¡Descarga APUNTES CORRIENTES METODOLÓGICAS y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
20 de febrero de 2014:
HEGEL:
Hegel y su libro Tributos: evidentemente no podemos aprender algo sin haber estudiado a Hegel que cuando habla de la ciencia, habla de filosofía, el arte es la manifestación sensible de la idea porque idea en Hegel es sinónimo de espíritu y espíritu, idea y absoluto son trasuntos de la divinidad, son distintas maneras que tiene Hegel de esa divinidad y de su sistema filosófico que se entiende como una teología dominada por la diosa razón en tanto que él es un hijo de la Ilustración. Hegel, de esa divinidad y su sistema filosófico lo entiende como una teología dominada por la diosa razón en tanto que él es un hijo de la Ilustración. Hegel era protestante y el dios de los protestante es tremendo porque nos deja nuestra agonía. Para Hegel este espíritu se ha manifestado a lo largo de esa historia y ese es el concepto fundamental que se ha manifestado de distintas maneras pero siempre bajo del dominio de la razón y esa historia puede ser ordenada porque lo que caracterizaba a esa historia es que el espíritu se ha manifestado de distinta forma a lo largo de la historia y el hombre tiene esa capacidad de conocer esa idea fundamentalmente a través de tres esferas de conocimiento:
- El arte
- La religión
- La ciencia: que en Hegel es sinónimo de filosofía
Esto es lo que metafóricamente llama Hegel los tres acontecimientos de la confrontación.
Se ha desarrollado a través de un concepto fundamental como dialéctica que se resuelve en una síntesis y ese es el modo de tener una historia en la que el espíritu se ha ido manifestando y los hombres han podido conocer esa idea, esos espíritus a través de esas tres esferas. El arte en tanto que para Hegel es la manifestación sensible de la que está en un grado inferior con respecto a la ciencia puesto que a lo que invita el arte según Hegel es a través de las sensaciones corporales pero dice que es una esfera de conocimiento, inferior con respecto a la religión y a la ciencia que los hombres alcanzan el conocimiento a través del arte, de los sentidos en cuanto que el arte es manifestación sensible. Esto significa que se puede fundar toda una ciencia en el arte toda una filosofía del arte, de hecho es en el sistema filosófico de Hegel donde por vez primera alcanza la estética entendida como filosofía del arte o mejor conocimiento por reflexión sobre lo que conocemos y de alguna manera durante el s. XIX hasta que no llegue Freud, cuerpo y mente son uno hasta entonces iban por un lado,las sensaciones corporales y la mente dominada por la razón era la mejor esfera de conocimiento que el arte depende de la manifestación sensible y por tanto, de lo que nuestro cuerpo experimenta a partir de los sentidos. Supone por una parte, la legitimación de las artísticas pero también su condena porque evidentemente son unos medios por los que el hombre accede al conocimiento de los sentidos y la religión llega a a través de lo que Hegel
llama el sentimiento y en la esfera de la ciencia llega a través de la razón. Ponía los cimientos para construir esa ciencia entendida como el conocimiento que llega a través de los sentidos, legitimación y condena. Para Hege, en el desarrollo de la historia sistemática, ordenada se producen tres etapas al menos en lo que se refiere a manifestaciones artísticas:
arte simbólico que es el arte clásico que será superado por el arte romántico. El simbólico se identifica con el arte oriental y en particular, con el arte egipcio que es como la manifestación suprema del arte simbólico. Tenemos que tener en cuenta que esto son apuntes de Hegel que cogieron, recopilaron y publicaron sus alumnos en un libro llamado Lecciones de Estética donde recopilaron y sistematizaron lo que habían sido las clases de Hegel: arte simbólico (egipcio) que caracteriza que es la manifestación sensible (forma) es más importante que el contenido, que la idea, se impone sobre la idea, sobre el absoluto pues el espíritu, la manifestación sensible supedita a la idea. También hay que tener en cuenta que cuando Hegel hace estas reflexiones es el momento en el que paradigma es la Esfinge de Yisé y en la que el símbolo es lo simbólico propiamente dicho, la forma supedita a la idea. Hay un desajuste entre manifestación sensible e idea, entre apariencia finita, material, sensible con unos límites y lo que es el sentido infinito que es lo que caracteriza el espíritu a la idea. Lo que hace el arte es darle una contención material. En el arte simbólico, la forma, a la apariencia sensible supedita al contenido. El arte por antonomasia es la arquitectura porque con respecto a la escultura y pintura es mayor la necesidad de concepción material tiene. A esa etapa del arte le sigue otra que es el arte clásico y dice que se da un equilibrio perfecto entre la forma y el arte por antonomasia es el griego y que fundamentalmente, le va a llegar por la lectura de los libros de Winckelmann. El arte por antonomasia es la escultura que es donde se da ese equilibrio entre manifestación sensible e idea, espíritu que sigue pugnando por manifestarse sensiblemente a través de las obras de arte. A esa segunda etapa le sigue la tercera destacando el arte romántico en el que lo que ocurre es que el contenido, la idea, desborda la forma y habla desde el s. XVII hasta su época que fundamentalmente habrá una manifestación en la pintura flamenca. El contenido del espíritu que sigue pugnando por manifestarse desborda a la manifestación sensible por lo que el arte por antonomasia es la pintura porque es la que menos supeditación a su concepción material tiene sobre todo, comparándose con la arquitectura o con la escultura aunque a su vez, es superada por otras dos manifestaciones artísticas fundamentales que son superadas por la música y la poesía. Para Hegel, sin la música no hay forma. El arte romántico se caracteriza porque el espíritu desborda a la forma y por la subjetividad infinita. Hegel es un optimista que interpreta la historia con un discurso racional, dialéctico y eso sí, en el que la esfera del arte van a ser superadas por la religión y sobre todo, por la ciencia por lo que cuando habla de arte va a decir que como en nuestra época nuestro conocimiento del espíritu llega a través de la religión pero sobre todo, a través de la ciencia entendida como sinónimo de la filosofía, el arte ya no es necesario, es una cosa del pasado porque entendiendo que la esfera del arte ha quedado superada por la esfera de la ciencia, Hegel además entiende que su filosofía es autorreferencia. La filosofía acaba pensándose a sí misma, se manifiesta de manera abstracta al espíritu, propio de etapas en la que la idea de lo absoluto pugnaba por manifestarse de forma sensible. Para Hegel, la historia tiene un destino y un objetivo final, y él entiende que la ciencia es capaz de conocer al espíritu, a la idea y que por tanto, hace innecesario otras manifestaciones del espíritu. En esa historia y en lo que respecta a lo que nosotros nos preocupa hay un momento que es lo que se le llama el arte simbólico y en el que el espíritu
impugna por manifestarse sensiblemente a través de la materia pero no lo consigue, digamos. De hecho, para Hegel, en el momento del arte simbólico, la materia predomina con respecto a la forma que se materializa en arte oriental. A esta sigue otra dialéctica contraria que es el arte clásico en la que se produce un equilibrio perfecto entre manifestación sensible y espíritu que se materializa de forma perfecta en el Apolo de Belvedere.
pintura en tanto que tiene menos obligación de manifestarse a través de la materia y sobre todo, en la música y la poesía pero en su momento, el hombre ya es capaz a través de esa esfera de conocimientos, de acceder sin necesidad de mediación sensible al conocimiento o la idea de lo absoluto. El arte es una cosa del pasado necesariamente porque lo que predomina es que la ciencia permite conocer arte de una manera racional al espíritu absoluto. Por una parte, Hegel es un platónico que ha pasado por la teología bizantina y lo que hace es construir un portentoso sistema filosófico en el que el arte desempeña un papel de importancia relativa. Una razón que además puede interpretar la historia en las pugnas que del espíritu para poder manifestarse. La universalidad, la verdad que caracterizan al espíritu, la idea y su propia infinitud. Al definir el arte como la manifestación sensible de la idea ya teníamos la esfera de la forma y la esfera del contenido que son pares binarios estructurales y a partir de entonces, como buena parte de los historiadores del arte germánicos que debían mucho a Hegel asumieron que el arte era la manifestacin sensible, es decir, formalismo y en cierto modo, atribucionismo también y por otro lado es el signo, la idea el contenido y por tanto, todos aquellos historiadores que hacen hincapie en el mensaje, en lo que las obras significan. Otros consideran más importante la forma y los que reaccionaron frente a esa importancia de las formas, de ahora en adelante, se conocieron como los iconódulos. Se derivaba de una cuestión que a partir de entonces, van a considerar significativas pero en distintos momentos. En Hegel se plantean ya las distintas vías que va a adoptar nuestra disciplina en los años siguientes aunque no sea cierto del todo que siguen una trayectoria lineal de la historia.
Arte: representación material con un alcance personal, colectiva, el arte se interpreta como algo más profundo. Pero en el caso de estos genios hemos de pensar que todo el sistema filosófico de Hegel converge y se retroalimenta con el contexto histórico que ha constituido Europa como un mosaico de naciones y una de las herramientas para concederse una herramienta nacional y a su vez, hay que tener en cuenta que se están empezando a crear las primeras cátedras que justifican todo este discurso sistemático, ordenado que da una importancia trascendental al espíritu de las naciones, los pueblos es decir, la academia justifica lo que está ocurriendo en ella en esos momentos y empieza a ver y estudiar sus museos por naciones o escuelas, lo que permitió justamente la formación de una disciplina académica que se dedica al estudio de las manifestaciones sensibles del espíritu. Hicieron hincapie en la manifestación sensible de esos que convencionalmente son una etiqueta que vamos a usar porque es lo suyo que es el formalismo que lo que entiende es que los cambios estilísticos a lo largo del tiempo y del espacio a lo largo de la geografía, son síntomas de cambios más profundos y generalmente, son cambios preexistentes. Primero serán cambios a nivel más profundo porque ocurren en la mentalidad o en la voluntad individual o colectivo. Por tanto, los cambios estilísticos son independientes de cambios más proundos que se producen en la mentalidad, en el espíritu de una poesía, de un tiempo determinado de un espacio determinado.
De modo que un artefacto, lo que nosotros convencionalmente llamamos obra de arte puede ser entendido como un símbolo de la mente de un pueblo o un lugar o la manifestación sensible de una sociedad de una cultura o nación, se manifiesta en los cambios de estilo y por tanto, una obra, un objeto manufacturado por el hombre se constituye en una especie de símbolo que nos habla del símbolo de una época.
evolutivo en tanto que el s. XIX será el gran símbolo de la historia del arte ofrece un relato evolutivo en tanto que enmarcado en el tiempo, en el devenir temporal en el que los distintos artefactos que nosotros llamamos obras de arte marcan jalones, mojones en esa evolución que si os das cuenta en tanto que evolución y temporal es racional y a su vez, es congruente luego es falsa y permite que la historia del arte se construya como una ciencia. Es casual que en estos primeros momentos de evolución esté mirando continuamente a la biología, botánica entendida como los formalistas como una evolución de las formas que es síntoma de cambios más profundos. Los formalistas van a intentar construir un relato congruente, cronológico, temporal en el que los artefactos se van constituyendo en los jalones en cómo la historia de las formas evoluciona.
ALOIS RIEGL:
Lo que entiende es que lo que la historia del arte va a hacer es dar cuenta de la evolución de las manifestaciones sensibles a través del espíritu y esto permite que se constituya como ciencia la historia del arte. Para Riegl, los cambios en la forma son resultado del desarrollo lógico del propio sistema de las formas, es decir, entiende que las formas son como una especie de seres vivos que tienen sus vidas y que se manifiesta y su evolución es inmanente, mana de dentro por una necesidad que es la necesidad de expresión del hombre que las hace, de la sociedad, de la cultura que las hace. Kunstwollen: en su libro de Problemas de Estilo, Riegl entiende la evolución de las formas ya en ese sentido como entiende la historia del arte como una se3rie de soluciones que se van alargando a lo largo del tiempo y cuya evolución está predeterminada por decirlo de algún modo, inevitablemente está precedida por una especie de facum de las formas. Esa evolución pude ser alterada si en alguna época se da un cambio. Lugar en la manifestación sensible más se parece al desarrollo de una planta además la ornamentación en cierto modo es puro significante, no tiene por qué tener aparejado un significado y a demás a la hora de ejecutar la ornamentación, el artista no está supeditado a la mímesis por lo que si entiende que el artista ha de estudiar las formas, qué mejor modo de hacerlo que a través de la historia de la decoración, es como la estrategia definitiva pues si entiende que se producen por una necesidad inevitable, en problemas de estilo lo que hace es distinguir 4 estilos distintos de ornamentación, estilo vegetal, estilo geométrico y del heráldico. Lo que caracteriza al desarrollo de estos estilos es que un mismo motivo ornamental desde la Prehistoria hasta el arte musulmán se ha utilizado de distintos modos a lo largo de la historia el mismo motivo pero digamos que condicionado por el espíritu del pueblo que los ha hecho en cada ciclo histórico, cada motivo se impregna del espíritu artístico del pueblo que lo usa, que lo emplea, son signos entonces tienen necesariamente significante y significado entonces dice que este mismo motivo ha sido utilizado desde la Prehistoria. Lo importante es que esa forma, esa forma pura se impregne del grupo social de la cultura o nación que lo utiliza ya que según Riegl lo que determina el uso del símbolo es la intención artística, voluntad artística, ahí acuña el término Kunstwollen que es un concepto muy abstracto pero que le permite estudiar
esos períodos y que según él, lo que distingue una palmeta empleada por un artista griego que por otro musulmán es la propia voluntad artística de la cultura del pueblo o nación que ella usa.
depende tanto del artista creador sino del colectivo o persona que la esté usando y de algún modo, eso aflora en los motivos decorativos. En el Renacimiento Italiano el esquema formal es el mismo pero lo que cambia es la intención porque ha partido de la premisa de que estas formas manifiestas en espíritu de una determi8nada cultura y lo explican a través de una construcción intelectual que incluye ese término que se convertirá en moneda de cambio y que tendrá un gran éxito. Esto es lo que explica la unidad interna de los estilos en cada época su desarrollo también tiene un objetivo porque las formas cambian inevitablemente y lo que ocurre es que se va a los hechos y no se pueden explicar por eso lo que cambia es la voluntad artística, la aspiración creativa de una época, cultura o generación determinada que está condicionada por la religión, las leyes y la ciencia. Además habla de la suerte de regularidad y distingue entre un término que es la objetividad táctil que nos suena a Blefin y la subjetividad óptica (presentación clásica y visión del sujeto, respectivamente), es el modelo de las ciencias natures y esto implica que de alguna manera una de las consecuencias de que esta visión del desarrollo de las formas permiten a Riegl en subrayar que habían sido entonces épocas de decadencia en la historia del arte y con ello, su segundo libro importante y es que la visión de Riegl distinguía como historia de las formas es que se oponía a historias del arte anteriores fundamentalmente basada en ideologías e historias de los artistas sugiriendo una historia del arte más abstracta porque la aportación genuina e individual del artista. Según veía Riegl la historia de las formas quedaba subsumida por la propia forma y quedaba reducido a un mero mediador de las formas entonces pretendía abstraer los asuntos relevantes que atañen a la manifestación sensible.
Knustowollen: es la primera vez, un termino ambiguo que no le va a dar tiempo para definir y justamente en su ambigüedad. Como Riegl trabajo en el la sección de artes aplicadas y decorativas y de algún modo marcara su trabajo posterior porque como conservador trabajo catalogando las numerosísimas piezas de artes aplicadas que se conservan hasta que acceda ala cátedra de historia del arte. Esa primera dedicación como conservador para entender lo que va a proponer en problemas de estilo. En su obra, problemas de estilo se van a dar la mano por decirlo de algún modo las tendencias fundamentales de la segunda mitad del diecinueve, por una parte ese positivismo que tiene en cuenta fundamentalmente los datos documentales o las propias piezas que han de ser catalogadas técnica y formalmente bien a través de la experiencia sensitiva. Por otra parte, lo fundamental es su apariencia material o sensible y también va a aflorar ene l propio libro de Riegl una determinada icdiseccion de las obras artist nivisto podemos considerar a Steve Flagen como un paradigma pero teniendo en cuenta que hemos de tener en cuenta que se haga desde el positivismo Y de alguna manera hay que entender que reacciona frente a las teorías que había expuesto Gottfired Sampere que era un arquitecto de profesión pero también un teórico de las artes aunque fundamentalmente su reflexión gira en torno a la arquitectura. Para Sampere, Der Still las variaciones de las formas están supeditadas o condicionadas al material y a la técnica que transforma este material. El libro de Sampere es de una extraordinaria complejidad y dice que la evolución de las formas depende de los materiales que se usan y de la técnica que los transforman y eso reacciona porque según Riegl, la evolución de las formas es autónoma y no depende de condicionantes
externos, dicha reacción hay que tenerla en cuenta para saber qué se plantean en el libro Problemas de Estilo. De hecho, Riegl va a entender que los cambios de las formas, de las manifestaciones sensibles son el resultado de una necesidad inevitable como una especie de facum o destino y es un desarrollo
sentido es una serie de soluciones que se van enlazando a lo largo de la historia y cuya trayectoria está determinada y es inevitable aunque según él, puede ser alterada en lo que él llama la mentalidad y que de alguna manera se manifiestan y se desarrollan que es la forma que rozan los materiales que hacen los artistas que a su vez quedan meramente reducidos a una suerte de mediadores que dan solución a una serie de materiales. En este sentido, Riegl forma paciónrte de esos que se llaman historiadores del arte críticos porque lo que pretenden entender es a partir de una condición apriorística de lo que es el arte y en esa etiqueta están Riegl, Bleffin, Panowsky...porque tienen una concepción del arte que les permite explicar la evolución de las artes en cualquier ámbito. Problemas de estilo lo que pretende es de alguna manera fijar los argumentos que permitan formar una historia de la ornamentación porque Riegl elige el ámbito de la decoración y ornamentación y no la pintura o la historia,, o la escultura, representación del cuerpo humano, fundamentalmente por dos razones: por su trabajo como conservador y porque es el ámbito donde las formas en tanto que no están supeditadas a la mímesis se desarrollan de una manera mucho más autónoma como si se tratara de seres vivos. Para Riegl, un mismo motivo decorativo se usa a lo largo de la historia y su libro abarca desde la preshistoria hasta el arte musulmán pero digamos que en cada ciclo histórico se impregna del espíritu artístico del pueblo o de la nación que lo usa y establece una diferenciación entre lo que llama el Estilo Geométrico, el estilo Vegetal, el heráldico y el refinamiento o la sublimación que es el arabesco. Lo que ocurre es que en cada época se impregna de este concepto extraordinariamente abstracto que es la voluntad artísticas condicionadas por el sistema o cosmovisión científica y sistema religioso de modo que la diferencia sería ese concepto de Kunswollen: digamos que el motivo decorativo no es el que cambia sino su uso a través de ese concepto dela voluntad artística. Se define como una especie de unidad externa que para él además no tiene o no responden al paradigma de origen, desarrollo y muerte sino que digamos que su evolución se entiende como mutación en el tiempo, cambio en el tiempo, cambio en la historia impedida o movida por esa aspiración creativa por esa época, un grupo, un colectivo y en obras posteriores incluso por un individuo. En ese sentido, sustituye ese modelo biológico por otro modelo que es por decirlo de algún modo,estilísticamente inmanente pues las fuerzas evolucionan por una necesidad inevitable y sus consecuencias es que al rechazar el paradigma biológico y sustituirlo lo que se significaba y se va a demostrar en su obra es una revalorización de las épocas decadentes del arte y no es casual que entre 1921 y 1925 publique una obra que se llama Roma Arte Industrial tardorromano que se había entendido como una degeneración del arte clásico porque no entiende la evolución del arte y las formas por modo biológico sino a través del modelo o paradigma estilístico inevitable, inmanente. Las artes durante el bajo imperio no han de ser decadencia sino una mera evolución, una mutación en los cambios que se introduce. A los sumo, el artista individual que el romanticismo había entendido como genio creador, actúa como un investigador o como un iniciador de un estilo porque lo que importa es el motivo o voluntad artística que lo anime. En otro libro famoso de Riegl que es el Retrato Holandés en el que analiza y otorga un papel fundamental a Rembrandt como iniciador de un cierto cambio en el concepto de retrato de grupo y es una especie de mediador de cambio de las formas. Sustituye el paradigma geográfico opr esta evolución estilística inmanente y de alguna manera, planteada de un modo parecido, una historia
del arte impersonal, sin nombres porque de algún modo, lo que queda suprimido es la falta de mensaje o de contenido que el artista otorga a su obra. Evidentemente esto es complejo teniendo
desinterés por el mensaje válido y original que el artista quiere transmitir a través de su obra.
BLEFFIN ?? (Mirar como se escribe exactamente)
Se trata de otro gran formalista que lo que le permite estudiar la evolución de las obras de arte que lo que pretende es sistematizar y analizar las formas y estilos particularmente centrado en el Renacimiento, Barroco y rococó. Es muy relevante tener en cuenta saber que su padre como vimos en el seminario práctico era un filólogo, a finales del s. XIX cuando Belfin escribe su primera obra de Renacimiento y Barroco los filólogos entendían que las lenguas tenían una estructura natural , los morfológicos por sus cambios podían estudiarse a lo largo de la historia por lo que la aplica a su estudio. Y por otro, la influencia de uno de sus maestros Buckhardt que es el paradigma de la historia cultural. Blefin publica un libro en el 1888 en el que pretende estudiar los cambios de estilo que rigen el pso del arte clásico del Renacimiento al Barroco en el ámbito especial de la arquitectura, cambios de estilo, análisis de las leyes que rigen esos cambios de estilo entre la pintura italiana del Renacimiento y la arquitectura barroca italiana. Hay que considerar este libro como una especie de reacción a lo que no se ha ajustado a los cánones clásicos y lo que propone es justamente que no hay degeneraciones de leyes sino cambios y en tanto que cambios, no se entenderán como degenerados sino que es una evolución que está condicionada por circunstancias anteriores. Por una parte, lo que él llama cansancio de la rendición pues el uso continuado de unas formas ajustadas a unas normas generales provoca un hastío tanto en los creadores como en los productores que promueven un cambio formal y en segundo lugar, el motivo que supone la dirección de lo que tiene un estilo barroco es una razón fisiológica por decirlo así para Bleffin parte de la premisa del postulado de que el estilo, las características formales de una o conjunto de obras son manifestaciones del Zeitgeist que significa el “espíritu de la época” que condiciona el desarrollo de las formas. Es un término fundamental en el sistema filosófico de Hegel que de alguna manera en que uno es estudioso de Hegel y sus obras son las que impregnan por todo el ámbito académico germánico a partir de cierto momento se convertirá en moneda de cambio. Por tanto, el estilo refleja de alguna manera el repertorio de formas, de motivos formales que expresan los valores vigentes de una época. El primer gran libro de Bleffin es Psicología de la Arquitectura en el que hay dos imágenes de un zapato de época gótica y otro renacentista. Por tanto, esa doble causa manifiesta el espíritu de una época y son las motivaciones que explican el cambio de estilo porque el Barroco no puede considerarse una degeneración porque el estilo refleja o el repertorio formal de una época, refleja el espíritu de esa misma época. Son cuestiones que vuelven a aparecer de forma más implícita y de forma más estructurada cuya segunda edición plantea esa dicotomía estructural y otra vez vuelve a tras aparecer los hallazgos metodológicos que son estos pares de contratos, estos conceptos binarios que se oponen entre sí y que de alguna manera la consecuencia de estos elementos y lo que se plantea era la consecución de una historia del arte sin nombre.
Este modelo estructural lo aplica al renacimiento y habría conseguido, por otra parte dejar aparte la evolución de las primeras propuestas de vanguardias porque él probablemente no las entendiera como obras artísticas.
Esa idea de Hegel a lo largo del s. XIX y fundamentalmente en el s. XX se va a ir desespiritualizando y hay historiadores como Schanasse Rumohr que dirá que depende más de las costumbres y que se da el principal oponente a la tesis de Hegel que son las que van a revelar algunas de las relaciones en torno a la idea del espíritu en lo absoluto, en un sentido laico tanto que en Hegel al
