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Resumen de EL PLANO: LA PUESTA EN ESCENA
De todas las técnicas cinematográficas la puesta en escena es con la que más nos familiarizamos y sus elementos son los que recordamos con mayor claridad.
¿QUÉ ES LA PUESTA EN ESCENA? Es el control del director sobre lo que aparece en la imagen fílmica. Incluye aquellos aspectos del cine que coinciden parcialmente con el arte teatral: los decorados, la iluminación, el vestuario y el comportamiento de los personajes.
REALISMO. Los espectadores a menudo juzgan la puesta en escena según el grado de realismo. Sin embargo, el realismo como criterio de valoración plantea varios problemas: la noción de realismo varía según la cultura, la época o los propios individuos. Además, insistir en el realismo para todas las películas puede cegarnos ante la vasta gama de posibilidades de la puesta en escena (hay pelis que no son realistas pero son buenas). Por tanto, es mejor examinar las funciones de la puesta en escena que rechazar cualquier elemento que no se adecúe a nuestra idea de realismo.
EL PODER DE LA PUESTA EN ESCENA. La puesta en escena posee la facultad de trascender las concepciones habituales de la realidad. A Georges Méliès le permitió crear un mundo totalmente imaginario en el cine. Tras construir una cámara similar a la de los Lumière, Méliès comenzó filmando momentos de la vida cotidiana, hasta que se decantó por el ilusionismo cinematográfico. Recurriendo a su experiencia teatral, construyó uno de los primeros estudios cinematográficos (Star Film); y su deseo de crear efectos mágicos le llevó a controlar todos los elementos de la puesta en escena.
ASPECTOS DE LA PUESTA EN ESCENA
Las posibilidades de selección y control que ofrece la puesta en escena son: decorados y escenarios, vestuario y maquillaje, iluminación, y expresión y movimiento de las figuras.
DECORADOS Y ESCENARIOS
Los decorados y escenarios desempeñan un papel más activo en el cine que en la mayoría de los estilos teatrales. Los decorados cinematográficos pueden pasar a ocupar el primer plano; no tienen por qué ser simples receptáculos de acontecimientos humanos, sino que pueden entrar a formar parte de la narrativa de forma dinámica [Ej. Planetas de Star Wars].
El cineasta puede manejar los escenarios y decorados de muchos modos; puede seleccionar una localización ya existente y escenificar en ella (hoy en día los cineastas filman a menudo en exteriores), o pueden construir decorados.
Los decorados pueden manejarse de muchas formas: pueden estilizarse para armonizarlo con otros elementos de la puesta en escena [si hay 6 personajes en una casa, el salón no puede medir 4 metros cuadrados], los decorados pueden sobrepasar a los actores [Star Wars] o se pueden eliminar por completo [Dogville]. Además, no siempre es necesario construir los escenarios a tamaño natural [Blade Runner, maquetas].
Al manipular el decorado de un plano, el cineasta puede crear atrezzo (cuando un objeto del decorado opera de forma activa en la acción). A lo largo de la narración un objeto del decorado puede acabar convirtiéndose en atrezzo.
El color también puede ser un componente importante de los decorados. Cuando el cineasta utiliza un color para crear paralelismos entre elementos del decorado, este puede llegar a estar asociado con varios elementos del atrezzo [azul y metanfetamina en BB]. La recurrencia al color crea una serie de motivos naturales en torno al drama.
VESTUARIO Y MAQUILLAJE
Al igual que los decorados, el vestuario desempeña funciones concretas en toda la película y su gama de posibilidades es enorme. Un vestido victoriano puede situarnos en el contexto de una época, y si está raído y descolorido puede hablarnos sobre la pobreza del personaje que lo porta. Por otro lado, el vestuario puede ser bastante estilizado y llamar la atención simplemente sobre sus cualidades gráficas.
El vestuario puede asignar elementos del atrezzo al sistema narrativo de la película. Los géneros cinematográficos hacen un amplio uso de los accesorios del vestuario [El sombrero vaquero en el western].
El vestuario está a menudo estrechamente relacionado con el decorado. Puesto que el cineasta normalmente quiere poner de relieve las figuras humanas, el decorado puede proporcionar un fondo más o menos neutral, mientras que el vestuario ayuda a destacar a los personajes. El diseño del color es particularmente importante en este caso. El director también puede optar por armonizar los colores del decorado más estrechamente. Al integrarse dentro del decorado, el vestuario puede funcionar para reforzar las estructuras narrativas y temáticas de la película. [Teoría de que cuando un personaje va a morir, viste de negro]
Todas estas características se aplican también al maquillaje. En un principio, el maquillaje era necesario porque las caras de los actores no se registraban bien en las primeras tiras de película. Y hasta el presente se ha utilizado de diferentes modos para destacar el aspecto de los actores en la pantalla.
Tanto el uso como la ausencia de maquillaje afectan a la puesta en escena. Otra función del maquillaje es lograr que los actores se parezcan a personajes históricos (o de novelas que se trasladan a la gran pantalla). Puede aportar realismo o no. Las mujeres llevan a menudo un maquillaje que se asemeja a la cosmética que esté de moda en ese momento, mientras que el de los hombres está concebido para que parezca que no llevan ninguno. Por su parte, el maquillaje estrafalario desempeña un importante papel en las convenciones del género de terror. En años recientes, la técnica del maquillaje se ha desarrollado en respuesta a la popularidad de los géneros fantástico, de terror y ciencia ficción. En estos contextos, el maquillaje al igual que el vestuario, son importantes para crear los rasgos del personaje o motivar la acción del argumento.
ILUMINACIÓN
Gran parte del impacto de la imagen se debe a la manipulación de la iluminación. En el cine, la iluminación es algo más que la luz que nos permite ver la acción. Las zonas más claras y oscuras del fotograma contribuyen a crear la composición global de cada plano y dirigen nuestra atención hacia determinados objetos y acciones. Una zona brillantemente iluminada puede atraer la mirada hacia un gesto clave, mientras que una sombra puede ocultar un detalle o crear suspense sobre lo que puede esconderse ahí. La iluminación también puede definir texturas y dar forma a los objetos creando reflejos y sombras. Estos contribuyen a figurar nuestra sensación del espacio de una escena.
Hay dos tipos de sombras y ambos son importantes en la composición fílmica:
- Sombras inherentes (sombreado): Cuando la luz no consigue iluminar una parte de un objeto debido a la forma o las características de su superficie. [Una habitación a oscuras y una vela que le ilumina la cara a alguien pero no el resto del cuerpo]
- Sombras proyectadas : Las sombras que se proyectan en una pared. [La forma de la persona iluminada por la vela se proyecta en la pared de detrás]
La luz tiene cuatro características principales: cualidad, dirección, fuente y color.
- Cualidad : Hace referencia a la intensidad relativa de la iluminación. La iluminación “dura” crea sombras claramente definidas, mientras que la iluminación “suave” crea una luz difusa.
El director también puede controlar el comportamiento de varias figuras de la puesta en escena (no solo humanos, sino animales, objetos animados, etc.). En la animación esto se consigue gracias a la filmación fotograma a fotograma.
Aunque las formas abstractas y las figuras animadas pueden llegar a ser muy importantes en la puesta en escena, los ejemplos más familiares de movimiento y expresión de las figuras son los actores interpretando papeles. La interpretación de un actor consta de elementos visuales (apariencia, gestos, expresiones faciales) y sonoros (voz, efectos). La interpretación se aborda a menudo como una cuestión de realismo; aunque no siempre es provechoso juzgar la interpretación de un actor por lo que sería un comportamiento verosímil en el mundo fuera de la sala de cine, ya que la noción de realismo cambia según la época, el lugar y la propia intención de la película (si una película no pretende ser realista, la interpretación no lo será). Si queremos valorar las interpretaciones de los actores, podemos aplicar este criterio: si el actor se parece y se comporta de la forma apropiada a la función de su personaje en el contexto de la película, el actor habrá ofrecido una buena interpretación, se parezca y se comporte o no como un personaje real. Una interpretación combina generalmente los gestos corporales con las expresiones faciales.
Podemos considerar los estilos interpretativos como: individualizados y estilizados. Aunque a menudo consideramos como buena interpretación aquella que crea papeles individualizados (creación de un personaje único y destacado), muchas tradiciones cinematográficas dan gran importancia a la creación de tipos más amplios y anónimos. De hecho, la narrativa clásica de Hollywood se basaba en personajes estereotipados (el poli irlandés, el sirviente negro…). En el cine soviético se utilizó la tipificación de los personajes, de forma que el actor retrataba a un representante típico de una clase social o movimiento histórico (el nazi malvado, el burgués ricachón…). Algunas películas pueden combinar diferentes grados de estilización. La estilización puede significar la utilización de la extroversión y la exageración, pero una actuación muy contenida puede ser igualmente estilizada.
Las motivaciones psicológicas son importantes en la interpretación: las interpretaciones introspectivas se construyen en torno a gestos vagos y pequeños cambios de expresión muy adecuados para una película sobre personajes que intentan definir y expresar sus sentimientos. Emociones más intensas y con motivaciones más fuertes llevan a gestos más exagerados. Las interpretaciones se adecúan perfectamente al género, la narración y el estilo de la película (por ejemplo, en una comedia habrá mayor estilización). Al examinar cómo funciona la interpretación de un actor en el contexto de toda la película, también podemos advertir cómo coopera la interpretación con otras técnicas cinematográficas [ejemplo del tío que se queda con los ojos muy abiertos y le ponen delante un postre, una chica sexy y una pistola]. Las técnicas de la cámara también crean un contexto decisivo para la interpretación: la interpretación cinematográfica es diferente de la teatral, el actor de cina será más contenido, porque la cámara puede filmarle de cerca; sin embargo el actor de teatro hará gestos y movimientos más exagerados ya que el espectador le ve desde lejos y no puede apreciar gestos pequeños.
Los elementos de la puesta en escena que hemos mencionado anteriormente rara vez aparecen aislados; normalmente cada uno se relaciona con los demás para crear un sistema concreto en todas las películas.
LA PUESTA EN ESCENA EN EL ESPACIO Y EL TIEMPO
Nuestro sistema visual está adaptado para percibir el cambio, tanto en el tiempo como en el espacio. Además, la mirada es algo intencionado: nuestras suposiciones y expectativas sobre lo que buscamos nos
conducen a mirar algo concreto. Estas, a su vez, se basan en nuestras experiencias previas de las obras artísticas y el mundo real. El sonido también puede atraer la atención hacia zonas de la imagen de diferentes modos. La lengua escrita también puede condicionar las expectativas del espectador [Como la intro de Star Wars]. La puesta en escena contiene un gran número de factores puramente espaciales y temporales para guiar nuestras expectativas y condicionar nuestra visión de la imagen.
EL ESPACIO
La disposición de la puesta en escena crea la composición del espacio en la pantalla. Esta composición bidimensional consiste en la organización de formas, texturas y patrones de luz y oscuridad. Representa un espacio tridimensional en el que trascurre la acción. Como la imagen proyectada en la pantalla es plana, la puesta en escena tiene que dar al espectador ciertas pistas que le permitan deducir la tridimensionalidad de la pantalla, condicionando nuestra percepción del espacio representado y poniendo de relieve ciertas partes de él.
Nuestra visión se adapta a cambios de varios tipos: movimiento, diferencias de color, equilibrio de los diferentes componentes y variaciones de tamaño. Un objeto que se mueve atraerá más la atención que uno estático.
También se pueden explotar los principios del contraste de color para condicionar nuestra percepción del espacio de la pantalla. Los colores brillantes contrapuestos sobre un fondo más tenue atraen nuestra mirada. Cuando los valores de luminosidad son iguales, los colores cálidos llaman más la atención que los fríos. A veces el cineasta abordará el diseño del color en términos de lo que los pintores denominan paleta limitada. Esto implica unos pocos colores que no contrasten (tal vez, junto al blanco, marrones, grises o negro). La paleta limitada permite al espectador distinguir más sutilmente la intensidad o saturación de la composición. El uso extremo de la paleta limitada se denomina diseño del color monocromático cuando lo único que varía de un color es du pureza o luminosidad. Las películas en blanco y negro también confían en nuestra sensibilidad para percibir los cambios de tonalidades. Normalmente, las formas más claras atraen nuestro interés mientras que las oscuras se desvanecen. Sin embargo, las formas oscuras también pueden sobresalir, si están claramente definidas y colocadas frente a un fondo luminoso.
El equilibrio composicional hace referencia al grado en que las áreas del espacio de la pantalla han distribuido por igual masas y puntos de interés. Los cineastas presuponen a menudo que el espectador se fijará más en la mitad superior del fotograma, por lo que este necesita menos relleno que la parte inferior. Puesto que el plano cinematográfico está compuesto dentro de un rectángulo horizontal, normalmente el director se preocupará de equilibrar las partes izquierda y derecha. La forma más sencilla de conseguir un equilibrio composicional es centrar la imagen en el cuerpo humano; se coloca una figura en el centro del cuadro y se reduce al mínimo los elementos que distraigan a los lados. Otros planos pueden equilibrar dos o más elementos, provocando que la vista vaya de un lado a otro [dos protagonistas en medio de la pantalla]. También suelen llamar más la atención las personas que están de pie que las que están sentadas. Lo normal es que la composición sea equilibrada, pero los planos desequilibrados también pueden determinar firmemente nuestra sensación del espacio en la imagen.
El esfuerzo de la vista por observar las diferencias también afecta a nuestro sentido del tamaño dentro de la imagen; captaremos primero las formas más pequeñas y luego las más grandes. Sin embargo el movimiento, el color o el equilibrio pueden restar importancia al tamaño como un elemento composicional y pueden dirigir nuestra atención hacia zonas muy pequeñas de la pantalla.
Los factores de la imagen que contribuyen a crear esta sensación del espacio se denominan pistas de profundidad. Estas sugieren que un espacio tiene volumen y varios planos diferentes. Una película abstracta que no utilice formas derivadas de objetos cotidianos puede crear una composición sin sensación de volumen. Las pistas de profundidad también ponen de relieve planos dentro de la imagen. Solamente una
normas rígidas y una película puede sorprender con una puesta en escena poco convencional. [Si Will Smith en vez de interpretar a un bueno o a un graciosillo interpretase a un malo sanguinario]
La puesta en escena no funciona en momentos aislados, sino en relación con el sistema narrativo de toda la película. La ley de la hospitalidad ejemplifica cómo la puesta en escena puede exponer de forma económica la narración y crear un esquema de motivos [por ejemplo, en una comedia habrá gags (algo que transmite humor a través de imágenes)]. Un elemento individual casi siempre cumple varias funciones, no solo una [la iluminación no solo ilumina sino que transmite emociones, etc.]. De acuerdo a la ley de hospitalidad, los decorados ayudan a dividir la película en escenas y a contrastar la mismas [no sirven solo para rellenar al fondo o crear un contexto, sino que tienen muchas funciones]. Cada decorado o escenario está motivado por el sistema de causas y efectos, paralelismos y contrastes y desarrollo global de la narración. La misma motivación narrativa se advierte en el uso del vestuario. La iluminación de La ley de hospitalidad desempeña funciones generales y concretas. Cada gesto del comportamiento de los personajes funciona para apoyar y hacer avanzar la cadena causa-efecto de la narración. La película puede utilizar la disposición de las figuras y los decorados con profundidad para presentar dos hechos de la narración simultáneamente; en la misma imagen vemos la causa y el efecto [cuando en Ice Age 2 la manada habla sobre si llevar a Elie y las zarigüeyas con ellos y Elie hace lo mismo con sus hermanos]. Todos estos recursos en pro de la economía narrativa unifican enormemente la película, pero hay otros elementos de la puesta en escena que funcionan como motivos concretos [al principio de la peli Ace Age 3 Manny le dice a Elie que diga “melocotón” cuando rompa aguas y al final la hija se llama Melocotón]. La ley de la hospitalidad estructura los motivos [en Star Wars III Anakin se hace sith para salvar a Pacme de morir y al final ella muere porque Anakin se hizo sith].
El espectador que quiera estudiar la puesta en escena deberá examinarla de forma sistemática. Hay que observar cómo se presentan en una película concreta el decorado, el vestuario, la iluminación y el comportamiento. Para empezar, podemos intentar seguir solamente un tipo de elemento (por ejemplo, la iluminación) a lo largo de todo el filme. También deberíamos reflexionar sobre la estructuración de los elementos de la puesta en escena. ¿Cómo funcionan? ¿Cómo constituyen motivos que se entretejen a lo largo de la película? Además, deberíamos advertir la forma en que está estructurada en el espacio y el tiempo para atraer y guiar la atención del espectador a lo largo del proceso de ver la película y crear suspense o sorpresa. Finalmente, intentaremos relacionar el sistema de la puesta en escena con el sistema narrativo de la película.
SOBRE LOS ORÍGENES DE LA PUESTA EN ESCENA
La puesta en escena se remonta al teatro del siglo XX: mise-en-scène.
SOBRE EL REALISMO EN LA PUESTA EN ESCENA
Muchos teóricos del cine lo han considerado como el medio realista por excelencia; para ellos, el poder del cine radica en su capacidad para presentar una realidad reconocible. El teórico realista, de este modo, a menudo valora la autenticidad en el vestuario y los decorados, la interpretación “naturalista” y la iluminación no estilizada. Según Perkins la función primaria del decorado es proporcionar un entorno creíble para la acción. Aunque la puesta en escena es siempre producto de la selección y elección, la teoría realista puede valorar al cineasta que cree una puesta en escena que se parezca a la realidad. Bazin considera ciertos filmes fantásticos como realistas porque en ellos lo que es imaginario en la pantalla tiene densidad espacial de algo real. Estos teóricos, asignan al cineasta la labor de representar una realidad histórica, social o estética mediante la selección y disposición de la puesta en escena.
LA ESCENIFICACIÓN Y NO ESCENIFICACIÓN EN LA PUESTA EN ESCENA
La distinción entre cine “documental” y de “ficción” a menudo reside en la diferencia entre “escenificación” y “no escenificación”. En una película de ficción el cineasta controla por completo la puesta en escena, pero el cine documental pretende presentar los acontecimientos sin una escenificación previa. Los cineastas de
documentales no tenían este control sobre el acto y hacían las elecciones mediante otras técnicas: montaje, trabajo de cámara y sonido. La mayoría de las películas que vemos, sin embargo, utilizan la puesta en escena, que se emplea en las películas de acción real pero también en las de animación y abstractas. A su vez, las películas de animación constituyen el caso límite de control sobre la puesta en escena: es el tipo de cine con mayor control que existe. La combinación de filmación con acción real con animación por ordenador [Terminator, Star Wars, Harry Potter…] promete hacer posible una nueva gama de efectos cinematográficos.
ASPECTOS CONCRETOS DE LA PUESTA EN ESCENA
El tipo de comportamiento de los personajes más comúnmente discutido es la interpretación. // El tema del estudio de la iluminación se ha abordado desde diferentes puntos de vista.
PROFUNDIDAD
Los historiadores vienen estudiando desde hace tiempo cómo se puede crear una imagen bidimensional para sugerir un espacio en profundidad. La historia de la pintura occidental de Dunning pone de relieve la manipulación de cinco técnicas: la perspectiva lineal, el sombreado, la separación de planos, la perspectiva atmosférica y la perspectiva del color. La comprensión crítica de estas cualidades no se produjo hasta los años cuarenta, cuando Bazin hizo una llamada de atención sobre el espacio anormalmente profundo que utilizaban los directores en sus películas. Al ofrecernos la profundidad y la uniformidad como características analíticas, Bazin aumentó nuestra comprensión de la puesta en escena.
EL DISEÑO DEL COLOR
Los cineastas han considerado desde hace mucho al color como un importante aspecto de la puesta en escena, capaz de proporcionar motivos que se desarrollarán a lo largo de la película. En la creencia de que el color evoca emociones concretas. Mamoulian afirmaba que el director debía desarrollar un plan cromático completo para la película.
LA COMPOSICIÓN DEL CUADRO Y LA MIRADA DEL ESPECTADOR
El plano cinematográfico es como el lienzo de un pintor: hay que rellenarlo de forma que lleve al espectador a advertir ciertas cosas. Por esta razón, la composición cinematográfica debe mucho a los principios desarrollados en las artes gráficas. Bazin sugería que los planos puestos en escena con profundidad de campo y totalmente enfocados conceden al ojo del espectador mayor libertad que los planos más uniformes y con menos profundidad. La investigación psicológica sobre la percepción pictórica sugiere que los espectadores exploran las imágenes de acuerdo con pistas específicas. En el cine, las pistas visuales estáticas referentes a “cuándo mirar a dónde” se refuerzan o socavan mediante el movimiento de los personajes o de la cámara, mediante la banda de sonido y el montaje y mediante la forma total del filme.
