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Siglo XVIII
Tema 1
El Rococó es el primer gran estilo que triunfa en el siglo XVIII. Def: Estilo decorativo, delicado, ligero y elegante que sucedió al Barroco y precedió al Neoclasicismo. En Francia se le conoce como estilo de Luis XV. Se le caracteriza por la ligereza, gracia, alegría e intimidad. Fantástico, audaz, pictórico, sensual, frívolo y teatral. Hay autores como Kimball que consideran al Rococó como una fase tardía del Barroco, en cambio, otros como Sedlmayr o Baouer lo consideran un estilo independiente, como una reacción contra la pomposa seriedad del siglo anterior. A diferencia de otros estilos, el Rococó apareció primero en las artes decorativas, luego se trasladará a la arquitectura, escultura y la pintura. Aún así, las manifestaciones más importantes serán conjuntos de decoración. Surge en Francia hacia 1700. No se difunde por el resto de Europa hasta 1730. El máximo apogeo será entre 1720 y 1750 en Francia. En el resto de Europa, el Rococó durará hasta finales del siglo XVIII. El término rococó empezó a utilizarse en el siglo XVIII como una derivación burlesca de la palabra “rocaille”, ésta designaba las decoraciones en forma de concha ondulante y asimétrica utilizadas en grutas y jardines desde manierismo. Por lo tanto tuvo una connotación peyorativa. Rococó significaba excesivamente adornado y con mal gusto. En la segunda mitad del XIX el rococó pasará a tener un sentido más neutral y descriptivo. En arquitectura se manifiesta más en la decoración de interiores que en la arquitectura puramente externa. Éstos están poblados de curvas asimétricas y abundante decoración. Aunque hay notables ejemplos de arquitectura, sobre todo en centro Europa: el Pabellón de Sanssouci (Potsdam, de Federico II el grande, 1745-47) fue construido por G.W Von Knobelsdorff; o por ejemplo también Zwinger (Dresde, 1709) es un gran patio para espectáculos rodeado por pabellones realizado por M.D Pöppelmann y las esculturas de B.Permoser. Y en España el Palacio del Marqués de Dosaguas en Valencia, de el arquitecto Hipólito Rovira entre 1970-74, con Ignacio Vergara en la escultura. El rococó constituye un estilo de interiores basado en la profusión decorativa. Comparte con el Barroco la afición por la complejidad formal pero, en lugar por un interés por la solidez y el volumen, insiste en la plasmación de un juego de superficie muy delicado. Desparecen los colores sombríos y los dorados en exceso y prima pintar y decorar los interiores con tonos pastel (rosa, azul celeste, verde...) todo ello combinado con el blanco y con el oro. El resultado es más etéreo y frívolo. También hará uso de los materiales fingidos o “falsos materiales”, a diferencia del Barroco. Así generará espacios de gran riqueza decorativa. Normalmente frente al mármol de verdad, son mármoles fingidos o estucos o maderas pintadas o talladas. Permite un abaratamiento de los costes y el resultado estético es espectacular. El rococó es un arte de apariencias, en el que lo ficticio se hace realidad. Podemos decir que la rocailla y los materiales fingidos, los detalles pictóricos son elementos consustanciales con la arquitectura rococó. Las curvas y contracurvas llenan los espacios arquitectónicos a la vez que la moda de lo exótico se impone. Sobre todo la chinería, los detalles chinescos estaban de moda. La decoración de los grandes palacios y mansiones (hoteles en Francia) se llena de muebles lacados, porcelanas y espejos. Frente a la excesiva grandilocuencia de la corte de Luis XIV en Versalles la aristocracia francesa de comienzos del siglo XVIII que se instalará de nuevo en los hoteles parisinos.
Abominan de la solemnidad del Barroco e incorporarán este estilo nuevo. Por ejemplo el Hôtel de Crozat, el de Soubise, el de Matignon y el de Rohan. Están deseosos de una vida privada en interiores lujosos y refinados. Son interiores informales, de proporciones más reducidas, cubiertos por una decoración de rocalla ondulante y asimétrica. Los techos son más bajos, los suelos se recubren de parquet y las paredes de boiseries (paneles de madera decorados y tallados). El rococó creará ambiente homogéneos plenamente integrados, donde arquitectura, decoración y mobiliario son pensados al unísono. Buscan siempre la fusión de las artes. Arquitectura, pintura y artes decorativas a menudo forman un todo indisoluble, donde los espejos sirven para unificar y amplificar las decoraciones. Desaparecen los órdenes clásicos, los entablamentos y la decoración trepa hasta los techos abovedados. Ejemplos: el salón de la princesa o oval del Hôtel de Soubise en París, el arquitecto fue G.Boffand y las pinturas son de C.J Natoire el salón es de 1735. Otro ejemplo es la sala de los espejos del Amalienburg, un pequeño pabellón de caza en los jardines de Nymphenburg a las afueras de Munich entre el 1734-39, construido por François de Cuvilliés. Otro ejemplo es la Kaisersaal del Palacio de la Residenz de Wüzburg, realizado por B.Newmann aunque los techos y fresco son de Tiépolo, se decora en 1749-1753. Por último la cámara de Carlos III o Cámara de Gasparini, éste fue el diseñador, del 1769 y concluido a principios del XIX. En Francia se inicia el cambio con la regencia de Felipe de Orleans, surge lo que llamamos el estilo Regencia (style Regence) considerado como la primera fase del rococóo francés. Felipe se traslada a París y se instala en el Palacio Real. Romperá con la pompa oficial de Versalles y crea “petit appartements” en un estilo más sofisticado e intimista, son pequeños gabinetes con un gran sentido de la elegancia y la comodidad. Surge entonces la palabra confort. Pretende llevar una vida privada, no pública. Hace las habitaciones más pequeñas que remplazan los enormes salones del palacio de Versalles. Trae consigo un cambio en el mobiliario francés, que son más cómodos, aparecen pequeños cuadros de gabinete. Hay tres nombres muy importantes que llevan esto a la práctica, Oppenordt arquitecto, Walteau y Cressant ebanista. El rococó busca lo que llamamos “la dulzura de vivir”, esto lo heredarán también Luis XVI y María Antonieta. Los gabinetes tenían preciosos muebles, estaban muy decorados, bronces, relojes, porcelanas, y cuadros de gabinete. Los cuadros ya no eran solemnes sino que eran retratos desenfadados, temas pastoriles, fiestas galantes, pintura erótica, personajes de la comedia del arte. Onnemanistes son los adornistas y diseñadores. En Francia hay algunos que son los verdaderos creadores y difusores del estilo: Gilles-Mame Oppenordt (1672-1742) es el más importante de la regencia, fue gran dibujante y arquitecto. Diseñó muchos interiores domésticos, por ejemplo las del Palacio Real de París, habiendo entrado al servicio del regente en 1715. No es un rococó pleno sino arcaizante. Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), es uno de los principales creadores del rococó, creó el género pintoresco junto con Pineau, estó dará lugar a la segunda fase del rococó en Francia, que es más caprichosa y anticlásica. Conforma un rococó exuberante vivaz y frívolo. Nicolas Pineau (1684-1754) Jean-Baptiste Pillement (1728-1808), fue un pintor creador de los motivos de chinerías. Es el diseñador de temas más fantasiosos. Sus dibujos se difundieron por toda Europa a través de grabados, fueron muy utilizados en sedas, en porcelanas, ebanistas... También realizó las singeries (monerías), los monos sueles adoptar actitudes humanas. Normalmente se combinan ambas tendencias, por ejemplo en el Salón de Porcelanas del
Imágenes:
- Diseños de Rocalla
- Pabellón de Sanssouci en Potsdam: casa campestre al modo de las casas de recreo francesas. Construcción de un solo piso sobre una colina escalonada con viñedos. Sanssouci en francés significa sin preocupaciones. El centro del pabellón lo compone una rotonda cupulada a la francesa con dos salas laterales. Tiene grandes ventanales arqueados. La escultura tiene bastante protagonismo, quedando integrada en la arquitectura, aparecen hermas (pilares con la parte superior de forma humana), son en este caso Atlantes y Cariátides sustentando la cornisa. En el interior vemos la sala de música muy decorada. Formas asimétricas trepan por el techo, de forma muy lujosa.
- Zwinger de Dresde: iniciado en 1709 por Poppelman y mandado construir por Augusto III el fuerte de Sajonia. Es un gran patio para la celebración de espectáculos pero rodeado de pabellones y galerías. El pabellón central es el más importante. Tiene una rica escultura exterior integrada en la arquitectura, obra de Baltasar Permoser. Está muy reconstruido porque se destruyó en la segunda guerra mundial.
- Palacio del Marqués de Dos aguas en Valencia: 1740-44, de Hipólito Rovira. La decoración escultórica es de Ignacio Vergara. Es un edificio pequeño que resume las características de la arquitectura rococó, molduras rocalla, color pastel... Lo más barroco del edificio es la fachada principal. En la parte inferior hay dos Atlantes (el Jucar y el Turia) sosteniendo un segundo cuerpo con una hornacina con la virgen con el niño.
- Pabellón de Amalienburg a las afueras de Munich: construido para la electora de Baviera Amalia. Es un pabellón de caza de faisanes que se cazaban desde la terraza, es de 1734-39 realizado por François Cuvillies. Tiene una sala de los espejos, diseñado por Cuvillies. Es circular ocupa el centro del pabellón, está muy recargado pero es exquisito. Todos los estucos los hizo Zimmerman y la talla la hizo Dietrich. Todos los estucos y las tallas están plateados destacados sobre un fondo azul celeste. Los espejos repiten la luz y los motivos decorativos hasta el infinito. En otra sala decorada en amarillo pastel hay retratos del elector y la electora. Tiene incluso telas bordadas en plata. Es la sala continua de la sala de los espejos y es un dormitorio.
La cocina revestida de azulejos holandeses blancos y azul. Parece ser que no se utilizaba. Tiene elementos florales y de aves como decoración, el suelo es de baldosas de cerámica.
- Monerías
- Cámara de Carlos III o de Gasparini en el Palacio Real de Madrid, originalmente este salón era la pieza donde se vestía el rey. Íntegramente diseñado por Matías Gasparini, pintor y adornista veneciano pero que trabajó para Carlos III en Nápoles. Se realiza en la segunda mitad del siglo XVIII, es un rococó muy tardío. Se comienza hacia 1764 y no se termina hasta principios del XIX. Lo que prima son los ritmos sinuosos y asimétricos, el suelo es de mármoles polícromos embutidos, es una taracea de mármoles. Los techos están decorados con estucos chinescos. Todas las paredes están tapizadas con raso blanco bordado con oro (plata sobredorada) y con sedas de colores. Los muebles son de maderas de indias. Las sillería y todos los espejos son de maderas preciosas talladas. En la obra intervinieron también: la mujer y el hijo de Gasparini en la obra de bordado. Los bronces son de Ferroni y la realización de los muebles son de un Canops, un ebanista flamenco.
- Cuadro de Françoise Boucher de Madame de Pompadour, amante de Luis XV.
- Miniaturas de Blarenberghe de 1771, del duque de Choiriseur.
- Gabinete de Porcelana del Palacio Real de Aranjuez de mandado construir por Carlos III a imitación del de Nápoles. El modelador es Gricci. Es la primera obra importante de la real fábrica del buen retiro. Son motivos chinescos colocadas sobre bastidores de madera en la pared. En ésta también hay un juego de espejos. Motivos chinescos y monerías.
- La casa de té china en los jardines de Sanssouci 1754-57 el arquitecto es Buring. Pórtico con figuras doradas de palmeras y chinos a tamaño natural.
- Pagoda de Kew Gardens de William Chambers 1757-63.
configuración en los ideales racionalistas y humanitarios del siglo de las luces. En 1667 se celebró el primer salón de exposición de arte, en ella exponían los miembros de la academia real de pintura y escultura. Diderot realizaría las críticas de estos salones hasta
Hay un anhelo en el neoclasicismo por purificar la sociedad y restablecer las leyes naturales basadas en la razón y en el reconocimiento de la dignidad del hombre. No sólo tiene su origen en Francia, también en Roma. Muchos artistas y teóricos de la época pasaron o vivieron en Roma, por ejemplo Mengs, Winkelmann, y artistas formados en Roma como Canova, Flaxmann o Thorvaldsen. La Font de Saint-Yenne es considerado como el primer crítico de arte en Francia. En 1754 atacaba ya las pinturas mitológicas del rococó por inmorales y exigía pinturas históricas y de temas edificantes, que constituyeran una escuela de costumbres. Los temas de esa pretendida pintura moral los buscarán en Grecia y en la Roma republicana. En las obras de Plutarco y Tito Livio, donde encontraban estos ideales de virtud, heroísmo, amor filial, abnegación etc. Y también ideales de valor universal. El afán clásico se verá estimulado por los descubrimientos de Pompeya y Herculano. El promotor fue Carlos VIII de Nápoles, futuro Carlos III de España. Así se difundirá el conocimiento del mundo antiguo y el gusto hacia un determinado arte que será pronto objeto de colección. Se empieza a teorizar sobre el arte clásico y la Antigüedad de una manera más o menos histórica. Aparece la pintura pompeyana, pero no fue valorada realmente por los estudiosos de le época. Por ejemplo Winckelmann no supo valorar la importancia de la pintura mural, a la que se consideró como algo puramente decorativo. La llamaron “pintura perteneciente al estilo etrusco”. Lo que aconsejaban era ir a las fuentes literarias a los pintores, como Plinio el Joven. Las pinturas pompeyanas fueron tachadas de amorales e indecentes además de poca de calidad técnica. El conocimiento de la antigüedad griega y romana fue lento, debido a las excavaciones. En la valoración de lo antiguo tuvo mucha importancia lo que se llamaba el “Grand Tour”. Los que comenzaron esta moda fueron los aristócratas ingleses. Incluía Francia e Italia. Venecia, Florencia, Roma, Nápoles eran ciudades inexcusables. Puso de moda un mercado muy floreciente en Italia. Los pintores italianos vendían sus obras a los ingleses. Otro comercio importante fue el de las guías de viaje. La Lande y Cochin fueron dos viajeros muy importantes. Y Goethe también fue uno de los más importantes viajeros en Italia. En Españo Leandro Fernandez de Moratín viajó a Inglaterra y luego a Italia (1793-1795). En el XVIII se pone de moda que los jóvenes más destacados en la Academia obtuviesen la pensión de Italia. En España, Mengs la instituye con Carlos III. Las antigüedades se dibujaban y grabadas. Gracias a esos repertorios se difundirá el estilo. El primero que publicará un repertorio en 1752 fue el conde de Caylus hizo un “Álbum de antigüedades egipcias, etruscas y romanas”, él era arqueólogo y coleccionista. También hay que citar a un arqueólogo y arquitecto francés que en 1758 publicó “Las runas de los más bellos monumentos de Grecia”, fue Julien David Le Roy. Dos arquitectos importantes fueron Soufflot y Robert Adam, ambos viajaron. Soufflot formó parte de una expedición para ir hasta el sur de Italia y la Magna Grecia y fruto de esta expedición se hizo un libro de estampas sobre los templos de Paestum, en 1749 fue la expedición y la publicación en 1764. Ese mismo año Robert Adam viajó por toda Italia y la costa Dálmata y llega a Spalato y publicó un libro de grabado en 1764 llamado “Ruinas del palacio de
Diocleciano en Spalato”. William Hamilton fue embajador inglés en Roma publicó en 1766 sus “Antigüedades etruscas y romanas”. No se trata de monumentos sino de cerámicas griegas. James Stuart y Nicholas Revett llegaron a Grecia y publicaron entre 1762- sus “Antigüedades de Atenas medidas y dibujadas”. Percier y Fontaine también publicaron un álbum de garbados de decoraciones, aunque ya en un estilo nuevo, fruto de todos estos álbumes anteriores, en un estilo Imperio. También se produce una vuelta a la naturaleza. Hay una obsesión por la agricultura. Nos encontramos con un triunfo de los temas pastorales y agrícolas en pintura y decoración a finales del siglo XVIII. Es la idea de Rousseau de vivir una vida natural, exalta el amor por la naturaleza y el gusto por el paisaje. María Antonieta manda construir el Hameau o aldea de Versalles al arquitecto real Richard Mique. La aldea consta de una serie de edificios, lago, la granja, el molino... Incluso el nuevo calendario de la revolución francesa se basa en los ciclos estacionarios de la agricultura, comenzó en 1793, el año 1 para los revolucionarios. La obra de Piranesi (1720-1778) también influirá mucho en la difusión de la Antigüedad. Era arquitecto, grabador y aguafuertista. Nació en Venecia pero desarrolló su carrera en Roma. Realizó toda una serie de grabados sobre las ruinas romanas, elementos de arquitectura antigua y sobre los templos de Paestum. Comenzó a hacer vistas de Roma, que son quizás las más objetivas hacia 1745. Era un polemista de la arquitectura, “De la magnificencia de la arquitectura de los romanos”, donde declara la superioridad del arte romano sobre el arte griego. Repertorios de grabados que habría que recordar: “La antigüedades romanas” (1756), “las cárceles de invención” (1760-65), “diferentes vistas de Paestum” (1778). Le impresionan las ruinas de Roma como restos evocadores de un pasado glorioso y efímero. Hay un sentimiento de veneración ante esa sublime arquitectura romana. Representa las ruinas de Roma en toda su grandeza y sublimidad. Hay un sentimiento prerromántico en realidad. Aparece el elemento del paso del tiempo, las ruinas desmoronadas con vegetación creciendo, etc. Nos hablan de una poética de las ruinas que arranca del pintoresquismo del rococó y culminará en época romántica, en la estética d e lo sublime. Sin embargo, las ruinas de Roma no son representadas con objetividad, aumenta deliberadamente las dimensiones reales de los edificios mediante un uso teatral de luces y sombras, mediante la elección de puntos de mira y de perspectivas irreales. Las figuras humanas aparecen empequeñecidas ante la grandiosidad de los monumentos. Estos grabados se difundieron por toda Europa e hicieron ver a sus contemporáneos la arquitectura romana a través de los ojos de Piranesi. Muchos viajeros como Goethe, Flaxmann y Robert Adam se sintieron decepcionados al ver las ruinas después de ver los grabados de Piranesi. En las “cárceles de invención” recrea cárceles imaginarias. Esto influiría en el cine de terror posteriormente. Como arquitecto construyó muy poco, la iglesia de Santa María del Priorato de Malta es la más significativa. Teóricos del Neoclasicismo: Winkelmann, Lessing y Mengs, fueron los más importantes, los tres alemanes. Winkelmann (1717-1768) fue un historiador del arte y arqueólogo. Fue figura clave para el movimiento neoclásico. Es considerado como el primer arqueólogo moderno. Fue hijo de
- Fotos de Pompeya, pinturas pompeyanas
- Mengs “Júpiter y Ganímedes” es un tema homo-erótico con el que consiguió engañar a Winkelmann es una pintura mural en fresco.
- De Pomepo Batoni aristócratas ingleses, eran coleccionistas muchos con fondos de antigüedades. En el Prado hay uno que representa a Cecil Roberts, retratado al aire libre, muy característico del arte inglés, es del año 1768.
También hay otro que se ha creído siempre que representaba William Hamilton pero recientemente se le ha titulado “retrato de un viajero” porque no hay ninguna seguridad. También tenemos el de Charles Miles sosteniendo un mapa en la mesa.
Relacionado con el mundo del coleccionismo, de Panini tenemos “Roma antigua”, aparecen muchos de los cuadros del propio pintor y en la parte baja los compradores. También tenemos “roma moderna” con obras ya modernas. De Piranesi, “el panteon de roma”, “el arco de Benevento” de Nápoles, una vista Roma, la plaza del coliseo, el puente de Sant Angelo sobre el Tíber, el templo de Apolo en Istria, templos de Paestum, también las cárceles de intención.
Retrato de Winkelmann por Mengs: En cuanto a Lessing (1729-1781) Fue poeta y autor dramático. En 1766 publicó su “Laoconte o los límites de la pintura y la poesía”. Propone una diferenciación entre las artes plásticas y las literarias, trata de combatir la frase de Horatio “como la pintura, la poesía”. Para Lessing las artes del espacio no disponen más que un momento de expresión, mientras que las artes del tiempo como la literatura o la música disponen de toda una sucesión de movimientos físicos y espirituales. El escultor o el pintor neoclásico deberá moderar los gestos y las actitudes de sus personajes para no perder la eurithmia o sentido del ritmo. Si se representan las pasiones, éstas permanecerán para siempre no pudiéndose modificar. Por el contrario, en música o en literatura, los momentos de máximo clímax pueden dulcificarse, modificarse después. Lessing propugna la contención y el autodominio. Dice que incluso en la muerte Laoconte domina las pasiones y evita el exceso. Esto lleva a la inexpresividad del arte neoclásico. Mengs (1728-1779) fue pintor y teórico, nació en Bohemia. Fue hijo de un pintor de la corte alemana, Ismael Mengs. En 1741 fue llevado a Roma por su padre para perfeccionarse en el arte de la pintura y estudiar a los grandes pintores italianos. En 1745 fue nombrado pintor de la corte sajona de Dresde, pero pasó la mayor parte de su vida en
