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- Periodización: fases y focos
- Origen y significado del término
- Humanismo
- Ideales y conquista
- Recuperación de temas y formas
- Retorno a la medida humana
- Nuevo concepto de realismo
■ Anatomía
■ Perspectiva
- Ascenso del artista creador
- Nueva consideración social del arte y del artista
- Nueva imagen del artista
IDEALES Y CONQUISTAS
El Renacimiento no surgió de la nada, hubo ya intentos de recuperación de la cultura clásica durante la Edad Media. Hubo “renacimientos medievales” la más importante la del siglo IX por Carlomagno quien después de ser coronado quiso restaurar el imperio romano en Europa Occidental y recuperar las formas arquitectónicas y la literatura clásica: Aquisgrán, construida según modelo clásico, donde instauró una corte de eruditos que se dedican al estudio. Este empeño permitió mantener vivas unas formas que hubiesen desaparecido.
En el XII hubo otro renacimiento extendido más que el carolingio, este interés por lo clásico se aprecia en la aparición de BB dedicadas a la literatura clásica, en el afán de pureza de la expresión literaria y la imitación de la arquitectura y la escultura clásicas, ej púlpito en Pisa que se considera protorenacentista. En este 2º renacimiento, como resultado de las cruzadas llegan muchos manuscritos griegos, entre ellos, Aristóteles, cuyo impacto fue absoluto en el pensamiento medieval, es el momento en que fundan las universidades de Oxford, París, etc.
El Renacimiento no ocupa un vacío cultural absoluto, fue la culminación de unas tendencias iniciadas en épocas anteriores, tampoco se puede considerar una ruptura total con lo anterior.
La influencia de la antigüedad marca todo el arte, pero no como imitación sino que se basa en el concepto de emulación, inspirarse, pero creando obra nueva. La revolución del Renacimiento fue utilizar un nuevo sistema de representación basados en la perspectiva.
Recuperación de temas y formas de la Antigüedad
Al igual que los humanistas, los artistas se dedicaron a estudiar restos, ruinas, las cuales fueron redescubiertas en el siglo XV, como repertorio de formas; surge una gran sensibilidad acerca de su estudio y conservación. Por ej., cuando Donatello y Brunelleschi llegaron a Roma 1 , fueron catalogados de buscadores de tesoros porque no se explicaban su interés por las ruinas, Rafael sería nombrado conservador y estudioso de restos.
En el caso de la escultura había restos antiguos pero no teoría, se inspiraron en esculturas clásicas para modelar personajes cristianos.
En pintura, ni modelo ni teoría, por eso la incidencia del arte pictórico antiguo fue menor, de hecho se observa una traslación de la escultura a la pintura, ej., Mantegna. Los 1os ejemplos aparecieron con el descubrimiento de la domus aurea , s/e sí tenían textos, literatura artística que les permitió conocer uno de los principales criterios de la pintura clásica: la verosimilitud que sería uno de los pilares de sus creaciones.
En arquitectura, tenían acceso a la forma y la teoría trasmitida por el tratado de Vitrubio, en el siglo I a. C, único tratado de arte que llegó de la antigüedad hasta el Renacimiento. No es que fuesen desconocidos sino que los artistas góticos no referían la antigüedad clásica. Cuando estos 10 libros fueron descubiertos, se hizo la luz. Su influencia sobre la teoría del arte fue fundamental, para empezar los planteamientos de Alberti:
Idea de belleza:
- Componente social de la arquitectura
- Belleza tan importante como la funcionalidad
Los temas mitológicos conviven con la iconografía cristiana, se produce un trasvase de inspiración; de hecho la iconografía religiosa de época medieval perdura para espacios sacros y los mitológicos para estancias privadas. Hay un intento de secularización de la pintura religiosa, es decir que se desarrolla en contextos contemporáneos tales como plazas. En este sentido, los pasajes bíblicos pueden ser leídos de varias formas: Por ej., La Adoración de los Reyes Magos (Boticelli) para reflejar una reunión que se produce entre oriente y occidente para tratar temas del momento; o El Pago del Tributo (Masaccio) como publicidad a una subida de impuestos que tuvo lugar en Florencia.
También durante esta época se recupera la escultura ecuestre, el arco del triunfo, ambos con una misma idea: la del poder.
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tb cuestiones como la explicación de la personalidad del artistas basados en datos astrológicos. Existe una convicción aceptada en esta literatura como dogma y aceptada: que las artes visuales imitan la naturaleza, el objetivo de la pintura y de la escultura y que cuanto más se acerque a este fin, mayor será su calidad. Esta idea de la imitación es un sello distintivo del arte del Renacimiento.
El origen de esta idea no surge en los talleres de artistas sino que fue formulado por poetas y eruditos, remontándose al siglo XIII-XIV, donde autores como Dante (antecesor de los humanistas) hacen observaciones aisladas, aunque Boccaccio el 1er autor que relaciona artes visuales con imitación de la naturaleza: presenta a Giotto como un genio en una de sus historias, haciéndolo responsable del naturalismo integral en la pintura, para Boccaccio es un rasgo del Renacimiento y un sello distintivo de Giotto: (…) fue el pintor que devolvió la luz a la pintura, con su imitación de la relaidad (…)
Los talleres van absorbiendo esta doctrina, un documento de este proceso el Libro del Arte de Cenini, escrito a principios del XV, siendo el tratado más importante que precede a una teoría humanista del arte. Por la composición de este libro y por su forma literaria es heredero directo de la tradición técnica medieval: es un recetario, un manual con capítulos para que los artistas sepan preparar pigmentos, telas, metales, superficies, pergaminos, etc. Tb desde el punto de vista intelectual se retrotrae a la EM, ya que comienza dando gracias a Dios y aludiendo a Adán y Eva, al tiempo que califica el arte como un trabajo manual, no intelectual. Cennini, creía en el exempla (método que enseñaba a los artistas mediante la imitación de las obras de los buenos maestros y la asimilación de su estilo.
S/E a principios del XV se ve que la tradición comienza a resquebrajarse y el propio Cennini indica que comienza a romperse a partir de la idea de que el arte imita a la naturaleza: que un buen estilo se obtiene imitando a un buen maestro o imitando a la naturaleza, si bien su idea de naturaleza era algo simple. Casi dos generaciones después de Boccaccio la imitación de la naturaleza es encarnación del valor artístico.
Se trataba ahora la imitación correcta de la naturaleza, idea que invade el pensamiento renacentista, donde correcta significa 2 alcanzar la verdad material (según B. Copiar clara y fielmente la naturaleza, entendiendo aquello que no es as directo que es el cuerpo humano) y la verdad formal (conseguir un método científico que probara la corrección de esa representación: la perspectiva, formulada en el Renacimiento)
Anatomía
En la Edad Media la ciencia estaba jerarquizada y la medicina ocupaba un lugar inferior respecto al derecho, la teología o la filosofía, puesto que su finalidad era la curación, lo que supone que la formación del cuerpo humano era menos importante, los estudios eran básicamente teóricos y basados en textos clásicos, que enseñaban de forma teórica y literaria (no en laboratorios ni en clínicas. De hecho los primeros estudios sobre el cuerpo humano comienzan en los talleres, no en las clases de medicina, a través de la observación empírica.
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En sus inicios, la teoría del arte no demostró interés por la anatomía, fueron los talleres de artista quienes legaron los 1os estudios científicos. Este esfuerzo de los artistas por lograr una correcta representación anatómica llego a su culmen a finales del XV, siendo el legado del Leonardo su materialización más completa un “hombre universal” que se interesó por todo (sistemas de riego, máquinas de guerra, trajes de fiesta), aunque era poco sistemático y por eso sus escritos son fragmentados y dispersos aunque dejan deducir un pensamiento teórico y estructurado.
De los escritos de Leonardo se observa el complemento entre práctica y teoría, sobre todo en sus estudios sobre anatomía, ya que no solo diseccionaba cadáveres (prohibido en la época, pero tenía contactos con algunos monjes que le facilitaban cadáveres) y también conoció las doctrinas antiguas y medievales sobre anatomía, tenia además contactos con los anatomistas más importantes de la época llevando a autodefinirse como un pintor anatomista.
Sus dibujos muestran una precisión incomparable por entonces, siendo aún hoy apreciado por ello, son casi informes científicos: iba mucho más allá de su trabajo de artista.
Antecedente de Vesario, punto de partida de la ciencia anatómica moderna, Leonardo se adelanta a este investigador. Sus dibujos son reveladores de la mano y de la mente de un artista: son obras de arte
Perspectiva
Para asegurarse de que la representación es correcta, noción que se sistematiza en el Renacimiento, la representación del espacio en perspectiva y de los cuerpos contenidos en ese espacio. Los artistas, que se mantienen fieles a la naturaleza, la superficie pictórica pierde su opacidad (idea medieval) haciéndose transparente. Según Alberti el cuadro es una ventana a través de la cual se advierte una realidad infinita y continua. Método matemático que consiste en colocar sobre una superficie bidimensional una escena tridimensional. En la Edad Media se representaba no como lo que se ve sino como es. Los renacentistas quisieron probar la corrección de la representación que fue permitido por la geometría
Alberti fue quien definió la perspectiva al introducir el método de la pirámide visual: el contacto del ojo con el objeto se produce por unos rayos visuales configurados como una pirámide, método que asegura la corrección de la representación que hace el pintor. La pintura era como una intersección plana en esa pirámide visual de forma que todos los objetos recogidos en el lienzo eran proporcionales a la realidad que tomaba como modelo, de este modo se garantizaba la corrección espacial. En la perspectiva lineal todas las líneas confluyen en el punto de fuga.
La perspectiva fue un principio sagrado para todos los artistas del Renacimiento. Sería Leonardo quien encontraría sus fallos, el más sorprendente es que nos e correspondía con la realidad de la experiencia visual, ya que se basa en el hecho de que vamos con un solo ojo, cuando en realidad vemos con los dos, lo que supone una pérdida de intensidad. Era un modelo matemático y como ejerció geométrico era correcto, pero no
En la Edad Media existía una jerarquía de las ciencias, donde la medicina –encargada del cuerpo humano- ocupaba una jerarquía menor respecto al Derecho, Teología o Filosofía. El conocimiento de cómo estaba formado el cuerpo humano, durante este periodo, parecía poco importante. La medicina se enseñaba de manera teórica y no práctica. Por tanto, el estudio del cuerpo humano no surgiría como tal en las universidades sino en los talleres, a través de la observación empírica. En sus inicios la teoría del arte no mostró mucho interés por la anatomía, por lo que el curso del cuerpo humano n fue una contribución humanista sino más bien resultado del estudio de la misma en los talleres por parte de los artistas. Este empeño de los artistas por lograr una correcta representación anatómica culmino a finales del siglo XV, y va a ser legado de Leonardo lo que ejemplifique la materialización más completa de esa representación anatómica. Este se interesó por absolutamente todo: pintó artilugios para poder volar, escribió un tratado de cocina, dibujó sistemas de riego, etc. Era un hombre universal. Este tenía como problema que era muy poco sistemático, de manera que los escritos que ha dejado son muy fragmentados y están muy dispersos, lo que no impide sacar de ellos un pensamiento realmente y completamente articulado. Lo que se puede concluir de sus escritos es el complemento entre la práctica y la teoría. En sus estudios sobre anatomía Leonardo no solo diseccionaba cadáveres para sus estudios, algo prohibido en aquella época, sino que también conoció pormenorizadamente las doctrinas antiguas y medievales sobre anatomía, así como también tenía contacto con los anatomistas más importantes de su época. Esto llevó a calificarse a Leonardo como un pintor anatomista. Este fue un observador muy meticuloso de la naturaleza, lo que se puede ver en sus obras, las cuales poseen una composición anatómica que no tienen comparación con las que se hacían anteriormente en los talleres. Se fijaba en los aspectos más minúsculos de los animales, y del cuerpo humano, los cuales se asemejan bastante a informes científicos más que a pinturas sin más (imagen: estudios de animales, como caballos, gatos; son famosos los dibujos que realizó sobre huesos, músculos y sobre la anatomía del corazón, así como el dibujo que realizó sobre el embrión de una mujer embarazada en el útero materno). Estos dibujos son un antecedente directo de Vesalio, el que inició la ciencia anatómica moderna. Antes que él, Leonardo trabajó esos aspectos. Los dibujos de Leonardo son resultado de la mente y de la mano de un artista; no solo son dibujos científicos sino que también se catalogan como obras de arte por su perfección y precisión. No solo se preocupó por la anatomía humana sino también por la fisionomía, como los distintos sentimientos que se producen en un rostro, por ejemplo.
La perspectiva, por otra parte, se sistematizaría en el Renacimiento. La representación del espacio en perspectiva es uno de los mayores logros de este periodo. La perspectiva era concedida como cuerpos sólidos y opacos donde se aplicaba la pintura. En el Renacimiento, esto cambia: esa superficie pictórica pierde su opacidad y se vuelve transparente. La perspectiva es un método matemático que consiste en colocar en un cuadro las cosas tal cual las vemos dispuestas en la realidad. Se trata de colocar sobre una representación bidimensional una representación tridimensional. Los renacentistas no se contentaron con un solo tipo de perspectiva, sino que buscaron un método que probara la corrección de las representaciones (cuadros: Cristo en el Limbo, de Bonaiuto; Nacimiento, de Cavallini)
Nacimiento de la Virgen. Pietro Cavallini.
Quien definió la perspectiva teóricamente fue Alberti, el cual introdujo el “método de la pirámide visual”. Este decía que el contacto del ojo con el objeto se produce como si fuera una pirámide. Este método asegura la corrección del pintor. Esto hacía que se pudieran probar que un cuadro esté correcto en su distribución espacial (perspectiva lineal, donde todas las líneas confluyen en un punto, el punto de fuga, por el cual pasa la obra) (Imagen: Hombre dibujando un Laúd, Durero. En esta podemos ver esa “pirámide visual”) La perspectiva, en definitiva, se convirtió en un principio sagrado para los artistas del Renacimiento. Sin embargo, fue Leonardo quien encontraría los fallos de la perspectiva. El fallo más sorprendente fue quizá que la perspectiva tal y como se enseñaba en el Renacimiento no se correspondía con la realidad de la experiencia visual (debido a que la perspectiva lineal se basaba en la observación de la obra con un ojo; sin embargo ésta es percibida con dos ojos). La contribuyó más importante que hizo Leonardo respecto a esto fue la perspectiva, donde vino a establecer que un objeto cuanto más distante, menos claro es el color de la pintura. Junto con esta idea Leonardo se di cuenta de que cuanto más lejos está el objeto, más difuso se hace su contorno. Con esto, introdujo el concepto de “perdimenti”, ó pérdida de contorno (ejemplo: La Tempestad, de Giorgione). Esta variedad de contornos, e indeterminación, así como la atenuación de contrastes va a dar la aparición del concepto conocido como “esfumatto” leonardescos, donde vemos a las figuras como a través de un fino velo.
por su origen ni por su condición. Los artistas decidía su formación sobre los mismos fundamentos que los artesanos rurales: se formaban en talleres, no en escuelas, y de una forma práctica, y no teórica. Tras adquirir conocimientos básicos, entraban de muy niños en el taller, poniéndose bajo la disciplina de un maestro, con el que pasaban muchos años. Comenzaban, por tanto, como aprendices, a cambio de recibir los secretos del oficio. Pasados unos años, se convertían en oficiales, donde se les permitía, por ejemplo, tocar algunas partes de las obras. Cuando pasaba un cierto tiempo, y tras el aprendizaje, realizaban un proyecto de fin de carrera, convirtiéndose finalmente en Maestros.
La unidad fundamental de pintores y escultores de principios del siglo XV, era el taller, donde un grupo de artistas producían en colaboración una gran elaboración de obras. El espíritu de artesanía en los talleres se manifiesta también en el hecho de que los talleres recibían encargos variados, como por ejemplo el encargo de pintar estandartes profesionales. Esta formación múltiple fue cediendo paso, progresivamente, a la especialización profesional.
El maestro ocupaba un lugar fundamental, como vemos en el hecho de que los artistas jóvenes adoptaran el apellido de éste.
La unidad organizativa más grande durante este periodo va a ser el gremio. Todos los talleres se agrupaban en un gremio, los cuales fueron asociaciones económicas y sociales que agrupaban a los artesanos de una misma familia. Estos se encargaban de regular todos los aspectos de la vida de sus asociados, no solo los materiales, sino también los espirituales (se encargan de la formación y de establecer la escala laboral; se van a encargar de suministrar material a los talleres de artistas; regulan las normas de calidad, controlan los contratos, gestionan prácticas de beneficencia- como los hospitales o las cofradías que patrocinan-. Se ocupan del aspecto espiritual puesto que cuando estos se morían se ocupaban de sufragar las misas, cuidaban de los huérfanos y viudas, así como de proporcionar ayuda económica a los mismos.
Existían tres niveles dentro del gremio: en el escalafón inferior estaban los aprendices, puerta de acceso al gremio. Pero no cualquiera podía ser aprendiz, puesto que estos aprendices se coinvertían después en maestros, lo que obligaba a los gremios a controlar el acceso de esos maestros al gremio. Contratos de aprendizaje.
Los oficiales constituían el segundo calafón, donde estos han adquirido ya cierta destreza en el oficio. Estos tenían derechos –como tocar obras o terminar algunas obras-.
Por último, se encontraba el maestro, el cual podía abrir su propio taller.
En el caso de los pintores había en ciudades que sí tenían su propio gremio, como ocurre en el caso del Gremio de San Lucas. En otros lugares, como Bolonia, no tenían un gremio específico, sino que se agrupaban dependiendo las labores en común que tenían.
Los artistas seguían siendo considerados artesanos. Sin embargo, su posición progresivamente iba mejorando. Empezaron a recibir los elogios de la élite social, así como contratados por los mecenas. Esta nueva valoración social del artista estuvo estrechamente vinculada al fenómeno del mecenazgo, fundamentalmente ejercido por los gobernantes de los distintos centros, los cuales contratarán a los artistas, bien de manera permanente o puntual, para que enriquezcan el país.
Hay un progresivo interés por el arte, lo que hace que los artistas quieran hacer valer su oficio por encima de los artesanos, mejorando así también su estatus social. Lo primero que se plantean es romper la oposición teórica que existía a considerar las artes plásticas como artes liberales (gramática, retórica, dialéctica, matemáticas, astronomía, música, poesía, aritmética, etc.) La arquitectura, la pintura y la escultura no se consideraban como artes liberales, puesto que se creía como un oficio técnico donde los autores se servían de las manos y no del intelecto. Los artistas, debido a esta concepción errónea, reivindicarían el título de liberal para sus artes y se diferenciarían de los propios artesanos.
Desde el mismo momento en que el arte se fundamenta en la perspectiva y en la anatomía, los artistas se encuentran en disposición para reclamar el título de “liberal” para sus artes. En su lucha por este reconocimiento, los artistas acudieron en muchas ocasiones a la antigüedad clásica para encontrar modelos de consideración social en donde apoyar sus reivindicaciones sociales y su nuevo concepto de arte. El primero que reivindicó esto fue Lorenzo Ghiberti. Alberti, en su tratado de pintura recogió la alta estima de la que disfrutaban las artes visuales durante el periodo clásico. Apoyándose en la utilidad de Vitrubio y Plinio, Alberti recogía que los artistas clásicos eran merecedores del aprecio de los poderosos. Esta consideración de la antigüedad sería algo utópico, puesto que se fue más bien el sueño de un humanista que la misma realidad.
Como resultado de esta polémica, los artistas fueron considerados como artistas liberales, incluyéndose dentro de la sociedad humanista. Simultáneamente a esto cambió también la concepción de la obra de arte, donde está ya no es un producto vulgar sino algo bello y digno para el deleite.
Enseguida que se reconoció al arte como liberal se abrió otro frente, donde se debate cuál de todas las artes (arquitectura, escultura y pintura), es más liberal.
Este enfrentamiento se llevó a cabo fundamentalmente entre la pintura y la escultura. Esto va a proporcionar la aparición de uno de los grandes temas del renacimiento: el de reflexionar sobre la naturaleza específica de cada una de las artes. La comparación entre ambas señalando las diferencias que existen entre ellas más de lo que tienen en común, va a ser una de las aportaciones más importantes y originales del Renacimiento al pensamiento estético europeo. La forma literaria en la que se llevaron a cabo estas reflexiones recibe el nombre de paragone , que significa comparación. En la época renacentista consistían en una especie de competición retórica en la que una arte compite con otra en superioridad. El paragone tenía sus antecedentes en los debates griegos. En general, en estos escritos griegos las artes visuales ocuparon un lugar
desplazar la atención desde la obra del arte al artista. Hay firmas de prácticamente todos los artistas que existieron durante el Renacimiento, a diferencia de lo que ocurría en la Edad Media. Igualmente, prácticamente todos han dejado su autorretrato, símbolos de orgullo profesional y elevación social. Primero aparecen haciendo bulto (pintan al mecenas y en una esquina aparece su retrato), y luego ya haciéndose objeto exclusivo de la figuración.
Durante el Renacimiento se produjo una explosión del retrato. Esto ha llevado a algunos autores a pensar si el retrato no fue un medio para reforzar la posición social de los artistas. (Teoría de Cilsen).
Los artistas con honores y con cargos públicos cada vez se hacen más presentes. Filipo Lippi era una religioso más preocupado por los placeres carnales que por los espirituales. Esto no afectó nada a la reputación de Lippi, puesto que era más importante su maestría como artista que su libertinaje. Cuando éste murió en Espoleto, las autoridades de Florencia reclamaron su cuerpo para enterrarlo con todos los honores en la Catedral de Florencia, en la cual finalmente sería enterrado. Esto es ilustrativo de ese prestigio que adquieren en este momento los artistas.
Todo esto lleva aparejado una mejora económica. Después también va a empezar a plantearse un cambio en los métodos de tasación de las obras. Esto fue un cambio largo porque tardaron mucho en sustituirse los métodos tradicionales. ¿Cómo se pagaban las obras? Quizá se pagaban por adelantado, o semanalmente, o incluso en función de otros factores, como por ejemplo por la cantidad del pan de oro o lapislázuli que tuviese la obra. Filipo Lippi hizo una Coronación de la Virgen, y al año siguiente un altar, por la cual le pagarían mucho más por la cantidad de figuras que ésta tenía. Poco a poco, hacia la primera mitad del siglo XVI, esta situación va a comenzar a cambiar, puesto que los artistas van a empezar a manifestar que la obra no depende del tiempo en que se ha tardado en finalizar, sino más bien por la destreza del artista.
Por último, se va a establecer también como una consecuencia práctica de esa “discusión” una relación distinta entre artistas y clientes respecto a periodos precedentes. Los artistas en un principio son los que se ofrecen a realizar obras, y después serán los clientes los que irán detrás de ellos. Lo mismo ocurre con el precio de la obra: en un principio los clientes serían quienes establecieran el precio de las obras, y posteriormente serían los artistas quienes decidiesen el precio de las mismas. En este sentido las Cortes italianas son muy ejemplificativas. En la corte de Mantua, por ejemplo, la reina Isabel d’Este* desplegaba una actividad artística muy importante, donde esta tenía comisionados para contratar artistas que realizasen estudios privados, hecho conocido como estudiolo.
Una táctica de los artistas para mostrar su independencia durante este periodo fue negarse a cumplir las exigencias de los clientes.
Nueva imagen que surge del artista
Otra de las facetas de este momento es la nueva imagen que surge del artista. En este proceso en el que surge la nueva imagen del artista se pueden distinguir dos fases: el primer periodo en el siglo XV, donde se valoraba de los artistas es que fueran estudiosos, sobre todo en el ámbito de las cuestiones científicas, además de una serie de cualidades de naturaleza social, donde se estimulaba que las promovieran (por ejemplo, se les pedía que fueran buenos hombres, principalmente humildes y afables). En torno a 1500, la imagen del artista empezó a cambiar gradualmente, donde ya no se le da tanta importancia a la competencia y conocimientos científicos, sino que empieza a subrayarse una serie de cualidades meramente artística, como la creatividad. Ya no se insistirá en que el artista tenga buenas maneras, sino que empieza a perfilarse la figura de un artista excéntrico. Se introduce la idea de que no basta la educación para ser artista, sino que ha de nacer como tal (“el artista no se hace, nace”)
Atraídos por esta nueva imagen, los escritores empezaron inmediatamente a centrar su atención en dos cuestiones: cuál es la naturaleza del artista, y de dónde procedía su fuerza creativa. Para explicar la naturaleza del artista, se va a recurrir a la teoría del temperamento melancólico. La melancolía es un concepto que se remonta a la ciencia y a la medicina griega. Los griegos clasificaron la variedad de caracteres humanos en cuatro temperamentos, los cuales se explicaban por la mezcla de sustancias que componen el cuerpo humano: la bilis negra (temperamento melancólico), la sangre (temperamento sanguíneo) flema, flemático, bilis amarilla (colérico) bilis negra (melancólico). Además, cada uno de los temperamentos se asociaba a determinadas habilidades sociales. De hecho, sería Aristóteles quien establecería una conexión entre el temperamento melancólico con un talento excepcional para las artes y las ciencias.
Para comprender la fuerza de las doctrinas clásicas de los temperamentos, hay que verla en relación con la creencia en la astrología, la cual ejerció una gran influencia a partir del siglo XIII. En la Edad Media se estableció una estrecha relación entre los temperamentos y los planetas. El temperamento sanguíneo pertenecía a Júpiter; el flemático a Venus; el colérico a Marte; y el melancólico a Saturno. Esto perviviría hasta el siglo XV, y sería en Venecia donde tuviese más importancia.
En 1500 , una auténtica corriente de admiración recorrió todos los centros de la Europa culta, donde se puso de moda identificar a todos los artistas como nacidos bajo el signo de Saturno, atribuyéndoles una serie de cualidades dependiendo el planeta.
Surge en este momento el concepto de creatividad, refiriéndose a aquellos artistas que poseen un don a la hora de crear una obra. Hasta el momento se utilizaba el término “invención”, pero poco a poco se iría introduciendo esa idea de “crear”, llegando hasta el punto en el que los artistas serían calificados en “divinos”, una especie de nuevo dios adorado por la sociedad (un ejemplo lo vemos en Miguel Ángel, un genio artístico innato). De la capacidad de crear, por tanto, procedía la fuente del artista.
se produjera una situación desestabilizante, permitiendo la entrada de la familia de los Medici, los cuales acabarían haciéndose con el poder.
En 1433, Cosme de Medici, realizó una serie de críticas a la familia que entonces estaba en el poder, desterrándolo ésta a Venecia. Este no solo se fue, sino que se llevó su banca, provocando una desestabilidad económica en el país. Posteriormente este volvería y la familia Medici se haría con el poder, inaugurándose un principado donde el poder pasaría de un hijo a otro (acabando así además con la oligarquía que existía anteriormente)
Los Medici
El primero de ellos fue Giovanni di Bicci , el cual abrió la banca familiar de los Medici. Sin embargo, el que daría el máximo impulso a la familia sería Cosme el Viejo , el cual multiplicaría la fortuna de la familia. Era banquero (prestaba dinero a los reyes, e Francia y al papado), tenía transporte particular, se encargaba de exportar tejidos al resto de Europa, y multiplicó sus empresas en filiales (si caía una empresa el resto no se veían afectadas), propiciando así un marcado capitalismo. Fue uno de los primeros de la importancia representativa de las artes. En este sentido inició diversos programas artísticos, en los que trabajarían con los más importantes artistas de la época. Su actividad más destacada se desenvolvería en la arquitectura, intentando otorgarle a Florencia un aspecto distinto al que esta tuvo durante la Edad Media. Entre las obras más importantes, encargaría un fresco que decora la capilla del Palacio de Medici (el cortejo de los reyes magos), la Basílica de San Marcos, las puertas del Baptisterio, la Batalla de San Romano.
Tras su mandato, le sustituiría su hijo, el cual se dedicó a terminar las obras que había empezado su padre, aunque su predilección se centró sobre todo en las artes decorativas, más concretamente las piezas pequeñas.
*Tesoro de los Medici.
A este le sucedería Lorenzo de Medici, el cual llegaría al poder en 1469, cuya llegada coincide con un periodo de tranquilidad económica y política. En cambio, sí que hubo dos acontecimientos importantes durante su mandato: la conspiración de los Pazzi, y la alianza entre el Papa Sixto IV y el rey de Florencia en 1480.
*Palas y el Centauro (hace alusión a esa alianza).
La época que vivió Florencia con él fue muy importancia. Este tenía una inteligencia innata, responsable de la última hegemonía florentina: convocará a todos los artistas importantes de la época. No fue un mecenas, pero sí animaba a los demás a que
compraran obras de arte (de lo poco que encargó está la villa Medici) Fue el fundador de la academia Neoplatónica.
*Sangallo. Villa Médicis.
Cuando muere en 1492, la situación política de Florencia se complicaría bastante, puesto que su sucesor e hijo Piero no tendría la cultura e inteligencia que su padre.
En 1494, se produce una rebelión que acaba con la familia Medici, donde Savonarola inauguraría una república de Dios, que negará por completo la arquitectura que se había realizado anteriormente. Este tendría muchos seguidores, conocidos como los piagnones, que significa “llorón ó lloraduelos”. Boticelli, no llegaría a ser uno de los seguidores, pero sí uno de sus hermanos.
Villa Médicis.
*Savonarola.
En 1512 regresarán de nuevo los Medici, instalándose allí hasta prácticamente el siglo XVII.
siempre utiliza el mismo lenguaje decorativo: fustes sin estrías, capiteles de apariencia corintia, medallones en las enjutas, muros blancos, frisos y marcos de puertas y ventanas poco llamativos, pietra serena , bóvedas vaídas, techos adintelados, arcos de medio punto, columnas esbeltas, etc.
*Cúpula de la Catedral de Florencia.
Esta presenta claros paralelismos con la cúpula del Panteón de Roma. Es verdad que la cúpula no define por sí sola la nueva arquitectura renacentista. Fue una de las empresas constructivas más importantes del siglo.
Es una basílica símbolo del poder económico que alcanzó florecía en los siglos XIII. Esta se levantó sobre una antigua iglesia, Santa Reparata, y se inició con el objetivo de competir con las catedrales que entonces se estaban construyendo en Siena y Pisa.
La nueva iglesia fue diseñada en 1296 por Arnolfo di Cambrio. La realización de este proyecto se prolongó en 170 años, requiriendo el esfuerzo de varias generaciones. Cuando murió Arnolfo, el trabajo se paró durante treinta años, la cual sería recuperada en 1330 tras el descubriendo de un santo por el Gremio de la Lana. Estos contratarían a Giotto para la realización del campanile.
Parece ser que desde el principio estuvo implícita la idea de colocar una cúpula sobre el octógono, la cual iba a estar sostenida por las tres semicúpulas del octógono.
*Andrea di Bonaiuto. Santa María Novella. Fresco del siglo XIV donde se recrea lo que quería realizarse en la catedral.
Problemática que planteaba la cúpula de Santa María del Fiore.
La construcción de la cúpula conllevaba dos grandes problemas: se debía construir sin usar cimbra por requerirse una cantidad de madera descomunal; y había que encontrar la solución para que los empujes horizontales no superaran la capacidad del cimborrio, que ya estaba construido y era muy esbelto.
B. se haría cargo de las obras en 1400. La construcción de la cúpula era todo un reto, no solo técnico sino también espiritual (porque la catedral era el símbolo emblemático de la ciudad de Florencia). B. adoptaría un compromiso formal dotando de significado actual a una iglesia que ya estaba construida, siguiendo los principios de la arquitectura clásica respetando el estilo gótico que ya tenía la catedral. Desde el punto de vista técnico, el hecho de levantar una cúpula tan grande no se podía realizar con los medios
