Renacimiento, Ejercicios de Historia del Arte

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ARTE RENACIMIENTO (USC)

APUNTES RENACIMIENTO

ROSENDE , ANDRES 16-

Apuntes Histotria Del Arte Del Renacimiento - Año 2015 -

Historia da Arte do Renacemento (Universidade de Santiago de Compostela)

Temas:

1. La significación del Renacimiento
2. La arquitectura en Italia
3. Las artes figurativas en Italia
4. La difusión del Renacimiento en Europa

Trabajo para la 6ª semana:

En la 3ª semana tendrá lugar la 1ª clase interactiva. Se discutirá el sistema de representación perspectiva del renacimiento. Para eso el alumno deberá conocer la nueva concepción de la perspectiva transmitida por Alberti..

Tema: La construcción perspectiva según Alberti

• Panofsky “Perspectiva como forma simbólica” p. 45
• Panofsky “Renacimiento y Renacimientos en el arte occidental” pp. 186-

EMPEZAMOOS!!! D:

Donatello, San Marcos, 1411-1413 (importante conocerla)

8/9/

Tema 1. O Renacemento : A definición dun novo estilo.

Analise do terno.- Renacemento e renacementos na arte occidental.- Arte e ciencia: a representación perspectiva.- O modelo cultural…

Renacimiento: El termino da una idea de renacer, volver a la vida, y los hombres de la época era la idea que tenían con respecto a recuperar el arte clásico. En realidad se vale de la palabra francesa Renaissance, ya que fue allí donde la palabra paso de significar un “volver a la vida” a él ese momento en específico. De significar un renacimiento que puede pasar en cualquier época a este momento en concreto.

Por primera vez, el termino lo encontramos en Honoré de Balzac “Le Bal de Sceau” en

En la época se ve que tienen consciencia de sí mismos. En la EM se tiene una conciencia teocéntrica y en la época del renacimiento se ve al hombre como centro del mundo (antropocéntrica) en relación con las grandes hazañas del hombre. Como si la época de la EM fuera un arrinconamiento para el hombre y que ellos asisten al resurgimiento del hombre y, según Petrarca, de las lenguas y escritores clásicos, el que consideraba que la filosofía, la lengua, etc. se debe estudiar al margen de la religión (de ahí la innovación de este).

No existe un Renacimiento, sino varios. Durante la EM existieron otros (durante la EM el arte clásico no se elimina nunca del todo), ya que la presencia de lo clásico se intensifica la presencia de lo clásico (se le llaman los Renacimientos medievales). Estos están relacionados con la supervivencia, ya que el renacimiento no puede existir sin la supervivencia.

El renacimiento se basa en el interés de los vestigios clásicos a nivel formal. Tienen que existir los restos y un respeto e interés por ellos.

Solo se podrá hablar del Renacimiento cuando se dice que nace de una actitud consciente e intelectual en la que se valora la presencia del pasado.

El primer renacimiento es el renacimiento carolingio (la renovatio). Con la caída del imperio romano podemos apreciar una “aniquilación” del estilo clásico (pero no del todo como ya dijimos). El cuerpo del hombre deja de ser la expresión suprema de la belleza a ser un amasijo de distorsiones. En este ambiente surge el primer renacimiento de la EM. Se data en la navidad del año 800, ya que Carlomagno entra en roma y se dirige a San pedro para que lo unja como emperador de roma, con una entrada que nos recuerda a los cesares. A partir de este momento los carolingios se sintieron los legítimos sucesores de los emperadores romanos. Ya sea con la reforma del calendario y las comunicaciones y demás, Carlomagno esperaba una renovatio en toda regla del Imperio Romano de una forma consciente con la que esperaba ser considerado como emperador.

Un ejemplo es que la Capela Palatina de Aquisgrán se nos asemeja a San Vital de Rávena. Por ello se cree que los arquitectos de Carlomagno debían tener algún contacto con el pasado clásico. Incluso en el exterior se tiene un estilo medieval pero se hacen ciertos guiños a lo clásico. Están tratando de evocarlo. Lo llama laterano, como llamaban a un palacio romano, por lo que entendemos que tenía la idea de llevar una nueva roma a Laquisgram.

También podemos encontrar esta idea en las “artes menores” (ilustraciones de manuscritos y marfiles), en el que se ve la influencia del pasado. Por ejemplo, el evanxeos de Lorsch c. 810 está basado en un tríptico.

Por encima de todo la renovatio carolingia nos interesa porque fue particular en el campo de la literatura, ya que había una afición hacia la literatura clásica que determinó una copia de manuscritos que significaba una copia y conocimiento de la lengua. Eso es importante porque la letra renacentista se basó en esta y la nuestra lo mismo.

Se ha hablado también de renacimiento otoniano. En el que no se hace una referencia al modelo clásico.

2 renacimientos: A uno lo llamamos Protorrenacimiento del s. XII y el protohumanismo.

En el primero hablamos del Sur de Galis, Italis, Peninsula hiberica en la que hay mucha riqueza de restos clásicos, lo que permite un renacimiento más extenso, sin hacer un diálogo superficial, sino que se adentra en el corazón de la civilización clásica. Aquí se respira una autenticidad imposible en la anterior. En la zona del S de Francia surgirá el gótico, alejándose del protorrenacimiento tradicional.

Reinterpretación escala y estructura

El Protohumanismo surge en el momento del anterior explicado pero en otros lugares. Ahora es N de Francia, O de Alemania, Flandes e Inglaterra sobretodo. Pero en este caso es un Renacimiento de Ideas y no deformas. Se apuesta por la recuperación de la lengua, el mito, la historia, la cultura…. Y Europa quedo entusiasmada, tanto que estas historias se transmitieron a las lenguas vernáculas.

Con la mezcla de los 2, encontramos la forma y el contenido clásicos.

14/9/

Transformación, escala y escultura

Toda expresión de glorificación o poder del arte romano serbia de apoyo para la representación cristiana.

Procedieron a cristianizar las formas clásicas (cambian el contenido y mantienen la forma.

El arte carolingio por su parte no fue capaz de cristianizar las formas clásicas (de hacer lo anterior).

El protorrenacimiento del s.XII muestra una ambigüedad, se muestra muy activo al dar forma clásica a una imagen cristiana, pero para lo contrario no. No se muestran estos últimos con hábito clásico, sino contemporáneo. Esta ambigüedad se supera con el Renacimiento italiano, porque convierte el estilo clásico en un idioma. Siendo capaz de transformar cualquier motivo o personaje en lenguaje clásico. Para ellos el estilo clásico es un lenguaje universal capaz de atender cualquier requerimiento.

El renacimiento carolingio abarco todo el imperio y los ámbitos de la cultura, pero fue limitado porque carecía de una gran escultura… Arañó la superficie de la cultura clásica, por ser un periodo de corta duración e incluso en aquellas áreas que estaban dedicadas a la monumentalidad (característica básica de lo clásico) carecían de énfasis. Se limitó a heredar lo que el mundo paleocristiano había recuperado.

El protorrenacimiento ya no se conforma con hablar con capas superficiales de la religión romana, tuvo el mérito de recuperar la escultura monumental.

La fundamental aventura de la escultura romana es contar con el presupuesto para conseguirla.

Fue un renacimiento limitado (no contaba con un Renacimiento de pintura, no abarco todas las áreas de la cultura europea, su periodización fue limitada).

Tenemos que esperar al Renacimiento del s. XV para que desaparezcan las limitaciones (tanto temporales como el resto.) Se instala completamente convirtiéndose en el elemento vertebrador de occidente.

La actitud que los distintos Renacimiento han tenido con lo clásico, también fueron distintas. Los carolingios se consideraban herederos de roma y no tenían inconveniente en establecer una relación entre la filosofía clásica y la medieval, también herederos de las formas políticas, musicales, etc. pero veían que entre ellos y la antigüedad había una frontera. En cualquier caso el carolingio y protorrenacimiento veían la antigüedad clásica

como un cajón de ideas y formas. Hasta el renacimiento no se ve la cultura clásica como un concepto unitario susceptible de crear una renovación cultural.

El modelo cultural de la antigüedad clásica

El renacimiento nació como una actitud crítica al gótico y como portavoz de una actitud moral clásica. No nació como oposición al arte medieval, sino al gótico internacional. Esto pasa a mediados del s XIV, durante 50 años se produce un intermedio con la crisis del feudalismo, que responde a una sociedad enferma a la que no se le puede ofrecer ningún hito al que creer. Se pierde la relación con lo clásico. Otro aspecto que responde a la mitificación del arte clásico responde a una idea intelectual, los hombres del renacimiento no desearon copiar la antigüedad, sino tomar modelos para inspirarse e igualarla, e incluso superarla.

Entramos en la arquitectura del renacimiento con uno de sus mayores representantes (Alberti) San Francisco de Rimini, c. 1450-1466. Aquí vemos que no intentan copiar el estilo. Era una iglesia medieval en la que Segismundo Varatista intenta transformar en un estilo profano. Quiere convertir la iglesia en un panteón. No fue acabado, pero con lo poco que hay se puede ver la idea. Es una idea que pretende disfrazarse de clásico. Coge el estilo del arco del triunfo y lo traslada a la fachada de la iglesia. La idea es clásica pero no diríamos nunc que estamos viendo un templo clásico (una fachada entendida como una estructura de arco del triunfo no se ve nunca en el expediente clásico). Alberti fue el primero en establecer un escalonamiento en la fachada de una iglesia. Trató entonces de disfrazarlo, convertirlo en una forma de arco de triunfo. Podía haberlo hecho más alto pero también tendría que ser más ancho, por lo que añade un piso (No hay ningún templo clásico con la solución de dos pisos).

En otra fachada nos sigue recordando a lo clásico pero sin encontrar ninguna solución igual en el mundo clásico. Combina 2 conceptos que no se ven en un templo clásico, si prescindimos de remate tendríamos un arco del triunfo de un solo vano. (Se interrumpe la montura del arco dando lugar a las columnas, al igual que en uno clásico). Alberti también introduce un nuevo orden El orden gigante.

Los pies forzados. Brunelleschi es el encargado de terminal Santa María de Fiori con la cúpula, que se convirtió en uno de los hitos d la arquitectura. Pero se le encarga finalizarla, no hacerla. Lo mismo pasa cuando hace la basílica de San Lorenzo. Se ve obligado a trabajar con unos proyectos de anterior estilo. Ghiberti cuando debe hacer las puertas de bronce del baptisterio, se le pone de modelo y se le exigen las enmarcaciones de la anterior gótica. En un principio impedirían que tratase de llevar el planteamiento racional a esto. A Massacio en la capilla… se ve obligado a trabajar con un planteamiento en la pintura en el que debe acometer perspectivas historias y motivos diferentes. Se ve obligado a superponer historias (un concepto medieval) porque debe hablar de muchos momentos. Tendremos que esperar a la cámara de … con Mantegna para un concepto de pintura moderna.

Errores históricos. Sobre todo cuando hablamos de arquitectura. San Miniato al Monte, ss. XI-XIII y Badia de Fiesole 1025-1028 pertenecen al protorrenacimento, pero estaban convencidos de que eran romanos y se toman como modelos. Para Brunelleschi lo clásico no es sinónimo de antigüedad. El autor busca la renovación de los modelos.

Renacimiento italiano y renovación flamenco.

La contraposición hacia el Gótico se produce tanto en el N como en el S. La renovación del s.V no se debe entender solo en Italia, sino que la renovación flamenca tiene gran importancia. El arte europeo está muy influido por Flandes, hasta el punto que no se entiende el Renacimiento Italiano sin la influencia flamenca.

Se asientan es principios distintos:

El italiano se basa en la valoración y leyes geométricas, investigación científica y racional de la naturaleza, en lo clásico.

En Flandes n hay esa valoración de lo clásica, sino que hay una posición casi anteclásica. Se basa en el ojo para aproximarse a la naturaleza. Deja por escrito sus pensamientos conceptuales que no encontramos en Flandes, allí, ese papel lo tienen las propias obras de arte.

Ambos van a echar mano de otras artes que están más desarrolladas. En el N era la escultura, un buen ejemplo de transformación de la piedra a la carne [Jan van Eyck. Polítco de san Bavón de Gante. 1432. / Van der Goes. Anunciación.

La arquitectura flamenca tardaría en renovarse (s.XVI) En Italia se renueva sobre todo la escultura o arquitectura, ya que cuentan con los modelos.

Sabemos que en el arte flamenco el pasado clásico era importante pero no se detuvieron ahí.

El arte flamenco e italiano hay que verlos en un plano de igualdad ignorando las diferencias. Ya que son grandes exponentes en la construcción del paisaje, personajes, espacios… Muchas conquistas que se atribuyen al renacimiento son compartidas. El Renacimiento Italiano no se entiende sin el flamenco, pero el flamenco sí que se puede sin el italiano. A partir de mediados del XV la influencia flamenca es cada vez más presente, ya sea por distintas vías como la presencia de artistas flamencos en Italia (como

Justo de Gante) o por comitentes italianos que se deleitan en cuadros como el Matrimonio Arnolfini. Gracias a Flandes se incorpora el paisaje a la pintura de retratos, se establece el encuadre del personaje en sus cuadros, etc. El flamenco se contrapone totalmente al sistema de representación Italiano. Se basa en la aproximación desprejuiciada a la realidad, en la inmediatez, la transposición literal de las apariencias. Se abraza la realidad hasta el punto en el que no solo se pinta lo que se ve, sino lo que se sabe. El pintor italiano entiende la pintura como una ventana abierta a la naturaleza, igual que el flamenco, pero parten de la superficie pictórica como una imagen opaca y a través de la pintura se diluye la opacidad. El artista italiano se vale de una plantilla (como la geometría) mientras que para los flamencos la plantilla es la realidad. En ambas encontramos espacios y representaciones tridimensionales creíbles, pero en la italiana vemos una realidad pictórica que no es la misma que la real, por muy atractivos que sean (son espacios para ver, no para habitar, en el matrimonio Arnolfini nos invitan a entrar, no hay diferencia entre realidad y ficción). Además de introducirnos, en el Matrimonio Arnolfini es capaz incluso de introducirnos literalmente y sin pretenderlo en cuadro, con el espejo. No nos encontramos delante de un cuadro, sino dentro ya que vemos reflejado el resto de la estancia en la que nos situaríamos.

Robert Campin (maestro de Flémalle). San Juan Bautista y Enrique de Werl, 1438.

De nuevo vemos el recurso del espejo para que tengamos una posición privilegiada dentro de lo que se nos cuenta.

Artistas y clientes: a consideración social do artista

El renacimiento supuso la creación de un nuevo estilo, pero no podemos reducir la cuestión a ese estilo solo, sino que supuso una afectación a todos los ámbitos de la vida, un proceso de secularización, nuevos comportamientos con la obra de arte. No es contracristiana, pero la iglesia deja de regir el arte y consigue una independencia aun siguiendo sirviendo a la iglesia, ya que también le valdrá a la política para hacerse una imagen de su nuevo poder. El prestigio, la ostentación del poder y la riqueza no tendrán como último recurso el culto. La manera de hacer el arte permitirá un nuevo espectro de cuestiones. La fortuna no será necesariamente relacionada con lo sagrado.

El renacimiento hizo que la relevancia de un personaje se va a medir por la capacidad de desarrollo e impulso de la cultura. Ya sea impulsando el arte, la política o la cultura. No

de aritmética, anatomía música, botánica… El ejercicio manual es solo el medio por el que transmitirlos, por lo que no debe ser confundido con un cantero (por ejemplo).

Ut pintura poesis (la pintura como la poesía), la pintura es un arte igual que la poesía.

Hay una presencia cada vez mayor de la pintura de autorretrato. Se presenta como el narrador o historiador de su propia historia.

En resumen, en el s. XV se avanza en la consideración, avanzando y dejando de ser simples artesanos.

A medida del transcurso al XVI va avanzando la valorización hasta el nivel de que un artista puede llegar a ser noble (incluso alta nobleza como Tiziano que se nombra conde palatino por el mismísimo emperador). Difícilmente vamos a encontrar un contrato con un artista importante en el que se especifiquen todos los puntos de la obra que debe cumplir, porque el artista le daría con la puerta en los morros.

Marco espacio-temporal del Renacimiento.

Es un fenómeno dentro del siglo XV casi exclusivamente italiano, se empezará a abrir a finales. Pero la primera mitad en realidad es florentino, que dio los componentes que sirvieron para formarlo. En el s. XIII es por primera vez allí donde se crean las primeras cuestiones racionalistas para la política y economía. Florencia se encontraba en una zona que era un hervidero de ciudades estado. Su régimen de defensa por sus libertades y su seguridad de comunicaciones. En el s. XIV hay un despegue tan grande que es incomparable al resto de Europa. Se apoyaba en la industria de la lana y seda, el comercio de manufacturas y la banca. Presentas estos 3 caminos o pilares de su economía bajo el hospicio de unas mismas personas, por lo que la industria, comercio y banca dependen de una misma clase social. Su comercio es el más importante del momento (es internacional, pero sobre todo está enfocado a Inglaterra, Francia y Flandes). A su habilidad para el comercio se les unió la habilidad para finanzas hasta tal punto que su moneda se convirtió en la divisa de comercio internacional (el florín) ya que además estaba hecho de un metal abundante en Florencia. Los privilegiados van a invertir para engrandecer su prestigio y su propia comodidad económica. Al frente del comercio están los Medici (la banca Medici es la más importante), premian a sus clientes con intereses mucho mayores que lo que les darían sus tierras. Habían mucho tipo de bancos pero a la cabeza estaban los grandes bancos. Junto al factor importante de las finanzas está el hecho de que la actividad bancaria se presenta basada en la cuestión de préstamos.

La usura era pecado por la biblia, pero se consideró que podía ser redimido si se invertidas grandes sumas para cuestiones de la iglesia. En este sentido conviene entender el mecenazgo. Los Medici en particular fueron muy conscientes y muy cuidadosos. Cuando reconstruyen un convento ponen el acento en las celdas de los monjes y no en la decoración de los mismos, en la necesidad de reconstrucción y demás, del convento como contenedor. En el libro de cuentas siempre hay una columna en la que se especifica el capital invertido a Dios, para poder redimirse y a la vez subir en el marco de la sociedad contemporánea.

Hay toda una serie de factores que contribuyen a entender ese primer mecenazgo que condiciona el Renacimiento.

Es Europeo en el s. XVI, por lo que estudiaremos el Italiano en el XV y Europeo en el XVI. Se puede decir que comienza antes, pero afecta al pensamiento y las letras, no en la escultura, pintura y arquitectura. La mirada a la antigüedad comienza en el XV, se pueden buscar paralelismos en el XIV, pero no se puede hacer nacer en esa época el estilo. En el 1600 se puede hablar de barroco, pero de la misma forma podríamos hablar de Renacimiento.

incorpora a nuestro propio marco. Tuvieron el mérito de recuperar unos contextos en los que la imagen cumplía esas funciones, recuperaron el monumento público, transforman el concepto de monumento funerario de una forma casi radical, modifican la manera de entender la estatua. Se comprende la manera de ser, la sintaxis del cuerpo. De nuevo vuelven a apostar al hombre como centro y protagonista del arte. El arte es antropocéntrico, antropomórfico, se escribe en la tierra y lo escribimos nosotros.

Gótico y renacimiento como términos de un debate: el concurso de 1401

Tras el concurso del 1401 se supone que empezamos a dar un paso hacia el Renacimiento, pero los ejemplares que se conservan del concurso son medievales.

En los albores del s. XV Italia es un gran taller. En los grandes programas decorati vos, el gobierno les da un ultimátum en el 1406 para que ocupen Orsanmichele a riesgo de perder su derecho, que se convierte junto con la catedral en el detonante de lo Renacentista (es el santuario de los Gremios de la ciudad).

Un poderoso gremio convoca un concurso para elegir al artista para hacer las segundas puertas de bronce del Baptisterio de Florencia. Es una época de efervescencia política en Florencia, que es resultado de su respuesta a Milán, que está poniendo en jaque a Italia en arte, ya que Giangaleazzo Visconti se puso como meta la conquista de Italia.

Florencia es una República en la que se encuentra los 5 mayores gremios bajo la supervisión de las grandes familias (como los Medici).

Muere Visconti y los florentinos lo entienden como una señal del cielo, y en este momento convierten a Florencia como lo único en Italia.

Italia se presentaba como el único estado en el que se defendían los derechos ciudadanos, situación que peligra en el XIV. Si Florencia cae, su régimen republicano muere. La muerte de Visconti fue buena por ser el último bastión de las libertades civiles de Italia. En 1400 cuando el periodo milanés está a las puertas, un humanista (Salutati, canciller de la rep. Florentina) publica De tyranno, en favor a la rep florentina. Al igual que Leonardo Bruni con Laudatio Florentinae urbis 1403-1404. El arte está en perfecta consonancia con los humanistas y políticos, que coinciden en presentar a Florencia como una nueva roma. Por eso fue la primera en adaptar el clasicismo como pauta del humanismo. No es un ansia de imitar la cultura clásica, sino de modelo para mostrar algo igual o mejor. Esto hace que los vestigios de la antigüedad clásica dejen de ser coleccionables o llamativos, para convertirse en patrimonio. Esto nos da las pautas que se seguían en el concurso de 1401.

El baptisterio de Florencia es el exponente de arte clásico en el corazón de la ciudad. Ellos creían que se construía en época romana, pero es románico toscano. Que habían creado un templo para marte que se dedicaba a una batalla que se había cristianizado y convertido en baptisterio. Para este es para el que se encargan las 2as puertas de bronce en el concurso.

Las puertas son una expresión de la rivalidad que nos explica el mecenazgo ostentoso de las corporaciones (grandes gremios). Sus dimensiones afectan al todo. Es arte de la ciudad, para la ciudad, en perfecta sintonía con el ideal clásico.

El concurso de 1401 tuvo un alcance sin precedentes. Va a reunir a un grupo importantísimo de artistas. Lo que se buscaba era configurar un programa de enorme alcance.

Al final hubo 2 ganadores, Lorenzo Ghiberti y Brunellescci. Al final Ghiberti se responsabiliza por que Brunellesci se niega a compartirlo. Calímala había puesto de tema el sacrificio de Isaac, ya que se iba a dedicar al antiguo testamento y había puesto como modelo de marco polilobulado con el de Andrea Pisano de ascendencia medieval.

Entre los artistas del concurso hay Orfebres (Ghiberti, Brunelleschi. Niccolo D’arezzo y Simone de Colla Valdelsa) y Escultores (Jacopo della Quercia, Francesca Valdambrino y Niccolò Lamberti).

La comparación de las dos piezas (Ghiberti y Brunelleschi) podemos ver que usan los mínimos componentes. Esto nos da a entender que el gremio pudo fijar los motivos. Existe algún que otro precedente, uno de los importantes eñe ñ de la Biblia halminton, en la que también están unidos los dos momentos de la historia de Isaac. Pudo ser una obligación de los personajes el que incidieran en citas de componente clásico. No pueden ser más distintos en sensibilidad y técnica. El Liberti es más perfecto en técnica, de hecho, si exceptuamos a la figura de Isaac, el brazo izquierdo de Abraham y el ángel, el resto fue todo fundido de una vez. También son muy diferentes en narración. Ghiberti crea un andamiaje en el que separa las partes, la naturaleza les sirve para ello, dejando a los criados en un término diferente. La composición es simple, pero dentro de una enorme complejidad por un interés en enlazar los dos momentos, mediante gestos o miradas, toda una red de conexiones que determinan el efecto unitario. Hay distintas maneras de mostrar el tiempo, de materializar la acción, en Ghiberti es lenta, casi motivada para que nos dé tiempo a fijarnos en todos los detalles, es como una preparación. Hay una disposición mucho más rica en el sistema de disposiciones (Ghiberti). No hay atisbo de perspectiva moderna. Hay un interés por profundizar y crear dilación con las imágenes, tiene menos plenitud que la de Brunelleschi. Consigue un volumen mucho mayor.

Concha espacial!!!! D:

La orfebrería va a ser esencial para su formación, junto a su padrastro en mayoría pero alimentándose de otras fuentes como la importante influencia de talleres de orfebrería parisina, por medio de su maestro y trabajadores que visitaban la catedral.

Lorenzo de Maitani, Creacion de Eva. Catedral de Orvieto.

Tiene las mismas pautas, los talleres de orfebrería parisina. Le llegaron a Ghiberti.

Podríamos decir que Ghiberti se comporta como un renacentista en el contexto gótico o viceversa. Gótico y renacimiento en gran parte de su producción es un hecho de que es inseparable. El único que se sacude de la etiqueta desde el principio es Donatello, el padre de la escultura moderna.

22/9/15 (cumple de la más mejor)

A Ghiberti se le establece como modelo las de Andrea Pisano, y a su vez, se le ponen como fuente de inspiración alguna pintura de giotto y los mosaicos bizantinos del Baptisterio. En muchos casos los ha copiado directamente, traduciéndolos de un contexto a otro. Por el lado de Giotto vemos su economía arquitectónica, claridad, etc. Pero no son el mismo porque los junta con fuentes artísticas parisinas, lo que explica la esbeltez de las figuras… Todo hecho por la mano de un orfebre. Ghiberti lo tiene difícil y lo único que intenta es estar a la altura.

Lorenzo Ghiberti. Puertas del paraíso, Segundas puertas del Baptisterio (Norte). 1403-1425. Nos presenta los 28 recuadros (Tipología gótica).

Con los 8 de abajo dedicados a los médicos y el resto a Cristo de izquierda a derecha y de arriba abajo. Dejó estampada la firma entre la escena de la navidad y la epifanía (Opus Laurenti Florennti). En Nov de 1403 firma el contrato, teniendo que empezarlas al mes siguiente y realizando 3 recuadros al año, con 3 ayudantes (entre ellos su padrastro), que no solo trabajarían las figuras humanas sino también los paisajes y detalles. Los 2 meses siguientes de la firma se emplean en preparativos, no fue capaz de hacer las entregas y en 1407 se firma otro contrato. Calímala está encantado, porque, aunque no cumpla el plazo de entrega, son perfectas. Se le permite incrementar el número de colaboradores, hasta el momento en el que se empieza a convertir en escuela el propio taller. El escultor se compromete a no entregar nada que no esté confirmado por Calimala. Y un año después de acabar se compromete a estar en espera sin encargos para ver si le encarga algo más. Y se les pasa por la cabeza la idea de unas 3as puertas.

Podemos hacer una aproximación de la fecha mediante el estilo. Podemos destacar el bautismo de Cristo,

Médicos

Cristo