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INTRODUCCIÓN: Las disciplinas del arte y los lenguajes artísticos. I) Estética. En el ámbito de la filosofía. II) Crítica de arte. Vinculada al periodismo, análisis inmediato del arte que se está produciendo en un período concreto. III) Historia del arte. Perspectiva histórica, discurso enfocado en una obra ubicada en una diacronia. I) Estética. A. Baumgarten: Estética (1750) I. Kant: Crítica del juicio (1790) Es en contexto del nacimiento de la modernidad, en la segunda mitad del siglo XVIII, que nacen las tres disciplinas del arte. El contexto en el que nace la estética tiene que ver con la reflexión entorno a las artes en las que se entiende que su propósito es buscar la belleza. Esto supone una crítica a una idea de arte entendida en función de un propósito didáctico como era el arte de la manera en laque se había entendido hasta el barroco, en el que utilizaban el arte para someter a los ciudadanos las ideologías religiosas. También estaba el arte cortesano (Versalles) en el que el arte estaba sometido al rey que era considerado una especie de Dios. A partir del siglo XVIII se empieza a ver que el arte tiene unas leyes propias, las leyes de las formas, no solo es un mensaje para transmitir, lo propio del arte es la belleza. Más allá del discurso están las formas bellas que gustan al espectador. Es un parámetro objetivista, la belleza está en la obra de arte. El cambio que introduce el nacimiento de la estética es que la belleza no está en la obra sino en la decisión del observador., entonces se vuelve subjetivo. Nace al lado de una nueva cualidad, la imaginación. Esta se introduce como algo que no depende del razonamiento ni de un proceso intelectual. No tiene nada que ver con el placer sensible, está relacionado con el campo de la imaginación, que el artista utiliza para acercarse a la belleza para interpretarla y plasmarla en el arte. La imaginación también es propia del espectador no solo del artista. Se relaciona con la idea del gusto por el arte. El espectador se ve afectado de una manera especial, por lo que reflexiona y opina sobre la obra emitiendo un juicio. Esta cualidad introduce nuevas cualidades que se oponen a la idea de belleza clásica que había imperado hasta entonces. El placer de la obra de arte llega por otras vías además de la idea de belleza, estas son los principios de proporción y armonía. Potencian las variedades artísticas que se diferencian de las clásicas, a partir de categorías que hasta entonces no estaban presentes y se salen de la norma (pintoresco, sublime, grotesco). Estas categorías dan lugar al Romanticismo, el arte del siglo XIV.
El modelo de jardín francés se rige por las leyes de la simetría. En el siglo XIX aparece el modelo de jardín ingles en el que se busca la sorpresa. Otra categoría que se introduce y se opone a la belleza clásica es lo sublime (Caspar David Friedrich: El monje frente al mar , 1808-1810).
- Lo sublime es aquello excelso, eminente, de elevación extraordinaria. Se dice de las concepciones mentales y de las producciones literarias y artísticas o de lo que en ellas tiene por caracteres distintivos de grandeza y sencillez admirables. Proviene del latín “sublimis”, el adjetivo califica a las formas de sacrificio, abnegación, heroísmo donde el hombre se alza sobre el animal en sí, con peligro de su vida. Posición vulnerable ante la magnitud del universo.
- Lo grotesco es aquello ridículo, extravagante, irregular, grosero y de mal gusto. El término grotesco nace de la palabra “gruta” referida a la domus aurea, palacio romano de Nerón, donde se descubrieron unos seres grutescos, una de las formas típicas del manierismo, son seres burlones, vulgares, cómicos y trágicos. Es una categoría a caballo entre la comedia y el drama (Goya, Pinturas Negras – La Romería de San Isidro (1819), Dos viejos comiendo sopa y El Aquelarre ). Las nuevas categorías hablan de cualidades que provocan sentimientos. Baumgarten es el primero que utiliza la palabra estética para definir aquello propio del arte que no tiene nada que ver la razón. No se puede analizar de manera lógica. Lo propio del arte tiene que ver aquello sensible, intervienen los sentimientos, los sentidos. La estética estudia el lado sensible del arte. El gusto no lo provoca el tema en sí. La escuela del empirismo ingles asocia lo propio del arte con aquello meramente sensible, no hay nada racional. Kant, en La Crítica del juicio (1790), decía que la estética del arte se resumía en tres: (1) El placer desinteresado, es decir, no satisface un placer sensible dirigido a los sentidos. Kant establece la diferencia entre aquello que es bello y aquello que es agradable, esto es un tipo de placer que unicamente satisface a las necesidades corporales, sensuales (la música, la comida y el sexo) pero no es propio de la estética. El arte no satisface las necesidades físicas del ser humano. (2) La no proporción del conocimiento ya que no es puramente racional. El placer no esta relacionado con las cualidades nobles. Se vincula con la idea de autonomía del arte, tiene unos principios propios que no están sujetos a la razón. Se rige por sus propias reglas. Da paso al Rococó, en el que se muestran los placeres cotidianos. Kant estableció que el juicio
XIX, nace propiamente el mercado del arte. Las valoraciones de los críticos influenciaban lo que la burguesía compre, querían distinguirse individualmente. Gracias a los críticos encontraron un fundamento para defender aquello que los distinguiera como clase social. Ex: Beaudelaire de J. A. D. Ingres: Júpiter y Antiope : Crítica a una concepción de la pintura que apueste por la pasión, el color, pincelada con personalidad que representa por ejemplo Delacroix. Es una crítica apasionada y posicionada, no es algo objetivo. Da una opinión y argumentos para fundamentar. En la crítica, el subjetivismo es absolutamente imprescindible para tener una opinión personal propia. El crítico tiene un posicionamiento claro, que nada tiene que ver con el historiador quien trataría de explicar y entender la obra. Calvo Serrallet a señalado la falta perspectiva histórica del critico frente al historiador, a veces el critico se basa en criterios actuales que no tienen en cuenta la moda de la época de la obra. La critica a sido fundamental para entender la evolución de la obra de arte porque a veces se ha producido una síntesis entre un crítico y un pintor (ex: Greenberg quien se mostró a favor del estilo de Pollock, el abstractismo americano). Hoy en día los artistas se mueven más gracias a las becas y los centros de arte que les permiten un apoyo económico para que los nuevos creadores de arte puedan crear sus obras. El punto álgido del crítico es a finales del siglo XIX y principios de XX, gracias a Oscar Wilde, quien decía que el critico tenia el mimos nivel que la obra que criticaba. Este se metía en la esencia de la obra y la hacia llegar al publico que suscitaba emociones igual que lo hacia el pintor. La critica para Wilde era una segunda creación. III) Historia del arte. El nacimiento de la historia del arte se produce a la vez que las tres disciplinas. Es a partir de ese momento que adquiere unas leyes propias. El arte no está al servicio de una ideología ni moral, lo importante no es el tema representado, sino lo que trasmite a través de las propias formas. Se empieza a valorar el puro placer de la contemplación, independiente del mensaje ideológico que se nos quiere transmitir. Está asociado al estilo Rococó, no era casual la manera de entender el arte fuera posterior al gran arte de la ideología del Barroco, el arte de la Contrarreforma, un poder religioso que quería transmitir a los fieles una determinada ideología. El Rococó habla de los placeres, la sensualidad, la música, el baile, etc. son temáticas que nada tienen que ver con el mensaje de la ideologia, habla de los placeres de la naturaleza. Permite el hedonismo, el nacimiento de la rocalla (ex: Luis Paret y Alcázar: Carlos III comiendo ante su corte , 1769). Estamos en un contexto de los años previos a la Revolución francesa que provoca la caída del Antiguo Régimen y el nacimiento de los nuevos estados liberales. Provoca que el individuo tome
conciencia de su posición histórica. Es decir, se pone en cuestión un estilo de vida donde las clases aristocráticas y el clero tienen el poder. Con el nacimiento de la burguesía, el sistema se pone en duda. La burguesía ejerce de motor de cambio y se toma conciencia que el individuo es el motor de la historia. Se suceden acontecimientos que transforman estructuras anteriores, es en este contexto que surge la primera historia del arte que es la de J. J. Winckelmann ( La historia del arte en la antigüedad , 1764). Las formas de arte son las protagonistas. La conciencia de que la historia es algo que cambia y evoluciona. Vasari hizo una historia del arte en la que hablaba de los autores pre-renacentistas, renacentistas y pos-renacentistas; hablaba de un estilo arcaico, clásico y helenística en la cual posicionó a Miguel Ángel. Se fijaba en el estilo de las obras para establecer una evolución de las artes y no en los artistas en si. Entonces estableció un estilo antiguo, sublime, de madurez y decadencia en la antigüedad.
- El antiguo se centraba en las medallas y la numismática, aparecieron los perfiles.
- El sublime se caracterizaba por la serenidad y la nobleza de carácter. Las localizaba en algunas obras de Fidias.
- Madurez: el estilo sublime se suaviza. Obras de Praxíteles.
- Decadencia: se habla de un estilo minucioso y detallista. Sigue el criterio de belleza para clasificar cada estilo. La antigüedad clásica se convierte en un ideal de la propia sociedad, no en aspecto estético sino en el ético. El modelo de una sociedad “democrática”, con ideales de libertad y valores por rescatar. Hay una idea de utopía para recuperar la antigüedad clásica para el presente. Esto se relaciona con el concepto de la idea de nostalgia que nace entonces, una mirada en el pasado que se quiere recuperar. El neoclasicismo es el primero de los “ismos” que se desarrolla a lo largo del siglo XIX. El siguiente modelo del arte es el positivista que trata de recuperar el rigor en la clasificación del arte. DOS BLOQUES: (1) Las tendencias historio-gráficas se ubican en una perspectiva externalística. En este bloque se ubican las percepciones y enfoques que dicen que para entender una obra de arte:
- Las condiciones en las que ha sido producida y en las que ha circulado, para quien fue creada, como fue recibida en la época, que usos se le dieron. la significación de la obra solo se entiende por las condiciones en las que fue producía y recibida, hay que insertar la obra en el contexto en el que fue creada.
- La semiótica y lingüística, que en un primer momento nace para entender un lenguaje literario pero luego se aprovecho para interpretar los mensajes publicitarios. La semiótica es
unos significados que aluden a la idea, tiene mucho peso la carga de la tradición y los mensajes añadidos. El signo artístico es más connotativo (aquel que tiene que ver con valores añadidos, que no son estrictamente los reglados por el diccionario, tiene que ver con las apreciaciones subjetivas del hablante) que denotativo. El signo artístico es más ambiguo que el signo lingüístico y tiene un carácter más significativo que comunicativo. El transito de significante a significado no es tan evidente, de ahí las múltiples interpretaciones de un mismo cuadro. Hay mensajes que vienen dados por el contexto, de los cuales el pintor no era consciente, y que el historiador puede llegar a descifrar. Vicent Furió: “El lenguaje artístico supone una desviación de las normas de las características habituales del lenguaje cotidiano. Esta modificación o transformación del código estándar de su uso y, por tanto, del tipo de comunicación habitual; crea, en un mundo de ficción, una pluralidad de sentidos que enriquecen el lenguaje y las posibilidades de la comunicación humana”. Ideas y formas en la representación plástica , 1991. Los medios que utiliza la literatura son diferentes de los medios que utiliza la pintura o el cine. Insiste en la especificidad de cada uno de los lenguajes. Esta idea de la especificidad de los lenguajes artísticos es algo que tiene un origen histórico, no ha estado presente toda la historia, hubo un momento en el que de pronto se empezó a reflexionar sobre eso. Nació como la crítica a la poética del Ut pictura poesis o sobra la especificidad de las disciplinas artísticas. Ut pictura poesis Era la lectura imperante hasta el siglo XVIII. Se creía que la pintura debía actuar igual que la poesía. En el siglo XVII se estableció que las temáticas que el pintor debía seguir estrictamente eran las mitologías y las que estaban escritas en las sagradas escrituras a través de las alegorías. La historia del arte hasta el siglo XVIII se había regido por esa idea de que lo que se había que representar era lo que contaba la literatura. Establecía una jerarquia de géneros. El primero de ellos tenía que ver con las historias sagradas, seguidas de la mitología, los hechos históricos, y en lo más bajo estarían el paisaje y las naturaleza muertas. Dos géneros que no tenían una inspiración literaria y por tanto no contaban con el prestigio de las demás disciplinas. Las disciplinas que gozaban de mejor condición tendían a ser representada a través de una serie de ciclos siguiendo la forma en la que se contaba la historia en la literatura. A finales del siglo XVIII, algunos tratadistas empiezan a poner en cuestión esta idea de que la pintura debe seguir los dictados de la literatura y aparecen voces discordantes que dicen que lo más importante no es el tema sino la manera en que el artista lo aborda, su interpretación, etc. La gran crítica de esta idea se atribuye a G. E. Lessing debido a su tratado de Laocoonte o sobre los límites en la pintura y poesía ,
1766, el que que presenta una crítica radical de la pintura tratada como poesía. Crítica la confusión entre los dos géneros estableciendo la actualmente distinción entre las artes de espacio (pintura y escultura) y tiempo (poesía y música). Lessing lo justificaba partiendo de la idea de la mimesis, el arte de la imitación. La pintura y la poesía nos engañan y esa mentira nos causa placer. Ambas se rigen por los criterios de imitación pero los medios las diferencian. La pintura es apropiada para pintar objetos, mientras que la poesía lo es para dibujar acciones. El Laocoonte está basado en La Eneida de Virgilio; escultura de la cual Lessing dice que no sigue estrictamente la descripción de Virgilio, sino que está inspirada por ella. El autor del Laocoonte no representa la completa dramatización de la escena, sino que prima la idea de Belleza. La figura principal en lugar de seguir la idea del grito de Virgilio, el autor se deja llevar por la belleza serena. La dramatización está contenida. Esto tiene que ver con la teoría del momento fecundo; para Lessing el momento que debe ser representado nunca es el momento del clímax, ya que al representar ese momento, la obra ya estaría agotada. El espectador debe complementar la obra y desarrollar el momento del clímax en su mente. Lo que se debe representar son lo momentos de transición, nunca la escena finalizada. Implica una paradoja ya que alude a una sucesión de hechos, a un elemento narrativo. Lo que subyace es la idea de que el artista debe buscar el ideal de Belleza que es lo que determina la esencia de la pintura; la idea de que cada disciplina tiene sus propios medios y que el propio de la plástica son las formas. Cada una tiene sus propios sistemas de expresión y limites. En el siglo XX, la idea de que la pintura es un arte del espacio se ha puesto en duda en varias ocasiones, ya que también lo es del tiempo. TEMA 1. EL LENGUAJE DE LA PINTURA. I. Las técnicas pictóricas. II. Los elementos formales de la pintura. El título Al principio los títulos no tenían importancia pero a partir del siglo XVIII con la aparición de nuevos géneros los título cobraron importancia ya que explicaban lo que el autor quería representar. La primavera o Adán y Eva en el Paraíso terrenal , 1660-1664, Nicolas Poussin. I. Las técnicas pictóricas. La técnica pictórica tiene importancia en el resultado en la obra de arte, la utilización de una u otra tendrá incidencias en el aspecto y resultado final de la pintura. El artista lo tiene en cuenta a la
quede impregnada en el muro. El agua de cal se empleaba como aglutinante para impregnar el muro. Esta pintura en seco tiende a desparecer con el paso del tiempo. Esta técnica es la que se ha estado utilizando desde las representaciones de las cuevas de Altamira, la pintura egipcia e incluso algunos ejemplos en el siglo XX. La pintura en seco puede ser el tipo de pintura o material utilizado puede ser cualquiera, el más usual el pigmento disuelto en agua de cal, pero también se puede utilizar pigmentos naturales o el oleo aplicado directamente al muro. Son famosos los experimentos de Leonardo de la aplicación del oleo directamente al muro en su búsqueda del sfumatto. Encáustica Un tipo de pintura en seco es la encáustica, utilizada en la época romana, que se empleaba para pintar las fachadas de los templos y las pinturas pompeyanas. La técnica es que los pigmentos estan disueltos en cera de abeja y el color es aplicado en caliente. Los griegos descubrieron las características especiales de la cera que no cambiaba de color con el tiempo y tenia una luminosidad especial que permitía crear efectos de transparencia y acabados realistas. Además se le añadían otros tipos de productos que permitían fijar el material a la superficie y a su ver que le dieran el acabado liquido para ser trabajado. Se aplicaba con pincel y espátulas que permitían expender el color por la superficie. Una vez aplicada este pigmento sobre la superficie se pasaba una fuente de calor por todas la pared para que la cera quedara bien absorbida en el muro. Esta técnica también era utilizada en la madera. Sus puntos fuertes es la voluptuosidad y expresión de las figuras frente a los frescos que las figuras aparecían más planas. Técnicas pictóricas. De caballete. Aquellas pinturas que tienen un soporte móvil fácilmente transportable. Se pueden clasificar por el tipo de soporte: tabla, tela, papel o cartón. A partir del siglo XVI el soporte más empleado es la tela, el más privilegiado gracias a la técnica del a pintura al oleo. La tela se crea a partir de fibras vegetales. Al temple. Disolver los pigmentos en la cantidad justa de agua buscando las medidas exactas. Para que la solución se quede impregnada en el soporte se añaden como aglutinante otras materias como el huevo que le da un aspecto más brillante y hace que tarde más en secar lo que permite trabajar sobre la superficie durante más tiempo. Otro material es la resina, la cola o, incluso, aceite. Estas
sustancias funcionan com aglutinantes que permiten añadir el color a la tela. Esta sera la tecnica más utilizada durante la Edad Media hasta el Renacimiento que se reemplazara por el oleo, que permite un acabado más brillante; el soporte más utilizado la tabla, el metal o el propio muro. Al óleo. Caracterizada porque utiliza el pigmento con un aglutinante de aceite vegetal. Se habla de Van Eyck como el padre de la pintura al óleo flamenca, a partir del siglo XV se consolidó y se difundió para el resto de Europa. Al principio era utilizado como soporte de la tabla pero, posteriormente, fue substituida por el lienzo. El lienzo se trata con yeso y materiales oleaginosos que permiten que la pintura dure y se conserve mejor, al mismo tiempo que dota de un acabado más óptimo. Antes de pintar las telas hay que tratarlas con el acabado blanco, después de la imprimación para que quede una superficie rígida; no se cubre toda la superficie. El trabajo suele hacerse primero dibujando las formas antes de aplicar el color, trabajando la superficie y los volúmenes. Después se modelan dotándolas de luces y sombras y sobre ellas se aplican ligeros toques de color. Finalmente, una capa de barniz protector. El óleo permite un mayor detallismo. Esta técnica permite hacer veladuras, que consiste en capas sucesivas que el pintor aplica en una misma zona con muy poca cantidad de pigmento pero con mucho aceite. Se aplica cuando la capa anterior esta seca. Provoca la sensación de que la pintura cobre viva, permite una cantidad de luz adicional que al ojo le da la sensación más realista. También se utiliza para crear los efectos del agua o el cristal. a) Escuela flamenca considerada la pionera de esta técnica. El uso de la pincelada detallista que realiza los detalles más mínimos con la máxima realidad y perfección posible. Su objetivo era que la pintura represente la realidad lo máximo posible llevando a lo más extremo los más pequeños detalles, sin que se noté la mano del artista, como si fuera un detalle casi fotográfico. La singularidad del estilo no aparece revelada. b) La Escuela veneciana utiliza resinas más blancas y aceites más depurados que permiten el paso de la tabla al lienzo,que permite mayor facilidad para transportar los lienzos. La pintura veneciana busca una ejecución más directa de los colores sobre la tabla con colores más pastosos y rugosos, pinceladas densas con más material pictórico. frente al detalle del color, se potencia el toque personal del artista. En el acabado se puede ver que la superficie es más rugosa que el acabado flamenco (Tiziano, Retrato de Piero d'Aretino , 1451, óleo sobre tela,
vez se fragua se desprende el papel. El trencadís. Las teselas son formadas por cerámicas de desechos, consecuentemente el tamaño de las teselas es irregular. Vidriera. Se crea en primer lugar una red, trama que dibuja las formas, siluetas en negro dibujadas en plomo. Después se crea el vidrio que se va dotando de color a través de la adicción de diferentes óxidos para darle los diferentes colores. A continuación, los vidrios se cortan siguiendo las formas de las figuras. Estos vidrios se pintan dibujando las sombras que dan lugar a las diferentes partes del cuerpo, se vuelven a meter a altas temperaturas en un horno para que las formas se queden fijadas al vidrio. Con el calor, el color penetra en la pasta de vidrio. Finalmente se recompone la vidriera, situando cada trozo en el lugar que ocupa en la trama de plomo. También existen las técnicas mixtas. 25/02/2015 [Pasar a limpio] II) Los elementos formales de la pintura. Brusatin,M: Historia de los colores. Gage, J: Color y cultura: la práctica y el significado del color de la antigüedad a la abstracción. Panofsky,E: La perspectiva como forma simbólica. Cada uno de los diferentes elementos formales, la línea, el color,…, la utilización de cada uno de ellos, la importancia que se le podía dar a cada uno de ellos, tiene que ver con el contexto de la época, el contexto histórico que hace que tenga más importancia unos u otros, esto es importante para analizar las obras. Cada uno de los elementos están interrelacionados, abecés una mancha de color no se sabe cómo analizarla si como mancha o como línea, dependiendo del grosor, también hay que diferenciar si pertenece al género de la pintura o al del dibujo. Los géneros artísticos están también interrelacionados. En esta idea de interrelación podríamos ver la interrelación entre la pintura y la fotografía la pintura a generado influido en los inicios de la fotografía en la temática y la fotografía ha influido en la pintura, esto se ve en el cambio del encuadre. Degas: Place de la Concorde, 1875 las figuras cordadas.
2.1. Línea. Es como de los elementos de análisis del lenguaje. Uno de los elementos que el pintor utiliza para hacer la obra de arte. Sobre todo la línea tiene esa función de delimitar las formas, atrapa las formas fija la apariencia de las cosas, de ordenar las formas, fija la apariencia de las cosas. Es por ello que se ha definido la línea como elemento plástico de carácter impredecible, a través del cual se consigue la identificación, la materialización de las formas. La línea es la ordenación intelectual de las formas. Que permite identificar materializar intelectualmente el espació. En este sentido, líneas estructuradas líneas que delimitan el espacio. También se puede identificar línea de carácter decorativo, como en la obra Las musas de Maurice Denis, además define las figuras que casi se convierte en siluetas, es una línea muy sinuosa que defina las figuras incluso dentro de ellas. También se puede hablar del carácter sinuoso de la línea. DOS DIVISIONES DE LA LINEA: Línea continua (contornos, formas cerradas…): la línea continua hace referencia a un trazo sin interrupción. dentro de la línea continua podemos encontrar:
- Línea contorno: aquella que tiene como objetivo configurar volúmenes gracias que determina la existencia de más de un plano y esta línea dibujo el rostro del retrato. La línea contorno seria la que recorre la totalidad de la figura. Modigliani, Jeanne hebuterne.
Neoplatonismo atravesó de la forma se llaga a la forma, por tanto solo se pinta después de dibujar. S. Botticelli, Madonna. Esta importancia de la línea reaparece en algunos autores del siglo XIX como Ingrie. Jean-Auguste-Domínguez Ingres, Princesa de Broglie.
Con la aparición de la fotografía cambia el desvenir de la historia del arte y aparecen otras propuestas. En este caso una propuesta de tipo primitivista. Pintura de Gogen autor post- impresionista que tiene este componente primitivo, ya no interesa la realidad sino el valor expresivo de otros elementos como es el color (se recupera la pintura egipcia). La que llama la técnica es la influencia de la que se ha denominado como cloisonné (no interesa el modelado, la configuración de las formas, sino que son colores planos y delimitados como la hace en la técnica del esmalte). Luego en el siglo XX el predominio de la línea se mantiene con la técnica como el collage, el cubismo… También la caligrafía, la concepción de la línea no solo como contorno sino su valor estético en escritura con calor estético. Libro de Kells, Siglo VIII, Fol. 34, Chi Rho. Se puede hacer referencia a un valor expresivo de la línea no como contorno sino como si misma, no solo con la caligrafía sino también la pintura abstracta. J.Pollock, Numero 1. Fernand Léger, Homenaje a Louis David, 1948 – 1949
del espectador. Antonio Saura, Rostro La línea discontinua da expresividad, dinamismo, espontaneidad, da la sensación de vida. Edvard Munch, El Grito, Nasjonalgalleriet, Oslo A través de las líneas se expresa inestabilidad emocional. J. Toorop, Anuncio de aderezo para ensaladas. Según sus funciones podemos hablar de tres tipos de línea: línea descriptiva/ demostrativa (que correspondería más con la línea continua en esa función de mostrar los objetos), una línea expresiva y una línea para producir un efecto de dinamismo (estos dos últimos serian de la línea discontinua) 02/03/
2. El color La linea representaba lo intelectual, porque a través de ella se veía la forma. El color capta los valores sensoriales dirigidos a los sentidos. El color es la pintura propiamente dicha. Los pigmentos de origen mineral, animal o vegetal, pero que a partir del siglo XIX se generan de forma quimica, a partir de polvo seco molido mezclado con el aglutinante. a) La evolución del color. Para los griegos, el color se desprendía de unos objetos mediante la luz. Esta visión pervive hasta el Renacimiento. Lomazzo entendía que el color era la cualidad visible del objeto que se manifestaba de manera potencial cuando el objeto no estaba iluminado y en acto cuando no lo estaba. Otra figura importante en la concepción del color era Newton que trabajo sobre la descomposición de la luz y distingue los siete colores del arco iris como el producto de la descomposición de la luz, de esta manera toda la variedad de los colores de la naturaleza queda tamizada en los siete colores
principales. Loius Bertrand Castel en el siglo XVIII elabora el primer circulo cromático, en su tratado de La óptica de los colores , sobre el cual posteriormente trabajara Goethe en colaboración con Phillip Otto Runge que elaboró las esferas de color. Este autor era un místico pintor y teórico del color, partía de la idea de sintetizar, fundir el cosmos en algo tangible. La siguiente figura es Chevreul, teórico del color, autor de La ley del contraste simultaneo de los colores , 1839. Su propósito era buscar los colores más armoniosos a la hora de crear composiciones. Su tratado fue clave para Delacroix y los impresionistas porque fue la principal aportación tenia que ver con la idea que los colores no son inmutables sino que dependen de la percepción individual. Con esta idea jugaron los impresionistas, en lugar de aplicar determinado color un determinado color sobre el lienzo, en lugar se aplica por ejemplo el amarillo y el azul, nuestra retina mezcla los colores visualizando el verde, un verde más vivo y luminoso. Esto corresponde a la teoría de la mezcla óptica que afirma que es en nuestro ojo donde se reproduce el color. En el siglo XIX se produce un avance de la industria química y se elaboran en los laboratorios los tubos de color. En algunas ocasiones la evolución de la historia del arte y el estilo tiene que ver con la tecnología, los avances científicos y químicos, es decir, factores externos. La aparición de la fotografía supone un cambio brutal en la evolución de la pintura. A partir de la propuesta de Chevreul, otros autores como H. Von Helmholtz, C. Henry y L. Wittgenstein siguen trabajando en la idea de que el color es un fenómeno subjetivo. La fisonomía del color depende del individuo y de la situación social. El color existe como una sensación que percibe nuestro cerebro después de que nuestra retina perciba las ondas de luz. El color va adquiriendo una nueva importancia a lo largo del siglo XIX relacionada con el interés de lo que se está representando, la poesis. La pintura tiene que buscar algo más que la representación de algunas temáticas y que el color produce en el espectador unos efectos, unas sensaciones. Kandinsky realizará el primer cuadro abstracto. “Recordad que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o una anécdota cualquiera, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos con cierto orden” - Maurice Denis, 1893. La clasificación entre los colores naturales y artificiales se mantiene hasta el Renacimiento, cuando se insiste en diversos parámetros de clasificación de los colores. Alberti hablaba de cuatro colores verdaderos, el origen de todos los demás: el rojo, azul, verde y amarillo. Da Vinci añadía el blanco y el negro a los naturales, el resto serían los compuestos. Para Leonardo, los más importantes eran el
