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NEOCLASICISMO FRANCÉS
Serán pintores con formación muy del rococó y no llegan a asimilar ese
neoclasicismo a la antigua.
JOSEPH-MARIE VIEN
Comprende las fechas 1716 hasta 1809. Será el pionero del
neoclasicismo en Francia y el mentor de David. Será alumno de Natoire y de
Troy. Ganará el premio Prix de Roma, para ir becados a estudiar a Roma.
Permaneció en Roma entre 1743 y 1750, coincidiendo con las excavaciones de
Pompeya. En 1754 fue admitido como miembro de pleno derecho en la
Academia de Pintura y escultura de París. La obra de Caylus le influye, y estudia
la encáustica - tipo de pintura que usa la cera como aglutinante-. Quería
conseguir una romanización de la pintura. Llega a ser nombrado director de la
Academia Francesa en Roma, donde se hace maestro de David. En 1789, año
de la Revolución, fue nombrado primer pintor de Luis XVI.
Le honra Napoleón Bonaparte y le nombra senador. Duplessis le retratará de
manera actuante, en posición de pintar. Realizará también desnudos de
academias ejecutados por Vien.
Su cuadro más famoso será La vendedora de Amores o Cupidos.
Fechado en 1763, en Francia. Crea el estilo a la griega, denominado Style a la
grecque. Constituye una obra de envoltorio clasicista de composición
clasicista y formal. Reproduce una imagen de unos grabados. Los personajes
aparecen en un mismo plano, como si fuera un friso, con colores de tonos
locales o de cada cuerpo de Poussin.
Hay intentos de reconstrucción arqueológica con elementos antiguos, pero, la
silla, por ejemplo, es una neoclásica estilo Luis XVI.
En 1767 realiza Muchacha griega en el baño , representando un NC
severo bastante insípido. En 1773 realiza el Templo de Himeneo, de tamaño
pequeño, con tolos griego de estilo jónico y
altar circular. Los adioses de Héctor y
Andrómaca, en 1786. Pinta tras su segunda
estancia en Roma con estilo severo, cercano
al de sus alumnos Tallaison y Peyron. Sigue
habiendo intentos de reconstrucción
arqueológica mucho mayores.
HUBERT ROBERT (1733 - 1808)
Es un grabador francés que se especializó en paisajes y ruinas clásicas.
Su formación la hizo en Italia, llegó a Roma en 1754 y llegó acompañado del
futuro duque de Choiseul, que llegaría a ser embajador y secretario de Estado
de Luis XV. En Roma va a permanecer 11 años, hasta 1765. Se forma en la
academia francesa localizada en Roma, ubicada en un palacio en la guía del
corso, siendo el director Natoire. El año 1761, viaja al sur de Italia y a Sicilia,
acompañado por Fragonard, a quien no le influye nada la antigüedad clásica.
Robert hizo una gran cantidad de dibujos, en los que basará sus dibujos una
vez esté en Francia.
En 1766, ingresa como miembro en la Real Academia de Pintura y
Escultura. Durante el reinado de Luis XVI fue conservador de los cuadros del
rey. Cuando el Louvre se convierte en un museo público, se convierte en uno
de los directores, aunque luego es encarcelado tras la Revolución. Tiene un
gran interés por las ruinas. En Roma se va a sentir atraído por dos autores,
Panini y por Piranesi, ya que cultivan la temática de ruinas. Sitúa sus ruinas en
ambientes idealizados, dándonos una visión muy curiosa porque es mitad
clasicista, y mitad prerromántico. Aporta una percepción subjetiva de las
ruinas, engrandecidas y semejantes a escenografías teatrales. Las figuras
humanas aparecen siempre empequeñecidas para dar una visión emocional a
la ruina.
No solo hizo ruinas, sino que tiene una serie de cuadros con un carácter
de reportaje en donde plasmó algunos edificios de París de fines del siglo
XVIII. El Coliseo de Roma se fecha entre 1780 y 1790. Muestras piedras caídas,
la maleza abriéndose paso entre la arquitectura…
Capricho con el Panteón delante del puerto de
Ripetta , es de 1766, es un capricho porque sitúa juntos al
panteón de Roma junto al puerto, a pesar de que Roma no
tenga mar.
JEAN-BAPTISTE GREUZE, 1725 - 1805.
Entró como alumno de Natoire en la Real Academia, es el máximo
representante de la corriente sentimental-moralizante, inspirada en los dramas
de Diderot. Cultiva escenas de género sentimentales y melodramáticas en los
que se ofrecen ejemplos morales. Los personajes encarnan cualidades
expresivas y éticas, buscando siempre una forzada tensión patética. Lo
consigue mediante la teatralidad de las composiciones, donde el gesto lo es
todo. Greuze va a llevar a cabo una valoración de las virtudes domésticas,
representadas por personajes y situaciones del mundo rural. Los protagonistas
de estas escenas son familias pequeñoburguesas de provincias. Esa virtud
doméstica que preconiza en sus cuadros luego va a ser sustituidas por las
virtudes cívicas por David. Elogiaba la moralidad de sus imágenes.
Tiene otra faceta libertina, que son cuadros de muchachas
adolescentes que contienen veladas alusiones sexuales. También cultiva el
género del retrato. Con el cambio de gusto va a pasar de moda y la Revolución
le hunde en la más absoluta oscuridad. _ es un cuadro de la historia antigua
pintado en un estilo severo que anticipa a lo que hará David. La obra fue
rechazada por la academia cuando lo presentó. Un recurso que usa Greuze,
que luego usará David, es poner una cortina a modo de telón de fondo para
que nuestra mirada no vaya más allá. No hay ilusionismo pictórico, está
organizado como un friso.
La boda pueblerina o el contrato de
matrimonio , de 1761, en el Louvre. Nos muestra un
interior rural, pequeño burgués en el que aparecen
dos mundos enfrentados, a la izquierda aparece el
mundo femenino de la intimidad, y en l aparte de la
derecha el universo masculino de las leyes y
negocios.
La piedad filial o el paralítico socorrido por
sus hijos , de 1763, está en el Hermitage, de San
Petersburgo. Nos representa un padre en un interior
muy pobre, es muy anciano y está en su lecho de
muerte, además, está rodeado por su familia. Ha sido
relacionada con una novela de Reusso, que se
publicó dos años antes, y se identifica con un pasaje
de esa novela.
La maldición paterna. El hijo ingrato , de 1778, forma pareja con el
siguiente cuadro. Interesa la teatralidad de los
personajes, el tema es la maldición de un padre a su
hijo, todo ello entre mucho acaloramiento, mucho
gesto. La pareja es El hijo castigado , del mismo año.
Es como la misma historia, el padre ha muerto, el hijo
fue expulsado de las ay cuando vuelve el hijo se
encuentra con su padre en el lecho de muerte. La
visita del sacerdote , aparecen en un interior propia de
la burguesía de ciudad.
El cántaro roto es de 1771, está en el Louvre.
Fue encargado por Madame du Barry, fue la última de
las favoritas de Luis XV, es una alegoría de la inocencia
perdida. Nos muestra una joven muchacha de
grandes ojos y un aspecto cándido. Es un cuadro que
contiene unas veladas alusiones sexuales.
En otro autorretrato de 1790 , en los Uffizi, aparece representada con
las ropas características de la revolución. Aparece pintando un retrato de Maria
Antonieta. En cuanto a los colores, es muy sobrio.
Retratará a personajes masculinos de la aristocracia como el
Autorretrato de Giovanni Paisiello , compositor italiano que participó
activamente en la revolución, en 1791.
El retrato de Maria Antonieta más antiguo data de 1788, en la que
aparece la reina con un vestido de corte. En el Retrato de 1783 , aparece María
Antonieta de una manera mucho más sencilla, con una flor en la mano y con
un sombrero de plumas. Otro retrato de 1783 aparece con un vestido de
gasa color blanco, con un sombrero de paja. Este fue criticado cuando se
expuso en los Salones de 1783. Dijeron que el atuendo no era propio para ser
visto en público, pues consideraban que debía ser íntimo. En 1787 aparece
retratada con sus hijos, uno de ellos es el delfín de Francia. Fue pintado cuando
los ataques a la reina arreciaban de una manera más dura. La artista quiere
hacernos ver que, contra esas críticas, se opone la madre. Tiene en cierto
modo, contenido propagandístico. No llegó a exponerse en el Salón de 1787
por miedo a las reacciones. En 1788 , realiza otro retrato en el que aparece
representada con un vestido muy elegante de terciopelo azul, en una estancia
palaciega. Tiene en las manos un libro, y sobre la mesa que hay a su lado la
corona.
Otra obra diferente a las demás será el cuadro de 1807 1809. Será el
retrato de Madame de Stäel representada como Corina. Ella era poetisa y
ensayista, hija de un ministro de estado de Luis XVI. Aparece vestida a la griega
sujetando una lira, en un ambiente de montaña.
JAQUES-LOUIS DAVID 1748 PRS-1825 BRSLS.
Será uno de los grandes pintores de finales del XVIII y principios del
siglo XIX. Nace en parís y muere en el exilio, en Bruselas. Es el máximo
exponente de la pintura patriótica y oficial durante la Revolución Francesa y el
Imperio Napoleónico.
En 1774 obtiene el gran premio de Roma, becado para viajar a la
ciudad. Permanecerá ahí, donde alcanzará su madurez artística. Cuando
vuelve en 1782 a París, será nombrado académico de Bellas Artes. Es uno de
los pocos artistas implicados con l política de su tiempo, donde participó
activamente.
Fue diputado de la Convención Nacional en 1792, etapa más
sangrienta. Fue amigo personal de Marat y Robespierre. Perteneció al llamado
Club de los Jacobinos, grupo político muy extremista de la revolución. Acabó
votando junto con su grupo, la ejecución de Luis XVI y Maria Antonieta. La
caída de Robespierre, líder de los Jacobinos, lleva a David a la cárcel. Se libró
de la guillotina, siendo amnistiado por faltar a la comparecencia.
Fue el organizador de las grandes fiestas y ceremonias republicanas,
llegando a convertirse en una especie de dictador del gusto. Ayudó a abolir la
Academia Real de Pintura y Escultura creada por Luis XIV, en 1796 fundó en su
lugar el Instituto de Bellas Artes en París.
Trabajará para el Primer Cónsul y futuro emperador Napoleón
Bonaparte y se convertirá en su retratista oficial. En 1804 es nombrado primer
pintor del Emperador. Contribuye al advenimiento del estilo imperio,
derivación del neoclasicismo siendo propagandístico. Es aparatoso y de
carácter político.
David es a la pintura lo que Perciere y Fontaine fueron a la arquitectura.
En 1815, la batalla de Waterloo termina con Napoleón y se produce el
advenimiento de la restauración borbónica. Con esto, David huye a Bélgica,
donde muere en 1825. Es proscrito como regicida por el gobierno de Luis
XVIII, hermano de Luis XVI.
Se suman dos elemento fundamentales para el arte de David. Por un
lado, está la tradición estadista, sumada a un depurado ideal estético capaz de
recuperar la serenidad y austeridad de la Antigüedad Clásica. Es un pintor
neoclásico y de propaganda.
Las pinturas históricas de David poseen un contenido político claro,
preciso. Constituyen una afirmación de los valores revolucionarios, en
ayuda a precisar los volúmenes. Los contornos son siempre firmes y precisos.
En su obra logra una frialdad un tanto artificial. En sus bocetos es mas intuitivo
y cálido, pero a la obra definitiva la somete a un proceso consciente de
depuración, consiguiendo un efecto académico. Algo muy similar le ocurre a
Canova en escultura.
El equilibrio compositivo domina siempre sus cuadros, son
composiciones rigurosamente ordenadas basadas en la geometría a modo de
frisos o relieves de un templo clásico. Encontramos en él una búsqueda de los
efectos expresivos y de gesticulación. Le lleva a una cierta teatralidad en las
actitudes de los personajes, con expresiones nobles y aparatosas. El
precedente estaría en esos temas, en la búsqueda premeditada de los efectos
de gesticulación. Hay una retórica de los gestos. Los grandes sufrimientos
serán expresados mediante movimientos contenidos, nunca con expresiones
desagradables o rostros deformados por las pasiones.
Existe un contraste en las actitudes de los personajes, por un lado, la
entereza masculina frente a la sensibilidad femenina, pero en ambos casos con
un sentido de equilibrio y compostura clásica. La fidelidad arqueológica de
David a la hora de representar los trajes, los peinados, los complementos…Los
vestidos serán a la antigua, utilizará túnicas de pliegues simples, togas
romanas, sandalias a la romana, peinados antiguos…esta fidelidad se
encuentra también en las armas, en muebles o en complementos decorativos
como lámparas.
GÉNEROS QUE CULTIVA DAVID:
Grandes cuadros de la historia y epopeya antigua
Cuadros de la historia Contemporánea de Francia
Temas de la revolución
Temas del imperio
Genero mitológico
Retratos
Paisaje. Solo uno.
GRANDES CUADROS DE LA HISTORIA Y EPOPEYA ANTIGUA.
Obras de gran formato en los que se exalta el heroísmo y la virtud de los
antiguos griegos y romanos. En ocasiones, estos cuadros, tendrán una
significación política clara, pudiendo ser interpretado en clave
contemporánea. El ejemplo más característico será La intervención de las
Sabinas. El camino que inicia David, interpretada como una lección de ética
publica aplicable al presente, se había iniciado ya durante la monarquía
absoluta de Luis XVI. Sus primeros cuadros se pintan antes de la Revolución,
con dicha monarquía. En 1781 pinta Belisario recibiendo limosna , en 1783
realiza el Dolor de Andrómaca , en 1784, pocos años antes de la Revolución, el
Juramento de los Horacios. En 1787, La muerte de Sócrates. En 1789, Los
lictores entregan a Brutus los cadáveres de sus hijos. Diez años después, en
1799, pinta La intervención de las Sabinas. En 1814 pintará su ultimo cuadro
de historia antigua, Leónidas en las termopilas.
Belisario recibiendo limosna , 1781. Se expuso en el Salón de París de
- Tiene algunos precedentes en su temática. Un soldado romano que
había servido a las órdenes de Belisario reconoce a su antiguo general, ahora
ciego y olvidado. Belisario aparece en compañía de un muchacho que aparece
agachado recogiendo la moneda de un transeúnte. David eleva una simple
anécdota al rango de tema de significación universal aludiendo a la
transitoriedad de las glorias humanas, a la indefensión de la vejez o al
heroísmo moral en la adversidad. El cuadro muestra una austera concentración
en lo esencial con gestos contenidos y colores apagados. Hay que destacar la
iluminación un tanto escenográfica y los fondos de arquitectura clásica. Por la
izquierda, se puede vislumbrar un paisaje de la antigua Roma. Además,
Belisario fue un general que sirvió a Justiniano en el Imperio de Oriente.
JAQUES
LOUIS DAVID
El juramento de los Horacios , 1784. Se encuentra en el Museo del
Louvre. La obra la concluye en Roma en 1784 y fue expuesta en el Salón de
París de 1785. Fue encargada para la corona por el conde de Angivillier,
director general de las edificaciones reales. Era una especie de Ministro de
Bellas artes, del que dependía la obra artística real. Estaba dentro de esa nueva
política monárquica de representar héroes clásicos como modelos que
pudiesen mostrar una imagen ejemplar del rey. Se vuelve a exponer en 1791,
como expresión de los valores morales revolucionarios, llegando a ser una
imagen icónica de la Revolución. Representa una escena que tiene su origen
en la guerra entre Roma y Alba, narrada en la Historia de Roma de Tito Livio.
También pudo narrarse en la trágica Horace , de Corneille. La obra evoca un
episodio mítico de la historia romana en el que los tres hermanos Horacios
juran defender su patria hasta la muerte frente a los enemigos curiacios. Los
Horacios con los brazos extendidos juran vencer o morir en defensa de la
república, y reciben de su padre las armas del combate. Fue considerado
como una extraordinaria lección de patriotismo. Es un tipo de cuadro heroico
y grandioso que Diderot venía reclamando desde 1750.
Dispone los dos grupos sobre un fondo de arquería, a cada arcada
corresponde un grupo o una figura. Podemos decir que hay una perfecta
integración de las figuras dentro de un marco arquitectónico. El fondo remite
nuestra mirada hacia el primer término, en el que concentra la luz. El viejo
horacio se sitúa en el centro de la composición, levantando las espadas y
recogiendo el juramento de sus hijos. Dirige su mirada hacia un punto que se
sale del cuadro. A la derecha, las figuras de las mujeres, en fuerte contraste
con los hombres. Lloran y se lamentan presagiando lo que va a suceder. El
artista contrapone el mundo de lo público - heroico y varonil representado por
los hombres- al de lo privado, femenino y sensible representado por mujeres.
Opone la resolución estoica de los guerreros al dolor de las tres mujeres, algo
que se podrá ver posteriormente. Hay una dimensión de friso, de aquí la
calidad estatuaria y la importancia de los perfiles. También hay que destacar la
importancia del dibujo, los contornos son firmes y precisos, la utilización de
una gama reducida. La luz es fría y cortante, ayudando a precisar los
volúmenes y produce un efecto de solidez metálica. También hay que destacar
la exactitud a la hora de representar los detalles históricos, con fidelidad
arqueológica en trajes y armas. Hay un sentido de la gesticulación teatral. Hay
claridad y equilibrio compositivo, que dominan el cuadro.
JAQUES
LOUIS DAVID
La muerte de Sócrates, de 1787. Se basa en un dialogo de Plató
llamado Faedón. Lo pinta antes de la Revolución Francesa para un mecenas
particular. La escena representa a Sócrates en la cárcel durante la visita de sus
discípulos, justo antes de que le sea aplicado su castigo. Fue un filósofo griego
al que culparon por corromper a la sociedad ateniente. El prefiere darse
muerte antes que dejar de lado sus creencias. Se ve obligado al suicidio por la
tiranía contra la virtud del dios. Es una alusión a las injusticias del Antiguo
Régimen, donde el filósofo agarra la copa de cicuta. El resto de los personajes
se tapa la cara como si fuesen figuras clásicas. A los pies de la cama aparece
Platón, aunque no estuviese presente en la escena real.
El decorado es sencillo, con sillares de piedra. Aparece una lampara
antigua, hay presencia de lo arquitectónico que proporciona solidez al cuadro.
Hay que destacar el desnudo de Sócrates y el estudio anatómico. Son cuerpos
perfecto, aunque un poco rígidos en el modelado. JAQUES
LOUIS DAVID
Intervención de las Sabinas, 1799. Se encuentra en el Louvre, es de
dimensiones mayores que los cuadros anteriores. Se expuso en unas sala
visitable previo pago, el 21 de diciembre de 1799, algo inaudito que generó
bastante controversia al tener que pagar. David realizará un escrito en el que
justifica el porqué quiso cobrar por ello. David trata en este cuadro un célebre
episodio de la historia romana documentada en fuentes como la historia de
Roma de Tito Livio o la obra de Plutarco. Su fuente iconográfica viene de John
Flaxman, en una ilustración para la Ilíada de Homero, El combate con el cuerpo
de Patroclo. Se trata de un cuadro de la historia antigua que puede ser leído
en clave contemoranea. Cambia la significación del tema, en vez de
representar el rapto de las salinas por parte de los romanos, representa el afán
pacificador de las Salinas. Las Salinas detienen la lucha entre los romanos y los
sabinos, exigiendo la paz entre los combatientes. Ponen paz entre los
contendientes. Se trataría de una llamada por parte de David a la
reconciliación de sus patriotas tras el periodo de terror en el Convención
Nacional. Apela a la paz entre los franceses, el odio y el fin de las facciones.
Aparece Tapio desnudo, situado a la izquierda, liderando a los sabinos.
A la derecha Rómulo de espaldas y también desnudo, es reconocible por el
escudo redondo y la marca de Roma. En el centro aparece Hersilia, a quien las
fuentes identifican como la mujer de Rómulo. Aparece separando con los
brazos abiertos a los combatientes. Delate y ajenos a lo que sucedía, aparecen
los niños jugando sin muestra alguna de terror. Tiene una gran riqueza en los
acontecimientos secundarios esto convierte el cuadro en algo complejo y
dramático. Aparece una anciana al lado del escudo rasgándose las vestiduras
en gesto dramático, una salina mostrando a sus hijos, un lacayo joven con un
caballo que cierra la composición por la derecha. Suprime los estribos y las
bridas de los caballos para darles una mirada más primitiva y salvaje.
Reelabora en esta obra la arquitectura griega, sus modelos son de
carácter griego. El mismo quería ser un griego puro.
Hay que destacar la importancia concedida al desnudo masculino.
Aparecen totalmente desnudos y únicamente provistos de armas y el casco.
Sus cuerpos bien modelados son tratados como esculturas. Da la vuelta
alrededor representándolos de frente y de espaldas tal y como haría un
escultor. Se sabe que dos alumnos de David posaron para él, aunque luego
los idealizara. Estudia el cuerpo en diferentes edades: madurez en Tapio…La
desnudez de Tapio, héroe salino, aparece disimulada por la vaina de la
espada. Tanto esos desnudos, fueron justificados por David. Tanta desnudez
escandalizó al directorio de París, le acusaron de ofender la decencia.
JAQUES
LOUIS DAVID
La composición es simétrica equivalente a las esculturas de un frontón
griego. La figura femenina central, Hersila, sirve de eje de simetría ligeramente
desviada a la izquierda para dar mas dinamismo. Logra una especia de
sensación atmosférica en esa polvareda que oculta la Picas y las lanzas. A la
izquierda aparece un fondo de arquitectura con torres almenadas, recordando
a la prisión de la Bastilla. A continuación, muestra la roca Tarpeya, desde
donde eran lanzados los prisioneros condenados a muerte. En los vestidos usa
el rojo y el verde, yuxtaponen colores complementarios.
JAQUES
LOUIS DAVID
CUADROS DE LA ÉPOCA CONTEMPORÁNEA EN FRANCIA.
El juramento del juego de pelota , de 1791. Queda inconclusa, solo se
conservan estudios preparatorios. Le fue encargada por el Club Jacobino para
conmemorar el acto de formal desobediencia al rey.
Luis XVI convocó los Estados Generales, asamblea compuesta por los
representantes de los Tres Estamentos - nobleza, clero y tercer estado- del
Antiguo Régimen. El Tercer Estado fue el protagonista de esta obra.
Esperaban obtener una serie de reformas, pero el rey se negó. Se
constituyeron en Asamblea y decidieron apropiarse del poder legislativo.
Se llama así ya que estos acontecimientos dieron lugar en una sala en la
que se jugaba a la pelota.
Tuvo lugar el 20 de junio de 1789. Se representa a los diputados del
Tercer Estado y algunos del clero, reunidos en torno al presidente. Juran
permanecer unidos hasta que sea otorgada una constitución. Esto supuso la
primera victoria del poder democrático sobre la monarquía. El cuadro estaba
destinado a decorar la sala de reuniones de la Asamblea Nacional.
Plasma muy bien le tumulto, los gritos, los brazos en alto…de los
diputados. La obra muestra un sentido espacial ausente en otros cuadros. La
sala es representada como si de una caja de perspectiva simple se tratara.
Dispone el punto de vista en el centro y hacia el fondo en la sala. Da la
sensación de que el espectador también esta en la sala. Los diversos
protagonistas adoptan actitudes heroicas y profundamente escultóricas que
podemos analizar a través de los dibujos preparatorios. Tienen una
indumentaria perfectamente reconocibles y verosímiles. Son estudiados
desnudos y después los viste.
JAQUES
LOUIS DAVID
La muerte de Marat, de 1793. Cuadro en Bruselas ya que lo llevó con
él al exilio. Lo concluye en 19, pleno periodo del terror. El 13 de julio del mismo
año, era asesinado Jean Paul Marat, radical identificado con el lado
izquierdista de la Revolución. Era uno de los lideres del partido Jacobino.
Marat, estuvo enfrentado a la facción moderada. Fue amado por los sectores
más desposeídos por la sociedad y detestado por burgueses y aristócratas.
Ayudó a consolidar el Periodo del Terror y elaboró listas negras e impuso
medidas represoras que implico con indiscriminada violencia. Todo aquel
sospechoso de revolucionario fue ejecutado. Fue apuñalado en su bañera
mientras trabajaba por Charlotte Corday. A su muerte se celebraron funerales
en su honor, le llamaban el amigo del pueblo y pasó a ser el mártir del pueblo.
David convierte en su cuadro un asesinato, en un trascendente martirio.
Estamos ante un cuadro de devoción laica. Marat aparece muerto en su bañera
al igual que un mártir en su lugar de martirio. David eleva a este héroe
revolucionario a la condición de mártir. Se trata de una obra de significación
universal. Marat representa el arquetipo ennoblecedor de todos ellos que
mueren por sus ideas.
En el cuadro están contenido todos los detalles capaces de explicarlo y
hacerlo intangible al pueblo. Las virtudes de la victima - austeridad,
generosidad y claridad- son representadas en la obra. La austeridad a través
de la pared desnuda y el cajón de madera usado como mesa de trabajo. La
generosidad a través del billete que se encuentra encima del cajón junto al
tintero y la pluma, referencia a una viuda con cinco
hijos a la que Marat concede una pensión. La claridad
a través de la carta que sostiene en la mano. Marat
sostiene un escrito en el que aparece destacado el
nombre de su asesina. Con esto, el pueblo entiende
el mensaje de manera sencilla.
El funeral fue público, en la Iglesia de los Cordeliers.
Pictóricamente el cuadro es de medios tonos, sobresaliendo los blancos
de la sabana y el gorro. Muestra un fondo en tonos grises ejecutado mediante
frotado de empastes superficiales. Destaca el juego de la luz para acentuar
mejor la imagen. La oscuridad del fondo permite valorar la cabeza y el brazo
caído, muy iluminados.
La mitad superior muestra un espacio vacío. Es una
composición geométrica con una línea horizontal en la
mitad marcada por el nombre de la asesina; la vertical lo
marca el brazo con la pluma.
JAQUE
S
LOUIS DAVID
