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ARTE GÓTICO
Se da en Europa en los s. XII-XIII, dominada por el deseo de orden y unidad que son atributo de la razón y efecto de la voluntad de Dios, lo mismo que reyes y papas quieren conseguirlo, los artistas quieren imponerlo en el pensamiento. Nuevos métodos para intentar conciliar razón y fe. El arte gótico es el arte aristocrático y popular. La catedral, entre otras. Se ha dicho que es el espejo del mundo y está construida según los métodos de la razón, también acoge a las gentes sencillas que ven en los tímpanos y vidrieras el resumen de la vida de Cristo y exposición de las grandes verdades. La materia se convierte en espíritu, resultando el hombre y la catedral una misma cosa. La catedral se parece al vasto mundo, porque respeta el modelo y se identifica, entre otros, el techo denso de la catedral con el cielo, los mosaicos de oro con el firmamento. La cúpula con el espacio donde viven los ángeles, los arcos amplios se identifican con las cuatro partes del mundo, los atrios y pórticos con los símbolos de las tribus de Israel. El coro, con una sola luz y tres ventanas, anuncia el misterio de la Santísima Trinidad. Las ventanas laterales con las imágenes de santos. Las pilas de agua bendita, es un elemento donde se purifica el alma. El gótico es un estilo intelectual y un arte sin método. Intelectualmente porque aportó una solución técnica para ampliar dimensiones y altura a través del arco apuntado y bóveda de crucería Sin método porque introduce fantasía y libertad en estructuras, siendo esto lo que no entendieron las escuelas clásicas. Un estudio apunta a que los constructores utilizaron los edificios como modelos, modificando esos diseños a la vez que surgían problemas estructurales. Algo semejante pasaba en la arquitectura griega, esto produce edificios bellos e intemporales. En la arquitectura, esta forma de construir fue más transcendental en lo estructural que en lo estético. Como por ejemplo en la catedral de Notre Damme de París, ideada para ser la de mayor altura. Pero existieron problemas por el viento, por lo que se tuvieron que cambiar los tipos de arbotantes, esto muestra que sus diseñadores aprendían a la vez que experimentaban. A pesar de todo, las catedrales no son una antítesis del arte romano clásico, sino una síntesis de las mejores ideas de estos. Esto es uno de sus más altos valores y el secreto de la grandeza del arte gótico. La catedral se redescubrió a mediados del s. XIX, porque las ideas románticas evocan este estilo, la vuelta al medievo.
El espíritu cristiano se había materializado en las construcciones góticas. A consecuencia, las nuevas iglesias debían de ser de estilo neo-gótico. Esto viene de atrás. En el s. XVI, obras góticas que no se habían terminado, surgía la polémica de si debían continuarse a la manera gótica o renacentista. Otra polémica, de si las plantas debían ser centralizadas o longitudinales con rasgos de las basílicas primitivas. Acerca del simbolismo hay distintas opiniones. Un grupo intenta despojar a la catedral de su carga espiritual, interpretándola como racionalismo arquitectónico. Panofsky, relacionó la catedral con la filosofía escolástica y se habló de su raíz platónica y de la escuela de Chartres. Indagaba en el conocimiento de Dios a través del misticismo. Los baldaquinos góticos mas que ascender descienden, de esta manera se veía la alegoría apocalíptica de la Jerusalén celestial que bajaba a la tierra siendo su material ideal el oro de las custodias y la luz brillante de las vidrieras, así entrar en una catedral era como encontrarse en el cielo. El padre Rodríguez de Ceballos, opina que el simbolismo de la Jerusalén celeste como anticipo de la gloria personifica en general a toda la idea de catedral. Todas las catedrales pretenden expresar con su lenguaje el misterio de lo trascendente y el encuentro del hombre con Dios. Todas estas formas se enlazan con la luz, que es muy importante. Una luz tamizada (a través de las vidrieras) luz blanca del clasicismo, luz dirigida y discontinua en barroco, luz teatral en cúpulas y camarines y la sombra en el neoclasicismo
ARQUITECTURA
No nace súbitamente, sino que se considera como la arquitectura románica que llega a un mayor grado de perfección y que está provista de un elemento nuevo que es la ojiva. Todo ello determina la aparición de las formas nuevas que permiten: a) dar mayor ligereza a las construcciones b) dar mayor claridad a las mismas c) transformar el espíritu de la arquitectura
Las catedrales conservan las de las iglesias monástica de San Martín de Tours en el s. XI, la planta más común va a ser de un o más naves, con una cabecera, un crucero y capillas entre los contrafuertes. Las cabeceras dependen del plano del ábside por lo que hay de distintas modalidades: semicircular, plana…etc. La cripta bajo el coro es menos frecuente que en el románico.
cuando se reanudan los temas decorativos del arte celta, que se conservaba en manuscritos. El gótico se opone estéticamente al románico e históricamente le sucede. El espíritu geométrico del románico se mantiene en los comienzo del gótico. Aunque hay elementos de continuidad también hay de oposición. Si el románico en arquitectura y arte figurativo plasma sumisión a las leyes del orden y la regularidad del pensamiento, sobre todo en función de la geometría. El gótico se aleja de todo esto y sigue la lógica de la vida, así, la fachada parece corresponder a un crecimiento orgánico espontáneo, la imagen es figura en acción. Los capiteles cambian las plantas, esquemas abstractos en el románico, por obras con libertad vegetal. Evolución de las estatuas-columnas. Las del románico, con cuerpo cilíndrico, se pasa a una mayor soltura de la vida y se llega a un naturalismo sin disciplina de forma.
Otro tema importante es el tiempo, En Santo Tomás podemos encontrar la explicación de las artes góticas al concebir el tiempo ligado al mundo de las formas. Se establece como nexo entre las cosas sensibles y Dios un proceso dinámico. El movimiento es la base de la prueba primera de la existencia de Dios, uno de los más importantes principios en lo que se refiere a la creación artística es el de la singularidad ya que para Santo Tomás la materia es el único principio de la individuación. Por tanto la naturaleza solo puede producir individuos y ello exige un devenir que no precisan los espíritus puros. Surge la duda, ¿dónde está el motor de la creación artística? Para Ramón Aznar, está en esas formas individuales de Santo Tomás, porque en Dios existe no sólo la idea del Universo, sino que existe una pluralidad de ideas que se corresponden a los diversos seres que dan vida al universo. Este arte gótico tan desmaterializado se identifica con la espiritualización, la razón de ello no está en razones técnicas, sino en un programa teórico que crea a su vez soluciones arquitectónicas tan complicadas del gótico. La idea del programa es sumergirse en el seno de la divinidad, como consecuencia de ello se estiran las formas, se pierde materia, los pilares se adelgazan, las bóvedas crean un espacio vertical, maineles como aristas. Las tracerías crean dibujos complicados y cuando se usa el círculo en los rosetones se rellenan de líneas en continuo movimiento para que desaparezca la opacidad. Otro punto esencial es la doctrina tomista sobre los ángeles. La recuente aparición de estos habla de la Edad Media como la época angélica.
La explicación está en la atemporalidad de las construcciones góticas, para Santo Tomás en la ordenación del universo se necesitaban unos seres que fueran criaturas espirituales para que a la vez limitaran con la parte intelectual y anímica del hombre. La sonrisa de los ángeles, se explica en ellos lo inteligible percibido directamente en toda su pureza por iluminación. En suma, se capta la sonrisa de la contemplación de los secretos de la divinidad (secretos que desconoce el hombre) además la idea de percepción es ascensorial. Se buscan os prototipos divinos. Figuras alargadas y espirituales.
Otro elemento importante es la Luz. La luz es símbolo del paraíso gótico, para liberar al hombre de la naturaleza que se vincula con el tiempo, en las catedrales se suprime la luz natural y en su lugar es coloreada. Esta luz de las vidrieras nos lleva a un mundo celestial. Para Ramón Aznar, se crea una mística de la luz, el interior de las catedrales no es espacio, sino luz. De esta manera los fondos de oro insisten en estos pensamientos. En las pinturas no hay paisaje, quedando la figura sola, en su pura representación, sin que nada le estorbe. El oro tiene el valor de fondo de irrealidad y sobre esto se colocan los protagonistas religiosos. Unidad entre cielo y la tierra.
Al final de la Edad Media se da el paso a un mundo nuevo, con la escultura borgoñesa y la pintura flamenca. En ambas hay una contradicción en la aplicación del tiempo a las formas, lo que da lugar a la belleza de estas creaciones. En la escultura borgoñesa los mantos se encrespan, se mueven. Crea fuertes tensiones de claroscuro. Quedan abrumadas por el ropaje, que tiene la idea de una espiritual-pasión. Hay dos tiempos: .1 el que quiebra esos paños .2 el que aplaca las inquietudes a través de las sonrisas
En las pinturas flamencas, interesa la estética en la creación de las cosas, en su más pura materialidad. Hay una reproducción verista y ahí radica la esencia de este arte. La maestría del pintor se presenta en la minuciosidad de los detalles. Reflejo fiel de la realidad. Al artista le interesa representar la individualidad de cada materia, ven la huella distinta que cada elemento tiene en el cuadro. Con una precisa visión. El dibujo es muy destacado. La técnica al óleo permite una coloración pegada al dibujo, y éste es muy fiel y estricto. Por primera vez, con esta técnica, cada color va adscrito a las formas que exige su reproducción. Fidelidad al modelo. Novedad en la profundidad del cuadro. La perspectiva es teatral, en el primer plano se
En Santa María del Trastevere, hace mosaicos en el ábside con pasajes de la vida de la vírgen. Figuras con fuerza de lo bizantino pero en las que hay un anuncio del renacimiento. Se logra con un nuevo afán de lo concreto. Hay nuevos intentos de perspectiva en los edificios de fondo. Se ordenan las figuras con un ritmo tranquilo. En Santa Cecilia del Trastevere dejó un gran fresco con el Juicio Final, considerado como una gran pintura medieval. Destaca por las masas de los apóstoles y los ángeles. Realizados con gran riqueza de empastes cromáticos. Gradaciones suaves, colores fuertes y suaves. Los personajes también tiene un sentimiento de grande imperturbable. Cimabue, nombre que le dio Dante en la Divina Comedia, se considera el primer gran maestro de la escuela de Florencia. El propio Vasari en la vida de los artistas ya lo sitúa así. A pesar de la importancia se conserva muy poco de su obra. Se sabe que es suyo un fresco en Asís, que es por el dibujo y relieve, base del lenguaje pictórico de Giotto. Hace dos Madonnas sentadas entre ángeles en la Iglesia de la Trinidad de Florencia, hoy se encuentran en museos. Además creó un tipo de Virgen dulce. Es el padre de la pintura moderna. También dotó a estas figuras de una elegancia aristocrática que seguirían en la escuela de Florencia. El tema de la virgen con ángeles y San Francisco fue realizada antes de que Giotto llegara a Asís para hacer lo episodios de las vida de éste. Cimabue sigue la tradición bizantina, sus figuras tienen una tensa inmovilidad, pero en la profunda espiritualidad de la mirada está el espíritu revolucionario de la doctrina franciscana que plasmará Giotto. Además ajusta en una grandiosa síntesis dos cosas:
- el ritmo del oriente bizantino
- el expresionismo dramático del occidente románico
Para algunos, Cimabue fue el primer artista del color italiano. Sabemos que tuvo una amplia formación, perteneció a una familia noble, estudió letras, desde joven el atrajo la decoración de los templos y a finales del s. XIII se trasladó a Roma y contempló mosaicos y pinturas antiguas, tanto paleocristianas como románicas. Esto le sirvió para liberarse de la tradición bizantina y le llevó a redescubrir una verdad más profunda que se encontraba en la antigüedad. Su pintura no tiene un carácter de gran novedad pero si fue el que trasladó a la tabla temas que estaban vinculados al mosaico y a las pinturas murales. Esta tarea fue llevada también por otros pintores de la misma época, debido a esto se han dado como obras de Cimabue tablas que no son de él. De todas las atribuciones, se sabe que son de él la Madonna de los Uffici que tiene tres rasgos esenciales:
- monumentalidad arquitectónica
- dibujo rápido
- dinamismo en las figuras
La otra obra es la Virgen con ángeles, en el Museo del Louvre. Se acerca a los iconos bizantinos, pero a pesar de ello es simétrica en las actitudes de los ángeles y se observa el inicio de un programa de realidades más avanzado que en los mosaicos y pinturas murales. Destaca por la grave majestad de las figuras (sobre todo de la virgen)
Las actividades de Duccio y Giotto son complementarias aunque distintas. Duccio vivió en Siena, fue más pintor sobre tabla que fresquista y no tuvo relación activa con la escultura ni arquitectura. Giotto fue principal en la escuela de Florencia, su actividad llegó a otras ciudades italianas. Pintó sobre tabla pero también hizo mosaicos y pintura mural, además se relacionó con la arquitectura y escultura. Fue también nombrado por los florentinos como gobernador en los trabajos de Santa Reparata. En su estilo se funde la tradición florentina con lo alcanzado en Roma, en la segunda mitad del s. XIII por Cavallini. Los dos artistas tienes un arte distinto. El arte de Duccio es lírico, sus figuras se agitan por emociones de sentimientos muy delicadas. Frente a esto, el arte de Giotto es dramático y sus figuras son seres que reaccionan individualmente y les da mucha carga dramática. Duccio que tiene recuerdos bizantinistas, se basa en la línea y la superficie. Giotto, por su contacto con lo paleocristiano y románico, se basa en el poder del volumen. Importante destacar que los dos pintores intentan llegar a crear un espacio pictórico, aunque de manera distinta. Debido a esto se les denomina “padres de la pintura moderna”
Hay diferencias entre sieneses y florentinos. En Siena se conserva la tradición bizantina durante más tiempo. Usaron técnicas más cercanas a la miniatura que al fresco. Los pintores mostraron interés por los detalles pinstorescos. Todo esto les lleva a que la emoción de las figuras fuera fácil, suave, agradable a la vista. Duccio fue contemporáneo de Cimabue y Giotto, contratado por los burgueses de Siena para ejecutar un nuevo retablo para la catedral con el tema de la Majestad. Escuela pictórica italo-gótica, que se considera antecedente del estilo gótico internacional. Esta obra es considerada como la obra capital de la escuela de Siena. Rasgos fundamentales: Duccio toma de Bizancio el tipo de Virgen y el tipo de San Juan Bautista, también toma los estofados y los fondos de oro estampados. De Roma toma la estatuaria de los apóstoles, los tronos de mármol y también los tronos de los mosaicos. De Francia toma las formas góticas y también los plegados de las vestiduras. Todo esto lo somete a su gusto, lo que da un arte distinto.
Los cambios que tuvieron lugar en los s. XIII-XIV se pueden clasificar en tres grupos:
- Se humanizan las antiguas imágenes de culto
- Narraciones religiosas son menos dogmáticas y se convierten en historias más reales
- Enriquecimiento temático. Aparición (s. XIV) de imágenes de mera devoción
Necesidad de una serie de cambios en la pintura que llevaron a introducir nuevas experiencias y forma de exposición. La naturaleza se observa con criterios distintos, las figuras se representan de otra manera, aumenta el nº de figuras, composiciones más complejas, los paisajes se observan de manera más aguda, todo ello lleva a un gran realismo en el detalle de las composiciones.
Giotto nació en el 1266 y murió en 1337, está perfectamente documentado, aunque hay algo de leyenda. Hacia los 70’ ingresó en el taller florentino de Cimabue, hacia los 90’ hizo un gran crucificado para Santa Maria Novella de Florencia, años después fue requerido por los franciscanos para hacer el gran ciclo de la basílica superior de Asís. Después en el s. XIV comenzó a trabajar en su obra magistral. La Capilla de los Scrovegni en Padua. Posteriormente trabajó en Napoles, Bolonia..etc. Además arquitecto de la catedral y murallas de Florencia. Gracias a su fama y el activo taller que tuvo y a los trabajos como arquitecto, Giotto quizás sea el único artista de Florencia que llegó a ser rico. Artisticamente superó a sus predecesores, a finales s. XIII se pintaron los frescos de Asís, donde relata la vida de S. Francisco aunque hay quien piensa que él no pintó todos los frescos si que dibujó los diseños de todos ellos. Su arte inspira en el de Cimabue y Cavallini, imitó a los marmolistas romanos. Tomó el volumen de los escultores. Se preocupó por: la composición, la animación de las figuras y el darles movimiento le gustaban las proporciones macizas. Interpreta la naturaleza a su modo, generalmente a través de pocos detalles con los m que sugiere ese fondo: árboles, rocas, monumentos… Es muy importante el naturalismo expresivo. Su perspectiva fue nueva y rigurosa, con un amplio sentido del espacio y un importante sentido de la medida. Todo esto lo unió a una portentosa claridad en el orden de elementos, nuevo canon de belleza que tenía una concentrada y pensativa delicadeza.
En la madurez todo tiene igual importancia en sus cuadros, todo tratado de forma naturalista, fue de los primeros maestros en disponer las figuras en su orden dentro del espacio. Para Giotto el naturalismo no son sólo detalles sino que transforma toda la composición de las narraciones sagradas con un nuevo estilo que tiene un valor para el posterior arte florentino. Gracias a Giotto la pintura italiana alcanza un destacado avance en el sentido del naturalismo Los temas profanos adquieren un aire convincente de verdad. A consecuencia de esto, Italia vuelve a las pinturas antiguas helenísticas, por lo que en algunos de estos artistas existen recuerdos de esas pinturas. Lo clásico nunca ha desaparecido. La pintura de Giotto es de concreciones, ya que en Italia es la expresión concreta de una nueva concepción de vida y de los sentimientos, todo ello de la teocracia bizantina. En el Ciclo de Asís, batió su acento formal sobre el claroscuro y también en cuanto a la violencia cromática. En Padua hizo temas de la pasión de Cristo y de la vida de la Vírgen, destaca la claridad en la composición y la precisión en los elementos. Su lenguaje es más amplio y también más maduro. El color ahora toma un sentido más dulce de la realidad. Esta claridad y precisión es la que lleva a una nueva forma de expresión, de tal forma que ahora crea un contacto espiritual y físico entre las figuras. Su pintura tiene tal calidad, que las historias Franciscanas (Historia de las Florecillas de San Francisco) tienen el alcance de una etapa decisiva en la orientación de toda la cultura occidental. Porque era la primera vez que un tema sacro se interpretaba con tanta humanidad. Además en los frescos de las capilla Scrovegni llega a un estilo más decidido y seguro y más ligado a la articulación de las composiciones. Gana en importancia la figura humana, que nos permite ver el futuro arte toscano en el renacimiento. Otro aspecto es su vocación clasicista, que se ha querido explicar por sus contactos con Cavallini, además de dos cosas:
- En el Románico florentino el clasicismo fue muy importante.
- (^) En Florencia en tiempo de Giotto hizo fortuna un artista, Arnolfo di Cambio, que era el más clásico de los discípulos de Nicola Pisano. Arnolfo se considera como el gran realizador de volúmenes geométricos y de arquitecturas espaciales.
Todo esto nos lleva a señalar que para definir el trono de la Vírgen de los Uffici de Giotto hay que llamarla Arnolfiana. La tabla de San Francisco de Asís recibiendo los estigmas, fue pintado para San Francisco de Pisa, se considera una gran obra. El prodigio tiene lugar de una manera sorpresiva y a pesar de ello está plenamente inmersa en una serena tranquilidad que es típica de Giotto. Así mismo para la total comprensión del tema, hay que recordar las tres escenas que pintó en la Predela (visión del Papa Inocencio III, aprobando
Daddi no tuvo la fuerza del maestro, aunque se le dio intimidad. Esto demuestra el descenso que se produce en la monumentalidad a la muerte de Giotto. Pesó más lo sienés que lo florentino. Gaddi pierde fuerza por el tratamiento de los temas. Carece de la grandeza dramática del maestro.
- Comparación de las Majestades
- Majestad Duccio
- Majestad Cimabue
- Majestad Giotto
En la de Cimabue prevalece la tradición bizantina medieval y llega a su fin. En la parte inferior, en los arcos que sostienen el trono, se colocan cuatro profetas visionarios, que recuerda a una cripta. Encima se sitúa un trono rico donde está la Virgen con el niño, la rodean unos ángeles. Hay algo de perspectiva en los ángeles aunque todavía domina la verticalidad y el sentido coral en la disposición de los ángeles. El brillo suave del manto áureo de la virgen, aunque es bizantino le da algo de ternura en la figura de María que resulta más humana y también más comunicativa al mostrarnos al niño. Hay que destacar el coro de ángeles que se distingue como un elemento dinámico. La fuerte expresividad de los personajes y que culminan en los rostros vigorosos de los profetas. Destaca la transformación del hieratismo bizantino en monumentalidad arquitectónica. La majestad de Duccio, en la virgen hay un esquema semejante sentada en trono con niño…etc. Aunque Duccio lo hace con la fina exquisitez de la escuela de Siena. El trono es más ligero, los ángeles están arrodillados y tienen un aire más libre. El manto de la Virgen lleva un ribete dorado que lo hace más humano, el niño también resulta más infantil y tierno, con aire más desenvuelto. La majestad de Giotto, en tabla, uno dos grandes bases: los místico y lo humano. El trono, de mármol, más real. Las figuras son más sólidas y corpóreas. Se usa el claroscuro y a consecuencia se nota una meditada presencia de afectos entre la Virgen y el niño. Humanidad entre lo divino y lo humano. Fuerza de contraste en los ropajes.
En la Escuela de Siena, Simone Martini fue el mejor discípulo de Duccio y con sus trabajos en Avignon penetra en Europa. La característica de la pintura sienesa. El estilo italo-gótico antecedente del gótico internacional. En su arte recuerda a Duccio conoció a Cavallini. Trabajó en Asis. Arte preciosista, miniaturas a gran tamano, aborda temas nuevos y en sus trabajos en Avignon tuvo temas profanos de gusto francés. Su arte se
enriquece. Aporta una expresión de elegante gentileza, destacando la pureza del color. Ghiberti, para enjuiciar, prefería a Ambrosio Lorenzetti, antes que a Simone Martini, aunque para el pueblo sienés era preferido Martini (delicadamente determinada) El arte de Martini se deja del de Giotto y se acerca más al arte de los países nórdicos, que es más fácil de comprensión porque está atrasado. Así Martini acentúa lo emocional del tema, es importante lo ornamental del gótico tardío. En su última etapa en Francia unió las formas elegantes del gótico, su delicado sentido del color y las innovaciones artísticas de Florencia y de Toscana, todo ello origina el enriquecimiento de la materia, la animación del contenido y un interesante naturalismo. Hay que señalar que en este arte sienés y como ocurre en Florencia también como Duccio y Martini hay reminiscencias helenísticas en sus obras. En su arte se funde la tradición itálica y lo gótico, al hacer franco-italiano ese arte nuevo, pone una nueva piedra en el arte internacional. La obra más conocida de Martini es “La Anunciación” en los Uffici, proviene de una capilla de la catedral de Siena (rival de Florencia) una obra maestra, puede ser el emblema de la exquisita poesía de Siena. Se dan cita la caligrafía la elegancia y la esbeltez del gótico. Martini diseñó a las aristocráticas figuras con una continuada tensión que va desde el revoloteo del manto del ángel a la arqueada posición de la Virgen que se retrae sorprendida. El jarrón del centro, de azucena, símbolo de la pureza de María, es el lazo de unión entre las dos figuras. La plasticidad se somete a la línea que domina. Los dorados se combinan con el fondo de color áureo. Además da la sensación que la representación sigue el ritmo ternario que impone el tríptico. La misma composición sugiere esa idea del tríptico, dentro de la propia composición. Destaca la pureza del color preciosista y la equilibrada composición. Dibujo excelente. Su arte es cautivador, fácil de entender y a la vez es moderno. Todo tuvo un importante influjo en Europa a través de Avignon. Otra obra conocida es Guidoriccio da Fogliano, un fresco del palacio de Siena, se le conoce como “el honorable capitán de la guerra” recoge un retrato realista, destacado contra un cielo amenazador entre dos ciudades rebeldes a las que venció. Monta a caballo con bizarría, resaltando sobre el paisaje desolado, triste, falto de vida, cruzado por empalizadas, máquinas de guerra..etc. destacan las torres almenadas. Esto indica la muerta y la batalla. El tema es profano por lo que se plasma la conmemoración realizada por este general. Destacable los notables logros artísticos, sensación de silencio, donde se levanta la solitaria figura del general vibrante de color. Pieza clave. Otra obra “Camino del calvario” en el Louvre, pertenece a su fase final, en Avignon donde murió. Contribuye a determinar el preciosismo del gótico
su maestro, por audaces y por consistentes. Destaca por su habilidad en el color, supo combinar la plasticidad de Giotto con los suaves contornos de la escuela de Siena. Sus frescos se consideran una de las obras más importantes del s. XIV su realismo supera a todo lo que se ve en obras avanzadas de este momento. Las supera porque quiso reproducir el orden de la realidad, por lo que le llevó a ignorar la estilización abstracta del gótico de tal modo llegó a un realismo lógico.
Durante la Edad Media, occidente tiene un peculiar recuerdo de la antigüedad clásica que le llevó a Teodorico, Carlo Magno y los emperadores germánicos a querer restablecer el Imperio Romano, aumentando el prestigio de su autoridad sobre la unidad de Roma. A pesar de estos intentos hay que esperar hasta mediados del s. XIV para hayar un primer humanista (Petrarca) que junto con Bocaccio forman un contraste violento con Dante que tenía un conocimiento de la antigüedad medieval. Las artes plásticas de la antigüedad no fueron siempre bien entendidas, tan solo en Italia en la Edad Media, se buscó una alianza con la tradición pagana. El más entusiasta fue Federico II que en algunas obras con un “conato del Renacimiento” intentó la restauración de la antigüedad clásica. Al morir este, la escuela de escultura de Italia, deja de evolucionar, pero esta llega a la Toscana estableciéndose en Pisa a mediados del s. XIII, con un artista llamado Nicola Pisano. A este se le considera el verdadero iniciador de este nuevo estilo. Padre de la escultura italiana con aspiraciones precedentes del Renacimiento. En Italia existen tres centros significativos: Pisa, Siena y Florencia Artistas como: Nicola Pisano: Toscana, s. XIII. Quizás nació y vivió en Apulia, familiarizado con la tradición de Federico II, arte de elementos clásicos y góticos. Adquirió la capacidad de sintetizar las dos corrientes, gracias a un ambiente político y espiritual distinto. Su importancia es grande, para Panofsky, se anticipa al punto de vista renacentista al intentar armonizar lo medieval y lo clásico. Sus figuras más que el espiritualismo gótico, reflejan y tienen cierta pesadez y aire profano. Se puede afirmar que el proto-renacimiento del sur de Italia culmina en las obras realizadas por Nicola Pisano tras su traslado a la Toscana y con el clasicismo medieval llega a su cima dentro del estilo gótico. Una buena prueba de ello, es que en su púlpito de Pisa, s. XIII hay tipos del arte clásico; transforma a Dionisos de la antigüedad en el anciano Simeón de la presentación de Cristo. Transforma a Fedra en la Virgen. En ocasiones, Maria está recostada como una figura semejante a la de los sarcófagos etruscos. Envuelve en ropajes amplios con muchos plegados, y
cuando son expresiones de dolor toma esa manera de transmitir del Sarcófago de Meleagro a las formas cristianas. En Italia lo más decorado desde mitad del s. XIII y como consecuencia del significado de las predicaciones, los relieves de los púlpitos fueron las obras más relevantes. En estas esculturas es donde Nicola y Giovani Pisano demostraron su gran valía. A Nicola atribuye Vasari obras de la Toscana de transición hasta que a mitad del s. XIII se le encarga el púlpito del baptisterio de Pisa. Con este encargo se inicia el nuevo estilo, que tiene recuerdos de estilos anteriores y góticos. A pesar de ello, el púlpito se considera la unión entre dos grandes escuelas, la Apulia y la de la Toscana. La importancia de esta obra es prueba de que años después Siena le encargó a Nicola la labra del púlpito de la Catedral de Siena. Donde colaboraron su hijo Giovanni y Arnolfo di Cambio. Estas obras es más compleja y suntuosa que la de Pisa. Se inspira en sarcófagos romanos, pero el estilo es más original a la hora de tratar las formas. Las colaboraciones se ponen de manifiesto en la ejecución de los relieves, que son un conjunto de distintos modos de expresar. Nicola les infunde a esos relieves calma y serenidad. Giovanni mueve las figuras con pasión trágica. Arnolfo les da belleza y majestad clásicas, compendio de distintas aportaciones. Tiene planta octogonal y más complejo movimiento en las superficies. Los colaboradores se separan, Nicola y Giovanni se van a Perugia para levantar la Fuente Grande (relieves que anuncian del arte de Jacopo de la Quercia) Giovanni fue el que menos siguió a su padre, tuvo un arte más violento, hizo una Virgen con el niño en marfil, inspirada en los marfiles góticos de Francia, mostraba un violento expresionismo que le apartaba del clasicismo de su padre. Para la Iglesia de San Andrés en Pistonia, hizo el púlpito de la catedral, donde quería superar la obra de su padre, a base de recargamiento y de intelectualismo. Dentro de los relieves destaca el tema de la crucifixión, dominado por el ímpetu expresionista. Por la fuerza y violencia de su escultura se ha dicho que espiritualmente fue precursor de Donatello y Miguel Ángel. Aunque materialmente fue más gótico que su padre.
[FALTA ÚLTIMA CLÁSE]
