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NEOCLASICISMO E ILUSTRACION
DEFINICI Ó N DE NEOCLASICISMO
El neoclasicismo lo definimos como el arte que permite el retorno a los ejemplos proporcionados por el mundo clasico de Grecia y Roma. Se caracteriza por una voluntad de retorno a lo antiguo plasmado en un estilo sencillo y sobrio en donde predomina el gusto por los temas serios y la búsqueda de la belleza ideal. Vieron en Grecia y Roma modelos - que no eran solo formales sino éticos- en los que confiaban para reestablecer la sociedad de su tiempo mediante el restablecimiento de las supuestas virtudes de la sociedad del momento. Otra gran característica de esta etapa será la vuelta y la apreciación de los elementos naturales. El estilo neoclasico nace en Roma.
HISTORIA DEL NEOCLASICISMO
Se desarrolla en Europa a partir de 1760 , conviviendo con el estilo rococó, y va a durar hasta principios del siglo XIX, con la caída de Napoleón. El último cuarto del siglo XVIII será el máximo esplendor del neoclasicismo con el reinado de Luis XVI en Francia, Jorge III en Inglaterra y Carlos IV en España. La revolución francesa de 1789 se inscribe también de lleno dentro de lo que llamamos el movimiento neoclásico. La última fase corresponde al estilo Imperio, desarrollado en Francia en época de napoleón I correspondiendo a los primeros quince años del siglo XIX. Supone una derivación a un estilo ostentoso y elocuente al servicio del poder político. Si la Revoluci ó n Francesa se inspira en la Roma Republicana, en la é poca napole ó nica, miraran hacia la roma Imperial. En Francia el estilo neoclásico tuvo profundas implicaciones morales y políticas en un deseo por restaurar esos valores romanos antiguos en la sociedad. El neoclasicismo se ha identificado también como el estilo de la Ilustración. Este estilo constituiría la expresión estética de un movimiento intelectual. El pensamiento ilustrado es algo muy amplio, quedará
recogido en una obra llamada Encyclopedie de Diderot y D’Alembert. Fue un gran compendio para el conocimiento abarcando
ciencia, arte, historia, naturaleza…Los ilustrados ven en el neoclásico un estilo más próximo a sus ideas. El orden, la claridad, la razón del arte griego y romano resultaron muy atractivos en la era de la Ilustración. Surge como un rechazo al rococo y a sus valores. Frente a su frivolidad - del rococó-, se va a oponer con el neoclasicismo la moderación y la nobleza virtuosa y la recuperación de un mundo antiguo. La pintura francesa se conoce como pintura galante durante el rococó. Se utilizaba la mitología como pretexto para hacer desnudos sensuales, creando un arte frívolo y amoral. El arte debía enseñar deleite. Es ahí donde reside la contraposición del Rococó y el Neoclasicismo. Diderot fue quien más ataco la sensualidad del rococó, refiriéndose a las pinturas de Boucher - pintor de Luis XV- como “de senos y traseros”, de objetos sectores que contradicen las emociones del alma y contradicen los sentidos. Alaba a otros pintores de la época, como Chardin - vida doméstica- y Greuze - preneoclásico-, que son pintores de tipo sentimental o moralizante. Diderot también en torno 1760 defiende la voluntad pedagógica del arte, que debe ensañar y la responsabilidad que tienen el
artista creador, que debe tender a la educación de la colectividad a través de su obra, con el precepto de ense ñ ar deleitando.
La Font de Saint-Yenne atacaba los temas mitológicos por absurdos y amorales exigiendo pinturas históricas de
temas edificantes que constituyeran una escuela de costumbres.
Se inspiraron en temas griegos como los homéricos y en temas romanos republicanos - los temas de la Roma Imperial los tomará Napoleón por ser grandilocuente-. Se recuperarán obras como las vidas paralelas de Plutarco o la obra de Tito Livio y Tácito, donde se encontrarán esos ejemplos de virtud, de patriotismo, de abnegación…Es precisamente David quien dota a sus obras con serenidad de tono y armonía. Roma será la cuna en la que todos los artistas europeos se formarán. A pesar de que Francia fue importante, el neoclasicismo nació en Roma. Será un puerto franco para el intercambio de ideas artísticas. En Roma está Winkelman y Mengs, quienes construyen la vanguardia del movimiento neoclásico. Artistas de toda Europa pasaron largos periodos de su vida en esta ciudad como por ejemplo Davis, Ingres, Canova, Flaxman o el escultor danés Thorvaldsen. Roma con sus ruinas imperiales y sus colecciones de estatuaria antigua será la inspiración para los artistas eruditos. Para el advenimiento del neoclasicismo fue fundamental el descubrimiento de la antigüedad clásica y la difusión de dichos descubrimientos a través de la estampa. Dentro de ese descubrimiento fueron determinantes los descubrimientos arqueológicos que se llevan a cabo en la Campagna Italiana como Pompeya o Estabia. Un ingeniero militar, Alcubierre, descubrió estos yacimientos arqueológicos. Inicia bajo el patrocinio de Carlos de Borbón, las excavaciones de Pompeya, Estabia y Herculano. Estas localidades perecieron bajo las cenizas del Vesubio en el año 74 de Nuestra Era. Fueron excavaciones muy lentas. Todo lo que se encuentra en estas ciudades fomenta el gusto por las formas y los objetos antiguos, no solo monumentos antiguos. Serán piezas codiciadas de colección. Muchas obras fueron vendidas a coleccionistas sobre todo ingleses. Fruto de estos descubrimientos fue la fundación de la Gran Academia Herculanénse. En este momento hay un lugar en Italia que se estudiará, los Templos de Paestum. Debido a esto se descubre la pintura romana-pompeyana. Eruditos como Winkelman no supieron juzgar la importancia de la pintura mural romano pompeyana, considerándola como una pintura meramente decorativa. Fueron consideradas como reflejos muy débiles de las obras perdidas de pintores griegos. La pintura pompeyana fue despreciada a pesar de ser las pocas pinturas del mundo clásico que nos quedan. Estas pinturas murales fueron consideradas mal dibujadas, faltas de refinamiento, sin variedad de color, de anatomías incorrectas y expresión débil. Estas ideas salen de Winkelman, pero otros repetirán sus mismas palabras. Fueron tachadas de indecentes y amorales por sus frecuentes motivos eróticos. Ellos habían pensado en un mundo antiguo puro, noble e incorrupto por eso al ver estas pinturas se quedaron anonadados, no les cuadraba. Se realizaron estampas reflejando esas excavaciones. Quien financia esas excavaciones será Carlos de Borbón, Rey de Sicilia y Nápoles. DIFUSION DE LA ANTIG Ü EDAD DURANTE EL NEOCLASICO El conocimiento y la difusión de la antigüedad griega y romana fue muy lento y se realizó sobre todo con repertorios de grabados. Estos repertorios no están traducidos al castellano. En 1752 uno de los más antiguos repertorios fue publicado por el Conde de Caylus llamándolo el Álbum de antigüedades egipcias griegas y romanas. Entre 1757 y 1792 la Academia Herculanénse publicó
una obra en ocho volúmenes llamada Le Antichit à di Ercolano esposte. El promotor de esta obra
volverá a ser Carlos de Borbón. En estos escritos habrá grabados con imágenes de diferentes obras. Algunas de esas formas se repetirán en la decoración neoclásica como en los salones de Aranjuez o en los del antiguo Palacio de la Moncloa. Más adelante Julien David Le Roy viajó a Grecia - bajo dominio
turco- y publicó en 1758 Las Ruinas de los m á s bellos monumentos de Grecia. En 1764 el
arquitecto neoclásico más importante fue Soufflot, quien publicara un libro de estampas sobre Paestum junto con Cochin. Por último, hay que mencionar a James Stuart y Nicholas Revett, que publican una obra donde reproducen una obra que
trata sobre Las antig ü edades de Atenas medidas y dibujadas.
Entre las obras de Panini destaca
Roma Antigua, donde aparece el
mundo de los coleccionistas de arte. Recubre un edificio con obras suyas. Hay esculturas antiguas como el Laocoonte. Otro de ellos es Roma Moderna, el interior está cubierto por cuadros de Panini con vistas de la ciudad, esculturas como el Moisés de Miguel Ángel…Todos estos artistas o
Gentleman fueron retratados con
elementos comunes como los mapas de Italia o elementos artísticos clásicos.
PIRANESI Será un grabador sumamente importante. Nace en Venecia, pero se instala en roma en 1740. Es arquitecto, pero tiene poca obra, pasará a la historia como grabador. Se gana la vida realizando grabados con aguafuerte sobre vistas de la Roma antigua o de la Roma Moderna y de los templos de Paestum. Se publicarán entre 1748 y 1778.
Las c á rceles de invenci ó n , 1760 - 65 , son novedosa y prerromántica. Representa prisiones imaginarias de
carácter fantástico. Multiplica los puntos de fuga en perspectiva y los planos espaciales y potencia el efecto laberíntico de las salas incorporando elementos como cadenas, engranajes, cuerdas…es un infierno carcelario. Esto es un producto de su
imaginación. Más adelante publicará las obras de Paestum. Será la última serie que realiza en 1778. Muestra columnas
con capiteles robustos Le impresionan las ruinas Romanas como restos evocadores de un pasado glorioso y efímero. Encontramos un sentimiento de veneración ante esa sublime magnificencia de la arquitectura romana. Piranesi representa
las ruinas en toda su grandeza y sublimidad. El elemento del paso del tiempo, sic transit, aparece la maleza inundándolo
todo, serpientes entre los árboles…se habla de una poética de las ruinas. Destacará por no representar los objetos romanos con objetividad. Aumenta las dimensiones reales de los monumentos mediante el uso teatral de luces y sombras, la elección de puntos de mira y el uso de perspectivas irreales. Muestra figuras muy pequeñas que parecen casi aplastadas bajo esa escala gigante con la que concibe los edificios del pasado. Se difundirán por toda Europa, pero hicieron concebir la arquitectura romana a sus contemporáneos a través de los ojos de Piranesi. Hay viajeros como Goethe, Flaxman o Robert Adam, que quedaron decepcionados al observar las obras cómo eran realmente.
WINCKELMANN Se le considera el primer historiador del arte y arqueólogo alemán será figura clave del movimiento neoclásico y de la historia del arte como disciplina intelectual. Llegará a Roma en 1755 y se convirtió en Bibliotecario del cardenal Albani, famoso coleccionista. A través del cardenal, llegaría a ser en el encargado del servicio de antigüedades del Vaticano. Sería un apasionado del arte griego en el que veía el ideal de belleza. Para él las dos cualidades que
determinan el arte griego serán la noble simplicidad y la serena belleza. Escribía desde un punto
de vista estético. Su homosexualidad influyó en la adoración de las estatuas griegas - sobre todo masculinas-. Imaginaba Grecia como un lugar lleno de cuerpos desnudos, suaves y atléticos con un clima templado con libertades políticas. Su ideal era el Apolo de Belvedere, la copia romana de una griega del siglo IV. Se piensa que el autor fue Leocares, pero no se sabe con certeza. Analizará esta obra y será la primera vez que se haga un análisis estético de una obra de arte en estos términos.
Sus obras fueron escritas en alemán, en 1755 publicó sus Reflexiones sobre la imitaci ó n del arte griego en la
pintura y la escultura. En 1762 publica sus Observaciones sobre la arquitectura antigua. En 1764 , dos años más tarde,
su obra más famosa: Historia del arte de la Antig ü edad.
Winckelmann fue el primero en aplicar el método histórico al estudio de las obras artísticas. Asumiendo la idea de que la historia es una sucesión de ciclos de crecimiento y decadencia, concibió el devenir del arte antiguo como un proceso orgánico que dividió en cuatro periodos. El primitivo o arcaico, será el anterior a Fidias. El sublime o grande, el de Fidias y sus contemporáneos. El estilo bello que será el que va de Praxíteles a Lisipo, y lo que él llama el largo periodo del estilo imitativo que llegaría hasta la caída del Imperio Romano. Este mismo proceso se repitió - en su opinión- en el Renacimiento Italiano. Denominó arcaicos a los pintores anteriores a Rafael, sublimes a Rafael y Miguel Ángel, bello a Correggio, y maestros imitativos a todos los demás. PRIMITIVO O ARCAICO SUBLIME O GRANDE ESTILO BELLO ESTILO IMITATIVO Arte anterior a Fidias Arte de Fidias Prexísteles a Lisipo Hasta caída de Roma y sus contemporáneo Los principios fundamentales de su doctrina se dividían así: la belleza era única y cualquier particularismo la daña siendo clásica, medida, ideal y abstracta. Según Winckelmann, la suma belleza ya la lograron los griegos, y al no poderlo superar sólo queda imitarlos. La pintura ha de imitar la escultura; al no conocerse la pintura antigua - solo mediante descripciones- los pintores neoclásicos deberán imitar la escultura. A pesar de esto, desconocían que la mayoría de las esculturas eran copias romanas. El último punto decreta que la escultura griega era blanca, y la moderna – la de sus contemporáneos- también debía ser blanca. Esto fue otro error pues desconocían la policromía de las esculturas y los templos. Escultores como Canova o Thorvaldsen siguieron este precepto. DIVISION DEL ARTE SEG Ú N WINCKELMANN
Mengs distingue los diferentes estilos en pintura: el estilo sublime, el bello, gracioso, significante, el natural, el estilo fácil y los estilos viciosos: → El sublime solo lo poseyeron los antiguos griegos, y al no haber pintura habrá que recurrir a la escultura. → El bello representa algo sencillo y libre de elementos superfluos. A este estilo pertenecen la mayoría de estatuaria griega que nos quedan, ignorando que eran copias romanas y no griegas. A este estilo se acercan artistas como Rafael, Annibale Carraci o Guido Reni.
→ El estilo gracioso será un estilo cuando se da la figura “ movimientos moderados, f á ciles, amorosos…como Antonio
Correggio”.
→ El estilo significante o expresivo se da cuando la expresión es tenida como el fin principal del arte. Vuelve a citar como ejemplo a Rafael. → El estilo natural es el que imita a la naturaleza e intenta plasmar la idea de verdad. Lo practicaron naturalistas del siglo XVII que representan la naturaleza tal cual es sin alterarla o mejorarla. Nombra a Rembradt, Teniers y Velázquez. → El estilo f á cil se compone por pintores vulgares y populares. Cita a dos pintores italianos del XVII como Pietro da Cortona y Luca Giordano. → En último lugar diferencia el estilo vicioso, haciendo referencia la estilo recargado, amanerado y barroco, basado
en la contraposición del claroscuro y “ en la disposici ó n quim é rica de masas de luces y sombras donde no pueden
hallarse”. Se podría referir a Caravaggio y a algunos secuaces de Miguel Ángel de carácter manierista.
Intentar á implantar en Madrid una dictadura art í stica ya que tiene muy claro lo que le gusta.
Una de sus últimas obras será Perseo y Andr ó meda. Se ve clara inspiración en los
modelos de la estatuaria clásica. Es un desnudo poderoso y perfecto. Avanza bastante la concepción del cuerpo entre el fresco del Parnaso y esta obra. Los estilos anatómicos se instalan como disciplina artística. Se contrataba a los modelos masculinos para servir de inspiración para los artistas. El desnudo femenino solo se daba pagando prostitutas para que posasen o tomando de inspiración a las mujeres de los pintores como hizo Rubens.
Pintará frescos para el Palacio Real de Madrid, en las bóvedas de dos salas llamado el Cuarto del Rey, conjunto
de habitaciones que habitaba el rey. Pintará desnudos académicos basados en estudios de anatomía. La Apoteosis de Hércules la realiza entre 1761 y 1769 , durante su primera estancia en Madrid. Se encuentra en la ante cámara de Carlos III. Son temas mitológicos con Marte sentado sobre una figura alada. También aparece Vulcano con la piel un poco más oscurecida. En el mismo fresco aparece Apolo representado con la lira y con algunas musas, acompañados por Vaco. Son composiciones que tienden a imitar un relieve con la grandeza de la estatuaria griega. Otro fresco más complejo será La Apoteosis de Trajano en la saleta de Carlos III. Representa las ciencias, las musas,
el templo de la inmortalidad con un tolo d ó rico…
Al temple realizó una obra en el Palacio Aranjuez, lo que iba a ser el Teatro de Corte. Quedó inacabado y con los años se tapó. En los años 50 se destapó. Cuando llega a Madrid coincide con dos pintores italianos como Giaquinto o Tiepolo***, acompañado de sus dos hijos Gian Doménico y Lorenzo. Coinciden tres grandes pintores. Winckelmann comparar á la labor fresquista de Mengs con la de Tiepolo, sin haber estado siquiera en Madrid. Mengs realizó obras de carácter religioso, siendo casi copias de Rafael. Destacó sobre todo en los retratos, dentro de la estética del Rococó. Retrata a Carlos IV, infantes e infantas…También hará algunos retratos de la nobleza. Son retratos perfectos con tendencia a la abstracción y a la idealización de retratar. Son retratos de pincelada prieta y minuciosa, casi imperceptible para el ojo. Retratos esmaltados y fríos como la porcelana. Domina los retratos de tres cuartos en actitud reposada en los que cobra una especial importancia el atuendo y las condecoraciones, pero también los realiza de cuerpo entero. Gran maestro representando las telas, se diferencian bien. El retrato de Carlos III, como rey de España y de las Indias. Es de 1765 y se encuentra en Copenhague. Federico V de Dinamarca lo encarga para una galería de retratos en la que aparecían todos los soberanos reinantes en Europa. Es el único retrato de cuerpo entero que hay de Carlos III. Es un retrato de aparato, monumental. Se hace representar con armadura completa y con todos los atributos de poder. aparece con un manto de terciopelo rojo con broches de diamantes, en la mano derecha porta la bengala de Mango, y sobre el pecho el toisón de oro y bandas cruzadas. Dichas bandas representan órdenes que creo el monarca. Uno de los más conocidos será el que se encuentra en el Museo del Prado, fechado en 1767. Aparece con los mismos elementos.
El retrato de Maria Amalia de Sajonia se realiza en 1761 , realizado a partir de una miniatura pues había
fallecido en 1760. Se vuelve a ver su maestría con las telas. No dejan de ser rostros un tanto inexpresivos. El retrato de
Fernando IV de N á poles, hijo de Carlos, se fecha hacia 1760. El pr í ncipe de Asturias, Carlos IV, fue retratado en 1765 ,
aparece vestido de cazador. Aparece muy influenciado de Velázquez. El retrato de Maria Luisa de Parma, la Princesa de
Asturias, 1764. Presenta un estilo más rococó con rostros aporcelanados. Realizó numerosos retratos. Destaca el de una
de sus hijas, anuncia lo que luego hará Goya. Carlota Joaquina fue reina consorte de Portugal, casada con Juan VI de Portugal, en un retrato bebé. En la Academia de San Fernando retratará a Isabel Parreño y Arce, marquesa de Llano. Fechado en 1760. Aparece disfrazada de manchega para un baile de máscaras. Anuncia un poco la vena popular - magismo- de Goya en los vestidos. Tiene otra faceta, la del retrato íntimo. Cultiva un retrato intelectual, psicológico y concentrado en la expresión y de atuendo muy simple. La gran mayoría son autorretratos, destaca el del Prado, fechado entre el 61 y el 69. Era un buen anatomista que no encontraba problem á tico realizar dibujos como las manos, cosas que Goya evita. ***Una de las grandes obras de Tiepolo será la Bóveda del Salón de Trono, antes conocida como la Sala de los Embajadores. La Grandeza y Poder de la Monarqu í a Espa ñ ola, conocida también como la Majestad de la Monarqu í a Espa ñ ola. Está fechado en 1764. Destaca por su fantasía, por el gran dominio de la perspectiva y con colores vivos, transparentes y cristalinos. Dominan los celestes y los amarillos. Representaría la última apoteosis del Barroco. Es el gran heredero del lujo y la majestuosidad veneciana. Es típicamente barroca caracterizada por la búsqueda de puntos de fuga en el espacio, con gran sentido de movimiento y fluidez. Se emplean diagonales, escorzos violentos…Las alegorías ascienden de forma ingrávida por la bóveda hasta el arcoíris. En la cornisa aparecen los diversos reinos de la Corona con sus correspondientes atributos como la del continente americano o de África. Fallecerá en Madrid. Su hijo Gian Doménico se irá a Italia y Lorenzo cultivará el género del pastel. Representa la sociedad - se ha dicho que la madrileña, pero parece la italiana-.
