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ARTE DEL RENACIMIENTO
BLOQUE I
TEMA 1. Una nueva época: renovación moral y religiosa. El humanismo y su ideal de cultura. Sociedad y economía. Los mecenas y sus intereses. La nueva posición del artista. La renovación artística: el Renacimiento y el modelo de la antigüedad. Arte y ciencia. Los temas del Renacimiento. Los centros del Renacimiento: Italia y la difusión.
En 1452 los turcos otomanos toman Constantinopla, cae el Imperio bizantino, heredero de la cultura romana. Italia se convertirá en un lugar de protección y de riqueza artística.
Las Guerras de religión, luchas políticas en las que se crean una serie de acuerdos que generan la riqueza. La reforma genera la Contrarreforma Católica, con su momento culminante en el Concilio de Trento, en 1560. La figura del Papa se convertirá en árbitro político, creando en Roma la capitalidad de su programa político occidental, “Roma caput mundi”. Crea un programa artístico de propaganda política.
TEMA 2: La arquitectura del Renacimiento y su desarrollo en el Quattrocento italiano (s.XV). La significación de la arquitectura renacentista: la vuelta a las soluciones de la antigüedad y el nuevo concepto de espacio racionalizado. La renovación tipológica. Florencia y el origen de la arquitectura del Renacimiento. Brunelleschi: sus postulados y obras. Sus seguidores. Alberti, el arquitecto humanista: su obra teórica y práctica. La estela: Rosellino. Los arquitectos florentinos del último tercio del siglo XV y el protagonismo de Giuliano da Sangallo. El panorama fuera de Florencia: la significación de Urbino, la Roma papal, ciudades de la Emilia, el norte y las peculiaridades de las escuelas lombardas y veneciana.
TEMA 4: El manierismo y la arquitectura italiana. La arquitectura manierista entre la licencia y la norma. Sus originales comienzos: las aportaciones decisivas de la arquitectura de Miguel Ángel. Las propuestas paralelas de Giulio Romano. La arquitectura en Roma desde mediados del Cinquecento: entre el manierismo y el clasicismo. El caso Vignola y sus discípulos. El panorama del norte de Italia. El Véneto y Palladio: sus obras civiles y religiosas en Vicenza y Venecia.
BLOQUE II
TEMA 5: La pintura del Renacimiento y su desarrollo en el Quattrocento. La renovación de la puntura y l nuevo sistema de representación. El protagonismo de Florencia en el origen y desarrollo de la pintura del Quattrocento. Los inicios de Masaccio y Fran Angélico. La segunda generación de pintores y sus distintas propuestas: Piero de la Francesca. Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Fra Filipo Lippi y Benozzo Gozzoli. La evolución de la pintura en el último tercio del siglo y las diferentes tendencias de los pintores escultores: Pollaiuolo y Verronchio. Sandro Botticelli. La contribución de las escuelas regionales. Umbría y sus maestros. Padua y Andrea Mantegna y A. de Mesina. La escuela de Venecia y su idiosincrasia. La familia Bellini y otros.
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El Rapto de Europa (1580). - Verones
Un tema procedente de la mitología clásica de sentido propagandístico y de exuberancia de la escuela veneciana. Planos perspectivos aéreos conseguidos con planos y sfumatos, en primer plano la escena del rapto, personajes cortesanos de las cortes europeas, la joven con el pecho descubierto, luz que contrasta con los colores y vestimentas. Acompañan amorcillos lanzando flores de estética clásica.
En el segundo narrado la historia de Júpiter marchándose y Europa pidiendo auxilio.
El Renacimiento se asocia al nacimiento de la Edad Moderna de s.XV y s.XVI, Manierismo a partir de 1520, y cerrada por el Barroco-Rococó en el s.XVIII. Rinascita (Petrarca, Boccaccio, Vasari) con concienciación entre los contemporáneos, tiene su origen con los frescos del Giotto en la Capilla de Scrovegni, Padua, s.XIV.
A partir del s.XIX comienzan a publicar escritos de temas de estudio del momento italiano del s.XV, llamado “Reinassanse”.
Humanismo Movimiento cultural
Técnicas y tema.
Caballería: el Quattrocento va a mantener esta temática. Con búsqueda de paisajes con perspectiva a través de planos. ( Paolo Ucello – Caza Nocturna, 1420-30) utilizando momentos del día que permita innovar en el uso del color y la luz.
Evolución artística Botticelli , con temas mitológicos, pintor de maneras dulces y delicado, actualmente es un cronista de la historia de Florencia en la época de Florencio el Magnifico.
La Natividad Mística ; representa una obra de gran dinamismo con figuras con gran corporeidad, de gran proporción (la Virgen adopta una postura artificial para tener cabida en el pesebre o arquitectura, los ángeles danzantes que recuperan la tradición medieval. Las figuras del primer plano se abrazan y complementan con los demonios a los extremos= representando la crisis de la ciudad de Florencia.)
En escultura, Donatello: David de bronce, 1440 Adquiere una significación profana con la representación de orgullo ciudadano. David representa el triunfo del débil frente al gigante. (El hombre frente a la Naturaleza gracias a la razón y su estudio – El hombre como triunfo político frente a los peligros de otras ciudades contra las que Florencia lucha constantemente, como Siena).
La Magdalena, madera policromada 1455. Representa el expresionismo.
Rasgos que definen el Renacimiento; Arte de contrastes y Retorno a la Antigüedad. Se realiza a través de diferentes modelos, como la interpretación de temas tradicionales (estatuas ecuestres). Emperadores como Marco Aurelio, estatua descubierta y recuperada de las ruinas de Roma por uno de los grandes coleccionistas, el papado. Es situada a principios del Cinqeccento en la Plaza del Campidoglio. Estas grandes esculturas serán señores humanistas a servicio de los príncipes que a cambio de un salario les garantizan la victoria.
El Renacimiento era una revolución respecto a la Edad Media, en la que la cultura estaba reducida al protagonismo de la iglesia y monasterios. J.Burckchardt defendía que el Renacimiento suponía un gran cambio, una revolución y ruptura a lo anterior. Conforme van apareciendo estudios nuevos en el s.XX, se va defendiendo la teoría actual de que el Renacimiento supone una nueva revisión del Mundo Clásico el cual se había mantenido en la cultura Occidental en determinados momentos de la Edad Media.
E. Panofsky o E.Garín defendían que la cultura clásica se había mantenido en momentos de la Edad Media, que había vuelto la vista al Mundo Clásico. Ejemplo: La catedral de Jaca.
Continuidad de elementos clásicos Baptisterio de Florencia (s.IV-XV)
Se creía que era un edificio romano pero es medieval destinado al bautismo, delante de la Catedral de Florencia. Con planta centralizada octogonal, con policromía y geometría con colores en el mármol, recordando al mundo Romano pero es románico. Se determinó concluir las puertas de acceso con obras a los grandes maestros del momento; Puerta Sur ( Andrea Pisano )1329, Puertas norte (Ghiberti) en 1401-52, Puertas del Paraiso (Guiberti) en 1425.
La puerta Norte del Baptisterio de Florencia, Ghiberti. 1401 (gremio tejedores)
A comienzos del s.XV. Época gótica hacia el Renacimiento, viendo la tradición en la estructura de la puerta a base de cuarterones de formas poli lobuladas con temas del Antiguo Testamento sin apenas preocupación por representar el espacio real. 20 años después, se promueve la terminación del Baptisterio con puertas de Bronce (5 toneladas) para cerrar las puertas. Se encarga a Ghiberti la primera muestra y se le asigna la primera obra renacentista Puertas del Paraíso Ghiberti-Della Porta (1424-1452) en 10 cuarterones iguales, con escenas del Antiguo Testamento e introduciendo una técnica nueva gracias a su amistad con Donatello, el “staccato.”
Historia de José, Cosme de Medici, 1435. Templo circular, con líneas de fuga y staccato (tratamiento del bajorrelieve hasta convertirlo casi en una suave línea que parece más dibujada que modelada sobre el bronce. Para marcar los planos y crear la perspectiva, el modelado se va haciendo más tenue). El fondo paisajístico esta poco conseguido y poco natural, hay un elemento de sentido gótico la disposición de tantas figuras para crear perspectiva pero que transmite poco orden.
Las obras religiosas van a tener un matiz poco religioso, dándole un sentido muy humano. Ghiberti realiza el cuarterón en 1435 y no solo recoge el momento de San José sino la historia política de la vuelta a Florencia de Coste de Medici.
LA TRATADÍSTICA
En el s.XV aparece una literatura artística que tiene como objeto el arte, ya que el hombre del Renacimiento quiere dejar plasmado a sus sucesores esas leyes/normas que se han conseguido a través del estudio. Ejemplos; Alberti “ De re aedificatoria ”, El Filarete “ Sforzinda”. Se trata de recomendaciones escritas que el propio Vitrubio realizo para que sirvieran de guía, recogiendo y describiendo aquellos modelos que se habían realizado en la arquitectura romana, pero no hay imágenes, ya que los tratados anteriores al Renacimiento no se acompañaban de imágenes que interpretaran el texto.
Alberti fue el primer gran tratadista inspirándose en el Vitrubio, sobre la arquitectura. Como hombre moderno, lo escribió en italiano y en latín. Dejó también el tratado “ de picttura ” y “ de scultura”. Otro fue el de Filarete, arquitecto que trabajó en la época más floreciente de Milán durante la Edad Moderna (2ª mitad Cuatroccento). Con su tratado de arquitectura une imagen, teoría y texto en el que aparece el trazado de la ciudad (urbanismo), no solo constructivo, sino que adelantándose en el género de la utopía ya que considera a su Sforzinda (ciudad ideal) que debe ser el lugar ideal donde se refleje la forma política de las nuevas ciudades estado.
Da Vinci no tuvo como objetivo realizar un libro, ya que experimentaba. Realizaba láminas con ilustraciones a lo largo de su vida. Preocupación por la naturaleza (estudios anatómicos y perspectiva, uno de los campos más experimentados por él). Sus discípulos lo recogieron y lo publicaron como tratado.
En el s.XVI hay un predominio de tratados de arquitectura sobre el resto de las artes y la importancia de la arquitectura del s.XVI con influencia en la arquitectura posterior en s.XVIII y s.XIX.
Tras el Cuatroccento serán acompañados (los tratados) con imágenes realizadas por el propio artista. A partir del s.XVI tomará más importancia la imagen que el texto y serán repertorio de edificios y elementos decorativos. Ejemplos ; S.Serlio “Cinco libros de arquitectura ” se inspiro en el Cuatroccento con un texto en donde las imágenes tienen calidad, posteriormente inspiradoras, A.Palladio arquitecto veneciano “Cuatro libros de Arquitectura ” siendo guía para la arquitectura anglosajona desde el s.XVII en adelante, Vignola “ Las reglas de los cinco órdenes de arquitectura ” se vinculó con la orden jesuita y creó un modelo de iglesia que se extendió a través de los dibujos de su tratado por toda Europa e Hispanoamérica_._
Los tratados estaban dedicados a los señores que apoyaban las ediciones ( los mecenas ), muchos artistas lo dedicaban a sus mecenas.
Otro rasgo que define al Renacimiento es la unión de la preocupación por la Naturaleza (realidad) con la preocupación por la investigación/experimentación con el nuevo sistema figurativo del Renacimiento.
La gran innovación será la perspectiva (nuevo sistema figurativo). No solo se concibe dentro del cuadro sino también para la escultura y arquitectura. En los avances y estudio de la óptica, matemática, geometría serán las ciencias más desarrolladas y unidas al dibujo y pintura van a ser los puntales básicos en la perspectiva, evolucionando desde el comienzo del Renacimiento hasta el Manierismo, con punto de inflexión con Leonardo Da Vinci. Uniendo los principios de la visión humana con los de geometría que había de percepción lineal.
Esa perspectiva en los primeros momentos marcara que el espectador tenga que estar ubicado en un lugar determinado para comprender la obra. El propio artista indica al espectador para explicarle las relaciones de simetría y representación de la obra.
En muchos casos la perspectiva está basada en la realidad y técnica/ciencia, ya que el artista no copia la naturaleza/ realidad tal y como la ve sino como él quiere que la observemos. No solo la imagen/dibujo es importante sino que en muchos casos el artista quiere señalar símbolos/interpretaciones ocultas de la obra. Trasposición de la realidad para representar la profundidad.
Brunelleschi no fue un teórico sino que experimentó por su labor como orfebre. Creó sobre 2 dibujos que sirvieron como base para representar la realidad en un dibujo, especialmente con el baptisterio de Florencia, con puntos que unían el ojo humano con la superficie plana, en base a lo que serán las líneas de fuga, para un intento de representar la 3ª dimensión en un edificio.
Alberti creía que el cuadro debía ser una ventana abierta para el pintor, lugar para poder expresar la 3ªdimensión.
A partir de ahí se investigó y para muchos la obra que inicia la perspectiva es La Trinidad de Masaccio. Crea profundidad (espacio real) a base de líneas de fuga, especialmente en zonas del cuadro consideradas sagradas. La profundidad se da por la superposición de planos. El primer plano el sarcófago con colores monocromos para representar la escena funeraria. En el segundo plano un arcaísmo, recogiendo a los orantes que no están en la escena sagrada y se disponen de perfil. En la escena sagrada se encuentra la trinidad con san Juan y la Virgen, con figura de Dios personificada, utiliza el carácter monumental influyendo la Antigüedad en el fondo sagrado.
Piero della Francesca considerada una pintura científica, preocupado en la 3ªdimensión/volumen que en los aspectos anecdóticos. Representa otro arcaísmo, ya que la escena principal se encuentra en el centro donde aparece la figura de Cristo en relación con el tronco del árbol para diferenciar distintas escenas, separando a Cristo de los ángeles. También se encuentra el arcaísmo y anacronismo en la forma de narrar la historia “esencia y apariencia”, con la figura de la derecha (Cristo desvistiéndose) dando más importancia a unas escenas más que a otras.
El Perugino, 1480 lo realizará con la entrega de las llaves. El artista, a través de las figuras, disposición de arquitectura del fondo, el suelo… guía al espectador para situarlo. La figura más importante del cuadro es la puerta de acceso al templo, pero antes la llave. Desde la llave parte el punto de mira llevándola hasta la puerta que supone la creación de la Iglesia.
Inspirado en él, Rafael lo realiza con Los desposorios de la Virgen en 1504. Las líneas de fuga las representa con los dibujos del suelo, con las losas, ubicando el anillo y la puerta que llegaría hasta el coronamiento de la cúpula. La ofra está firmada en el friso del templo.
Melozzo da Forli con Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina prefecto de la Biblioteca Vaticana en 1470. Se inspira en la arquitectura contemporánea y el Mundo Clásico. Enmarcada la escena en la arquitectura palaciega, queriendo ser casi una continuidad desde donde se encuentre el espectador. Cubierta arquitrabada y decorada con casetones. En el primer plano recoge la decoración con motivos vegetales y grutescos.
Paolo Ucello, Batalla de San Romano, 1438. Con la disposición desordenada y desconocimiento de la anatomía de los caballos para representar la figura en todas las posturas posibles. Animales muertos, heridos o en escorzo y las lanzas crean las líneas de fuga. El artista experimenta con el color y la luz.
La perspectiva lineal también influye en arquitectura o escultura. Ahora se tiene en cuenta la realidad y también el espacio desde el cual va a ser observado.
Leonardo da Vinci y la Perspectiva aérea ( punto de inflexión ). Tratado de la pintura
No solo la línea ni el volumen hay que tenerlo en cuenta, sino también la óptica (ojo humano que observa elementos alejados más pequeños que hacía que no se captara con mayor nitidez que uno cercano).
Frescos que decoran una pequeña capilla con escenas de San Cristóbal que fue destruida durante la IIGM, en Padua. A lo largo de 1990 y 2000 se pudo reconstruir y rehacer la capilla, con algunas zonas con lagunas que se perdieron.
David de Donatello, 1440.
Brunelleschi, San Lorenzo. La nave central crea una serie de líneas de fuga hacia los dos extremos de la iglesia. La simetría; el centro de la nave marca el eje de simetría de las dos partes del templo, las líneas de fuga está marcadas por el entablamento tanto el inferior como el superior.
cuerpo de ventanas correspondiendo a la clave del arco. Esa luz homogénea baña todo el edificio, complementándose con los óculos (vanos circulares).
Otro espacio contemporáneo es la sacristía vieja, realizada para ser el panteón de la familia Medici, (Cosme, su mujer e hijos). Lugar funerario con influencia romana (clásica). Brunelleschi crea una escarcela que juega con los contrarios frente a la cúpula vaída sobre pechinas.
Donatello en el centro de cada uno de los lados, tondos con escenas de la vida de San Juan. En el centro de los lados del arranque de la cúpula. Junto a cada uno de los tondos el escudo de los Medici.
En la cúpula de Donatello está decorada con un mapa o representación del cosmos en azul lapislázuli. Conchas en las pechinas. Terminará a partir de 1429-30 con la decoración de las puertas de acceso a la ceremonia, con dos grupos de relieves correspondiendo a los Santos médicos (San Cosme y San Damián). En correspondencia, también construirá la Capilla Pazzi en estos mismos años.
Podemos ver los modelos tradicionales de mundo clásico con gran arco de triunfo con acceso a la capilla.
Brunelleschi fue poco entendido por sus contemporáneos y a pesar de la fama vio fracasar muchos de sus proyectos. Ejemplo; Santo Espíritu. Construir una iglesia cerca del rio, mejorando el modelo, encontrándose frente a un solar en donde poder proyectar su obra. Planta basilical con cruz latina, sin elementos anexos, volumen homogéneo de tres naves, la articulación del muro aporta gran dinamismo, proyectando formas tan importantes al interior como al exterior, cerrando los muros con capillas anexas y ábsides semicirculares que recorren toda la iglesia. En el crucero encontramos cúpula semiesférica y no apuntada. No se limita a proyectar ese edificio, proyectando una enorme plaza frente a la fachada de la iglesia abierta frente al rio. Los gremios no aceptan esta novedad urbana, ya que quieren una iglesia con plaza abierta a la ciudad.
La bóveda está inserta en el cuadrado. Cubierta con cúpula que no se llegara a hacer.
BARTOLOMEO MICHELOZZO (1396-1472).
Llevó a cabo el proyecto del maestro de obra. Su proyecto más relevante fue la biblioteca del convento de San Marcos. Ve en el arte el símbolo de representación de poder, otro de los grandes núcleos es el convento dominico, cerca del hospital de los inocentes. Lugar especialmente protegido, con una serie de reforma. Pasa de ser un lugar oscuro de difícil trabajo a un espacio moderno y nuevo, longitudinal que recuerda a la estructura de las iglesias basilicales. El cuerpo de ventanas en el centro del muro. La misma intervención que en el claustro del convento que convierte un patio irregular en cuatro lados exactamente iguales, sobre orden jónico.
Palazzo Vecchio, Florencia*
- Palacio Medici-Ricardi. Una serie de novedades en la tipología de los palacios del Renacimiento florentino. El espacio se ordena y se racionaliza. El núcleo del palacio es el patio interior, en torno al cual se ordenan las estancias del palacio, esto produce una regularidad en planta y esta medida se traslada al resto del conjunto, de manera que los palacios del Renacimiento son volúmenes regulares de forma cuadrada o rectangular, aislados y exentos del espacio urbano. (Formados a las 4 calles). Al exterior, la fachada se convierte en otro gran elemento prioritario de los palacios florentinos, ya que no son solo las viviendas sino símbolo de poder de la familia y eso había que reflejarlo a través de la fachada. Por una parte, con la grandiosidad de la vivienda adquiriendo importante monumentalidad, y otro segundo elemento, a través de la razón/simetría/uso sistemático de los usos arquitectónicos, elementos que se repiten.
Los palacios tendrán ahora 3 alturas. El piso bajo el funcional, almacenes y servidumbre así como el acceso al propio palacio. Los dos pisos superiores corresponden a la vivienda de la familia, piso noble o intermedio donde se encuentran las habitaciones públicas del palacio, donde se encuentran las salas o capilla, el piso superior las habitaciones privadas de la familia.
Al exterior cada uno de estos pisos se ven definidos, con bandas horizontales, puesto que están ordenadas separadas por líneas de cornisa. Elementos visuales que el arquitecto utiliza para enmarcar y racionalmente entienda la arquitectura. Coronado/cerrado por una gran cornisa corrida superior que tiene función de remarcar el conjunto y proteger del sol y del agua la propia fachada.
También a través de la decoración; la sillería. La del piso bajo es una sillería rústica (menos terminada) frente al sillar perfectamente dispuesto de los pisos superiores.
Es un palacio de transición en el sentido de que el piso segundo y tercero se parece, y en el proyecto hay semejanzas con el piso inferior y el intermedio. Tosquedad del inferior frente a la esbeltez de los pisos superiores. Miguel Ángel remarca las dovelas de los arcos perfectamente marcadas. Se completa con la decoración de los escudos en la esquina con el símbolo de los Medici.
El palacio Pitti* manierista barroco.
LEON BATTISTA ALBERTI (1404-72)
Primer artista completo. Concepto de ventana abierta que defiende en su tratado. Con Fray Angelico.
El templo Malatestiano, Rímini (1447-50) Era una pequeña iglesia y la transforma como iglesia funeraria para Malatesta. Remodelando la iglesia prerrománica.
Predomino del muro sobre el vano, se sostiene sobre pilares, arranca la arcada de medio punto bajo el cual se encuentran los sarcófagos de la familia Malatesta.
Antecedente de Santa María Novella.
Alberti teoriza la idea de filosofía y arte en el mundo artístico. Perspectiva y nuevas técnicas de Roma. Alberti llega a la arquitectura en los últimos 20 años de tu vida, entre 1450-72, llega de forma directa. Va a crear en base a tres principios básicos;
- Monumentalidad: Las grandes proporciones y espacios arquitectónicos que toma de la arquitectura de la república romana. En su tratado comenta que en los edificios, el interior tiene que transmitir el sentido de grandeza y monumentalidad. Normalmente los espacios los cubre con sistemas abovedados. Defiende la primicia de la cúpula y bóveda, que permiten cubrir espacios con sentido homogéneo, sobre todo la bóveda de cañón. Se inspira en el Templo Malatestiano en Rimini donde es característico el uso de portes, arcos, elementos que Alberti usará tanto en el interior como en el exterior.
En sus tratados hay dibujos que acompañan la teoría que desarrolla.
En la moneda encontramos la fecha de datación del templo, en 1450, con el proyecto ideal que tenia Alberti cuando presento la reforma: arco de triunfo con cúpula cilíndrica (triunfo del príncipe).
Transformación de la fachada de Santa María Novella, Florencia 1455.
La familia encarga la terminación del convento que estaba a extra muros, haciéndolo muy respetuoso según la tradición, ya que la fachada ya está realizada en su parte inferior. El uso de la taracea, mármoles de colores, primer piso con arcadas (ya construido) con función funeraria, como características. Composición y armonía en sus elementos. Idea de belleza de Alberti conjunto armoniosamente colocado de cada uno de los elementos. Cualquier elemento tiene la misma importancia. La belleza viene de la composición (basada en la geometría y matemática).
Proporción áurea, cuerpo que se dibuja en el entablamento que separa el piso superior del inferior. El cuadrado se repite en la proporción áurea, posteriormente el rectángulo, los repite en elementos verticales y horizontales.
Las volutas/aletones y el entablamento unifican el conjunto del edificio. Sirviendo de unión visual. (También lo utilizaba Brunelleschi en el Hospital de los Inocentes).
Otro elemento es el óculo/rosetón. Alberti lo integra ubicándolo en el centro de la fachada, repitiéndolo dibujado en diferentes elementos (aletones y en el centro de la fachada).
Villa de Poggio a Caiano (1483)- Trabajó en muchas zonas de influencia de Florencia y en villas en toda la Toscana. El prototipo de Villa del Renacimiento, construida para Lorenzo El Magnífico, terminada en el año 1485. Unión entre arquitectura y naturaleza. Las villas florentinas es un lugar dedicado al descanso y al estudio, sin explotaciones agrarias. Son el antecedente de las villas que en Venecia construirá Paladio décadas después. A pesar de ser un lugar en el campo, en estas villas no se renuncia a la monumentalidad y utilización de elementos simbólicos procedentes del Mundo Clásico vistos solamente en iglesias. (Frontón, loyas, pórticos).
Sentido abierto y comunicación con la naturaleza, con esquema de fachada de palacio urbano. En este caso, al estar en la naturaleza el piso inferior esta porticado y no cerrado completamente. La diferencia es el cuerpo central de acceso con un pórtico coronado por un frontón.
Palacio Strozzi realiza en 1488. Culmen y consolidación de esta tipología de palacios. Influencias con el palacio Medici en las fachadas, en el trabajo de la sillería de piedra, como los pisos superiores en el palacio Rucellai. La simetría con la portada de acceso, una a cada uno de los lados, en el centro simétrico de la fachada. Se convierte en un telón escenográfico de la ciudad. Eran unidades aisladas, posteriormente se añade edificios.
Desde el punto de vista interior, correspondiendo con una vivienda unitaria que cuida el interior y el exterior, el patio interior es la unidad de distribución de las habitaciones de todo el palacio. Utilización del bicromatismo.
16/03/
Giuliano da Maiano. Palacio Venezia. Cardenal Marco Barbo (Papa Paulo II) 1455.
Parte inferior que adquiere un carácter público por estar destinado a la administración. Se convierte en el cardenal de la república y la sede diplomática frente al Vaticano.
Destacan en estos palacios los cortiles, patios que representan en clasicismo de Florencia, Ej: interior de este palacio, aunque la fachada no se sabe quien es su autor, sabemos que Da Maiano y Rosellino transladan aquí con elementos normativos dos pisos abiertos a base de loyas de espacios porticados, algo que se repetirá, la sucesión de órdenes, el modelo más seguido será el modelo del Coliseo.
En las salas, sobre todo en la central, tanto en el piso inferior como superior, encontramos pinturas de Pisanello, que además del clasicismo aporta los colores que habían aparecido en las domus romanas.
El palacio más representativo en estos años finales del siglo XV será el de la Cancillería. 1483-1513 mandado construir por el Cardenal Rafael Riario, sucesor del papa, pero al morir joven no llega a ese cargo. Encarga esta residencia para crearlo en uno de los tribunales papales internacionales, hasta la actualidad ha sido uno de los tribunales del Vaticano. La Cancilleria recuerda mucho al Palacio Rucellai de Florencia, porque recoge el modelo de tres pisos cerrados, aislados, separados por una banda de cornisas muy decorada en este caso, y que presenta novedades y diferencias, frente a la homogeneidad, el trabajo de la piedra es perfecto a hueso, aquí en el piso bajo no presenta el cuerpo continuado por los demás pisos. En el proyecto principal encontramos dos puertas. Encontramos que el tratamiento de la fachada es diferente al aparecer pares de columnas, no pilastras, es diferente ya en el proyecto inicial. El piso bajo es diferente ya que es corrido, decorado por un cuerpo de vanos, como los tradicionales palacios florentinos. Tampoco es Albertiano el ritmo de las pilastras, ya que este repetía el módulo en los dos cuerpos superiores de la fachada, aquí el arquitecto juega con las pilastras, sin embargo los dos pisos superiores siguen siendo iguales. Otras de las características es que reutilizan materiales clásicos, de antiguos monumentos romanos, aquí encontramos del Circo de Diocleciano y Teatro de Marcelo.
El interior del palacio, en el cortille, las mayorías de las columnas proceden de otros edificios, son de mármol e incluso algunas de mármol rosa de Egipto. El proyecto se debe a diferentes arquitectos, que trabajaban con el papa: Baccio Ponteli, Bramante, Fontana y Francesco G. Martini. Es un patio que para muchos responde a los modelos Florentinos, muy simétrico, con dos lados mayores y dos menores, a base de columnas muy estilizadas sobre las que arrancan arcos de medio punto, con tondos en su enjuta donde vemos rosas, símbolo de la familia. Los tres pisos son originales, aparece el cerramiento en el tercer piso, las columnas son transformadas en columnas adosadas, y marcando el ritmo florentino, el orden se sigue y sobre la clave del arco hay una ventana alquitranada.
Hay tres espacios públicos en los que se trabaja, ahora veremos la última de las líneas de Sixto IV. Hospital del Santo Espíritu. Sixto IV. 1475-79. Escuela de los Sajones. Orden de los Hospitalarios. Ahora se construye una serie de edificaciones a recibir a peregrinos y enfermos que llegan a la ciudad, y de beneficencia por recoger a pobres hasta el punto de saber que se instaura la costumbre de que estas personas, pasados un tiempo se les obligaba a pagar por ocupar un espacio. Las reconstrucciones más importantes es este Hospital, para el año jubilar, creando una arquitectura monumental que lleva a cabo el papa. Lo que hace es recoger una de las piezas cercanas al Vaticano, tradicionalmente ocupado este lugar por población inglesa, reconstruyendo un lugar muy importante, racional, porque la que pide construir consistía en un gran hospital ordenado en planta rectangular donde hubiese una gran sala central de grandes dimensiones donde pudiese albergar los enfermos masculinos y femeninos, se adelanta a la idea renacentista de separación por sexos. En el centro construye la iglesia del hospital. El centro del espacio de todo el hospital es un patio que permite airear y conseguir las condiciones sanitarias y de habitabilidad que correspondía a un hospital, restaurado en los años '80 y que conserva todavía los símbolos del papa. El exterior es poco llamativo, hay un pórtico que rodea el espacio de la iglesia, el cimborrio o torre era el espacio que servía para separar un ala de otra. Esa gran sala estaba decorada a base de un ciclo de frescos de diversos pintores, que llama la atención por no tener la fama de otros pintores que trabajan para este papa. Encontramos escenas que recogen vidas de santos relacionados con milagros, y otras escenas con relación hospitalaria, también aparece el propio papa Sixto IV.
*Obra de Melozzo da Forli, 1477, hecho en el que aparece, siguiendo los modelos clásicos, el papa sentado sedente, de perfil, entregando las llaves de la biblioteca al humanista Plátina, primer director de la biblioteca Vaticana. Este hecho supuso uno de los momentos culminantes para el papa Sixto IV, la inscripción de la parte inferior del cuadro menciona que el propio papa se sentía un humanista. Son acompañados por otras figuras que complementan el papado: Giovani della Rovere (futuro Julio II) y el otro cardenal Rafael Riario, personajes que se encuentran de pie junto al papa.
El anterior hospital será un precedente para los demás hospitales en el resto de Europa. Marcó un cambio a la cercanía de la arquitectura sanitaria.
Hospital Mayor de Milán. Filarete. Será el arquitecto que transforme la arquitectura de la segunda mitad del siglo XV. Será más que un arquitecto, un transformador urbano, un ingeniero. Uno de sus encargos será construir un hospital público para la ciudad, promovido por la familia de los Sforza. Mezcla lo nuevo con lo que era la anterior Milán de la Edad Media. Crea esta obra como espacio totalmente racional, un espacio nuevo que podemos conocer gracias al modelo que presenta en su tratado, hospital también de beneficencia.
Su planta será una de las bases que inspiraron el Escorial, en este caso porque el espacio se realiza en una serie de alas, pero en este caso espacios independientes separados por un gran patio. Como si fuera un claustro que separa en cuatro jardines, o lugares abiertos.
Hospital Tavera en Toledo, sigue el modelo del de Filarete, donde aparece la fachada que da acceso a través de una doble arcada a la fachada monumental de la iglesia. La cúpula es lo que más llama la atención.
Fin del Roma en el siglo XV.
Venecia, San Miguel.
Aquí llega el renacimiento de forma tardía, además se llegó a pensar que aquí no había existido el renacimiento. En este momento hay dos arquitectos en Venecia que aportan esta forma de construcción del renacimiento: Piero Lombardo y Coduci. La gran protagonista de las transformaciones es la propia ciudad, porque es una ciudad que había sido construida y ampliada de una forma muy costosa, mediante la unión de pequeños islotes que dificultaban la vida de la ciudad pero a la vez se convertía en una defensa propia. En su mayoría es una construcción humana y no natural. Además, Venecia se consideró durante mucho tiempo que era la extensión natural del Imperio Bizantino, desde la Edad Media, por lo que en esta influencia encontremos en el renacimiento aparezcan características de la Edad Media.
Detrás de esta iglesia se encuentra el cementerio, delante de él se construyó en la segunda mitad del siglo XV esta iglesia. Llama la atención la cúpula, de cebolla, propia del mundo oriental, el campanille coronado por una esfera cilíndrica, y el tipo de fachada no contiene el frontón triangular, sino semicircular, la utilización de la piedra o mármol, encontramos la separación de los espacios interiores a base de grandes pilastras adosadas que recorren todo el piso
