Nuevos Cines: Italia, España y Europa del Este - Prof. Caparrós Masegosa, Ejercicios de Historia del Arte

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NUEVOS CINES (GRUPO A)

Araceli Muñoz Pajares 3ºA Historia del Arte

EL CINEMA NUOVO

Se hace referencia al cine italiano de los años 60. Está caracterizado por tener protagonistas como Fellini, Antonioni, Viscoti o De Santis, que tendrán su impulso gracias a Guido Aristarco desde la revista “Cinema Nuovo”. La mayoría de estos directores tendrán en común su corte marxista. Empezamos con la figura de Pier Paolo Pasolini, uno de los grandes creadores de la cultura italiana del siglo XX. Fue un conocido romanticista, poeta y argumentista antes de realizar su primera película: “Accattone” (1961). Se basó en los acontecimientos de Roma para su retrato realista de un paisaje urbano abandonado, revelando su fascinación por los marginados sociales. En “El Evangelio Según San Mateo” (1964) hace una tentativa poética de mostrar a Jesucristo como un vulgar campesino italiano. Con “Edipo Rey” (1967), a pesar de ser fiel a Sófocles, tiene un prólogo y un epílogo basados en la Roma moderna. Pasolini se ocupa del tema de la clase media por primera vez en “Teorema” (1968), que muestra cada miembro de una familia burguesa, el “Decameron” (1971), “Los Cuentos de Canterbury” (1972) y “Las Mil y Una Noches” (1974) forman una trilogía de sátiras que captan el espíritu libre de lo clásico. Los últimos diez minutos de su último film “Saló o los 120 días de Sodoma” (1975), una actualización de un romance de Sade, que está entre los más memorables del cine. El siguiente director es Bernardo Bertolucci, el cineasta más representativo del Cinema Nuovo, su cine sobresale por el empaque visual y el tratamiento dramático de la luz, los planos largos y complejos, además de un montaje estilizado y su concepción de la ópera llevada al cine. Hijo de un poeta, Bertolucci afirma que “el cine es la verdadera lengua poética”. Bertolucci realizó su primer film “La cosecha estéril”, (1969) con 22 años. En su segunda película “Prima della Rivoluzione” (1964) comienza a explorar algunos temas que serían importantes a lo largo de su obra: las relaciones padre-hijo y el conflicto político-personal, temas también evidentes en “La Estrategia de la Araña” (1969). En “El Conformista” (1970) juntó sucesos de sus preocupaciones freudianas y políticas en la Italia de Pre Guerra. Pero fue “El Último Tango en París” (1972) la película que dio notoriedad mundial a este director, en gran parte debido a las escenas de sexo entre Paul (Marlon Brandon), un americano de media edad, y Jeanne (Maria Schneider), una joven francesa. Con “1900” (1976), una realización sobre la lucha de clases, Bertolucci se alejó de la introspección de sus films anteriores. “La Tragedia di un Uomo Ridicolo” (1981) es un retrato ambiguo de terrorismo, no agradó al público ni a la crítica. Pero con “El Último Emperador” (1987), el primer film occidental hecho enteramente en China y que cubre 60 años de la historia de China (1906- 1967), ganaría 9 premios de la Academia, incluido el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor

Francisco Regueiro tiene una carrera enmarcada en la tradición tremendista, muy apegado a al tradición española. Destacan películas como “El buen amor”, “Padre Nuestro”, “Diario de Invierno” o “Amador”. Miguel Pizaco es uno de los hombres claves del Nuevo Cine Español, a pesar de que cuenta con una corta filmografía, de la que se destacará sobretodo por la constante innovación de los contenidos. Plasma los motivos del deseo, plantea luces y sombras del despertar sexual. Algunas de sus obras son “El hombre que supo amar” o “Los claros motivos del deseo” A continuación se presenta el bloque de Cineastas de la Escuela de Barcelona, que aboga por el experimentalismo, la ciencia ficción y el distanciamiento irónico. Son producciones subjetivas y vanguardistas, la mayoría con una auto-financiación. Destacan directores como Jacinto Esteva o Joaquín Jordá, que trata sobre un manifiesto de la escuela de Barcelona frente al cine “mesetero”, sin seguir una línea argumental clara, jugando con la estética y presenta el absurdo como categoría moral. Jaime Camino es otro director de este bloque. En “Los felices 60” critica tanto a la burguesía catalana como a la estética del neorrealismo italiano con el que la escuela pretende romper. A través de una historia romántica, Camino presenta “A través de España”, un repaso, de nuevo, de la Guerra Civil y el espíritu de derrota posterior. Fue una película que estuvo cerca de no ver la luz por las políticas de censura. Vicente Aranda experimentará a lo largo de su carrera varios géneros, desde la estética de la Escuela de Barcelona hasta el cine fantástico o el erótico. Es recordado por su película del 2001 “Juana la Loca” y por su adaptación de “Carmen”. Una tendencia muy importante en la Historia del Cine Español, que fue el destape. En este punto, hay un mayor éxito de las películas pseudopornográficas, es importante la figura de Alfredo Landa y Fernando Fernán Gómez. La Nueva Ola Checa se desarrolla en los 60 y los 70 con una influencia del teatro experimental y que plantea una cara moral personal frente a la sociedad. Vemos directores como: Jiri Menzel, quien tuvo el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1966. Busca un protagonismo del “antihéroe”.

Milos Forman, director cuyos padres fueron asesinados en el holocausto, plasma conflictos generacionales, ironías y problemas de identidad. Algunas de sus películas con “Los amores de una Rubia” o “Pedro el negro” que es un Manifiesto del Cine Nuevo Checo y que narra la desilusión adolescente. En su etapa americana sobresale su película “Alguien voló sobre el nido del cuco”, con Jack Nicholson como protagonista, “Amadeus”, “Los fantasmas de Goya” o “Man on the Moon”. Jan Nemec realizó películas como “Los Diamantes de la Noche” o “La fiesta y los invitados”, una crítica a la opresión, una constante en su cine. Dentro del Nuevo Cine Húngaro vemos una nacionalización de la industria del cine tras la Segunda Guerra Mundial, censura del Stalinismo, influencias del neorrealismo italiano en la década de los 50 y adaptación de los nuevos directores al poder establecido pero sin olvidar las críticas. Destacan figuras como:

• Zoltan Fabri, con “Carrusel” o “El profesor Hannibal”.
• Miklos Jancso, con una evolución cinematográfica marcada, con una etapa primera dedicada al cine documental y al realismo socialista. A partir de 1956 se decanta por un estilo más influido por Antonioni y destaca una trilogía sobre la historia épica húngara: “Los desesperados”, “Rojos y blancos” y “Silencio y grito”.
• István Szabó, dedicado al cine histórico de finales del IX hasta la Segunda Guerra Mundial. Dentro del nuevo cine polaco vemos directores como Adrezej Wajda, Jery Skolimowski o el mundialmente conocido Roman Polanski. Waida fue militante de la resistencia durante la Segunda Guerra Mundial, tenía una preocupación constante por la identidad nacional y una oposición marcada al stalinismo y era un experto en adaptaciones literarias como “Lady McBeth en Siberia”. Skolimowski destaca por obras como “La Barrera”, “Manos Arriba” o “Trabajo clandestino”. Por último, Roman Polanski es conocido por su inconformismo, voyerismo o sus mecanismos de poder y humillación. Tiene multitud de grandes producciones como “La semilla del diablo”, “El pianista”, “Chinatown” o “Lunas de Hiel”. Para acabar, el nuevo cine Soviético, con la figura de Andrei Tarkovski, reconocido y galardonado en occidente por su cine poético y simbólico, rompe la narrativa tradicional y vertebra sus películas en capítulos. Andrei Konchalovski es el último director citado, con películas como “La felicidad de Asia”, “Siberia” o “Los amantes de María” y “Tango y Cash”, estas ya en su etapa estadounidense en '80.