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EL MATRIMONIO

A LA MODA

Originalmente se tituló “Marriage a la mode”, por la influencia del Rococó francés. Las imagenes escenifican un matrimonio de conveniencia, tan habitual entre la aristocracia inglesa del siglo XVII, entre una mujer burguesa enriquecida y un aristócrata. El autor, William Hogarth (1697-1764), pretende criticar y ridiculizar con una serie de seis cuadros sobre el tema. La pintura se enmarca dentro del estilo rococó inglés, diferente al que se hizo en Francia. Utiliza colores más cálidos que y vivos que los del rococó francés. Todos los cuadros tienen las mismas dimensiones, 68'5 cm x 89 cm, y se encuentran en la National Gallery de Londres. Toda la serie fue realizada entre 1743 y 1745

1º EL CONTRATO DE LA BODA → Representa la típica escena de negociación entre dos familias en torno a un matrimonio de conveniencia. Pese a que se trata de una familia inglesa, vemos a una mujer que va vestida a la moda francesa de la época que sostiene un pañuelo blanco, símbolo de su virginidad. Es muy siginificativo el gesto de la pareja, pues los novios ni siquiera se dirigen la mirada. En la imagen aparecen otras 6 personas, entre ellas los padres de los futuros novios que firman el contrato a la derecha. Si observamos la esquina inferior izquierda, observamos dos perros encadenados uno al otro, que simbolizan el matrimonio de conveniencia al estar unidos contra su voluntad. Un padre muestra orgulloso su árbol genealógico, mientras apoya su pie vendado sobre un pequeño escabel. Si además observamos que junto a su sillón hay una muleta podemos deducir que sufre gota, una esnfermedad muy recurrente en las personas que llevaban vidad de excesos en la época. Cabe destacar que un abogado intenta seducir a la dama, el cual dispondrá de un mayor protagonismo a lo largo de la serie El resto de la decoración es propia de la burguesía, con una pared sobrecargada de cuadros de personajes célebres y escenas de la mitología.

4º EL DESPERTAR DE LA CONDESA → Aquí vemos la celebración de una “le toilette”, un antiguo acto social que consistía en invitar a los amigos y familiares al dormitorio mientras la dama se arreglaba para el resto del día. Entre los personajes vemos a un flautista que toca mientras un castrati canta para el disfrute de los invitados, especialmente la dama pelirroja parece encantanda con la actuación de éstos. Uno de los mayordomos ofrece té y otro peina a la dama mientras está coquetea con otro hombre, precisamente el abogado que intentaba seducirla en el primer cuadro de la serie. El abogado invita a la dama a la ópera, pues le está enseñando las entradas que ha comprado para ambos Como rasgo más evidente de la infidelidad vemos que el niño africano señala los cuernos de la figura de Acteon que sostiene mientras es incapaz de contener la risa.

En este cuadro son especiamente importantes los cuadros de la pared, pues estan cargados de simbología. En primer lugar vemos el incesto de Lot y sus hijas, crítica a la depravación sexual pero que denota el gusto por las representaciones bíblicas de Hogarth. Aparecen también el cuadro de Zeus e Ío, capítulo mitológico en que Zeus roba la virginidad a una joven transformado en niebla, y el Rapto de Ganímedes, donde Zeus se transforma en águila para llevar al príncipe troyano al Olimpo y convertirlo en su amante. Estos dos cuadros mitológicos fueron pintados con la idea de que uno acompañase al otro por Coreggio. Estas tres escenas nos muestran la pérdida del juicio y de la sensatez por el deseo carnal, criticando a la promiscua aristocracia. Por último vemos la imagen más satírica y burlesca de la pared, pues el hombre que aparece en el retrato es precisamente el abogado que ya se ha convertido en el amante de la dama, y por eso tiene una imagen suya en sus aposentos.

5º EL ASESINATO DEL CONDE → Aquí se como el conde acaba de haber sido asesinado, justo después de encontrar a la mujer siendole infiel. La escena transcurre en un bagnio, lugar con el que contaban todos los palacios, donde se podían asegurar las puertas sin que las mujeres fuesen preguntadas por ello. Pero algo ha debido ir mal, porque el conde ha entrado cuando ha querido. Podemos observar que el amante huye por la ventana sin pantalones, pues algunos de sus ropajes están tirados en el suelo, tras haberse enfrentado al conde en una lucha de espadas. Por eso mismo, la espada del amante se encuentra tirada en el suelo y con más de la mitad de la hoja ensangrentada, lo que nos indica que la herida es mortal si tenemos en cuenta el lugar donde se ha producido, visible en la camisa del conde, y su profundidad.

El otro personaje central de la obra es la condesa, la cual mira como su marido agoniza mientras se lamenta de rodillas y juntando las manos, suplicando el perdón. En la parte posterior derecha vemos como dos aristócratas entran armados por la puerta intentando ayudar a su amigo, pero han llegado tarde Si observamos la posición central del cuadro en el segundo plano, vemos un cuadro de una mujer voluptuosa, pero debajo de ella se observan unas piernas de un guerrero. Con esto, Hogarth intenta ridiculizar a la aristocracia y a las grandes élites. Por otro lado, la imagen que está pintada al fresco en la pared es la del “Juicio de Salomón”, obra representada por Francesco da Urbino, Rubens y Rafael, entre otros.

Estructura general de los cuadros: La acción realmente importante del cuadro siempre está realizada por unos personajes en primer plano. En la mayoría de estos cuadros también vemos personajes que dan matices a esta acción. Por otro lado debemos señalar que en toda la serie aparecen cuadros en el fondo, todos con un significado crítico o satírico Cabe destacar la importancia de las esquinas inferiores, pues como hemos mencionado anteriormente, suelen aparecer elementos esenciales. En general, estas obras supusieron una dura crítica al poder establecido en esa época, ridiculizando tanto a la aristocracia como a la Iglesia, y exponiendo sin tapujos sus vicios y las carencias e imperfecciones que escondían. Según el propio Hogarth, estas obras constituían una “comedia pintada”

SITUACIÓN DEL AUTOR DURANTE LA CREACIÓN

DE LA OBRA

El Rococó inglés: Se considera que los introductores del estilo en Inglaterra fueron el francés Philippe Mercier (1689-1760) y Bartholomew Dandridge (1691- † después de 1754), quienes estaban muy influidos por Watteau, conocido entre otras obras por su “Fiesta Veneciana”. Este movimiento, en la pintura, se caracterizó por retratos y escenas con grupos de personas en fiestas de la aristocracia, junto con algunas conversaciones y paseos campestres. Del mismo modo que en la pintura galante de Francia, pero con nuevos y delicados rasgos que renovarán las técnicas de los paisajes y los retratos propios de este periodo. Debido a la buena relación entre las naciones, el estilo se difunde rápidamente de Francia a Inglaterra. También fue un momento donde las élites discuten y separan políticas de las estéticas propias de cada nación, fomentan la migración de artistas franceses a Inglaterra, mientras los ingleses viajan a Francia como turistas e importan gran cantidad de objetos y piezas artísticas del estilo rococó. Hasta William Hogarth no hallamos a un gran artista auténticamente inglés que marque una impronta característica en la pintura de aquella nación

William Hogarth : Nació en Londres el 10 de noviembre de 1697 y murió en la misma ciudad 66 años más tarde. Fue un artista, grabador, ilustrador y pintor satírico principalmente recordado por sus “Ciclos Satíricos”, que eran series de cuadros en los que contaba una historia que criticaba a la sociedad de su momento, que constaban de un principio, nudo y desenlace.

Pertence al Barroco Inglés pero tras su visita a París se influenció del Rococó francés. Hogarth intentó explotar comercialmente sus mejores creaciones y las repitió mediante la técnica del grabado. Sin embargo, su éxito que le hizo víctima de la piratería pues sus diseños eran replicados por toda Europa y él apenas sacó beneficio de ellos.

En su época el arte se comercializba a gran escala y acertó al pintar obras que trataban temas morales y críticos pero sur obras eran demasiado caras y no se vendieron con fluidez hasta el siglo XIX. Cabe destacar que fue maestro, junto con Henry Fielding, de Thomas Gainsborough considerado uno de los grandes maestros del retrato y el paisaje y el creador de la escuela paisajista británica del siglo XVIII

Pese a que sus retratos y representaciones eran de una excelente calidad, su genialidad reside en sus series de obras satíricas, de entre las que destacan “La carrera de una prostituta”, “La vida de un libertino”, “El Matrimonio a la moda”, “Industriosidad y pereza”, “La calle de la cerveza y la de la ginebra”, “Las cuatro etapas de crueldad” y “La campaña electoral”.

Otra de sus facetas como pintor fue la representación de temas históricos y bíblicos pero no logró