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LITERATURA

COMPARADA

Laura Fernández Serrano

Musicologia UAB

ÍNDICE

• 1. Weltanschauung
  • 1.1 Idealismo de la libertad
• 2. El arte como herramienta total
  • 2.2 Industria Cultural
  • 2.3 Vivir del arte
• 3. Literatura
  • 3.1 El canon literario y la no-literatura
  • 3.2 Teoría de la literatura y de las artes
    • 3.2.1 Estética: fondo y forma
    • 3.2.2 Formalismo
    • 3.2.3 Estructuralismo
    • 3.2.4 Desconstrucción
    • 3.2.5 Semiótica y Hermenéutica
  • 3.3 Literatura comparada
    • 3.3.1 La importancia de la transdisciplinariedad
  • 3.4 Literatura y mercado
• 4. Estudios Culturales
• 5. La era digital
  • 5.1 Afectaciones de la era digital en el arte
• 6. La importancia del arte en la sociedad
• 7. Conclusión de la asignatura
• 8. Webgrafía y Bibliografía

2. EL ARTE COMO HERRAMIENTA TOTAL

Es muy complicado dar una definición exacta a arte, de hecho durante la historia se han dado miles de definiciones por parte de muchos pensadores, pero si hacemos una búsqueda por internet nos lo define como “ actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido”, una definición más que cuestionable pero el arte también es, como hemos comentado anteriormente, una gran herramienta para, de alguna manera, influenciar en la población de la manera que cada artista quiera. Muchas veces se entiende el arte como algo puro y únicamente influenciado por el corazón y los sentimientos de cada artista, pero lo cierto es que para lograr su papel de herramienta tiene un enfoque totalmente comercial y manipulador.

2.2 Industria Cultural

El concepto industria cultural fue desarrollado por Theodor Adorno y Max Horkheimer, este término hace referencia a un conjunto de sectores económicos encargados de la creación, producción, exhibición, distribución y difusión de bienes culturales, tales como el arte, el entretenimiento, el diseño, la arquitectura, etc. De las industrias culturales proviene el fenómeno conocido como cultura de masas. Este fenómeno sería algo similar a la economía cultural, que es el estudio del comportamiento de diversos agentes en relación al consumo de bienes y a la producción cultural. Del mismo modo, la industria cultural está íntimamente relacionada con las políticas que mandan en los estados en torno a su economía de la cultura. Un ejemplo de cómo la política de un país puede influir en el arte que se consume podría ser durante la Unión Soviética, que todo aquello cultural que se consumía tenía que cumplir una serie de requisitos, en este caso, los que se adaptaran a la ideología del gobernador. Con las definiciones de estos términos y la existencia de una industria cultural vemos como una parte de la población, con un cierto nivel económico, ve en el arte un negocio más que una actividad artística o estética con la que expresar unos sentimientos.

Las empresas que se dedican a esta negociación del arte tienen sus propios estudios para determinar qué tipo de objeto artístico puede funcionar mejor de forma económica, se basan principalmente en diferentes valores expresivos, como serían: el valor estético, el valor espiritual, el valor de autenticidad, el valor simbólico o histórico y el valor social. Todos estos valores se aplican haciendo un gran estudio de la sociedad, sobre cuáles son sus intereses y sus principales objetos de consumo, así consiguen un mayor beneficio económico y llenan un supuesto vacío en el consumidor que nos hacen creer que tenemos. Podríamos hablar de una comercialización de la creatividad, no solo por parte de las grandes empresas, sino de aquellos artistas que se dejan vender por dinero y su arte se convierte en algo meramente comercial, hecho para vender y esto nos puede llevar a una banalización de la cultura que para algunos ya estamos viviendo. Mario Vargas Llosa, un escritor peruano, nos habla en la revista Semana sobre una civilización del espectáculo, una sociedad que valora más el entretenimiento que la sinceridad por la necesidad de escapar de la realidad, nos dice: "La vida no es solo diversión, también drama, dolor, misterio y frustración".

2.3 Vivir del arte

Cada vez hay más artistas en nuestra sociedad, y la mayoría desearían poder vivir de los ingresos que su arte puede generar, pero como hemos visto anteriormente, en un mundo gobernado por las empresas y el dinero es muy complicado vivir de tu arte si no entra dentro de los requisitos de la demanda de la sociedad. Es muy importante que como artista aprendas a administrar y autogestionar todo aquello que tiene que ver con la venta de tu producto, siendo siempre fiel a tus principios y sin dejarte llevar por las estrategias de venta de la industria cultural. De todas formas y con la llegada de las redes sociales, hoy más que nunca hay muchas más oportunidades para conseguir triunfar con el arte, ya que puede llegar a todas partes del mundo y de forma muy rápida. Después de esta introducción a un arte en su aspecto económico vamos a centrarnos precisamente en la literatura, que es lo que caracteriza esta asignatura, y no solo

3.2 Teoría de la literatura y las artes

La teoría literaria o teoría de la literatura es la disciplina general, constructiva, descriptiva y teorética, que estudia la Literatura. Es definible como la serie de principios, normas y saberes acerca de qué es y cómo se construye la literatura y constituye el criterio teórico junto a la historia de la literatura y el aplicativo de la crítica literaria. La teoría de la literatura en general es parte de la filología en su aspecto amplio y relativo a la elaboración de la obra verbal, y por otra parte se vincula de manera natural con la hermenéutica y la estética, de las que hablaremos más tarde. 3.2.1 Estética: fondos y formas La estética es la rama de la filosofía que estudia la esencia y la percepción de la belleza y el arte. Algunos autores definen la estética de manera más amplia, como el estudio de las experiencias estéticas y los juicios estéticos en general, y no solo los relativos a la belleza. Cuando juzgamos cualquier objeto, sea artístico o no, estamos realizando juicios estéticos que a su vez expresan experiencias estéticas. Antes de hablar sobre la estética quiero introducir los conceptos de fondo y forma en relación a un objeto artístico. Por ejemplo en una obra musical, la forma sería la percepción de la partitura según cada uno y el fondo sería la forma una vez interpretada, es decir, el mensaje de esa obra que solo percibimos cuando es interpretada. Si se modifica la forma cambia el fondo, por lo tanto, son dos elementos que dependen el uno del otro y muy frágiles, ya que un cambio de forma o de fondo puede cambiar las concepciones de ese objeto artístico o no artístico en la sociedad. Así, entendiendo que todo lo que percibimos en el mundo es frágil y subjetivo introducimos la fenomenología de la percepción. La fenomenología de la percepción es el título de un libro de Maurice Merleau-Ponthy, un filósofo francés, publicado en el año 1945. El libro es una crítica tanto del empirismo como del idealismo, apuntando hacia una forma de realismo. En general cada ser humano tiene una idea errónea de las percepciones, no vemos todo lo que nos rodea, es una realidad agujereada que el cerebro llena por semejanza o experiencia pasada, por lo tanto, la percepción no es objetiva.

Un ejemplo puesto en clase sobre esta subjetividad de la percepción es sobre un etnógrafo que fue a Paraguay a observar a unas tribus y se fijó en que los colores que veía él mismo no eran los mismos que veían ellos, el fondo y la forma del color eran los mismos, pero no lo percibían de la misma forma en algunos aspectos. Pensamos que el mundo genera una serie de signos que nosotros percibimos y creamos una experiencia de él, concebimos esto como un proceso lineal pero no es así, ya que las experiencias de cada uno son totalmente subjetivas de ahí aparecen las experiencias estéticas y la propia estética. Como hemos dicho anteriormente, la estética es la disciplina filosófica que estudia las condiciones de lo bello en el arte y en la naturaleza. Una experiencia estética es una vivencia que tiene una persona sobre lo bello mediante sentimientos y emociones estéticas. Se traduce como el agrado que produce la percepción de las formas estéticas, como la naturaleza o las obras de arte. Para que se produzca esa experiencia estética es necesario un cambio de perspectiva en la manera de contemplar las cosas, tienes que adoptar lo que se llama “actitud estética”. Esta actitud se basa en no interesarse por la utilidad de un objeto o por su “bondad” moral o por su nivel de intelectualidad sino por percibir esa cosa tal como es y sin deseo de posesión, simplemente disfrutando de los sentimientos que te provoca. El problema de esta actitud es el momento en el cual te planteas cuándo se reconoce un objeto como bello, ya que es algo muy subjetivo como hemos dicho antes pero el criterio que usamos en la sociedad para determinar cuando algo es bello o no es el cánon de belleza. La experiencia estética también puede utilizarse para vivir una experiencia como si fuera real utilizando la ficción. Existe la ficción pero no las experiencias ficcionales, sino que a veces buscamos objetos ficticios para recibir experiencias estéticas, para sentirnos plenos de alguna forma, por ejemplo leyendo libros sobre ciencia ficción o viendo películas de ese mismo género. Por lo tanto, en conclusión vemos que, un objeto tiene su forma y su fondo y estos se retroalimentan entre ellos, pero a la vez son subjetivos para nosotros, ya que las percepciones son subjetivas. Estas percepciones, basadas en la estética del objeto, crean unas experiencias estéticas en nosotros que son también subjetivas pero creo, que aunque

nos dice que aquello que recibes de las academias es material ya acumulado y existente pero que se adapta a aquello que quiere referirse la persona, dando a entender que los temas son siempre los mismos pero se reciclan. En conclusión, es cierto que muchas obras pueden tener elementos similares a otras o tener partes exactas pero no provocan la misma sensación en el oyente, por lo tanto, aunque estemos hablando de una misma forma el fondo sí que cambia. 3.2.3 Estructuralismo El estructuralismo es una manera de concebir el mundo y el arte que busca las estructuras a través de las cuales se produce el significado dentro de una cultura. De acuerdo con esta teoría, el significado es producido y reproducido a través de varias prácticas y actividades que sirven como sistemas de significación. Cuando el estructuralismo se extiende a la literatura hace los siguientes aportes a la poética del texto: su procedimiento permite adelantar un estudio científico de la obra con independencia de la historia y crítica. «I nterpretar una obra, literaria o no, por sí misma y en sí misma, sin abandonarla ni por un instante, sin proyectarla fuera de sí misma, esto en cierto sentido es imposible. » (Tzvetan Todorov (1965), «Definición de la poética»), en esta cita Todorov nos refleja esa independencia del contexto, nos argumenta que es imposible interpretar un objeto artístico teniendo en cuenta todos los factores que le rodean, como el contexto, sino que a veces hay que alejarse de eso y centrarse en el significado por la estructura. Existen varias categorías de análisis: el significante, significado, relaciones sintagmáticas y paradigmáticas. Este movimiento acabó desconstruyéndose para “reparar” algunos fallos. Sus más importantes pensadores transitaron en los años sesenta hacia el postestructuralismo sin que ello deba entenderse como una traición sino como una acentuación de las premisas estructuralistas como también una revisión crítica de sus propias limitaciones.

3.2.4 Desconstrucción La deconstrucción es un enfoque utilizado para comprender la relación entre texto y significado. Fue originado por el filósofo Jacques Derrida. Pone el énfasis en la apariencia, o sugiere, al menos, que la esencia se encuentra en la apariencia. Schopenhauer en su libro “El mundo como voluntad y representación” nos explica que el mundo es una representación que nuestra voluntad construye a través de nuestra fuerza de deseo y si perdemos la voluntad el mundo se cae. Antes de este enfoque la sociedad estaba dividida en su estructura y su sistema. En la estructura encontramos un centro con nuestra presencia que necesita ser orientado, para eso nos equilibramos social y mentalmente y organizamos una coherencia, a partir de aquí fundamos un sistema, que de forma inconsciente está basado en la contradicción, el deseo y nuestros intereses individuales. En la actualidad y a partir de la desconstrucción podemos notar una desmoronización de esta estructura y sistema de la sociedad que llevan a la modernidad y la postmodernidad. La postmodernidad ayudó a desconstruir el mundo que había entonces con muchas más aceptaciones de libertades sexuales, identitarias…Por otra parte ha creado una sociedad fragmentada, descentrada y con un gran nivel de indiferencia cosa que ha llevado a un número muy grande de trastornos en la sociedad. 3.2.5 Semiótica y Hermenéutica La semiótica es la disciplina científica que se encarga de estudiar los signos y las formas en que se construye y se transmite el sentido durante la comunicación. Forma parte de las teorías de lenguaje, donde el signo se define como la unidad mínima de una oración. Es muy importante estudiar los signos de las obras artísticas ya que puede que los conocimientos del emisor y del receptor no sean los mismos y no acabar de entender el lenguaje que se está usando: « La competencia del destinatario no coincide necesariamente con la del emisor.[...] Los códigos del destinatario pueden diferir, totalmente o en parte, de los códigos del emisor. » (Umberto ECO (1979), «El Lector Modelo»).

Por eso es una de las disciplinas más importantes de su campo, porque nos ayuda a tener una visión mucho más abierta sobre algunos objetos artísticos descentrándonos de lo nuestro y lo que tenemos cerca y enseñándonos todo lo universal y comparándolo a la vez con lo local. Aun así esta disciplina tiene sus complicaciones en las coordenadas de lo temporal y lo espacial, porque efectivamente si nos vamos a otra cultura totalmente diferente a la nuestra hay que tener las herramientas necesarias para poder entender ese arte y llegar a compararlo y también que a medida que avanza la historia todo va cambiando incluso los géneros literarios y la forma de interpretarlos en general. 3.3.1 La importancia de la transdisciplinariedad La transdisciplinariedad es un esquema cognitivo que permite "atravesar" las disciplinas (Morin, 1984), o el espacio entre dos dimensiones donde se evidencia un constante flujo de información, según lo entiende Nicolescu, pero que no se ocupa de los métodos. En palabras sencillas, la transdisciplinariedad en el arte es cuando un objeto artístico reúne todos los ámbitos artísticos , por otro lado, que la metodología para analizar un objeto artístico se basa en más de una práctica. También existe la multidisciplinariedad que serían diferentes disciplinas en un tema, la interdisciplinariedad que es cuando las disciplinas se cruzan entre ellas y la transdisciplinariedad. La literatura comparada es una disciplina transdisciplinar, ya que, como hemos comentado antes, se basa en comparar objetos de estudio de muchísimos ámbitos diferentes, ya sea la literatura con la música, la poesía con la pintura…Creo que es un fenómeno muy interesante y enriquecedor para ganar más conocimiento y para ser más conscientes del porqué de lo analizado y de la cantidad de relaciones artísticas que existen sin darnos cuenta.

3.4 Literatura y mercado

En el inicio del trabajo hemos estado hablando de la industria del arte y ahora lo ejemplificaremos en la literatura. El mercado de la literatura ha cambiado drásticamente en los últimos años, sobre todo con la aparición de los ebooks o las aplicaciones como Kindle también con la creación del escritor-emprendedor, ya no tienes por qué ser alguien reconocido, con dinero y con una editorial, puedes publicar tus libros en internet y ser recompensado. Pero aparte de las consecuencias de los cambios tecnológicos ha ocurrido una estratificación del público y una diferenciación entre literatura de élite y literatura baja y el público high-brows y low-brows. Dwight Mcdonald en los años cincuenta añadió los middle-brows : “ [...] Dwigth MacDonald sintió la necesidad de añadir [...] un término intermedio [...] para denunciar un efecto de desgaste en aquella diferenciación y la presencia siempre más fuerte de un tipo medio de lector [...]. ” (Ceserani, 2004. “Introducción a los Estudios Literarios). Se atribuyen unas obras o unos autores concretos a la capacidad intelectual de una persona, mientras que si lees libros o autores considerados minoritarios perteneces a un escalón más bajo que los anteriores y esto me parece algo muy peligroso. Surgieron de aquí las palabras kitsch y cult. Kitsch como algo artístico considerado cursi y de menos nivel, y cult obras inteligentes para círculos intelectuales. El mercado y las empresas también se encargan de hacer un tedioso estudio de la sociedad para saber que tipo de género literario gusta más a, por ejemplo, los niños, los hombres y las mujeres. De esta manera pueden apostar por libros de temáticas concretas para así generar más dinero, tratan la literatura como un negocio más que un arte.

4. ESTUDIOS CULTURALES

Los estudios culturales son un campo de investigación interdisciplinario que explora las formas de producción o creación de significados y de difusión de estos en las sociedades actuales. El ámbito de los estudios culturales combina la economía política, la comunicación, la historia, la sociología, la teoría social… en las diversas sociedades. Los investigadores de

De esta manera podemos ver como todo cambio y toda era trae consigo efectos negativos y positivos de igual manera, está en nuestras manos no dejarnos controlar por esta tecnología y seguir siendo una sociedad capaz de vivir sin eso.

5.1 Afectaciones de la era digital en el arte

Como hemos comentado el arte se ha visto muy influenciado por algunos cambios tecnológicos y el nacimiento de internet, a continuación veremos algunos cambios. El artista contemporáneo El hecho de que hoy en día la sociedad esté tan conectada y tengamos la información tan a mano de forma directa hace que los artistas de hoy en día puedan publicar su arte en las redes sociales y llegue prácticamente a todo el mundo. De esta manera no tienen que hacer largos procesos para darse a conocer, con una simple publicación pueden convertirse en artistas del momento y ganarse la vida con ello. Esto tiene sus puntos buenos y malos, los buenos ya los hemos comentado y un punto malo sería, por ejemplo, tener que autogestionar todo tu arte sin que nadie te ayude de forma económica. La originalidad Pasa algo contradictorio con la originalidad en tiempos digitales, mientras se puede pensar que es más complicado hacer algo nuevo e innovador a causa de estar conectados con el arte de todo el mundo, también podríamos verlos desde otra perspectiva. El hecho de ver más obras de arte nos puede hacer llegar una mayor inspiración y así más creatividad en el momento de hacer nuestra obra. El arte virtual Gracias a estas tecnologías ha nacido un tipo de arte que solo puede hacerse a través de las mismas, ya sea la animación digital, la ilustración digital, de píxeles, la edición de vídeos o montaje…Ha sido una gran herramienta para crear ámbitos artísticos o para perfeccionar los que había en el pasado.

Ebook, Spotify, museos virtuales… Mientras que hace muchos años para leer un libro tenías que ir a la biblioteca, para escuchar una canción tenías que verla en directo (o conseguir un disco) y para ver una obra tenías que ir al museo…¡hoy en día no te hace falta! La tecnología nos permite tener acceso a todo el arte que queramos sin movernos siquiera de nuestra casa. Los ebooks nos permiten descargarnos cualquier tipo de libro en una tablet y leerlo donde y cuando queramos. Spotify nos permite escuchar millones de canciones en cualquier lugar, además de adelantarlas y pausarlas cuando queramos. Los museos virtuales nos permiten hacer una visita virtual por los museos más deseados del mundo. Todos estos cambios que he nombrado provocan opiniones diferentes en gran parte de la población, mientras unos creen que son necesarios y que ayudan a preservar y evolucionar la cultura, otros piensan que el arte no debería tener estas facilidades y optan por los procesos más antiguos. Ceserani nos habla sobre este dilema en su libro: “Sin embargo – y aquí nacen muchas de las angustias de quienes discuten este problema –, existen aspectos de la práctica de la lectura [...] que la convierten en una actividad completamente diferentes de la lectura de un texto virtual [...].” (Ceserani, 2004 “Introducción a los Estudios Literarios”).

6. LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN LA SOCIEDAD

Después de todas estas páginas hablando sobre el arte, su historia y la sociedad creo que es importante visibilizar cómo el arte afecta a la sociedad. El arte es sinónimo de creatividad por eso es importante tanto para el desarrollo de habilidades y conocimientos, así como para implementar el aprendizaje y la experiencia. Todo esto no solo nos hace más inteligentes y más abiertos, sino que el arte nos hace más humanos y nos aporta una sensibilidad en nuestra perspectiva vital. El arte es una gran herramienta que nos ayuda a los humanos a dejar ver nuestra naturaleza, la naturaleza de nuestros sentimientos y nos invita a expresarlos sin miedo y con creatividad. El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación y se convierte en una herramienta que puede transformar y educar a toda una sociedad.

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