enseñanza de "Radio" a sus jóvenes compañeros?
4. La película nos adentras en razones para creer, ¿cuáles?
5. De los diferentes personajes que aparecen en la película, ¿con cuál te identificas más? ¿Por qué?
6. ¿Qué moraleja le pondrías a la historia de "Radio"?
Mejor día de mi vida (El) (El día más bello de mi vida) TITULO ORIGINAL Il Più bel giorno della mia vita 7.1/ AÑO 2002 DURACIÓN 102 min. PAÍS DIRECTOR Cristina Comencini GUIÓN Cristina Comencini, Lucilla Schiaffino, Giulia Calenda FOTOGRAFÍA Fabio Cianchetti REPARTO Virna Lisi, Margherita Buy, Sandra Ceccarelli, Luigi Lo Cascio. GÉNERO Y CRÍTICA Drama SINOPSIS: Historia de relaciones familiares centrada alrededor de una próspera familia romana compuesta por una madre viuda y sus tres hijos: una hija infelizmente casada, una segunda aislada en su soledad tras la muerte del marido, y un hijo abogado marcado por una homosexualidad fatigosa y mal disimulada. Todos se reúnen con su madre en periódicas comidas de familia, donde la verdad se oculta y donde, finalmente y por situaciones nunca esperadas, todo sale a relucir. Mejor... imposible TITULO ORIGINAL As Good As It Gets 7.5/10 B AÑO 1997 DURACIÓN 138 min. PAÍS DIRECTOR James L. Brooks GUIÓN REPARTO Mark Andrus & James L. Brooks (Historia: Mark Andrus) Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Jesse James, Lawrence Kasdan. GÉNERO Y CRÍTICA 1997: 2 Oscar: Mejor actor (Jack Nicholson), actriz (Helen Hunt). 7 Nominaciones / Comedia. Drama. Romance / SINOPSIS: Melvin Udall, un escritor obsesivo y maniático, es uno de los seres más desagradables y desagradecidos que uno pueda tener como vecino. Pero, un buen día, tiene que hacerse cargo de un perro al que odia a muerte. La presencia en su vida del animal ablandará su corazón. Un neurótico cascarrabias, novelista de éxito, y su relación con una camarera y su vecino gay. Con este argumento tan simple, Brooks hizo de esta comedia una joya con sabor a clásico. El motivo: un guión deliciosamente perfecto y singular. Si a esto añadimos que sus tres protagonistas bordan sus interpretaciones, tendremos el porqué de su éxito en taquilla. Con mucho encanto. "La rareza de sus propuestas, la grandeza de las interpretaciones y la perfección de su guión la hacen un pequeño clásico. Tiempo al tiempo" (Javier Ocaña: Cinemanía)
Un hombre con un trastorno metal, en concreto un trastorno obsesivo compulsivo, con muchas manías y que quiere
hacer girar todo en torno a sí mismo, su forma de ser, sus ideas, y que no acepta a nadie diferente a él.
En la película el amor por una mujer le hace ir moderando sus manías, empieza a tomar las pastillas del
tratamiento médico para mejorar su enfermedad, acoge a otra persona en su casa…
Melody TITULO ORIGINAL Melody 7.5/10 MB AÑO 1971 DURACIÓN 106 min. PAÍS DIRECTOR Waris Hussein REPARTO Mark Lester, Tracy Hide, Jack Wild, Sheila Steafel, Roy Kinnear, Billy Franks, Ken Jones, Kate Williams GÉNERO Y CRÍTICA Drama / Historia de dos jóvenes amigos que se rebelan contra el sistema adulto establecido. Escrita por -posteriormente conocido- director de cine Alan Parker y con música de The Bee Gees. La vi una sola vez, a los ocho, diez años,.... Desde entonces la he tenido casi siempre en la punta de la lengua. Y el tiempo que ha transcurrido no es poco. Hoy estoy cerca de las cuatro décadas. Pero no me atrevo a verla una segunda vez. El niño que fui y que aun llevo dentro se resentiría de no apreciarla como la vez primera. La sensibilidad no ha variado; ha cambiado el hombre, que ahora sabe un poco más, aunque tal vez no lo suficiente. Memorias de África TITULO ORIGINAL Out of Africa 7.4/10 MB
adaptado. 2001: 4 Globos de Oro: Mejor película dramática, mejor actor (Russell Crowe), Mejor Actriz de reparto (Jennifer Connelly), Mejor Guión / Drama. Basada en hechos reales SINOPSIS: El eminente matemático Dr. Nash descubrió una teoría cuya aplicación revolucionó varios campos de la ciencia, pero su prodigiosa mente también le causó una terrible enfermedad. Muy poco de la verdadera complejidad de la vida de Nash ha sido plasmada en la pantalla. Previsible pero sólida. No hay nada en ella que me entusiasme, tampoco me convulsiona emocionalmente, pero casi todo me parece eficaz. El filme es ambicioso, brillante, pero tramposo y epidérmico. Las escenas que corresponden a los ataques de Nash son las mejores, si tenemos en cuenta las licencias necesarias para visualizarlas. Las alucinaciones están llenas de misterio y salpican la narración.
¿Puede el deseo de sobresalir llevar a un hombre a los límites de la locura?; ¿puede
éste abandonar su mundo, para vivir en otro de su propia creación?; ¿puede la esquizofrenia
ser curada sólo con la fuerza de voluntad? y ¿puede el Amor rescatarnos de los infiernos que
nuestras propias mentes nos han edificado? La respuesta está en A Beautiful Mind.
John Forbes Nash Jr. es un matemático brillante y bien parecido, quien acaba de ingresar a la
prestigiosa Universidad de Princeton para un postgrado, a través de una afamada beca. Nash está
convencido que la única manera en que un hombre como él puede sobresalir, es descubriendo una idea
original verdadera.
Para asombro de todos y de él mismo, este descubrimiento llega: La Teoría del Juego; la
matemática de la competencia. Esto lo catapulta al MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), una
institución para genios; sin embargo, su deseo de sobresalir le sigue acosando y su ambición ahora se
centra en el Pentágono y la decodificación de mensajes ocultos al inicio de la Guerra Fría. No obstante
sus planes, dos encuentros transformarán su existencia: La Esquizofrenia y el Amor. Estos elementos a
la larga se convertirán respectivamente en su agonía y su éxtasis; su infierno y su redención.
Tribulaciones de un genio ¿Qué no podrá bordar el neozelandés Russell Crowe? Aún se desconoce. Si en su primera nominación al Oscar se comió al carismático Al Pacino con su papel en El dilema , y en su segunda se hizo con la cotizada estatuilla encarnando al hispano Máximo en Gladiator , en la última edición de la gala volvió a las listas por tercer año consecutivo gracias a su papel en Una mente maravillosa. El Oscar al mejor actor fue a parar a otras manos, pero Crowe fue sin duda pieza esencial del engranaje de esta película, que con 4 Oscar -película, director, actriz secundaria y guión adaptado- se convirtió en la gran triunfadora de la noche. La película es un biopic de John Forbes Nash, un joven prodigio de las matemáticas que en 1948, cuando contaba veintiún años, demostró su maestría en el manejo de los números con su elaboración de la "teoría del juego", por la cual recibiría en 1994 el Premio Nobel de Economía. Sin embargo, un genio es un genio, y todos sabemos el mal endémico que suele acompañarles: la excentricidad. Desde sus tiempos de Princeton, Nash (Russell Crowe) se revela como un tipo huraño, sin apenas amigos, muy metido en el mundo imaginario de los problemas matemáticos. Esto no impide que logre un trabajo de prestigio en el Instituto de Tecnología de Massachussets, donde conoce a Alicia (Jennifer Connelly), quien se convierte en su esposa. Pero la vida de Nash se trastoca cuando es requerido por un tal William Parcher (Ed Harris) para descifrar mensajes en clave para un proyecto de alto secreto militar. Es justo cuando su mente comienza a hacer aguas y se le diagnostica un terrible estado de esquizofrenia. La película es una adaptación de la biografía "Una mente prodigiosa", escrita por Sylvia Nasar y galardonada con el National Book Critics Circle de EE.UU. Ron Howard, eficaz artesano de historias populares ( Willow , Apolo 13 ) se muestra muy solvente para trasladar a la pantalla el oscarizado guión de Akiva Goldsman ( Tiempo de matar ), que aborda con particular empeño los primeros años de Nash en Princeton, la relación con su mejor amigo, Charles (fantástico Paul Bettany), y la primera fase de su enfermedad, coincidente también con su relación secreta con Parcher. Una mente maravillosa es un canto a la fuerza superadora del espíritu humano. Contra viento y marea, Nash luchará por salir de su particular agujero negro gracias a la inconmensurable ayuda de su fiel esposa. Porque, aunque es cierto que hay momentos de drama y de tensión (muy logrado el acoso de Parcher al protagonista), esta película trata por encima de todo del amor, sin lugar a dudas el único poder en el mundo capaz de transformar la mente del ser humano.
“Hay momentos que perturbarán tu futuro, y ahora... conocer el futuro no ayuda, pues no cambias el color de la vida, Recuerdos
vacíos en mi mente
Toman forma en la oscuridad, La luz de un nuevo día empieza y no lo puedo enfrentar,
Cuando encuentre la verdadera razón, tal vez entonces encontraré mi camino, tal vez encontraré este día, porque ayer, nunca pude
existir.
Nuestra mente es tan brillante, que a veces suele traicionarnos.
Y qué es más difícil? Borrar los recuerdos, ó quizás jamás haberlos tenido.
Se está viviendo? Ó se está muriendo?”
Mentes brillantes, en busca de la felicidad
Título original: Living Luminaries. The Serious Business of Happiness
Director: Larry Kurnarsky
Duración: 1 hora 32 minutos
Fecha de estreno: 01/01/
País: EE.UU.
¿Cómo podemos ser felices? Este documental indaga en las respuestas que buscamos a las preguntas que encontramos a lo largo de la vida en busca de un objetivo común: la felicidad. Para ello, contamos con la experiencia de autores de renombre, líderes eligiosos y espirituales, activistas de los derechos civiles, pensadores contemporáneos y profesores ilustrados. Mentes brillantes nos lleva a encontrarnos con nosotros mismos, con nuestra fuente de abundancia, felicidad y amor. A nuestras interrogantes de ¿Cómo encontrar la Felicidad? encontramos información para sacar nuestras propias conclusiones de cómo encontrar la felicidad. Nos enseña la consciencia evolucionada de los grandes nombres de la cultura creativa actual. Personajes influyentes de estos tiempos nos hablan de cómo encontrar la felicidad. Cambia tu vida ahora y únete a ellos en su viaje. En la película veremos a: Eckart Tolle, Mariane Williamson, Don Miguel Ruiz, Gary Renard, Matthew Nelly, Nachum Shiffren, Dr. Rev. Robert A. Schuller, Lama tibetano Chodal Gyatso Nupka, Rev. Michael Bernhard Beckwith. ¿Cómo perciben su creatividad las mentes brillantes? Nuestro Ser Verdadero nos inspira, nos habla en la manera que le podamos entender, puede ser a través de una persona, una canción, un mensaje, un libro, una web y muchas veces oímos una Voz. Es a través del subconsciente como las mentes brillantes perciben su creatividad; todo sucede cuando dejamos de depender de lo que creemos ser y nos entregamos a nuestro verdadero Ser. Nuestra mente opera desde el consciente y el subconsciente, ambos son necesarios. Nuestra mente consciente es la que elige, impresiona a la mente subconsciente; la mente consciente es la que dirige a nuestro subconsciente. La mente subconsciente recibe las sugerencias del consciente. Si visualizamos y afirmamos las condiciones que deseamos, nuestras metas son cumplidas. Nuestro poder está en que el consciente tenga armonía con el subconsciente, ese es el secreto de las mentes brillantes. La mente subconsciente cree todas las señales que recibe del consciente, no discute, no juzga. Podemos superar nuestras condiciones de vida dando una sugerencia contraria, repetirla y repetirla, para formar nueva mentalidad, nuevos hábitos y un pensamiento sano: Esta decisión marca profundamente nuestras condiciones de vivir. Nuestro Ser interior siempre nos beneficia, nos da lo que pedimos. ¿Cómo cambiamos nuestras condiciones? El poder está en nuestro subconsciente. Tenemos que comentarle de nuestra excelente salud, de nuestra riqueza en bienes materiales, del amor que recibimos de nuestros seres queridos, etc. ¿Basta con pensar en lo que deseamos? Tenemos que dirigir nuestro pensamiento consciente y constructivamente, entrando en la armonía, sintonizándonos con el Universo activando nuestro poder Creador. Esto es la Ley de la Atracción en actividad. ¿Cómo comunicamos al subconsciente lo que deseamos? Mentalizando nuestros deseos, concentrándonos, dándole imagen y emociones de lo que en realidad deseamos; si la cosa deseada está en armonía, en un tiempo tendremos materializado nuestro deseo. Cuando dejamos de depender de lo que creemos ser y nos entregamos a nuestro Ser interior es cuando las mentes brillantes perciben su creatividad. Todas nuestras mentes son brillantes, solo tenemos que encontrar nuestro verdadero Ser. Merlín el Encantador TITULO ORIGINAL Sword in the Stone 7.0/10 B AÑO 1963 DURACIÓN 80 min. PAÍS DIRECTOR Wolfgang Reitherman GUIÓN Bill Peet (Novela: T.H. White) PRODUCTORA Walt Disney GÉNERO Y CRÍTICA Dibujos animados. Infantil. Fantástico / Encantador relato para los más pequeños sobre la leyenda del rey Arturo (aquí siendo todavía joven), el mago Merlín y la espada Excalibur. Aventuras mil, magia y fantasía para otro gran éxito de la Disney. A pesar de los años, sigue siendo uno de los platos preferidos de los más jóvenes de la casa. Buena Mesías El Título original: Il Messia 6.1 MB Año: 1975 Duración: 140 min. País: Italia Director: Roberto Rossellini Guión: Roberto Rossellini, Silvia D'Amico Bendico
Adaptación cinematográfica de una exitosa obra teatral de Jordi Galcerán, autor que, por cierto, declaró que el film no tiene nada que ver con su obra de teatro (más inclinada a la comedia que al drama). Queda la brutal crítica del ultracapitalismo, el estupendo entretenimiento, la explicitud y la redundancia de algunos diálogos y acciones rebaja un tanto su calidad. Por desgracia, el magnífico resumen final de la obra de Galcerán se ha perdido por el camino. El fichaje en el guión de Mateo Gil afila aún más el canino de su carga de profundiad. La potencia modular de la pieza sigue intacta.
Temática: Opciones, fines y soledad
Opciones. El método de selección es la excusa adoptada por la historia para mostrar el dilema de ser los que somos
o lo que debemos ser.
Fines. Una pregunta planea a lo largo del proceso de selección: ¿El fin justifica los medios?
Soledad. La película nos plantea la soledad y la deshumanización que genera una competitividad destructiva.
Sugerencias para ver y escuchar la película
Una película se puede ver y escuchar de muchas maneras. Ofrecemos unos puntos de referencia. Concretamente,
sugerimos ver y escuchar la película…
…hacia adentro. Reflexionar sobre lo que la película nos sugiere en primera persona y sobre las preguntas que nos
plantea en nuestra propia vida. No pretendemos buscar respuestas definitivas, atendemos a las resonancias que
nos deja.
…hacia fuera. Promover un coloquio sobre la película en familia o en grupo. No se trata de llegar a conclusiones.
Compartimos lo que hemos sentido y percibido e intentamos escuchar y entender la percepción diferente de los
otros.
…no sólo con la cabeza, también con el corazón. Se trata de dejar por un momento a un lado los prejuicios
ideológicos o ideas preconcebidas para que, al hilo de lo que nos cuenta la película, puedan hablar los
sentimientos.
…y después de algún tiempo repensar. Estar atentos al poso que la película deja después de unos días. Ese
«poso» es una impresión en la que se funden nuestra reflexión sobre lo que hemos visto y la vida propia que la
historia cobra en nosotros/as.
Algunas preguntas…
…antes de la película
·Sobre el objetivo: ¿El fin justifica los medios? ¿Los medios justifican el fin?
·Sobre las apariencias: ¿Nos preocupa la imagen que damos?¿Vivimos esclavos de esa imagen?
·Sobre la prioridad: ¿A qué le damos prioridad en una situación conflictiva: al objetivo o al valor de la persona?
…después de la película
·¿Cuál es el error del primer eliminado del proceso de selección?
·¿No conseguir el objetivo, cometer un error, es un fracaso?
·¿Asumimos el conflicto y la soledad que genera, en ocasiones, la fidelidad a uno mismo?
Con la colaboración de Aitor Sorreluz.
Siete ejecutivos sin piedad
Alegato contra la competitividad voraz del capitalismo neoliberal, en una aceptable adaptación que no
alcanza el nivel de la obra teatral de Galcerán.
Dos desafíos suponía esta película desde su planteamiento: su origen teatral, no sólo por tratarse de
una adaptación sino de una obra condicionada como pocas por las limitaciones de espacio y tiempo del
drama, y, segundo, por pertenecer al género de cine pretendidamente claustrofóbico al estilo no
superado de “Doce hombres sin piedad”.
Basada en la exitosa obra de teatro "El metodo Grönholm" de Jordi Galceran, el cineasta argentino
Marcelo Piñeyro, director, entre otras, de “Plata quemada” y “Kamchatka”, se puso al frente de los ocho
actores (los siete candidatos y una secretaria) que se someten a una peculiar y despiadada selección de
personal para competir por un puesto de alto ejecutivo de una importante empresa sita en la zona Azca
de Madrid. Como telón de fondo, casi exclusivamente sonoro, una multitudinaria manifestación
antiglobalización, mientras los siete candidatos son sometidos al peculiar método Grönholm, que en
definitiva es una coctelera o encerrona para enfrentarlos y despedazarse entre si. Fuera de esto la
película tiene un breve prólogo de los personajes dirigiéndose desde sus casas a la prueba y un plano
epílogo en la calle.
La excelente y demoledora comedia de Galcerán, donde no falta una importante dosis de humor,
es aquí una pretendida y claustrofóbica tragedia, con apósitos de ruptura del encierro en las escenas de
los lavabos, por obra y gracia del guión coescrito por el director y Mateo Gil, guionista de “Mar
adentro”, “Vainilla sky”, “Nadie conoce a nadie”.
La realización de Piñeyro ha optado por una ambientación premeditadamente fría, con predominio
del gris metal azulado, que va desde la decoración de las oficinas al maquillaje de los actores y por
prestar dinamismo fílmico, como se suele hacer en todo film de encierro, a través de una cuidada
planificación en la que domina el primer plano psicológico. Porque, desengañémonos, se trata, como
tantas otras adaptaciones teatrales, de un cine en el que domina la palabra y la tensión dramática de
las relaciones preverbales de los personajes. Aparte de la citada “Doce hombres”, cabe recordar, entre
otras muchas, “La huella”, “El ángel exterminador” , “Cube”…
De aquí la importancia de la interpretación en la que hay que reconocer que el excelente casting -
Eduardo Noriega, Najwa Nimri, Eduard Fernandez, Pablo Echarri, Ernesto Alterio, Carmelo Gómez,
Adriana Ozores y Natalia Verbeke- responde con creces al desafío. Todos ellos recrean con matices los
típicos deshumanizados candidatos al triunfo voraz de la sociedad agresiva y sin sangre denotada por la
competitividad empresarial: el pijo, la madurita, el machista celtibérico, el cínico y pelota, el argentino
prepotente, la madre frustrada, la secre de plástico.
Lo mejor del film es lo que tiene de la obra teatral: la metáfora escalofriante, en actualizada
versión del “homo homini lupus”, de un pensamiento único liberal cuya escala de valores se traduce en
la máxima ganancia y el sacrificio de todo al dios del éxito empresarial capitalista, y cuyas víctimas son
en definitiva los pobres y desheredados de nuestro mundo, representados por el ululante colectivo que
se manifiesta fuera.
Ahora bien, todo eso estaba ya en la obra literaria. ¿Qué añade la película? En parte Piñeyro
consigue, como he dicho, romper las unidades teatrales con la planificación. Para ello se encerró con los
actores y tres cámaras en unos estudios a las afueras de Madrid para, según él, hacer una relectura
libre cinematográfica de la obra. Pero en el momento en que introduce escenas de su cosecha –
paradójicamente, cuando intenta hacer más cine-, como son las de los lavabos, el film decae y se hace
más premioso y aburrido, si es que la carga verbal no lo ralentiza ya antes desde un punto de vista
cinematográfico.
Lo más valioso de “El método” es la presentación de esa teoría de prototipos y actitudes que,
aunque estén un tanto exageradas –en la obra de Galcerán se acercan, creo, más a personajes de carne
y hueso- nos recuerdan a gentes que conocemos todos. De aquí que la película tenga éxito y
especialmente entre gente joven, porque desenmascara a muchos de sus semejantes tan obsesionados
con el triunfo económico que llegan a desestructurarse como personas y constituyen un auténtico
mundo aparte. Otra cosa es que para acentuar la crítica a ese colectivo helador se conviertan en la
película a veces en caricaturas de sí mismos. No me extraña que el catalán Galcerán no esté contento
de la adaptación.
Dos tipos están especialmente logrados a mi entender: el de Ernesto Alterio, el hipócrita débil y
pelota, y el de Najwa Nimri, una chica desnortada como mujer en aras del éxito empresarial, por ser
más creíbles y provistos de matices.
Esto supuesto, y reconociendo una calidad por encima de la media en “El método”, tengo que
confesar que personalmente me he aburrido en muchos momentos y me he sentido fuera de la película,
pendiente de si los personajes eran reales o no y hasta de cuándo se iba a acabar, lo cual no es un buen
síntoma.
Insisto no obstante que Piñeyro ha respondido con nota alta al desafío y que el film llega a ser una
denuncia eficaz de un planteamiento socioeconómico que nos está devorando y aniquilando global y
personalmente. Pero una vez más me quedo con la obra de teatro, decididamente más fresca y
auténtica. Quizás porque, como siempre, el teatro está muy bien en el teatro; y el mejor guión de cine
es el que desde su origen se escribe para el cine. Pedro Lamet (Cine para leer)
Método peligroso (Un) TÍTULO ORIG. A Dangerous Method 6.1/10 B AÑO 2011 DURACIÓN 93 min. PAÍS DIRECTOR David Cronenberg GUIÓN David Cronenberg (Novela: Christopher Hampton) REPARTO Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel, Sarah Gadon, Katharina Palm, Christian Serritiello, Andrea Magro, Bjorn Geske, Franziska Arndt, Wladimir Matuchin, Clemens Giebel PREMIOS 2011 : Globos de Oro: Nominada a Mejor actor secundario (Viggo Mortensen) 2011: Premios Genie: 11 nominaciones, incluyendo Mejor película y mejor dirección 2011 : Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso 2011 : Festival de Toronto: Sección oficial largometrajes a concurso 2011 : Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Michael Fassbender) GÉNERO Drama^ |^ Biográfico SINOPSIS Una poderosa historia de descubrimiento sexual e intelectual basada en acontecimientos reales a partir de la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielrein (Keira Knightley). A este trío se añade Otto Gross (Vincent Cassel), un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites. CRÍTICAS Locuaz, cerebral e intensamente compleja en su descripción de una tensa relación a tres bandas, 'A Dangerous Method' es bastante diferente de cualquier otra película de David Cronenberg. Sacudiéndose cualquier remanente polvoriento de las obras de época, la película aborda espinosos asuntos psico-sexuales y problemas de ética profesional con una franqueza que resulta completamente contemporánea. Lúcida, precisa y emocionalmente contenida, la película de Cronenberg sobre poner a prueba los límites en los primeros tiempos del psicoanálisis, es plasmada con intensidad por unas impresionantes interpretaciones principales. A pesar de la belleza de Knightley y las investigaciones de sus doctores, 'A Dangerous Method' carece de cierto corazón (...) Como película biográfica, da una visión real de sus personajes, en especial de Jung. Es tan extraña y enervante precisamente porque el mundo que desprecia es, para bien o para mal, el único que conocemos. Una película tan sólida como perturbadora. Ha resuelto con talento un desafío complicado. Magnífico drama de época, que dinamita la estética del teatro filmado para ofrecer un delicado viaje al fondo de los orígenes de la pasión. Cronenberg logra sobrecargar la pantalla de energía con los recursos más austeros, una película civilizada, didáctica, pero, a la vez, llena de misterio que, en un mundo ideal, sería de visión
de lentillas y un cambio de actitud. Toula empieza a trabajar en la agencia de viajes de su tía y un apuesto desconocido repara en su transformada presencia. Es Ian Miller (John Corbett), un profesor de instituto alto, guapo y sin una gota de sangre griega... El gran éxito del cine independiente del año 2002 en Estados Unidos; buenas críticas y una gran taquilla conseguida sin grandes recaudaciones de fin de semana, pero tras permanecer casi 8 meses en el top ten del box office USA. Todo ello la alzó al primer puesto en el ranking de las comedias con mayor recaduación de la historia en USA. Simpática e informal comedia sobre las identidades étnicas y la última oportunidad de enamorarse... Conmovedora y divertida. Una chica de origen griego sale con un chico no griego y su familia no lo ve con buenos ojos. El amor de la pareja acerca las posiciones de las dos familias y buscan lo que acerca y no lo que separa. Ante la interculturalidad de nuestra sociedad ¿Cómo nos situamos ante los diferentes? ¿Qué son más importante, las costumbres o las personas? Sin embargo, la tolerancia requiere un esfuerzo personal, no sólo para adaptarnos a lo que los otros piensan o sienten, sino para “romper” con aquellos aspectos de nuestra cultura que son accesorios.
Se trata de un proyecto personal de la protagonista de la película, la actriz de origen griego Nia
Vardalos. Ella dio a conocer su proyecto a Tom Hanks que, casado a su vez con una griega, decidió
producir la película. La historia cuenta los avatares de una treintañera de origen griego que
vive en Chicago y que decide casarse con un norteamericano de origen wasp, es decir,
anglosajón y protestante. La familia de la chica, tremendamente reacia a salir de su pequeño mundo
heleno, se opondrá en un principio a dicha boda, aunque poco a poco irán flexibilizando sus posturas.
El irrenunciable valor de la familia, la necesidad de mantener viva, que no enquistada,
la propia tradición, así como el cada vez más real problema de la multiculturalidad son los
grandes temas que atraviesan esta fresca y divertida comedia. Los nacionalismos cerrados y el
rechazo de lo extranjero, así como un rancio machismo patriarcal, también son ridiculizados con una
inteligente ironía. Aunque muy divertida, esta película no es nada ingenua y nunca propone soluciones
idílicas. También se puede ver una solapada crítica a cierto modelo de mujer delgada y estilizada,
mostrando cómo la belleza puede no tener nada que ver con eso.
Los diálogos son brillantes, y aunque algunas situaciones parecen algo surrealistas —como la del
bautizo ortodoxo del novio—, nunca se pierde un profundo sentido de autenticidad. Buenas
interpretaciones, que van de la sobriedad al histerismo, y una banda sonora de música tradicional
griega son el broche perfecto de esta simpática y recomendable comedia.
“No dejes que tu pasado te dicte como eres, pero deja que forme parte de como vas a ser…
Mi madre siempre estaba cocinando platos llenos de cariño y sabiduría, pero sin olvidar nunca esa guarnición de culpabilidad al
horno…
Mi padre me lleva diciendo desde que tengo 15 años que las buenas chicas griegas deben hacer 3 cosas en la vida:
- Casarse con un chico griego
- Tener hijos griegos
- Y dar de comer a todo el mundo hasta el dia de su muerte
Las mujeres griegas seremos corderitos en la cocina pero somos tigresas en la cama.”
Mi mejor amigo TÍTULO ORIGINAL Mon meilleur ami^ 6.2/ AÑO 2006 DURACIÓN 94 min. PAÍS DIRECTOR Patrice Leconte GUIÓN Patrice Leconte, Jérôme Tonnerre (Idea: Olivier Dazat) REPARTO Daniel Auteuil, Dany Boon, Julie Gayet, Julie Durand, Jacques Mathou, Marie Pillet, Elizabeth Bourgine, Henri Garcin, Jacques Spiesser, Christian Gazio. GÉNERO Comedia | Comedia dramática. Amistad SINOPSIS Un marchante de arte (Daniel Auteuil) hace una apuesta: si en el plazo de diez días no encuentra al amigo perfecto, tendrá que entregar un valioso jarrón de su propiedad. Se pone manos a la obra rápidamente y acaba eligiendo a un taxista (Dany Boon), una persona entrañable pero algo débil. Con tal de ganar la apuesta, se esfuerza por seducirlo. Pero con la amistad no se juega impunemente. CRÍTICAS Daniel Auteuil y Dany Boon despliegan naturalidad y seducción a pesar de que el guión haga aguas por demasiados de sus flancos. Su absurda premisa no impide que se acabe ganando nuestro interés.
Apuntes para el animador
Agradecemos a Patrice Leconte el hecho de ofrecernos una película sencilla y para todos los públicos, pero con un tema de fondo de vital
trascendencia. Es una propuesta que se queda a mitad entre la comedia y el drama, porque nos presenta algo tan importante como la amistad, de una
forma amena y divertida. Como diremos más adelante, “Mi mejor amigo” nos da la oportunidad de reflexionar sobre las capacidades humanas
necesarias y básicas para poder llevar a delante un proyecto de vida vocacional. Por eso es apropiada para un video-fórum de carácter vocacional.
La película nos ofrece un díptico con dos personajes centrales que son muy diferentes pero que en el fondo tienen un mismo problema. François es un
marchante de arte con un carácter distante, prepotente y malhumorado; más interesado por lo material que por la interioridad o la afectividad. Por su
arrogancia se verá dentro de una apuesta sin sentido con la que le reta su colega Catherine. La apuesta no es otra que demostrar en un plazo de diez
días que tiene un amigo de verdad, porque le echan en cara el hecho de no tener ninguno.
François se irá dando cuenta que, verdaderamente, tiene muchos socios, conocidos, clientes y contactos, pero que no tiene amigos. Y es algo que no
nos debe extrañar porque François no sabe ni siquiera lo que es la amistad, por lo que llegará a reconocer que es un negado para ella.
En esta búsqueda desesperada de hacer un amigo se topará con Bruno, un taxista que es una enciclopedia viviente y que tiene una facilidad enorme
de “enganchar” con la gente. Fascinado por su “don de gentes”, François le pedirá que le enseñe a ser simpático, porque “debe haber unos principios
básicos”. Bruno acepta la propuesta dando lugar a disparatadas situaciones. Al final parece que el método de las tres “S” es muy sencillo: sinceridad,
simpatía y sonrisa. Tan sencillo es el método que François irá de fracaso en fracaso.
Sin embargo, vamos descubriendo poco a poco que Bruno tampoco tiene amigos de verdad: “ser amigo de todo el mundo es ser amigo de nadie”.
Llegará a aceptar que la amistad no existe y que esos seres raros y diferentes que son ellos dos, siempre restarán solos. Pero conforme pasa el tiempo
los dos solitarios van desarrollando entre ellos los lazos de una amistad, o al menos eso es lo que pensaba Bruno. A François sólo le interesaba ganar
la apuesta y con ella, el jarrón griego, poco le importa la persona de Bruno.
Así, la destrucción de ese jarrón griego que estaba en juego y que representaba la amistad entre Aquiles y Patroclo, se convierte en un símbolo de la
ruptura de esa amistad incipiente entre François y Bruno. De la mano de Catherine, François aprenderá al final la lección. Tiene que reconocer que no
se ha dejado ayudar y que ha sido ciego. No ha sabido ver que Catherine era la primera candidata para convertirse en su amiga. Pero se enceró en sí
mismo preso de su arrogancia y su orgullo.
La referencia final que se hace a “El Principito” nos da la clave para entender la verdadera amistad. He aquí el texto:
-Ciertamente –Dijo el Zorro-. Para mí tú no eres aún más que un muchachito semejante a cien mil muchachitos. Y no tengo necesidad de ti. Y tú
tampoco tienes necesidad de mí: yo soy para ti más que un zorro semejante a cien mil zorros. Pero si tú me domesticas, tendremos el uno necesidad del
otro. Serás entonces el único del mundo para mí. Yo seré también para ti el único en el mundo (De Saint-Exupéry, Antoine. El Principito)
Como nos dice Martín Palma: “François tiene el problema de que sólo quiere domesticar y ser el único para el otro pero no quiere ser domesticado ni
que el otro le sea único… En otras palabras: quiere los beneficios pero no las exigencias de la verdadera amistad. “.
Vale también este comentario de Oswaldo Osorio: “Más que hablar expresamente de la amistad, la película propone ser un pequeño tratado, no
exento de ironía y humor, sobre cómo no tener amigos. Y para hacerlo nos presenta al personaje de François con una colección de defectos que no le
huyen a la caricatura y que son el antídoto perfecto para conseguir congéneres que lo estimen, aunque sea sólo un poco. Básicamente, lo importante
para François es él mismo y sus posesiones, es decir, es un egoísta rematado y un materialista sin asomo de humanidad, lo cual no excluye que sea
cortés y bien educado (…) Es una ironía con la que juega Patrice Laconte, que este personaje sea un maestro sin práctica, también un desvalido
social, con lo cual se echan por tierra todas las fórmulas que aquí se proponen para acceder a la amistad”.
“Mi mejor amigo” nos permite reflexionar sobre la madurez humana de la personas. Porque uno de los criterios de discernimiento vocacional es que el
candidato tenga unas relaciones humanas normales y una capacidad normal de vivir la amistad. Ante todo, personas sin rarezas. Quien no es capaz
de comprometerse en una relación de amistad, ¿cómo se va a comprometer con el Cristo que llama a seguirle?
Además, la película nos puede servir para evaluarnos ( o que nos evalúen) en cuanto a la sinceridad, la simpatía y la sonrisa. ¿Soy sincero, simpático?
¿Sonrío? O por el contrario ¿soy retorcido, huraño y siempre con muecas?
Aunque es una película apropiada para todos, es aconsejable de trabajarla con los adolescentes.
Materiales para trabajar la película
1.Ver y analizar
¿Cómo describirías los dos personajes principales: François y Bruno?
¿Por qué tienen dificultades para tener o conservar amigos?
¿Qué definiciones de amistad aparecen en la película?
¿Por qué el director Patrice Leconte introduce una referencia a “El Principito”? Se puede encontrar el capítulo entero de el Príncipe y el
zorro en este enlace:
¿Qué lección ha aprendido François al final?
2.Nos interpela
Recuerda las definiciones que se dan de la amistad en la película: amigo es aquel a quien le puedes llamar a cualquier hora, amigo es quien
correría riesgos por ti, alguien a quien se puede pedir lo que sea… ¿Estás de acuerdo con estas definiciones? ¿Qué es para ti la amistad?
¿Cuántos amigos tienes? ¿Quiénes son? ¿Por qué son tus amigos?
¿Has tenido alguna vez la misma experiencia de François y Bruno: conocer a mucha gente y no tener amigos de verdad? ¿En qué te pareces
a ellos?
¿Te consideras un buen amigo? ¿Cómo alimentas y mantienes la amistad?
¿Qué te sugiere el texto citado de “El Principito”?
¿Qué sacrificios te pide la amistad? ¿Qué eres capaz de hacer por tus amigos? ¿Estás dispuesto a dejarte domesticar?
¿Qué relación de amistad tienes con Jesús?
3.Oramos
- Canto adaptado y conocido por el grupo - Poema
Feliz el que ha sabido encontrar grandes amigos y en cada uno de ellos,
ha encontrado una parte de sí mismo, que así quedó salvada para siempre.
Feliz el que en sus amigos halló comprensión.
Y esa comprensión le ayudó a comprenderse a sí mismo.
Feliz el hombre que, a travéz de los datos de una firme amistad,
ha sabido concebir como “Amor de Amistad”
el amor que entre su alma y su Señor debe mediar.
(José María Cabodevilla)
- Oración
Señor:
Hoy te pido por todos mis amigos...
Tú sabes cuáles, cuántos y cómo son.
Algunos más antiguos y otros más recientes;
Algunos alegres y expresivos;
Otros tímidos y callados;
Otros sinceros y bulliciosos...
sentido no se nos puede pasar mencionar lo poco explotado que está el contexto político y social que se vivía en ambos países -quizá a propósito-, algo que de por sí ha sido motivo de múltiples cintas. Los silencios, la inmensidad de la pampa y la pequeñez del hombre, su carácter, voluble, todo crea una atmósfera acorde a dejar la impronta de Alex Bowen y su percepción de este tipo de circunstancias. No alcanza a ser una película bélica, por el contrario critica el belicismo. Es sobre el carácter. Cómo se puede planificar y planear, juramentarse y aún así siempre el destino se encargará de sorprender a quienes den por sentado el futuro. Más en un ambiente con una fotografía y paisajes que son tan bellos como inhóspitos. La cinta sin ser completamente lograda entrega muchos mensajes. Tantos que se confunden y funden unos con otros. Como decíamos, la banda sonora es suave y prácticamente predomina el silencio y eso imprime más obviedad a lo ridículo de algunas situaciones, que también se suceden una tras otra. Pero ojo, que según los entendidos y quienes experimentaron esas avanzadas en el extremo sur, no se alejan de lo que realmente sucedió. El miedo une los bandos y el enemigo principal puede estar en tu trinchera o en el propio ser. Sin rumbo, en penumbras. Buena realización. Una película sencilla que sin mayores pretensiones logra más de lo pensado. Mi nombre es Joe TITULO ORIGINAL My Name is Joe 7.4/10 MB AÑO 1998 DURACIÓN 105 min. PAÍS DIRECTOR Ken Loach REPARTO Peter Mullan, Louise Goodall, Gary Lewis, David McKay, Anne Marie Kennedy, David Hayman, Lorraine McIntosh PRODUCTORA Coproducción GB-España-Alemania-Francia GÉNERO Y CRÍTICA Drama social SINOPSIS: Joe está en el paro. Alcohólico durante años, ahora ha conseguido dejar de beber y dedica buena parte del tiempo a entrenar al peor equipo de fútbol de Glasgow. Joe ayuda a una pareja de jóvenes drogadictos con un hijo, Liam y Sabine. En su casa conoce a Sarah, una asistenta social que se está ocupando de ellos. Joe y Sarah se enamoran apasionadamente, pero no les será nada fácil mantener esta relación en un mundo donde la vida cotidiana es realmente dura. "Excelente y durísimo Loach; vuelve a dar la enésima lección en cine de realismo social" "Tragedia con toques de comedia y ternura -con su novia, el robo de camisetas-, absolutamente redonda" Dura crítica a las consecuencias de la política thatcherista sobre los más desfavorecidos. Retorno del director británico Ken Loach al cine de crítica social de su país. La película obtuvo la Espiga de Oro en el Festival de Cine de Valladolid 1998 y su protagonista, Peter Mullan, el premio de interpretación en el Festival de Cannes. Este cineasta combativo, que sólo entiende el cine como vehículo de conocimiento y de compromiso, acierta a radiografiar con lucidez y sin dogmatismo los males de un sistema generador de injusticias. JOE QUIERE TRABAJAR, NO LE DEJAN; quiere amar, no sabe; quiere ayudar, no puede; quiere protestar, es castigado; quiere vivir, ... tiene que conformarse con sobrevivir malamente. Con los brazos abiertos, con el cubo de pintura blanca y la brocha, con una amplia e ilusionada sonrisa, ES EL RETRATO DE LA IMPOTENCIA, LA LIMITACIÓN, LA MARGINACIÓN, LA INJUSTICIA.
Historia de amor, llena de humor, pasión y peligro, MI NOMBRE ES JOE se rodó en el corazón de uno de los
barrios más desfavorecidos de la ciudad más poblada de Escocia: Glasgow.
Los dos personajes principales, Joe y Sarah, son dos seres vulnerables y al mismo tiempo firmemente
decididos a enfrentarse a las dificultades y presiones de la vida cotidiana, que lea dejan muy pocas opciones en sus
vidas. Los detalles de su historia reflejan la realidad del Glasgow de hoy, una sociedad dividida en la que la frágil
frontera entre la supervivencia y el desastre es a menudo una cuestión de suerte. Estas dos personas, procedentes de
dos ambientes distintos de Glasgow, ¿serán capaces de mantener su relación amorosa, llena de ternura y prudencia,
en su lucha permanente contra la droga, la prostitución y la violencia?.
El contexto de la historia de MI NOMBRE ES JOE ha sido estudiado muy de cerca, con la ayuda de asistentes
sociales, de personas que han conocido la droga y la prostitución y cuya experiencia ha contribuido a enriquecer el
guión. Paul Laverty, el guionista, dedicó meses a pasear por las calles de Glasgow, hablando con la gente. y
escuchando sus historias, antes de escribir ni una sola palabra. La realidad es que en una de las más avanzadas y
dinámicas ciudades de Europa, a muy poca distancia de las zonas de moda, hay núcleos que parecen haber salido de
alguna novela del siglo XIX, de Dickens o de Zola.
La radical visión política de Loach sigue firme e irrenunciable en MI NOMBRE ES JOE. "Todos esos problemas
se esfumarían si la gente tuviera trabajo", dice. "Los únicos empleos que existen son los que están ligados a la
pobreza: programas contra la droga, ayudas sociales, asesoría jurídica." Pero, como en todas sus películas, las vidas
y las emociones de los personajes ocupan un lugar central que atrae a cuantos las ven.
PREGUNTAS PARA EL DIÁLOGO
1. Describe cómo es el barrio donde vive Joe. ¿Qué es lo que más te ha llamado la atención al ver ese barrio de
Glasgow? ¿Qué está ocurriendo en los barrios obreros? ¿Por qué ocurre eso?
2. ¿Por qué Joe quiere ayudar a la gente de su barrio? ¿Qué le ha impulsado a ello?
3. ¿Puede Joe, por sí solo, ayudar a Liam y a Sabine? ¿En quiénes podría apoyarse? ¿Aparecen en el film
asociaciones o instituciones en los que podría haberse apoyado? ¿Qué tiene que ver todo esto con la llamada
“retirada del Estado en la cuestión social”?
4. ¿Qué es lo que pone en crisis a la relación de pareja que mantienen Joe y Sarah? ¿Cómo se comporta cada
uno de ellos ante ese conflicto?
5. En un momento dado, Joe le dice a Sarah: "Algunos no pueden ir a la poli, algunos no pueden pedir un crédito
en el banco, algunos no pueden cambiarse de casa y salir de aquí, ... algunos no pueden elegir". ¿Estás de
acuerdo con esto? ¿Por qué?
6. El cine de Loach se caracteriza por su compromiso político con la clase obrera... ¿En qué consiste la denuncia
social que hace Ken Loach con esta película? ¿Cómo se presentan la cuestiones del desempleo, las
toxicomanías y las políticas sociales?
"De la cárcel iba al albergue; en el albergue bebía; la bebida le llevaba a delinquir; y de nuevo a la cárcel."
(Joe, al comienzo del film)
Mi nombre es Khan
TÍTULO ORIG. My Name Is Khan 7.0/10 MB AÑO 2010 DURACIÓN 165 min. PAÍS DIRECTOR Karan Johar GUIÓN Shibani Bathija, Niranjan Iyengar REPARTO Shahrukh Khan, Kajol, Christopher B. Duncan, Steffany Huckaby. GÉNERO Romance. Drama | Drama romántico. Enfermedad. Terrorismo. 11-S. Discapacidad. Racismo SINOPSIS Rizwan Khan es un niño musulmán que se crió con su madre en el Borivali sección de Bombay en la India y que sufre de síndrome de Asperger. Ya como un adulto, Rizwan se enamora de una hindú madre soltera, Mandira (kajol) que vive en San Francisco. Después de los atentados del 9/11, Rizwan es detenido como sospechoso de terrorismo por la autoridades por la conducta sospechosa que tiene a razon de su discapacidad. Después de su arresto, él se reúne con Radha, un terapeuta que ayuda a superar los traumas vividos. Rizwan entonces comienza un viaje para encontrar y reunirse con el Presidente Barack Obama, a fin de limpiar su nombre. CRÍTICAS 'My name is Khan' pertenece a ese puñado de filmes hindúes sobre hindúes viviendo en la paranoica America post-9/11 y existe algo fascinante en contemplar este país a través de una lente de Bollywood, incluso cuando la historia es una especie de cuento de hadas. Hay una molesta tendencia al pasteleo y a la sensiblería. O tal vez sólo se trate de inocencia. Alegre perpetuación de ciertos estereotipos étnicos y su retrato del autismo, bienintencionado, aunque indocumentado y algo manipulador. Infinitas dosis de incredulidad acecharán al espectador ante el melifluo carrusel de maniqueísmos inmersos en Mi nombre es Khan La receta parece infalible, pero algo en su presentación, una grandilocuencia desmedida y un tufillo a los peores tics de Kevin Costner nos impiden relajarnos a gusto en la butaca.
¡Mi nombre es Khan y no soy un terrorista!
Primero de todo hay que saber que esta película no está en el grupo de películas mal-llamadas "Bollywood" y no es
ninguna copia de ninguna película americana, porque que yo sepa, los americanos no son los únicos que tienen
derecho a hacer una película donde el protagonista es autista. El "pasteleo" que algunos comentan es justificado
porque la inocencia que se muestra en la película, es precisamente porque el protagonista es un tipo inocente que no
entiende lo complejo que es el mundo por su síndrome de Asperger. Tal vez quien no sepa eso, tache la película de
una "historia de hadas", que no lo es, porque contiene muchos mensajes contundentes que quizás los pocos atentos
no vean, como el trato de los musulmanes en occidente después del 11-S y las consecuencias indirectas que ha
tenido. Mi Nombre Es Khan es una película que debería ver todo el mundo y que tiene un mensaje de paz y
humanidad que necesita mucho este mundo hoy en día.
Un respiro
Rizwan Khan (inmigrante indio, musulmán, autista, instalado en Banvilla) inicia un viaje para ver al presidente de
Estados Unidos y decirle que él no es un terrorista. Durante el viaje, va haciendo repaso de su vida en un cuaderno,
su infancia en Bombay, su familia, cómo llegó a América, las razones que le llevan a querer hablar con el presidente,
etc.
He de confesar que esta película me ha cautivado como ninguna otra en mucho tiempo. El verdadero hilo argumental
es el punto de vista de Khan, tan inteligente como cargado de inocencia, sobre la vida en general, y en particular
sobre algunos acontecimientos contemporáneos de sobra conocidos por todos nosotros (que al protagonista y a su
familia marcan sobremanera).
mohicano, En el nombre del Padre, La edad de la inocencia- es difícil de olvidar. Como ha señalado un
crítico, "en la pantalla no hay un actor que interpreta a un minusválido; hay un auténtico paralítico
mental". Lo dicho de Lewis es igualmente aplicable a Huhg O'Connor, el joven actor que da vida a
Christy de pequeño. Por su parte, Brenda Fricker se muestra deslumbrante en su papel de madre. Las
escenas en las que aparecen ella y Lewis tienen, gracias a sus interpretaciones, una enorme fuerza
dramática.
Lewis y Brenda Fricker recibieron el Oscar a los mejores actores de 1990. Además, fue
nominada a otros 3 Oscars, que no recibió: mejor película, director y guión adaptado.
Juan Jesús de Cózar
CUESTIONARIO
1. ¿Qué temas familiares nos ofrece la película para el coloquio? Características del padre y de la
madre.
2. ¿Cuál es la actitud de los padres ante el número de hijos? Naturalidad. No lo ven como causa de
lo que les pasa.
3. ¿Cuál es la actitud de los miembros de la familia ante el hijo-hermano enfermo? Fijarse en la
aceptación por parte del padre, de la madre y de los hermanos.
4. ¿Sabe educar la madre?. (En realidad está siempre educando). Papel de la madre en la
educación. La madre no sustituye el hijo. No le compadece: le quiere y por eso le exige para que se
supere. La madre le aumenta la autoestima y le eleva el concepto de sí mismo. Simbiosis madre-hijo.
Hay que educar siempre, aún sin esperanza. La madre tiene fe en el hijo y le enseña a luchar y a vencer
("Yo no me rindo"). Necesidad de la estimulación: le hace la habitación para que pinte.
5. Influencia del tono de voz en la educación.
6. ¿Es cierto que un niño siempre está aprendiendo, aunque no lo parezca? (En la película se ven
los progresos del niño, aunque todos -salvo la madre- piensan que no entiende: "yo siempre le he
entendido")
7. ¿Sabe educar el padre? (Tiene un corazón de oro a pesar de su brusquedad). El adolescente
necesita la autoridad para sentirse seguro.
8. ¿Cómo valorar la actitud formativa y educativa del sacerdote? Debe formar en lo positivo, en el
amor y no en el temor. (Aquí aparece una velada crítica a la Iglesia).
9. ¿Cómo es el trato de la mujer con su marido? ("Vete a tomar una cerveza"; "dejad a vuestro
padre que gane; lo necesita"). Le respeta y no le deja en mal lugar; no permite que se le humille;
también para sentirse ella segura.
10. Educación sexual. No aparece que la hagan los padres (estamos en los años 30-40). Escena de
la revista.
11. Enseñanza religiosa. Papel de los padres en este aspecto de la educación.
12. Necesidad del humor en la familia, sobre todo en los momentos de tensión (escena de las
gachas).
13. Causas del embarazo de la hija. Reacción de la madre (no pone el grito en el cielo); reacción
del padre (lo siente por él, por su orgullo herido). ¿Se debe aconsejar el matrimonio? ¿Qué consejos se
deben dar en estos casos?
14. Felicidad y pobreza; felicidad y número de hijos; número de hijos y dinero: importancia del
dinero como medio educativo. No hay quejas. Se ahorra.
15. La parálisis no afecta a la inteligencia. Peligro de la inadaptación de Christy. Peligro al sufrir
decepciones en la vida social, afectiva y familiar. No se le puede considerar normal en el aspecto
profesional. La enfermera sí elige vivir con él, después de valorar la situación: así sí es posible el amor
entre ellos. Juan Jesús de Cózar.
Mi querido Frankie TÍTULO ORIG. Dear Frankie 7.1/10 MB AÑO 2004 DURACIÓN 102 min. PAÍS DIRECTOR Shona Auerbach REPARTO Emily Mortimer, Jack Mcelhone, Gerard Butler, Mary Riggans, Sharon Small, Sophie Main, Katy Murphy, Sean Brown, Jayd Johnson SINOPSIS Historia de un niño de nueve años llamado Frankie (Jack Mcelhone) y de su madre, Lizzie (Emily Mortimer), que siempre están moviéndose de un lugar para otro. Como no quiere contarle a su hijo la verdad, Lizzie se ha inventado una historia para satisfacer la curiosidad del pequeño Frankie. Cada cierto tiempo manda una carta a Frankie de su supuesto padre, que está embarcado en un navío viajando a tierras lejanas. CRÍTICAS Construida con astucia, con escrupulosidad y con un enorme cariño por sus personajes, incluso por los más negativos, a los que siempre se les intenta encontrar una defensa, una motivación, huyendo así del estereotipo. Lástima que el segundo final del filme venga un tanto forzado. Una de esas pequeñas películas que desmienten la presunta crisis del cine europeo. Enfoque sobrio y directo que le permite llegar al fondo emocional de la historia sin necesidad de excitarnos el lagrimal. No es que la película carezca de clímax, sino que llega a él por medios nobles.
Una bonita historia, muy bien fotografiada, y de cuyo sentimentalismo no se abusa en la interpretación pero sí en el argumento. Mi Socio Título: Mi Socio MB País: Bolivia Dirección: Paolo Agazzi Año: 1982 Duración: 85 min. Intérpretes: David Santalla (Vito) y Gerardo Suárez (Brillo) “Mi Socio” se constituyó en el primer Road Movie boliviano y en uno de los filmes de mayor éxito de público en Bolivia. Protagonizada por David Santalla y Gerardo Suárez, la película narra de forma amena y divertida las aventuras de un camionero “colla” –occidente de Bolivia– Vito (David Santalla), y un niño “camba” –oriente de Bolivia– Brillo (Gerardo Suárez) en su trayecto entre Santa Cruz y La Paz. Dos culturas diferentes van atravesando en el trayecto desde la desconfianza y la intolerancia hacia la comprensión y la integración, en un país multicultural y plurilingüe confundido en su identidad. “Mi Socio” es el nombre del camión… Mi vida TITULO ORIGINAL My Life 5.9/10 MB AÑO 1993 DURACIÓN 114 min. PAÍS DIRECTOR Bruce Joel Rubin GUIÓN Bruce Joel Rubin REPARTO Michael Keaton, Nicole Kidman, Bradley Whitford, Haing S. Ngor, Richard Schiff, Michael Constantine, Queen Latifah GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Enfermedad / SINOPSIS: Bob Jones es un ejecutivo de éxito al que la vida le va a poner a prueba. Casado con Gail, la felicidad le llega con la noticia del próximo nacimiento de su primer hijo. Pero la alegría se tornará en tristeza cuando, tras unas pruebas médicas, le comunican que padece una grave enfermedad y que quizá no podrá llegar a conocer a su hijo. "Cinta de desarrollo lúcido e interpretaciones sentidas firmadas por un guionista en labores de debutante"
Temas: Ante la propia muerte. Sentido de la vida. Muerte y reconciliación. Muerte-paternidad-maternidad. Cuerpo y
alma.
Cuando nos desprendemos de los “egos”, la reconciliación se va haciendo más fácil.
El tema central de la resurrección nos permite detectar muchos ejemplos cinematográficos que no se ajustan al
sentido cristiano de la resurrección. Entre muchos podemos citar Más allá de los sueños (What Dreams May Come,
1998)) de Vicent Ward, Mi vida (My Life, 1993) de Bruce Joel Rubin o Gattaca (1997) de Andrew Niccol como
exponentes de visiones reencarnacionistas y tendencias panteístas.
INCRUSTACIONES REENCARNACIONISTAS
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. La visita al sr. Hu
(Especialmente significativa es la llegada al sr. Hu, por invitación de su mujer que aquí hace de guía-compañera.
Aparecen unas palomas y un espacio vacío donde el tiempo parece detenerse, todo nos coloca en un territorio
sobrenatural) (La petición de Bob como punto de partida: “Quiero que sepa que lo que necesito es un milagro”)
(Hay un momento en que el protagonista a través del contacto con las manos del Dr. entra en una especie de
trance. Aparece un fundido en blanco y luces poderosas. Se despierta desconcertado)
Hu ¿Quiere llevarse el dolor a su próxima vida?
Bob ¿Mi próxima vida?
Hu El último segundo de su vida es el momento más importante de todos. Es todo cuanto es, cuanto ha dicho, cuanto
ha pensado. Todo en uno. Es la semilla de su próxima vida. Hasta ese último momento, le queda tiempo. Puede
cambiarlo todo. Libérese de sus miedos, libérese de su ira.
Bob De ira nada ¿vale? (Sale rápidamente tirando de su mujer)
Bob Y no paraba de hablarme de mi ira. Estúpido cabrón.
Gail ¿Y qué más te ha dicho?
Bob Que no tenía fe. Gilipolleces. Que la vida siempre intenta hablarme. Que me envía invitaciones. Me gustaría
saber a qué me ha invitado la vida…
Gail Tienes una para la boda de tu hermano.
Escena 2. Con un amigo en la sauna
Amigo ¿La reencarnación?
Bob ¿Tú crees en ella?
Amigo No lo sé. Pensándolo bien diría que sí ¿por qué?
Bob Últimamente he pensado en ella.
Amigo ¿Pensado en qué? Vamos a ver, ganas 250.000 al año ¿no? Eres un privilegiado. Olvida la vida futuro y goza
de ésta.
Bob Pero nunca se te ha ocurrido pensa ¿qué es todo esto? ¿por qué estás aquí? ¿Nunca lo piensas?
GÉNERO Y CRÍTICA 1998: Globo de oro: mejor película extranjera. European Film Awards: mejor guión. Nominada a mejor película extranjera 1998 / Drama / Aclamada película que cuenta la historia de un niño que se creía una niña. "Triste e inteligente historia" Temas: Incomprensión familiar y social de un niño que quiere ser niña; los prejuicios y la presión del grupo de iguales; autoestima, búsqueda y encuentro de sí mismo; la comunicación familiar; educación sexual;la igualdad de oportunidades.
Ludovic tiene siete años y le gusta vestirse con ropa de mujer. Sus padres se van inquietando cuando lo que
consideran un juego parece ser más serio para el muchacho, que habla de convertirse en mujer cuando sea mayor y
de casarse con otro niño del vecindario. La extravagancia del pequeño empezará a causarle problemas a él y a toda
su familia.
Si ya temas como homosexualidad o transexualidad resultan controvertidos por sí, no digamos cuando
hablamos de menores de edad. La vida sexual no existe legalmente antes de los 18 años y sigue perdurando la idea
de que cualquier información que se les de a los menores acerca de sexualidad equivale a una propaganda que
puede alterar incluso la orientación sexual del pequeño. De la misma forma no se ve como algo natural que un niño se
haga preguntas acerca de su identidad sexual; Ludovic está a los siete años de edad rotundamente convencido de
que es una niña y sus genitales masculinos son sólo fruto de un error que sueña con que se podrá reparar fácilmente
cuando crezca. Muchos transexuales declaran que desde muy pequeños se sintieron siempre del otro sexo; no
obstante, todos tendemos a filtrar los recuerdos de la infancia y darles mayor o menor relevancia en función de lo que
somos o nos consideramos cuando llegamos a la edad adulta, además de que hasta hace poco sólo se admitía la
transexualidad cuando iba acompañada de una operación quirúrgica y se exigía al transexual para reconocer su
condición que respondiera a ese perfil de haberse sentido desde siempre en un cuerpo equivocado, por lo que tal vez
muchos transexuales digan lo que se espera de ellos, que tal vez no responda exactamente a la verdad acerca de lo
que pensaban y sentían en su infancia.
Si es más bien difícil saber si se dan en la realidad casos como el que presenta la película de niños que dicen
tener claro que son mujeres a una tierna edad, es todavía más complicado el interpretar este hecho de forma
adecuada. ¿El niño está pasando por una fase temporal de confusión o realmente será un transexual en su vida
adulta? De hecho el caso contrario, de una niña que durante una época prefiriera vestirse con ropa de niño y no se
sintiera muy contenta con su sexo, sería una fuente mucho menor de preocupaciones para sus padres, que no darían
automáticamente por hecho que la niña es lesbiana o transexual, mientras que en un varón cualquier desviación del
rol asignado a su sexo se considera un síntoma de homo o transexualidad.
El gran acierto de la película es alternar las luces y las sombras, no plantear una situación idílica e irreal en la
que ser diferente no supusiera ningún problema ni tampoco cargar las tintas en exceso mostrando la vida de quien es
distinto como una sucesión de calamidades y sufrimientos sin esperanza posible, como hace el film recientemente
estrenado XXY. Los padres de Ludovic no son ni héroes ni monstruos; el resto de su entorno, un barrio burgués y
conservador, si se muestra de forma más maniquea como hipócrita y represor. De hecho, cuando la costumbre del
pequeño de vestirse de mujer provoca su expulsión del colegio, la película no aclara si se trata de una escuela pública
o privada de carácter religioso. En el primer caso, esta discriminación no resultaría creíble.
Otro punto fuerte de Mi vida en rosa es que muestra que son los adultos los que provocan que los niños
perciban a otros o se perciban a sí mismos como diferentes y rechacen estas diferencias. Lo que para los pequeños
sólo es un juego es motivo de escándalo para los mayores; sus hijos no tardarán en imitar su conducta y ser
intolerantes.
La historia es excelente, está muy bien contada. La interpretación, la propia evolución de la película, estupendas. Expone el tema de una forma, que cualquier persona, sea de la ideología que sea, puede sentir ablandado su corazón ante la realidad que se muestra. Mi vida sin mí TITULO ORIGINAL Mi vida sin mí (My Life Without Me) 7.8/10 MB AÑO 2003 DURACIÓN 106 min. PAÍS DIRECTOR Isabel Coixet GUIÓN Isabel Coixet (Cuento: Nancy Kinkaid) REPARTO Sarah Polley, Mark Ruffalo, Amanda Plummer, Scott Speedman, Leonor Watling, Deborah Harry, María de Medeiros, Alfred Molina GÉNERO Y CRÍTICA Drama / SINOPSIS: Ann tiene 23 años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo en paro que trabajando, una madre que odia al mundo, un padre que lleva 10 años en la cárcel, un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día... Vive en una caravana en el jardín de su madre, a las afueras de Vancouver. Esta existencia gris cambia completamente tras un reconocimiento médico. Desde ese día, paradójicamente, Ann descubre el placer de vivir, guiada por un impulso vital: completar una lista de "cosas por hacer antes de morir". Por las venas de los adictos al cine corre un líquido rojo y espeso: se llama curiosidad. Como en la vida, el espectador acude a un encuentro, cargado de preguntas, intentando resolver ciertos misterios de la existencia y los sentimientos. "Mi vida sin mí" es una invasión de respuestas. Conmovedora hasta el aliento, hermosísima de principio a fin, la historia de esta joven que exprime la vida ocultando al mundo su destino es un deslumbrante ejercicio de sutileza, un impagable despliegue de emociones sin parangón en el cine reciente. Puede
que no sea un film perfecto, pero la cámara de Coixet y la actuación de Polley -la mejor interpretación femenina que este cronista ha visto en años- consiguen una intensidad y un realismo que traspasa el tiempo e inunda el corazón... y tan grabada queda que su recuerdo se hace melancólicamente imprescindible. (Pablo Kurt) "Coixet seduce y hace llorar (...) palabras e imágenes se complementan fraternalmente, te meten dentro, te solidarizan con el hermoso ritual de una despedida tan realista como poética, tan lúcida como emotiva. 'Mi vida sin Mí' regala ozono, supone un acto de afirmación en la puta vida." (Carlos Boyero: Diario El Mundo) "Bello y conmovedor melodrama (...) los intérpretes son más que una decena de magníficos rostros, son un todo, un prodigio de unidad colectiva, de delicada interacción." "Isabel Coixet evita los elementos más sensibleros para convertirla en una historia genuinamente emotiva e inspiradora (...) La delicadeza con que está llevada y la maravillosa actuación de la protagonista aseguran el éxito más allá de cualquier perspectiva" "Pertenece a ese tipo de historias que nunca se olvidan y que deberíamos recomendarnos a nosotros mismos y a nuestros seres queridos. Ayuda a entender el misterio de la vida. La vida absurda, la vida breve, la vida aparcada en la roulotte de los sueños."
Temas: Ante la propia muerte. Sentido de la vida. Muerte y paternidad-maternidad. Vivos y muertos. Muerte y
reconciliación.
Es la historia de una joven madre, Ann, que tiene veintitrés años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo en paro que trabajando pero que es un buen hombre, que quiere a su mujer y a sus hijas. Una madre que odia al mundo, es una mujer gris, amarga y solitaria. El mundo no ha sido muy justo con ella, lo que le influye para ver la vida de forma pesimista. Un padre que lleva diez años en la cárcel. Un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante el día… Vive en una caravana en el jardín de su madre, a las afueras de Vancouver. Esta existencia gris cambia completamente tras un reconocimiento médico. Desde ese día, paradójicamente, Ann descubre el placer de vivir. Ante la inminencia de su muerte anunciada opta por no despedirse de la vida, sino abrirse a los capítulos hasta entonces no explorados de su existencia. Se escribe una lista de las cosas que no quiere dejar de hacer antes de morir, desde visitar a su padre en la cárcel o tener sexo con alguien que no sea su esposo y se lanza a lo que otros descartarían: vivir. La protagonista demuestra en todo momento un autocontrol de sus emociones y sentimientos ya que decide ocultar el fatal desenlace que no tardará en producirse así como una muestra de valentía y adaptación ante la nueva situación que le ha tocado vivir y que le aportará nuevas experiencias.
REZAR SIN SABER A QUIEN
SELECCIÓN DE SECUENCIAS
Escena 1. La lluvia
(Exterior patio, es de día. Lluvia. Alguien, una chica, una mujer, se descalza con decisión. Pies descalzos firmemente
aposentados en la hierba mojada. Manos sobre las que se desliza el agua pestañas vencidas por el peso de las
gotas) (Cejas, rodillas, pelo, labios, espalda, nariz… Una voz)
Ann (off) Esta eres tú. Con los ojos cerrados, bajo la lluvia. Nunca pensaste que estarías así, nunca te viste, cómo lo
dirías… como…, como esas personas que disfrutan mirando la luna, que se pasan mirando las olas o los
atardeceres o, o el viento en los sauces, supongo que sabes de que clase de personas hablo, a lo mejor no. Pero
resulta que te gusta estar así, pelándote de frío, notando como el agua traspasa tu chaqueta, te llega a la piel.Y el
olor. Y el tacto de la tierra que se ablanda. Y el sonido del agua chocando contra las hojas. Todas las cosas de las
que hablan los libros que no has leído.Esta eres tú, quien iba a pensarlo. Tú. (Unos ojos vivos, hambrientos se
abren. Deja de llover)
(TITULOS) (Los títulos transcurren sobre imágenes de un grupo de mujeres y hombres que limpian una universidad
vacía. Es de noche. Los vemos vaciando papeleras abrillantando el suelo, despegando chicles, pasando un spray
por las mesas, barriendo, canturreando al fondo de un largo pasillo despoblado… la universidad vacía tan sólo
iluminada por los fluorescentes de seguridad tiene algo de submarino fantasma) (Una de estas personas es Ann,
la chica que hemos entrevisto empapándose en la secuencia 0, que se dedica a fregar con vigor los cristales de la
biblioteca. Parece muy concentrada en ellos, como si en vez de sacar brillo, estuviera cincelando una escultura.
Lleva unos jeans debajo de la bata de trabajo y unos auriculares puestos. Oímos lo que ella oye: un audiobook
que narra un fragmento de Barbara Cartland) (Ahora estamos en un cuarto de baño enorme que se abre ante
nosotros con veinte puertas cerradas. Oímos a alguien vomitar. Los regüeldos del vómito superan las palabras
almibaradas de la abuelastra de Lady Di. Ann sale con el rostro descompuesto del baño. Agua fría por la cara.
Papel de esos que dejan las mejillas enrojecidas. Mirada al espejo)
Ann (off) ¿Quién soy?, ¿Adónde voy?, ¿cuánto tiempo hace que no formulo un deseo?, ¿habrá suficiente leche para
el desayuno de las niñas?
Escena 2. La noticia
(Sala hospital es de día. Ann está sentada en el mismo asiento. Aparece el doctor Thompson y se sienta a su lado.
Lleva diversos papeles en la mano)
Thompson Ann, ¿sabes si tu madre ha recogido a los niños?
Ann Sí… acabo de hablar con ella. Todo está bien…
Thompson ¿Su marido vive con ustedes?
Ann Sí… Es… Construye piscinas… Hoy estaba afuera todo el día…
Thompson ¿Y usted trabaja en la universidad?
Ann Limpio la universidad. Por la noche.
Thompso n Tiene veintitrés años…
Ann Sí…, en diciembre cumplo veinticuatro… soy acuario… ¿Y usted? ¿Qué signo tiene? ¿Qué coño me pasa?
