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Renacimiento
Se inicia en los últimos años de Trecento, aunque su gran apogeo será durante los dos siguientes siglos, se inicia en Italia por razones vitales, tales como la presencia del clasicismo y del nuevo pensamiento humanista que marcará la era que comenzará ahora (Moderna). El humanismo se desarrolló mucho en la literatura y en la música, sobre todo, brindando al hombre de gran importancia. No podemos olvidar el estudio que el artista hace sobre la naturaleza a través de la ciencia. A partir del año 15290 aparece el Manierismo, que será el nexo entre el Renacimiento y el siguiente periodo, conocido como Barroco. Se trata de una respuesta al clasicismo de esta época y de los grandes maestros en Roma, que volverá a alzarse como capital del cristianismo. Aparecen artistas que rompen con la norma, que tratan de trascender. El Manierismo es un arte lúdico, en el que el artista trata de ser muy personal, dará paso a la transformación estética del Barroco, que también será un arte cortesano. A lo largo del siglo XV habrá una cierta estabilidad territorial (Cisma de Occidente). Los estados pontificios ayudan a las grandes alianzas europeas, consolidando su poder a partir del cuatrocento. Espala recibirá la influencia renacentista mediante el comercio con la península itálica y el papado de Alejandro VI Borgia. El término “Renacimiento” ya era usado en dicha época, extendido por Giorgio Vasari “Rinascita” (vuelta al mundo clásico). A este y otros autores se da la idea de que la Edad Media fue una época oscura entre el Clasicismo y el renacimiento, en la que apenas hay obras artísticas relevantes (Hoy en día se sabe que esta idea no puede estar más equivocada) Durante el siglo XIX aparecen nuevas obras que usan este término (“Rinascita”) mostrándonos el pensamiento al que hacíamos referencia. No será hasta el 1940 que se empezarán a aceptar las raíces medievales del Renacimiento, siendo Panofsky un innovador en esta teoría, y es que, gran parte del arte medieval italiano se creía clásico incluso por el propio Vasari. ¿Qué es el Renacimiento? Movimiento cultural nacido en Italia a finales del siglo XIV que verá su etapa de apogeo en el siglo XV. Sus características son:
- Gran importancia del hombre
- Influencia grecorromana (literaria artística y filosófica)
- Ciencias y estudio como base del arte
- La imprenta conseguirá que el conocimiento y el arte se expandan por Europa con mayor facilidad que en épocas anteriores.
- Desarrollo de las lenguas vernáculas en lenguaje científico, apoyadas por humanistas como Alberti El humanismo tendrá representantes en distintos sectores (políticos culturales, etc.) que tendrán una preocupación global, el mejor ejemplo de esto será Leonardo Da Vinci.
Las academias que se fundarán en esta época tendrán una importancia enorme, ya que serán unas grandes fuentes de conocimiento, sostenidas por los mecenas que impulsan el pensamiento renacentista y humanista. Las universidades también conseguirán una gran importancia y, por último, podemos apreciar un gran cambio en el pensamiento religioso de la época. El humanismo es un replanteamiento de temas como la relación entre el hombre y el universo o Dios (En igualdad de condiciones) (Introducción del hombre en la obra religiosa). Habrá un rechazo al poder político del papado y un nuevo concepto de religiosidad impulsado por órdenes como los Jesuitas, también será muy relevante el concilio de Trento (Separación entre iglesia y riqueza). Gran parte de este choque contra el poder económico de la iglesia será motivado por la política y cuestiones económica, dando lugar a la creación del luteranismo, y con ello a guerras y a la contrarreforma, además de diversas actuaciones que influirán en el arte. La compañía de Jesús extenderá sus cánones por toda Suramérica. El humanismo dará lugar a las primeras características del Renacimiento artístico. El arte no solo es placer estético, tiene una gran importancia el placer intelectual (Belleza = Razón). Un ejemplo de esto será la Disputa del sacramento en StanzadellaSegnatura, de Rafael. Según el humanismo el hombre está formado por la religión, pero incompleto sin la razón y el pensamiento.
Renacimiento en Italia
Cronología
- Quatrocento:
- Experimentación
- Realismo
- Racionalizacion
- Cinquencento
- Clasicismo
- Idealismo
- Solo son las dos primeras décadas
- Manierismo
- Distorsión formal
- Capricho, engaño
- Trasgresión de la regla 8
- Tras el concilio de Trento Cada artista tendrá sus propias características, marcadas, en ocasiones, por la influencia del propio mecenas, además de la de sus conocimientos. Bronzino es uno de los artistas que romperá con las reglas formales dando lugar al Manierismo. Rasgos del Renacimiento
- Arte de contrastes (Tanto entre artistas como dentro de la obra de cada uno de estos)
- Uso de la mitología para la transmisión de ideas sublimes de carácter cívico, civil y moralizante
Dicha academia tenía sede en la Villa Careggi, un centro de estudio construido bajo el mandato de los Medici.
Ideas neoplatónicas
Realidad suprema: De ella emanan todas las realidades, usa como motor la mente humana y era la base del alma, compuesta de razón y espíritu, materialidad e inmaterialidad. Los ojos captan la idea y el cerebro la interpreta. Ghirlandaio pintará el fresco de “Zacarías en el templo” (Capilla Tournaboni), donde mostrará algunos de los personajes más influyentes de su contexto. Podemos ver en primer plano a un grupo formado por Policciano y Ficino entre otros, Policiano también influirá mucha en la obra de Botticelli. El artista está ahora en un nuevo papel, es un intelectual, capaz de crear belleza mediante el conocimiento y la razón. Hermetismo: Se trata de un pensamiento inspirado por Hermes. Según esta teoría el universo no solo se mueve alrededor de Dios, el hombre es el protagonista como ser racional, estando a la par de Dio. Esta idea aparecerá en numerosos textos y grabados, el concepto de universo es más amplio que en la edad media. Aparece el género literario de la utopía, cuyo autor más representativo será Tomás Moro. Dicho género se basa en la búsqueda de mundos mejores y de la inmortalidad (Influencia de la epopeya de Gilgamesh, las églogas, el mundo bucólico y el pensamiento cristiano). Estos textos irán acompañados de imágenes. Utopía es un término griego “Sin lugar”. Tomás Moro sitúa el lugar perfecto en una isla con el mismo nombre. Los tratados, y textos sobre el espacio, etc. No solían ir ilustrados, pero será ahora cuando se popularice la ilustración de dichos textos y tratados con una serie de imágenes que representan lo expresado por el autor. En los siglos XVII y XVIII se realizarán obras arquitectónicas inspiradas con esta obra. El autor está inspirado en Platón, quien hablaba de la búsqueda de la sociedad ideal.
Religión y antigüedad
La religión adquiere un nuevo papel más intimista que en la edad media, frente a Dios y a la Iglesia, el Papa tendrá un papel político importante La obra religiosa sufre toda una serie de cambios. Humanismo cristiano: Cambio de escala y búsqueda de la realidad en la obra, siendo ejemplo de esto el Sn Sebastián de Antonello de Mesina: Se trata de un tema heredado de la Edad Media, aunque desde un nuevo punto de vista(protector de la peste), no transmite un sentimiento religioso, la representación del santo está idealizada , aparece sangre y ganan gran importancia los siguientes elementos:
- Composición
- Perspectiva (Mediante línea)
- Perfección anatómica del hombre
- Diferencia de escalas
- Concesión de la pintura tradicional
- Escenas anecdóticas
- Luz con incisión homogénea
- Color (Especialmente en el cielo)
Rasgos del Renacimiento
Clasicismo como fuente de inspiración del artista (Roma con arqueología y ruinas), imitarán tipologías arquitectónicas. En Italia la tradición clásica se mantuvo durante la Edad Media. Las tres Gracias serán el símbolo de la belleza, el hechizo (encanto) y la alegría. Para representarlas, Rafael, no solo se inspiró en los restos clásicos, sino también en los textos clásicos y una copia romana medieval de la catedral de Siena (medieval). Botticelli ya las representó en su obra “La Primavera” y en “Venus y las tres gracias”. Correggio también usó este tema y en Venecia cogerá el significado de la riqueza. Tintoretto las representará con Mercurio (Patrón del comercio). En el arco de Constantino también se inspirarán artistas, especialmente en los relieves que servirán de modelo para los relieves heroicos, la joyería y orfebrería, los cuadros circulares, etc. Se usarán temas como el de la Victoria alada (idea de triunfo) que influirá a La creación del hombre en las “Puertas del Paraíso” de Ghiberti. Marietta Strozzi será un ejemplo de retrato de busto, típico del imperio romano, las monedas influirán en el retrato renacentista. Las clases pudientes coleccionarán monedas antiguas. De forma directa veremos que se acuñan monedas con valor conmemorativo, por obras monumentales como la construcción del Baticano. Éstas llevan inscripciones que complementan su carácter conmemorativo (Malatesta de Remini por la construcción de su templo también acuñará una moneda que legitimará su poder). Este último ejemplo nos ayuda a enlazar con el humanismo cristiano, el hombre inmortal a través del arte. En el templo de Segismundo de Malatesta (Que también servirá de panteón para su dinastía) aparece un fresco del patrón en el que aparece de perfil (influencia de las monedas) arrodillado ante la consagración del templo. Junto a él aparece un perro (fidelidad) y un personaje oriental (Última cruzada para “liberar” Constantinopla) (Salida masiva de cristianos hacia Europa). Virtudes del espíritu: Aparecen en las estancias del vaticano. En el 1425 Masaccio ya habría hecho un retrato de perfil con busto Fuentes escritas:
- Platón
- Aristóteles
- Cicerón
- Ovidio
- Poliziano
Uno de los grandes maestros de la perspectiva artificial es Piero della Francesca, quien estudió minuciosamente la geometría y las matemáticas aplicadas al arte. Dará mucha importancia a la experimentación perspectivica, usando una serie de recursos como la diferenciación de planos. El río parece acabar a los pies de Cristo, marcando la profundidad, siendo una línea que se escapa hacia el fondo del cuadro. El tronco tiene un valor cilíndrico, junto al que aparecen 3 ángeles, Cristo y el bautista. En el plano del fondo aparece otra figura desnudándose (posible símbolo de la humanidad). Los pigmentos usados responden a una gama cromática fría, remarcando la perspectiva. En el 1480 Perugino representa de forma racional la escena de la entrega de las llaves a San Pedro. Usa, en las losas, figuras geométricas, aplicando la perspectiva, haciendo su forma y la de las figuras menor según la distancia, usando las losas como punto de fuga. Rafael de Sanzio, inspirado por Perugino, pintará los “Desposorios de la Virgen”, con menos figuras, pero con el mismo recurso, aunque aprovecha también para representar una arquitectura que ayuda a dar una sensación de perspectiva y realismo aún mayor (Realidad intelectual). La realidad está manipulada. La arquitectura aporta clasicismo a la obra, además de perspectiva, lo que hará que sea un elemento bastante recurrente en esta época. La línea de simetría empieza en el sacerdote y llega hasta la puerta del templo circular. La geometría busca la representación ordenada y racional, pudiendo dividir este cuadro en 4 partes, remarca la importancia de la arquitectura firmando en la parte superior del templo. Mientras que todos los personajes están en vertical, aprovecha a un joven tensando una vara para completar la escena del primer plano y dando un aspecto anecdótico, cada elemento cumple con una función concreta, usa una iconografía de un nivel que al mecenas debía resultar asequible. Melozzo de Forli interpreta el momento en el que Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina, enmarcando la escena en un marco arquitectónico, cuyo fondo no se diluye, está limitado por dos pilastras adosadas que están ornamentadas. La estructura de líneas de fuga se ve en los casetones de la parte superior. La capa del protagonista sobresale de la cartella donde aparece la escena representada. Paolo Ucello experimentó con la representación de entornos naturales con la “Batalla de San Romano”. Marca las líneas de fuga con objetos del suelo como lanzas, etc. En la parte superior, las lanzas juegan con la superposición de planos, llegando hasta el fondo del cuadro. Tiene un gran estudio de la anatomía de los caballos, que vemos representados en todo tipo de posturas y escorzos (principalmente en los abatidos). En “Santa Ana con la Virgen y el niño” vemos la perspectiva aérea que caracteriza a la obra de Da Vinci, destacando el paisaje tamizado por toda una serie de elementos pantalla. Una de las obras renacentistas más estudiadas es la capilla de Ovettari, en Padova, donde Andrea de la Mantegna representó el sacrificio de Cristobal, se le encarga con el requisito de que la temática sea ésta y el sacrificio de Santiago.
Aparecen en paredes enfrentadas, en cuadros enmarcados por columnas que culminan en el arco superior, algunos de estos frescos fueron musealizados y otros destruidos durante la segunda guerra mundial, por suerte se ha podido recomponer una gran parte. Mantegna usa una perspectiva personal, que algunos autores cree, trataría de homenajear a la propuesta por Alberti en sus tratados. Iconográficamente, Cristóbal era conocido como el portador de Cristo, pero Mantegna rompe con esto, mostrándonos su sacrificio acorde con la “Leyenda Dorada”. Las flechas de su sacrificio alcanzan al rey en un ojo. La escena está dividida por una columna fingida, jugando con la profundidad, distorsionando la vista del espectador y facilitando la correcta lectura de la escena. A la derecha aparece el primer sacrificio y, en el lugar opuesto, el final de la representación. Piero de la Francesca utiliza la flagelación de Cristo en un segundo plano, cediendo el protagonismo al tema político, siendo éste la toma de poder de Federico de Motecetro como duque de Urbino, vemos una comparación entre el tema sacro y el tema profano. La columna vuelve a aparecer como elemento de separación entre las dos escenas, comparando la flagelación de Cristo con la muerte del duque. El espacio religioso es el más amplio, permitiendo que el látigo ocupe el lugar central de la escena. PomenicoVneciano, Santa Lucía: El punto de fuga está en el puñal con el que se quita la vida a la santa mártir. La pala central de esta obra (Retablo de una sola calle o tabla) muestra la “Sacra conversaccione”, La Virgen aparece como Madonna acompañada de los santos. El taller de este artista será muy influyente. La Madonna aparece en una especie de ábside con un trono lleno de símbolos marianos. La disposición de las figuras es muy artificial, resaltando la profundidad y la importancia de la Madonna Paolo Ucello (Tumba de Giovanni Acuto): En la pared está la representación ecuestre del difunto. En la propia representación aparece la tumba, sobre fondo neutro, dando la sensación de escultura y usando la arquitectura como marco. Ucello fue obligado a repintar la parte inferior, ya que, al parecer, el catafalco daba una cierta sensación de debilidad, sin embargo, no corresponde con la visión real que tendríamos de una tumba. Está captada con un solo punto de vista, teniendo que ser vista desde la nave central de la capilla, cabe destacar el uso de la grisalla, que no pertenece a la pintura. David de Donatello (1440): A partir del Renacimiento los artistas tienen en cuenta el entorno en el que se va a ver la obra antes de realizarla. Miguel Angel realiza un plano del Campidoglio, poniendo la estatua de Marco Aurelio en el centro de una imagen elíptica. Trompe L´oeil: Trampantojo, usa métodos científicos y elementos anecdóticos, como podemos ver en el políptico de Los Santos, donde el pie de las figuras parece sobresalir, también coloca
En la tumba de Marsuppini las figuras sobresalen de la obra. Si hay una obra que lo cambie todo será la de Julio II, en Vincoli, sigue siendo parietal, aunque el proyecto original iba a ser muy distinto. Tema ecuestre: Inspirado en Roma, pero con un sentido cristiano (Paolo Ucello, Giovanni Acuto, Andrea del Castagno, Niccolo Da Tolentino, 1463). Galerías de hombres ilustres de Del Castagno: Es una antesala del salón público de la villa Carducci, todos los retratados son personajes reales que influyeron en la historia de Italia. Están retratados de cuerpo entero y presentan trampantojos, entre ellos aparecen militares y literatos, considerados padres de la ciudad, encontramos el prototipo del Renacimiento (Guerrero literato). También aparecen mujeres, como la sibila de Cumas, junto a la que aparecen personajes femeninos, principalmente del Antiguo Testamento. A los lados de la puerta de acceso aparecen Adán y Eva, y sobre el dintel una Madonna (búsqueda de la nobleza de la ciudad y del linaje del mecenas). No puede faltar la referencia al cristianismo. Usa recursos clásicos y da la sensación de presentar zócalos de mármol que son falsos (pintura) y aparecen los personajes entre falsa arquitectura. David es una representación de la victoria del hombre racional frente al entorno que le rodea. Mitológicos: Aparecen a partir de la mitad del Quatroccento, suponen la recuperación del mundo mitológico clásico, aunque usado para transmitir lecciones morales e, incluso, religiosas, se trata de una serie de temas recurrentes entre los que podemos ver el ejemplo de Hércules matando a la Hydra. A partir del siglo XVI pierden ese sentido para ser un elemento de disfrute, encontrándose en las villas, donde los artistas cubren las paredes con temas mitológicos, tenemos el ejemplo de Palazzo Té Mantua (Julio Romano). Lo más importante será el jardín y la decoración, destacando la sala de los gigantes, donde empieza a verse una cierta presencia del Manierismo. Botticelli si solía dar un sentido moralizante, además de retratar el contexto en que vivía. Este artista pasó de tener una vida en la abundancia y la fama a morir en la miseria, rechazado por su sociedad. Como artista siempre actuó por encargo de los Medicci. Venus y Marte: Venus aparece serena y vestida, mientras que Marte aparece dormido, semidesnudo y con sus armas cerca. En otros casos se usa esta temática para representar el amor humano o las características de los príncipes.
Arquitectura del Renacimiento
- Vuelta a la antigüedad 1.1.1.Adaptación sistemática de la antigüedad 1.1.2.Predominio del muro 1.1.3.Uso de pilastras y columnas 1.1.4.Uso de Bóvedas y cúpulas 1.1.5.Arco de medio punto
1.1.6.Pórtico arcos de triunfo 1.1.7.Arquitectura civil y religiosa
- Respeto a la tradición local 2.1. Uso de mármoles mediante taracea (Cortes de colores) 2.2. Muros policromados, decoración lisa 2.3. La veneciana tiene muy en cuenta el medio geográfico 2.3.1.1. Gran Altura 2.3.1.2. Elementos arquitectónicos para ornamentar 2.3.1.3. Óculos (Vanos circulares) 2.3.1.4. Presencia de frontones (Como elemento de triunfo)
- Nueva concesión del espacio 3.1. Racionalización mediante leyes 3.1.1.1. Geométricas 3.1.1.2. Numéricas 3.2. Uso del módulo (Unidad básica de espacios simétricos 3.3. Innovación de la tipología religiosa 3.3.1.1. Planta centralizada (Cruz griega) Aparecerá en pequeñas iglesias y martiria, será una tipología recuperada de Roma (San Pietro in Montorio, de Bramante) 3.3.1.2. 3.3.1.3. Planta longitudinal
- Gran variedad de tipologías civiles 4.1. Palacios (Residencia, con gran importancia en los años centrales del siglo XV) 4.2. Villas (Campos, de recreo y reposo) Palacios: Gran tamaño, muy horizontales y con fachada de gran importancia (Imagen de la familia). En cada ciudad se mezclará con la tradición local (En Roma usan más medios tradicionales, pero también son más grandes) Villas: Aparecen primero en Florencia y sus proximidades, aunque está la excepción de las villas de Palladio, que, inspiradas en las villas romanas, tienen una función residencial para la aristocracia agrícola, sin renunciar al lenguaje clásico (Palladio, Villa Rotonda) Villa Medicea de Poggioa a Caiano: Será otra opción, siendo la vivienda de los artistas protegidos por los Medicci. Brunelleschi construyó, gracias a su relación con Cosme de Medicci, la gran cúpula de la catedral de Florencia, considerándose la primera gran obra de la arquitectura renacentista. Los arquitectos originales de la catedral fueron incapaces de resolver la cubierta del edificio, tras la llegada al poder de Cosme de Medicci como banquero de las grandes familias y del papado. El Medicci usó el arte como propaganda (No podemos olvidar que venía de familia humilde), también conseguirá más poder mediante matrimonios, lo que
Hospital de los Santos Inocentes El cerramiento de la fachada es de Brunelleschi, el resto del edificio pertenece a época medieval. La fachada se inspira en las porticadas clásicas, dando gran importancia a la geometría y el ritmo, usa arcadas de medio punto con columnas corintias, tiene dos alturas, pero predomina más el piso inferior, siendo el segundo un muro cerrado con pequeñas ventanas sobre la clave de cada arco. Sobre el arco correun entablamento que dará una mayor sensación de horizontalidad. Otro elemento visual relevante será el bicromatismo, jugando con la visión del espectador, y es que, el gris de la piedra contrasta con el blanco del resto del muro. En las enjutas coloca unos tondos de la Robia (Terracota cocida y policromada) Brunelleschi fija su atención en que la fachada se abre a la ciudad, con una plaza desde la que el espectador vería la obra. Uno de los problemas será cada esquina, que Brunelleschi solucionará con pilastras adosadas de orden gigante. San Lorenzo será otra obra finalizada por Brunelleschi, está cerca de la Signoría y tubo una gra devoción, por lo que trata de convertirla en una referencia de poder de los Medicci, siendo el edificio religioso de referencia para dicha dinastía, y donde también serán enterrados.
Brunelleschi reforma en dos zonas del edificio, ampliándolo y transformándolo en una planta de cruz latina, con un espacio simétrico y un eje central. La nave central es el doble de las laterales, creando un espacio perspectivico que será reforzado por las arcadas que apean en un entablamento partido central. Sobre los arcos sitúa un entablamento, los entablamentos también contribuyen a marcar aún más la perspectiva. La nave central tiene una cubierta arquitrabada con casetones, en contraste con las bóvedas baídas de las naves laterales. La luz ganará una gran importancia, siendo más fuerte en la nave central, frente a los óculos de las laterales. La nave central se rompe en el crucero, que presenta una cúpula esférica sostenida por pechinas, con un acceso de 4 arcos triunfales que arrancan en las pilastras de orden gigante. La tumba será conocida como la sacristía vieja, es un edificio anexo con acceso en el brazo del evangelio y siendo el inicio de las capillas funerarias completas y tendrá una planta central. Los primeros Mediccis serán enterrados bajo la cúpula. Se divide en dos partes:
- Principal: Cubierta por cúpula de volta a vela, en forma de paraguas. Responde a una planta cuadrada de 11´50m por cada lado. Encaja con las ideas neoplatónicas.
- Forma de Dios:
- Forma del Universo:
- Universo y Dios unidos
La portada está enmarcada en dos grandes torres cilíndricas, que darán significado militar y ayudarán a desarrollar una logia vertical de cuatro cuerpos, de los que los dos superiores tendrán una decoración en mármol con columnas adosadas. Este modelo estará relacionado con el arco de triunfo que construye para Alfonso de Aragón, donde desarrollará toda una iconografía de exaltación de príncipe (Tan solo el arco triunfal es obra de Laurana, el resto es medieval). Estas fachadas en “H” serán comunes tanto en Italia como en España. El patio presenta una gran simetría a la manera florentina, siguiendo la superposición de órdenes, la regularidad, etc, solo debemos fijarnos en los dos primeros pisos, que también presentan un programa iconográfico de triunfo del duque. La simetría también se remarca en el dibujo del pavimento, donde también usa la geometría. El estudiolo está decorado a base de trampantojos, haciendo referencia a los gustos del duque, apareciendo instrumentos, tanto científicos como musicales, figuras geométricas, imágenes de literatos, etc. Encontramos también una imagen que nos habla de las riquezas de Urbino. Por último, veremos una leyenda en latín que trata sobre la exaltación de la cultura y el saber. Roma Se incorpora tarde al Renacimiento (Segunda mitad del siglo XV), con un breve periodo de transición. Encontraremos una mayor monumentalidad, que buscará transformar una ciudad medieval casi en ruinas en la nueva capital del cristianismo y sede del papado. La curia tendrá gran importancia, la ciudad completa deberá dar una sensación de belleza y acogida, además de una unidad que la convierta en lugar santo y capital del mundo. Las principales obras arquitectónicas serán iglesias, palacios y hospitales, ampliando las iglesias medievales para darles una nueva fachada. Poco a poco se extenderá el modelo de una única nave central con capillas funerarias a los lados. En las fachadas encontraremos una gran influencia de Alberti (Sta María della Novella). Encontraremos muchas iglesias con escalinatas en su fachada, remarcando la monumentalidad del edificio, en el que predominará el muro, con pilastras adosadas que remarcan el ritmo y la distribución interior. Las fachadas suelen tener dos pisos, con una mayor fuerza visual en el inferior, aunque sin abandonar la proporción con el superior, que suele ir enmarcado por un frontón triangular En Sta María in Popolo, la fachada es uno de los primeros símbolos de la iglesia al llegar a Roma. Esta iglesia fue sufragada por el pueblo y patrocinada por el papado, pero pertenece a un monasterio. San Agostino (Giacomo di Pietrasanta 1420-1483) El mecenas fue un miembro de la curia, que vivía cerca de la iglesia y cuyo recuerdo se conserva en una inscripción de la fachada, la decoración interior es manierista y barroca, llevada a cabo, entre otros, por el propio Rafael. En cuanto a los palacios hemos de mencionar que aparecen más tarde, conservando, al principio, ciertos elementos medievales. Ejemplo: Palacio Venezia (Cardenal Marco Barbo, 1455)
Si bien usan la referencia de Florencia son mucho mayores y son ínsulas, modificando el trazado urbano. Cabe destacar la articulación de la fachada respecto al mayor número de pisos Pablo II encarga el palacio con la exigencia de que le recuerde a Venecia, su ciudad natal. Será muy importante el uso del bicromatismo, ya que, en Roma será muy común el aprovechamiento de mármol reciclado. Presenta fachada almenada. Será en el interior donde se encuentren los elementos más renacentistas, con un patio central en dos pisos, construido por Rosellino y Da Maciano, usando pilares con columnas adosadas y una alternancia de ordenes similar a la del coliseo. Sin embargo, el gran palacio renacentista de Roma fue la concillería, encargado por Rafael Riario (Cardenal). Su construcción se prolongó desde 1485 a 1513, siendo usado como sede de la concillería desde su inauguración, aunque, en un principio, se pensó como residencia personal. Su fachada está realizada de forma homogénea, con sillares de mármol reciclado, diferenciando los pisos mediante pilastras, que, junto a las ventanas (también muy relevantes) serán quienes aporten ritmo al edificio. Debemos mencionar también que en las esquinas aparece el escudo de la casa. La fama del edificio fue tal que el papa Medici expulsará a los herederos de Sixto IV y reformará el edificio. En cuanto al patio, tiene los dos primeros pisos abiertos por arcadas, mientras que los pisos superiores están cubiertos, los primeros usan columnas y en los siguientes encontramos pilastras, seguimos viendo alternancia de órdenes. El hospital de StoEspiritu (promovido por Sixto IV 1475) será uno de los mayores modelos, usado por el papa tras la reforma del anterior edificio perteneciente a la orden de los hospitalarios, será usado para acoger y tratar enfermos y necesitados, con una iglesia como núcleo. El siguiente edificio está en Milán. En Milán se usa el ladrillo. Al interior tendrá dos pisos, siendo el centro de atención de los arquitectos, hay un ala masculina y otra femenina, cada ala tiene un eje cruciforme porticado que separa sus 4 salas funcionales. La iglesia ocupa la parte central del edificio. Hospital mayor de Milán, promovido por el duque Sforza, aparece en el tratado de Filarette. Nápoles Arco triunfal de Castelnuovo. El piso inferior es el acceso, decorado por dos grifos flanqueando el escudo de la dinastía en medio relieve, en la parte central vemos un friso de conmemoración del desfile triunfal del rey en altorelieve, destacando el símbolo del palio. En la parte superior aparecerán las virtudes y los santos protectores de Alfonso V, todo coronado por un frontón semicircular sobre el que se pretendía colocar una estatua ecuestre, obra de Donatello. Influencia Medici.
las scuolas, que se encargaban de educar y de realizar labores de beneficencia, por lo que construirán edificios a medio camino entre lo religioso y lo civil. Entre las últimas dos décadas del siglo XV se encargará la escuela mayor de San Marcos. La fachada está articulada por una serie de cuerpos desiguales, que resaltan el cuerpo de la entrada del edificio. El edificio está dividido en dos plantas, lo que se deja ver en la fachada. Cada cuerpo está coronado por frontones semicirculares, en el de la portada vemos el símbolo de la ciudad. Otro elemento común será la riqueza de las fachadas, debido a su decoración en terracota, el uso de esculturas y el aprovechamiento del mármol. San Zacarías: Construida por Mario Colucci, se considera la más clásica del siglo XV en Venecia. Se encuentra en una plaza muy pequeña. Destaca el cuerpo inferior, en una serie de zócalos separados por columnas pareadas, también hay una gran profusión de bandas lombardas, aunque solo se reducen al piso intermedio, siendo ventanas los de los cuerpos inferiores. La verticalidad sigue marcada por las esculturas anexas. Hasta los años 60 no vamos a ver cambio en los palacios, sin embargo, a partir de entonces aparecerán palacios separados a modo de ínsula, destacando dos de sus fachadas, siendo la que da al canal principal. Ambas entradas estaban unidas por el androne, un vestíbulo abierto que articula las dependencias funcionales del edificio. Una característica propia son sus cimientos, constituidos de grandes bloques de piedra y madera clavados en la laguna, a partir de los cuales se abre el cuerpo bajo con el acceso sobre que se construyen dos o tres pisos con un tratamiento decorativo muy homogéneo. Será muy típico el uso de chimeneas, siendo muy importante su decoración, que usará pintura, relieves y placas de mármol de colores. El primer gran palacio será el Corner-Spinelli, con un estilo muy clásico. En el piso de agua destaca el juego marcado por los bloques de piedra, en contraposición con los otros pisos, de fachada corrida, también tiene ventanas geminadas con un óculo central, más típico de la Edad Media, destaca el uso del vidrio. Ca´De´Oro: La fachada debía estar decorada en oro, excepto el piso de aguas, pintado en azul lapislázuli. Los dos pisos nobles están decorados a modo de lacerías, también destaca la decoración almenada, que aporta altura.
