¡Descarga Trabajo práctico de salud y más Apuntes en PDF de Salud Pública solo en Docsity!
Bocetos-proceso…
“Es un plomazo, aburridísima, seguro la conocés; es una chica, artista. Trabaja armando unas escenas adentro del microondas con unos muñequitos, unos juguetitos. Arma toda la escena, después lo pone al taco hasta que todo se quema y después ese plástico quemado es la obra. Viejísimo además, una boludez. Y ahora está haciendo además un video de todo el proceso de ella laburando porque le empezó a ir super bien, se ganó el premio de la Bienal de Caracas…” (escena de la película El Artista )
La obra de arte como la escritura es un proceso. Por tanto, también el trabajo académico, pero de éste último no habituamos a mostrar su “backstage”.
¿Herbario o Isla Blanca?
Herbario me resultó más “permeable”. Un “shock” acorde a los nuevos tiempos. Creo que hay dos actitudes muy marcadas ante el mundo actual cargado de estímulos en el que vivimos: rechazarlos/oponerse/resistirlos o potenciarlos/aprovecharlos, como en este caso. La conversación que surgió con posterioridad a la obra me resultó más interesante y significativa. A partir de esa discusión que se generó es que desde mi punto de vista, considero que en Herbario se establece una interrelación teatro/danza/música/video-proyección/audio- narración en la que ninguna de las partes es la esencial. Es en ese entrecruzamiento/fusión (de las fronteras) en que se juega lo más significativo de la obra. La actuación, a diferencia de lo que se expresó, es una parte importante de la performance pero no es imprescindible: podríamos pensar solamente una puesta que vincule audio (los poemas, la música) y el video. De cualquier modo, no creo que pase por pensar qué se puede sacar sino en poner el énfasis en que cada aspecto se encuentra imbricando de tal manera que por momentos es imposible pensar uno sin el otro. Desde mi lectura personal, las instancias en que la actriz interactúa con el video proyectado, en las que las imágenes cobran relieve en su cuerpo-se transforman e integran, así como los juegos con su sombra en la proyección (por ejemplo, cuando toma el pequeño mundo y lo apoya en su mano, entonces su sombra proyectada en el medio del bosque lo transforma en un pajarito posado en su mano) resultaron claves para esta línea de lectura e interpretación.
Visita a Casa Escópica – Muestra de Rafael Martín El último testigo: bocetos, proceso y obra.
Escena contemporánea , 2002, Técnica mixta.
La obra de Rafael Martín que elegí me recordó el método, el uso de material “basura” –de poco valor- y un tipo de diálogo con el espectador similar al que establecían los pequeños cuadritos/relicarios de Devociones periféricas presentada en el MBA-MAC que me invitaban a una observación atenta y cercana. La frase pegada a la pared en Casa Escópica confirmó mi primera impresión:
A su vez, en el trabajo de composición de ambas obras, la búsqueda de un sentido crítico que involucra la noción de Arte (sí, con mayúscula) también se encuentra muy presente.
Considero que Escena contemporánea se puede pensar en relación al cubismo en cuanto al uso de técnicas como el collage, el objet trouvé y el assemblage. El artista compone a partir de objetos encontrados preexistentes. En este caso, utiliza una imagen de fondo para la escena que parece pertenecer a una revista o libro de arte. Superpuestos, se encuentran combinados distintos objetos – pequeñas figuras, muñequitos industrializados: su presencia provoca y problematiza. ¿Podríamos pensar la obra como una suerte de ready-made rectificado? ¿La imagen de la Galería Uffizi sobre la cual se insertan los muñequitos se puede pensar en los términos del cuadro de La Gioconda intervenido por Duchamp? A partir del título de la obra y de la imagen de fondo, la escena contemporánea resultaría ser la del mundo del arte clásico consagrado, las galerías, el mercado actual y el comercio turístico del arte (aquellos espectadores turistas que, como señala Oliveras, apurados por horarios y programas, en clara lógica capitalista, perciben el recorrido por museos como un espacio a ser llenado y aprovechado al máximo). Se distancia del neo dadaísmo y del arte pop debido a que la cultura de consumo está presente pero desde una mirada crítica que surge a partir de la conjunción del fondo y pequeños objetos característicos del arte kitsch (otro mercado paralelo al del turismo): la presencia de un pequeño bufón que rige la balanza, inodoros-sacapuntas, una caja registradora y personajes caricaturescos de dibujos animados. A su vez, Rafael Martín hace un uso del kitsch que se diferencia claramente del neo pop y su pastiche (parodia vacía) entronizador. En este caso el mensaje sí importa. De este modo, la obra que seleccioné se encontraría más cercana al neo realismo europeo que trabaja con objetos de consumo, los estetiza (en este caso ya poseían un sentido estético aunque visto como de ‘baja calidad’) y tiene un mayor sentido reflexivo.
Sin embargo, su obra resulta completamente factible de ser asimilada y circular por ese mismo sistema de arte que intenta socavar. En la escena de El artista donde Jorge inaugura su obra, una ‘conversación' significativamente interrumpida la cuestiona: “Lo absurdo con estas obras es que suponen una crítica al poder, al régimen y son completamente absorbidas, son funcionales para el sistema oficial de arte; los usa y los hace comprar por corporaciones o por coleccionistas importantes y entonces se convierten en… (interrupción) lo contrario”.
Por último, un pequeño detalle: la muñequita presente en Escena contemporánea la pude reconocer, una igual está en un mini reloj cucú que pertenecía a mi abuela.
tradicional y que busque la contemplación, siempre el observador establece relaciones entre los estímulos que se le presentan y sus saberes previos. No es una tabla raza en la que la obra viene a “llenarle” el cerebro. Desde Escena contemporánea también “el proceso de comprensión e interpretación supone una tarea de reconstrucción e integración que implica involucrar en el individuo humano a la obra artística en su totalidad” (Gadamer en Oliveras, p. 147). Esa intención de generar asociaciones y un trabajo mental a través del quiebre de la diferenciación entre disciplinas artísticas como teatro/artes visuales/música/literatura, resulta claro en Herbario. Como ya mencioné es un gran shock de estímulos en donde el espectador participa interrelacionando desde su percepción intelectual.
En la muestra de Rafael Martín se pone énfasis en los procesos-bocetos que dan cuenta de un cambio en el modo de pensar el trabajo artístico y la obra. Aspecto en el que también focalizó la Bienal Regional de este año en el MBA-MAC. Sin embargo, los bocetos pasan a ser objeto- obra y adquieren un cierto valor “aurático” de contemplación – a la vez que paralelamente generan una problematización de esa misma objetualización-. La relación obra-público entonces, considero que no se modifica sustancialmente: este último sigue siendo un “eslabón final en la cadena de la comunicación estética” (Oliveras, p. 142) ya que no participa de ese proceso de construcción^1. Uno de los integrantes a cargo de Casa Escópica comentó la resistencia que Rafael Martín tuvo en un principio a exponer sus bocetos, a lo que finalmente accedió. La propuesta de este espacio justamente evidencia que no se trata de realizar una muestra más, tradicional y consagrada, del artista sino presentarlo/explorarlo desde otro aspecto. Aun así, esos bocetos se vuelven objetos, así como la ‘muestra’ de mi propio proceso de escritura tampoco escapa a las ‘trampas’ de la objetualización del proceso. Por tanto, el hacer de Rafael Martín se presenta en un tiempo y espacio bien diferenciado: las horas que trascurre trabajando en su taller. En Casa Escópica, durante el tiempo que dura la exposición, podemos observar los productos de ese trabajo (o sus consecuencias- los bocetos) exhibidos de manera acabada.
El carácter teatral y de puesta en escena de Herbario , hace que la obra se vaya desarrollando en presencia de los espectadores y no se presente como “cerrada”. De acuerdo al espacio, las disponibilidades técnicas y el público asistente se construirá de un modo diferente, con diversas variaciones. Aun así predomina cierto carácter exhibitivo, ya que el momento del hacer, es decir, del ensayo, de la construcción de la performance, sucede en un tiempo y espacio diferentes al momento en que posteriormente se presenta al público ya construida, ‘terminada’. Si bien, necesariamente su forma implica un hacer en el momento que trascurre ese contacto atento por parte del público.
Imtemperie , en cambio, trabaja en la zona de frontera (al igual que los museos de White). La proyección en la ventana de “la María Luisa” podemos pensarla como símbolo de ese trabajo general. [Ver Videos]
Estamos en el museo, la puesta del video fue pensada para ese lugar específico pero nos hace mirar hacia afuera en una entrecruzamiento ciudad-campo donde ninguno se presenta como “puro”. Una ventana que nos traslada a la Estación desde esa habitación del Museo (exigen del
(^1) En el caso de los Museos de Arte se busca establecer una diferencia al invitar al público a acercarse
durante el armado de la obra por parte del artista.
espectador un ejercicio de imaginación – nada está dado^2 ). Una ventana que nos va a permitir ver el paso del tren y en simultáneo el de colectivos/autos/bicis/peatones, en el que el espacio y también el tiempo (el pasado de la filmación y el presente de lo que sucede en la calle) se entrecruzan. Es un site specific que no sólo requiere que estemos presentes en un espacio preciso sino también en un tiempo específico: el atardecer (momento de mayor calma en medio de la llanura y frenetismo/circulación en la ciudad). A diferencia de Herbario , la percepción – para quienes estuvieron presentes en mayor medida, para quien escuchó el relato en un segundo plano pero igual puede resultar efectivo- “anestesiada” sobre lo cotidiano se activa para hacer visible un lugar – edificio- y por extensión la situación del ferrocarril ‘fuera’ del museo. Su carácter relacional implica que eso que llamaríamos obra se construya de manera conjunta en un espacio y tiempo determinados: durante el atardecer del 16 de mayo en la Estación Tres Cuervos. Imposible es la separación entre la instancia de construcción y la de exhibición, puesto que desde el momento que los vecinos intervinieron para ayudar en las cuestiones técnicas, conversar sobre sus vivencias e involucrarse en el armado del “festín”, hasta la llegada de los jurados y el recorrido conjunto de las instalaciones, se generó, en términos de Bourriaud, un pequeño mundo de interrelaciones sociales, de experimentación y pactos sociales que se reestablecen, frente al panorama general de quiebre de las grandes utopías y relatos.
Campo artístico bahiense
La posición de los museos MBA-MAC, Museo del Puerto y Ferrowhite dentro del campo artístico es particular puesto que al ser estatales y subvencionarse a través de los fondos del Municipio desde lo institucional se encuentran en una posición dominante con respecto a otros pequeños centros culturales que han surgido en la ciudad.
Casa Escópica se presenta como un pequeño centro cultural que desde su gestión es emergente, junto a otros que se han gestado en los últimos años (Patio Espiral, Centro Cultural La Panadería…) pero que considero que sus propuestas no llegan a configurarse como emergentes dentro del campo artístico si tomamos como ejemplo la muestra de Rafael Martín. Si bien es una suposición muy general ya que faltaría un análisis más detallado de los centros culturales. Su carácter independiente del Estado o el Municipio no les genera la misma visibilidad y posibilidades de acción, así como tampoco la misma estabilidad para perdurar en el tiempo.
Desde las prácticas artísticas los museos de Arte de Bahía Blanca también ocupan una posición dominante ya que se establecen en su interior instancias de legitimación, como es la presente Bienal y la entrega de premios. Se genera un sistema de exposición y premiación. Este es el sistema dominante dentro del campo artístico en el que se encuentra inserto el MBA-MAC y que, con el último reglamento, está configurando un proceso de cambio. Aun así, dentro de las obras presentadas en la BRA 2014 algunas se encuentran claramente insertas en un mercado artístico y su autor se desempeña como profesional… Sin embargo, en Bahía Blanca son muy pocos los artistas profesionalizados como podría ser el caso de Rafael Martín (quien también ha paralelamente desempeñado actividades de docencia).
(^2) En este sentido encuentro puntos de contacto con Herbario.
Probablemente el contexto por el cual ese pizarrón se encontraba en el museo era el de recuperar a esos trabajadores “invisibles” y su trabajo “silencioso”. Sin embargo, la frase aislada sin una interrelación con otros elementos, genera tensión en relación con las circunstancias actuales y luego de las manifestaciones sucedidas en la ciudad respecto a la temática del dragado.
Otro pizarrón presente en el mismo museo recupera el siguiente verso de Brecht:
“César conquistó las Galias. ¿No llevaba siquiera un cocinero?”
El siguiente es un breve artículo del cual extraje, para el epígrafe del trabajo, los comentarios que dos lectores habían escrito luego de leerlo:
En Dortmund Una limpiadora destruye una obra de arte al querer limpiarla La mujer sacó la base de una pieza de tablones superpuestos Jueves, 3 de noviembre - 17:45h. FRANCE PRESSE / Berlín - Una limpiadora de un museo de Dortmund, en el oeste de Alemania, ha destruido una obra de arte al querer limpiarla. La mujer retiró la base de caucho que aguantaba las planchas de madera apiladas. "No será posible volverla a dejar en su estado original", ha afirmado el museo sobre el incidente, que sucedió el pasado 21 de octubre. La obra, titulada "Cuando los tejados comienzan a gotear", era del artista alemán Martin Kippenberger, ya fallecido, y estaba asegurada en 800.000 euros.
La obra "Cuando los tejados comienzan a gotear", antes de su destrucción. BERND THISSEN | EFE El Museo Ostwall de Dortmund establece en su normativa que las limpiadoras deben respetar una distancia de al menos 20 centímetros entre ellas y las obras de arte. Los responsables no han podido precisar si la trabajadora, empleada por una empresa subcontratada del museo , había recibido estas instrucciones. No es la primera vez que una obra de arte resulta destruida en Alemania por celo en la limpieza. En 1986, "Fettecke" (literalmente "punto graso"), de Joseph Beuys, y que consistía en una mota de mantequilla sobre una superficie, fue destruida al pasarle el trapo en un museo de Düsseldorf. http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/una-limpiadora-destruye-una-obra- arte-querer-limpiarla-
Un trabajo que busca reflexionar sobre nuestra/mi concepción de arte (contemporáneo) subyacente y sus mecanismos actuales de circulación/producción para preguntarse: ¿nuestra mirada dónde posiciona/qué papel atribuye al arte y qué actores prioriza/ intervienen?
