Renacimiento, Apuntes de Historia del Arte

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Raquel Alonso Docampo

Historia del Arte del Renacimiento

Konrad Heinzelmann y Konrad Roritzer. Coro de S. Lorenzo de Nuremberg, 1439. Filippo Brunelleschi. Interior de la Capela Pazzi. 1440

Son contemporáneas, pero están tan alejadas geográficamente que parecen distintas épocas. La primera suscribe los principios de la arquitectura gótica clásica, mientras que en la otra vemos arcos de medio punto, pilastras, etc. La diferencia no reside en estos elementos, sino que en Nuremberg hay una complicidad constructiva y estética que nada tiene que ver con lo que plantea Brunelleschi. El espacio de San Lorenzo proyecta una dificultad a la hora de entender los principios matemáticos en los que se basa su construcción, mientras que en la Capela Pazzi entendemos su arquitectura geométrica sin mayor complejidad. Incluso la escultura presenta una manera distinta de comportarse, en la Capela Pazzi encontramos un juego entre los clípeos y el lugar donde se ubican. Hay autores que han deducido que la arquitectura del renacimiento presenta una ausencia de espiritualidad (jalapoias), Brunelleschi a través de una arquitectura matemática parece recordarnos el orden geométrico que domina en el universo. El universo estaba determinado por reglas matemáticas que dan orden sobrenatural. La arquitectura renacentista es más ascética, en cuestiones de devoción, podríamos entrar la vida del escepticismo. Sabemos el nombre de los arquitectos pero no su obra en concreto, no podemos establecer hasta donde llega el trabajo de uno u otro. En el caso de Brunelleschi tenemos toda una biografía artística que podría recoger estas obras. Michelozzo di Batolomeo Michelozzi, Palacio Medici, 1446 Cubo con agujero en el centro que platea dos problemas, la organización interior y exterior si de fachadas hablamos. Un patio regularizado que ocupa el lugar central del inmueble, que cuenta con un valor representativo con una dimensión colosal (además de sus otras funciones: ventilación) Palazzo Davanzzi , es la imagen de la confortabilidad y la modernidad, la función del patio es funcional a modo de ventilación de las habitaciones desde el interior y su iluminación. También para poder construir las escaleras y hacer de nexo de unión. Tiene un retrete en cada uno de los pisos, además de habitaciones representativas festivas con decoración, y cuentan con agua (la suben por medio de cubos desde el pozo haciéndola derivar hacia esos espacios centrales a través de tuberías) Casa de Jacques Coeur (Bourges) 1443- Cronológicamente es casi contemporánea, es la residencia de Jacques Coeur, equivalente a los Mèdicis en Bourges. Lo que vemos es su patio, precioso pero irregular, no hay unidad en planta ni en alzado, se ha hecho por acarreo, a través de la suma de arquitecturas creadas a partir de la necesidad de las mismas. En cuanto a la decoración, vemos clípeos con detalles dentro clásicos. Detalles exquisitos (ventanas con paisaniños), son encantadoras, nada tienen que ver con un nuevo sistema de valoración de la arquitectura. Ghiberti, San Juan Bautista, 1413- Orsamiqueli, es la matriz junto con la fachada de la catedral, de la escultura moderna. Asociamos a este autor al Renacimiento, pero en realidad esta obra no se corresponde con ese

arquitectura en el centro para indicar la puerta por la que saldrán, también para mostrarnos lo que es el eje protagonista de la acción que será el árbol de la ciencia ceñido por la serpiente. Si nos fijamos en el árbol, en sus frutos y ramas que conforman el cierre de la escena, todo nos habla de la delicadeza del estilo gótico internacional, arte medieval en la fase depurada. Todo eso se acompaña bien de ese marco polilobulado. Los protagonistas no tienen nada que ver con el renacimiento, cuerpos recortados como si fuesen de cartón, les falta elasticidad, no son orgánicos, si nos fijamos en detalles como los pechos de Eva demasiado altos y juntos, mientras que la anatomía de Adán está caracterizada por su abdomen-escarabajo. Esto es una idea, un concepto del hombre. Aquí intuimos que aparecerá el ángel para reñirles ya que aún están pecando. Masaccio, Expulsión de Adán y Eva. Esto es renacimiento, la verdad, una nueva generación artística. No es cuestión cronológica sino de sensibilidad, concepción, una nueva manera de ver. Es un mundo opuesto, todavía hay ciertos resabios medievales, por ejemplo, en la puerta suficientemente alta pero demasiado estrecha, elementos de identificación para que nosotros sepamos que estamos ante la expulsión. Dos cuerpos que vuelven a ser los protagonistas, de nuevo el desnudo, una manera de hacer arte inventada por los griegos que va a ser fundamental a lo largo de toda la historia, el hombre se reconcilia con su propio cuerpo, macizo, pleno. A sus pies tienen sombras convirtiendo el espacio en algo táctil, tridimensional. La luz real no es la del cielo, sino del sol, que nos hace ver los cuerpos, la luz viene de la derecha provocando sombra en la izquierda, la luz que construye el cuerpo interponiéndose entre ellos. Este pintor se adelanta a la pintura renacentista. Algo que hace Donatello en escultura. Humanidad responsable capaz de ser expulsada, expresión dramática de Adán. Eva transformada en Venus púdica, como contraste de ese sentimiento abierto de Eva el contendo avergonzado de Adán. Cenni Cimabue, Maestra de Santa Trinitá, Uffizi, 1290- Una de las obras más representativas, virgen entronizada, con una serie de ángeles y cuatro profetas en la base, a los que identificamos no por su iconología sino por escrito que llevan delante. Lo que primeramente nos llama la atención es que a pesar de existir un trono tridimensional y una infraestructura de arcos abajo, esa tridimensionalidad es solo relativa, es lo que le pasa a la tridimensionalidad del cuerpo de la virgen, que se ve aminorado, devaluación muy grande como corresponde a la maniera greca. La virgen presenta ambas piernas a niveles distintos por lo cual se consigue dar mayor naturalidad y movimiento a la representación. La izquierda nada que objetar, la derecha está en el centro de la composición descartando que el niño esté apoyado en su COLO. Está en suspensión divina, característica de lo bizantino como la mirada, la manera de reforzar los pliegues a través de la multiplicación de los brillos de oro. Obtenemos una luz que no ilumina sino que crea un ambiente, donde la sacralidad juega el papel más importante, esto es ajeno a la concepción racional de la luz. Le recomiendan que pinte en dorado no añada oro, sino que la luz no está dada por el artista sino por el foco de luz que obtenga en ese momento. Clonación de cabeza, cuello, manos, etc. El niño repelente de la Edad Media, es un adulto en

versión bolsillo. Perspectiva jerárquica Masaccio. La Virgen con el Niño del Poliptico de Pisa (Madonna de Londres) 1426 ES UN NIÑO ENCANTADOR, es un niño de carne, me dan ganas de pellizcarlo, el niño está comiendo uvas, parece que le gustan y de repente se para ante el espectador, manera naturalista de representar el símbolo eucarístico (el vino de la uva, ese que me gusta tanto). La virgen es una señora de una envergadura considerable, vemos la naturalidad donde se apoya el niño, etc.Masaccio plasmó la virgen fuera de los cánones de su tiempo, es una virgen entrada en años. En ambos casos hay oros a la derecha y a la izquierda, pero nada tienen que ver. A la derecha no distrae ni perjudica el valor del cuerpo tridimensional que conquista y se adueña del espacio, no queda cuestionado por el fondo. No se encarga de iluminar, sino que de eso se encarga la luz natural que entra por la parte superior izquierda, que hace sobresalir el cuerpo en su plenitud volumétrica. Debajo la Virgen tiene un sarcófago que le sirve de base, y delante unos angelitos guitarristas. Son figuras de carne y hueso, están sentados en el borde de la plataforma, lo que hacemos es sumar planos, un primer plano con los ángeles, el segundo con la plataforma, el tercero los pies de la virgen, el cuarto con el cuerpo de la virgen dentro de una arquitectura clásica donde encontramos una superposición de órdenes clásicas. El ángel de la derecha ha pulsado una cuerda y parece que está atento a lo que acaba de hacer, el naturalismo de este pequeño concierto musical que se llevará a sus últimas consecuencias en la pintura veneciana hace que se nos desvanezca la idea de perspectiva jerárquica. Son artistas que han nacido en época gótica y que van a superar el arte gótico, por lo tanto, en un momento determinado se desliza algún elemento de actualidad. TEMA 1. EL RENACIMIENTO: LA DEFINICIÓN DE UN NUEVO ESTILO. (CAE UNA PREGUNTA FIJO OJO CUIDAO) Análisis del término. -Renacimiento y renacimientos en la arte occidental.- Arte y ciencia: larepresentación perspectiva.- O modelo cultural de la antigüedad.- Renacimiento italiano y renovación flamenca.- Artistas y clientes: la consideración social del artista. Marco espaciotemporal del Renacimiento. Los artistas góticos no sabían que eran góticos, tampoco que eran medievales, ni siquiera sabían que eran artistas. La situación cambió con la llegada del Renacimiento, es el primer periodo de la historia del arte que tiene una conciencia tan clara de sí misma. La idea de que con el Renacimiento uno se vuelve a reconciliar con la cultura clásica después de siglos y siglos de ausencia se mantuvo hasta el siglo XIX, desde mediados del s.XV, Petrarca a esas alturas fue el encargado de anunciar que había llegado a una época en la que por fin se había disipado las tinieblas y se podía respirar en clásico. Se refería así a los autores, a los poetas, escritores clásicos. Esta idea que suscribirán los humanistas del XV se mantendrá hasta el XIX, pero sin embargo, es falsa. El renacimiento no fue un fenómeno tan exclusivo como pensaron los hombres del XV, pero el renacimiento del XV es muy diferente a los demás de la Edad Media. Extrajeron de la antigüedad unas normas con las cuales enfocaron la cultura y la vida, como antes no había

renacimiento no es un fenómeno exclusivo como creían los hombres del siglo XV. Habían existido otros renacimiento con carácter diferente. Para que exista un Renacimiento es necesario que existan pervivencias de aquello que se quiere recuperar. Resurgimiento y supervivencia son elementos complementarios, aunque pueda haber supervivencia sin resurgimiento, pero jamás habrá resurgimiento sin supervivencia. La naturaleza de las supervivencias es muy aleatoria, en el caso del arte depende de la naturaleza del mismo (renacimiento basilical de la arquitectura romana se mantendrá en la Iglesia cristiana). Para que exista un Renacimiento tiene que haber: supervivencia de la cultura pero también la voluntad explícita de recuperar las formas y el contenido de esa cultura que se quiere hacer renacer, sólo en ese momento hablamos de Renacimiento. Y no sólo hay uno sino varios, el primer de ellos tuvo lugar en la época de Carlomagno “renovatio carolingia”, sabemos que Roma tuvo una historia ajetreada en la Baja Época, pues los invasores invadieron el imperio romano de occidente no consiguieron eliminar totalmente de Europa la Antigüedad Clásica, estando así vigente siempre en el escenario europeo. Hay momentos en los que la presencia de lo clásico fue tan débil que incluso la podríamos pasar por alto, pero frente a esta situación encontramos otros donde los europeos se sumergieron en su pasado. La cultura clásica queda reducida a su mínima expresión, en general domina una cultura que no tiene nada de clásica. El hombre protagonista de lo clásico, que se había convertido en el centro del universo, ya no existe. El arte clásico que venía fundamentalmente vertebrado por el cuerpo del hombre ha dado paso a un escenario donde el hombre es simplemente una idea, un esquema, una abstracción, el juego que descuartiza la base de las artes figurativas clásicas. Libro de dells. s.VIII Códice irlandés s.VIII Libro de Durrow 800 Carlomagno entra en Roma, en San Pedro y es nombrado emperador. Su entrada la hizo a modo de las antiguas entradas triunfales de los emperadores, en Roma es un giro. A la salida tuvo lugar la aclamación del pueblo romano, a la que se unieron los militares del ejército. A partir de este momento Carlomagno y sus descendientes se van a sentir romanos, descendientes de ellos. Por lo tanto Carlomagno ha instrumentalizado componentes clásicos para su mundo imperial supone un apuntalamiento y un afianzamiento de la antigüedad. Cuando se propuso una renovación de la administración política, del calendario, de la cultura y arte teniendo como base la lengua y escritura antigua, estaba proponiendo la renovatio del imperio romano. En Achen Carlomagno hizo su capilla palatina de Aquisgrán. la vinculamos a San Vital de Rávena. San Vital de Ravena s.VI. Capela palatina de Aquisgrán, terminada en 798. Con este libro no solo mira a occidente sino también a oriente, esto no quiere decir que los arquitectos hayan estado allí pero si han oído hablar de oriente. Chrysotriclinio, Constantinopla, palacio de oriente. Estancia octogonal con una serie de ábsides abrazándola que actuaba como sala del trono, ahí era donde los emperadores romanos orientales ejercían su poder. Escenario del trono que estaba amparado por una decoración de Cristo en Majestad, estamos hablando de un gobierno donde el emperador es jefe de la iglesia y del estado al mismo tiempo.

En Aquisgrán la capilla palatina estaba precedida de la figura de Cristo con los 24 ancianos apocalípticos. Iglesia de Sergio y Baco, capilla palatina de Justiniano y la de Aquisgrán, presentan vínculos muy estrechos. No es casual que el nuevo palacio de Aquisgrán se llame palatino, porque se creía que ese era el nombre que denominaba el palacio de Constantino, primer emperador cristiano, y Carlomagno hizo presidir el patio de su palacio con una estatua ecuestre,. Nos recuerda así al Marco Aurelio. Carlomagno de Rávena tenía una significación política (escultura) funciona por encima de todo como símbolo de poder. La entrada del palacio contaba con una loba, que nos recuerda a Rómulo y Remo, haciendo de Aquisgrán la nueva Roma. Donde mejor se puede pulsar la aproximación a lo clásico no es en la arquitectura sino en las artes menores. San Marcos. Libro de Evangelistas. Escuela pataltina. Aquisgrán s.IX. Copiaron la técnica narrativa, la perspectiva, aunque no se inspire en ningún modelo clásico. Tapa del evangelario de Lorsch, 810 el autor se inspira en un díptico consular del s.VI. Salterio de Carlos el Calvo mediados del IX, están inspiradas en las tapas del salterio hecho en la época de Ludovico Pio (hijo de Carlomagno) se inspira en el s. I d.C. Pero fue sobre todo el renacimiento carolingio, un renacimiento de letras. Si hoy podemos leer a los autores clásicos se lo debemos a los copistas carolingios, la gran aportación la tenemos en el campo de las letras, esto supuso el esfuerzo del conocimiento del latín, de la escritura y del contenido de esos manuscritos. Uncial carolingia (letra de la época de Carlomagno), la letra del XVI se inspira en ella y la nuestra en ella. A partir de este momento se produce un alejamiento con la tradición clásica, entonces surge el renacimiento otomano, aunque este término no concuerda, porque el término renacimiento sólo lo aplicamos a momentos de resurgimiento voluntario de la tradición clásica, lo otomano supuso una revolución europea pero no tienen en cuenta la tradición clásica. Tendremos que esperar más o menos 100 años hasta que nos encontramos con dos rehacimientos, uno que está enfocado en las artes, proto-renacimiento del s.XII el otro a los compendios, literatura, mitos, etc. Proto-humanismo. El renacimiento carolingio había tenido como escenario un lugar que no había sido fertilizado por el arte clásico norte y este de Francia y oeste de Alemania. Proto-renacimento en lugares empapados por la tradición clásica sur de Francia, sur de las galias, península ibérica e Italia. Renacimiento con mayor calado que en la época anterior, en la época de Carlomagno. Saint Gilles du Gard. XII , Abadía de Fiesole 1025-1028, San Trofimo de Arles XII San Miriato al Monte XI Son edificios clásicos, ya que los hombres del primer renacimiento consideran románico. Esto comparado con el exterior de la capilla palatina de Aquisgrán no tiene nada que ver. Esta arquitectura no es como una maqueta, como la del renacimiento carolingio, eran arquitecturas casi inmuebles, pequeñas, carecían del concepto de monumentalidad. La escultura monumental no existía en el renacimiento carolingio y el románico reinventa la escultura monumental, otra de sus grandes aportaciones. En este proceso de recuperación de la escultura monumental, el arte mossano había tenido una función indispensable Rainero de Huy. Pila bautismal de s. Bartolomé de Lieja. 1117. NO importa que la cronología no se corresponda con el momento clásica ya que su autor trabajo bajo las normas dictadas por la plástica de la antigüedad. Por este camino se llega al descubrimiento de la estatua Fachada

figura de la virgen en clásica en su totalidad. Se presenta como una matrona romana cubierta con la toga y una diadema, ojos en blanco, propia postura sarcofágica, nos habla de un retrato funerario de tradición clásica. Poco después viene su hijo, un gran escultor, pero se ha propuesto romper la tradición creada por su propio padre. Una de sus obras más relevantes es el púlpito de la catedral de Piso. Giovanni Pisano. La planta poligonal pasa a ser circular y los paneles rectangulares son ahora circulares. Todo es círculo. Antes los relieves patrocinaban la línea recta, la ortogonalidad era el anclaje para las figuras ahora todo se vuelve curvo e hiper decorado, los valores plásticos sucumben ante el efecto de claroscuro, ante el efecto pictórico. Estamos dirigiéndonos por otro camino, quizá para valorarlo mejor lo que podemos hacer es comparar dos relieves con el mismo tema: padre e hijo, Nicola Pisano. Púlpito del Baptisterio de Pisa. Natividad Giovanni Pisano. Púlpito de la catedral de pisa. Natividad. Efecto plástico sustituido por lo óptico, composición del padre se ajusta a un esquema de cuadrícula en cambio el hijo lo que promociona es la línea curva, no sólo en los elementos sino como organizadora de la propia composición. A la izquierda destaca la sobriedad expresiva, frente a la derecha, donde nos encontramos una figura femenina, un niño, una cuna. La cuna de Nicola es un sarcófago, manera de rizar el rizo en la aproximación a la antigüedad. Lo del hijo es más una cuna, pero lo importante es la relación de la madre con el hijo, en Nicola, la madre le da la espalda, por el contrario en la otra es la madre primeriza que ama a su hijo, lo mece y sonría, es un caramelo. Giovanni nos aleja de lo clásico a favor de este sentimiento, y el sentimentalismo. Tras desaparecer Nicola de la geografía italiana, la tradición clásica en la escultura sufre un paréntesis, pero es la escultura la que va a seguir avanzando, la que recoge el testigo, la recoge un pintor: Giotto. Capilla de los Scrovegni, Padua : Expulsión de S. Joaquín del Templo. El arte románico había tenido muchísimos méritos, transformación de la arquitectura, invención de la escultura monumental, pero no había experimentado con la pintura, tenemos que esperar al XIV, los protagonistas son Siena y Florencia. Es una de las obras maestras de la pintura europea medieval. La escena, donde Joaquín ofrece un cordero pero el sumo sacerdote se la rechaza porque no tiene hijos, para los judíos era un castigo de Dios. En primer lugar la imagen vuelve a recuperar su volumen, esto es escultura pintada. Hablamos por tanto de la figura humana recuperando su tridimensionalidad, a través de esa línea segura, impecable, de trazo rápido, que lo caracteriza, el escorzo y hueco clarocurista. Giotto no se queda en eso, dota de una nueva expresión a sus personajes a través del rostro, las ventanas

de la expresión son los ojos y la boca, de nuevo vuelven a estar en el candelero. El gesto y la mirada son fundamentales para entender el sentimiento en estos dos personajes. El gesto de Joaquín protegiendo a su cordero, que ha sido rechazado. La arquitectura nunca es gratuita, son elementos accesorios a través de los cuales nosotros identificamos la representación, esa arquitectura es la iglesia de la que va a ser expulsado, incluso la presentación tridimensional va a dar un movimiento que favorece la expulsión. La ausencia figurativa contribuye también a dar sentimiento a la composición. Es un renovador de la pintura de occidente. Giotto no se puede inspirar en pintura clásica, al igual Masaccio, ni los pintores de las primeras generaciones del renacimiento, no se conocía la pintura romana en ese momento. Giotto toma como modelo la escultura clásica, en los mismos términos de Nicola Pissano, no copia, sino comprende cómo se narra y como se construyen las imágenes al modo clásico. Capilla de los Scrovegni, con Justicia, Inconstancia, Esperanza, caridad. Vemos aquí reflejada la iconografía clásica lamentación: se inspira en un sarcófago que también había servido de inspiración para Nicola, en concreto para la figura de San Juan Bautista. Cortejo nupcial de María, lo vemos y pensamos en las procesiones del arte imperial, donde la evolución es lenta, el peso de las telas que tiran hacia atrás para controlar el movimiento. Adiocutio de Adriano. Ha servido para poder crear sus esquemas. Con Giotto finaliza una historia que tendrá continuidad después de 50 años. Nicola y Giotto a mediados del XIV van a ser olvidados, su poética no se puede compaginar con el nuevo sentimiento estético que domina el arte europeo, que cae en manos del estilo gótico, situándose en el polo opuesto de lo que acabamos de ver. Será necesaria la llegada de Masaccio o Donatello para volver a sintonizar con estos artistas, no hay una relación causa efecto, entre uno y otro se interpuso el estilo gótico internacional, que se encargó de anular y olvidar la tradición clásica. *Reinterpretación, escala y estructura (apunte no epígrafe) La mayor aproximación al arte clásico en el período medieval tiene lugar en el período gótico Proto-renacimiento del XII. El proto-humanismo, su campo de actuación una zona alejada de la tradición clásica, oeste de Alemania, Flandes, el norte de Francia y sobre todo en Inglaterra. No se interesa por la forma clásica, a diferencia del otro, sino del contenido clásico, los protagonistas de la lit. Clásica (leyenda, mito), tuvo tal éxito que encandiló a toda Europa, hasta el punto de que todas estas hermosas patrañas, se vaciaron en las lenguas vulgares, y esto permitió incrementar su éxito, cuando la tradición clásica de la forma se une a la forma de la tradición clásica del contenido, nos encontraremos el Renacimiento Pleno. El arte paleocristiano era un poco pobre. En el momento en que sale a la superficie, los artistas cristianos se reincorporan a la tradición artística de la antigua roma pagana, el arte paleocristiano lo que hace es tomar como guía el arte romano. Desde el punto de vista iconográfico encuentra mucho trabajo hecho, emperador entronizado-cristo entronizado. Las victorias que decoras las enjutas de los arcos de triunfo se van a convertir en los ángeles. Iconografía de los poetas van a prestar s uimagen a los evangelistas, etc. Tuvieron más problema a la hora de ilustrar conceptos como el de las virtudes más humiles propias de la tradición cristiana para las cuales la iconografía pagana no les iban a suministrar, la iconografía

El modelo cultural de la antigüedad clásica El Renacimiento, para comprender su verdadero sentido, tenemos que verlo como una actitud crítica contra el estilo gótico internacional, y al mismo tiempo, como el baluarte defensivo de la tradición clásica. Los hombres del Renacimiento se opusieron al arte medieval, pero para ellos el arte medieval era el estilo gótico internacional, no el arte en general, su actitud es en contra de lo que había hecho en los últimos 50 años, no lo anterior a esto. Por otra parte, se nos presentan como los portaestandartes de la idealización de un modelo cultural que es la tradición clásica. Vasari, establece una conexión incorrecta entre artistas, entre sus dos tríadas existió el estilo gótico internacional, que supone la imposibilidad de un sistema tridimensional como medio de dominio de la naturaleza. Se fundamenta en dos principios: su actitud contra el estilo que se está llevando a cabo y utilizar la recuperación de la antigüedad clásica. Vasari estaba convencido que entre la aproximación más sólida de la Edad Media al periodo clásico fue en el período gótico. Los protagonistas de esta aproximación a los que él llamaba renacentistas, entre unos y otros había un cierto engarce. Hacia 1350 Italia rompe su relación es incapaz de dominar el entorno e incapaz de dar un modelo cultural al que seguir tras la crisis del feudalismo. Los florentinos del XV no estaban del todo equivocados pues estaban estableciendo contacto con la antigüedad clásica después de su desaparición. Los últimos años habían sido tan radicales en el abandono de la cultura clásica. La aproximación a la antigüedad es como funciona en la teoría, pues es un proyecto, una idea, más que una realidad. Va a servir para la evolución de la cultura europea y el nacimiento del estado moderno. Se establece de una forma muy limitada, la antigüedad es una alusión, es a mediados de siglo cuando las cosas cambian pues es el momento en el que entra en acción Alberti. Se procede al estudio sistemático de la antigüedad, se busca un conocimiento arqueologuita. Cuando se instala en Florencia se encuentra con un panorama artístico protagonizado por Massacio, Brunelleschi … inimaginable, que era aún más impresionante que el de los clásicos. En un primer momento se está trabajando sin las limitaciones de un modelo único, es a mediados de siglo cuando se regulariza la práctica toca artística. Pues es a partir de este momento, los clásicos es la primera generación de artistas renacentistas. Las fuentes clásicas, además de las procedentes de Roma, pero además de los artistas contemporáneos que se considera que ya trabajan en clásico.  Los hermanos Limburgo, Les tres Riches , ya hay una ruptura con un arte aplicó en donde lo dominante es lo estético y la aproximación a la realidad se hace a través de un filtro. No se nos presenta bajo un sistema racional, siendo un mundo evasivo. Este es el panorama cuando entra los primeros artistas a renacentistas. Hay que tener en cuenta que a mediados de siglo las obras de los primeros renacentistas ya son enigmáticas lo que en os coloca en el corazón significativo del Renacimiento. No pretendían imitar la antigüedad, querían recuperar la antigüedad, pero con ello crearon el Renacimiento.

 San Francisco de Rimini ( 1450-1466): Alberti fórmula una solución de fachada clásica con un arco de triunfo romano para un edificio cristiano. La solución no es romana, pues no usaron jamás un arco de triunfo para la fachada. El templo clásico a los renacentistas no les sirve para satisfacer las necesidades de un edificio cristiano, siendo el templo morada de la divinidad y la iglesia el lugar donde se reúnen los fieles. Se inspiraron por tanto en la basílica, que servía para acoger a gran número de personas, pero lo disfrazan de arte clásico. Esto genera un problema pues la vista en los templos pero el esquema de fachada no tiene nada que ver con el esquema de fachada de una basílica cristiana. Buscan soluciones en otra parte, siendo Alberti el primero en buscar soluciones a este problema. A plica la idea de arco de triunfo al primer cuerpo, bautizado como clásico la edificación, pero no en sentido estricto.  San Andrés de Mantua. La solución para la fachada es doble, combinando la idea de un templo y de un arco de triunfo clásico ( de un solo vano no el de tres) además de aplicar el orden gigante a la arquitectura religiosa. La cornisa se interrumpe por la presencia de pilastras, están pueden formar parte de la idea de arte de triunfo y formando parte de una fachada clásica de cuatro soportes rematado en frontón. Fachada de templo clásico, pero no lo es que se combine con la idea de arco de triunfo. La relación con el pasado también se recupera el ideal clásico, la filosofía. Buscan conciliar el sistema platónico con el cristiano tratando de salvaguardar los caracteres esenciales de cada uno de ellos. Muestran respeto hacia los conocimientos de la anatomía de la antigüedad, eran venerados, pero también los comprobaron. Arquitectura, escultura y pintura no dialogaron de la misma manera con el pasado clásico. La idea petrarquesca de que es posible la recuperación, pero tanto en el XIV como en el XV tuvieron muy claro que las casuísticas en las actividades artísticas fueron diferentes. Dante elogia a Giotto como regenerador de la pintura europea. Filipo Viriari también habla de Giotto, pero estos que elogian a Giotto no hablan para nada de antigüedad (aunque ellos no lo sepan) Las artes lo tuvieron diferente a la hora de relacionarse con el arte, siendo el número de ejemplos arquitectónicos y escultóricos del pasado clásico numerosos. La pintura beberá de estas dos anteriores porque no se conoce la pintura de la época clásica. Masaccio beberá de arquitectura y escultura, su arte se calificará como naturalista, por sus volúmenes y el sentimiento de sus imágenes. Permite convertirse en el padre de la pintura moderna. (Referencia de Landino) este mismo habla de Donatello por su capacidad de dar volumen, y que es incluso mejor que los escultores clásicos. Para el siglo XV Masaccio transformó o la pintura por su relación con la naturaleza y su realismo pictórico. Brunelleschi creó las bases de

San Miniato al Monte ( XI-XIII) y Badía de Fiesole ( 1025 1028) Brunelleschi se inspira en estas dos pensando que eran obras clásicas. En su viaje a la antigüedad se detiene en el románico-toscano y encuentra una fuente de información. Luego seguirá y se acercará a las obras de la antigüedad. En consecuencia en un primer momento la antigüedad no se entiende como una cuestión de historicidad arqueológista, tendrá problemas con la construcción en perspectiva del espacio, la nueva jerarquización de los hitos arquitectónicos de la ciudad y la investigación técnica. Estos tres son los pilares en los que se basa el artista. Más tarde si contactará con el mundo clásico de la antigüedad, buscando una mayor veracidad clasicista. Este murió sin saber que eses ejemplos que había tenido en cuanta como fuente de inspiración no eran clásicas. Renacimiento italiano y renovación flamenca El arte flamenco se nos presenta como una coda que remata la Edad Media. El Renacimiento está presidido por la idea de superación del arte internacional, que en este momento lleva las connotaciones de medievalismo y góticismo. La actitud de superación del gótico internacional no es exclusiva de Italia pues la subscribe también el arte flamenco. Las propuestas de superación se basan en conceptos distintos, pero no debe descender el valor del arte flamenco. La renovación flamenca para los contemporáneos fue más importante que la del arte italiano. En el siglo XV es el arte flamenco el que lleva la voz cantante en el mosaico artístico. Los focos de Flandes e Italia se enfrentarán de modos distintos. Mientras en el arte italiano el nuevo código figurativo se va a basar en la importancia hasta la idealización del modelo del arte clásico, en el juego numérico de la proporciones y en la perspectiva matemática, en un concepto de la naturaleza y la experimentación científica. El flamenco se inspirará en la negación de cualquier modelo cultural, empezando por el clásico, en un sistema de representación fundamentalmente óptico, en la pura visualidad. En torno a este arte no va a existir un desarrollo de la tratadística porque sus tratados son las propias obras. No sólo hay diferencias sino que también hay importantes afinidades, pues en ambos casos las distintas renovaciones se dan a partir de aquel arte que está más evolucionada. En el caso flamenco será la escultura, la que va a permitir despegar a la pintura como la de Van Eyck, que dará lugar a unas esculturas y pinturas hechas carne. En Italia el más desarrollado será la

arquitectura. En ambos casos los artistas viajarán al pasado, los flamencos que basarán en el arte románico local (igual que Brunelleschi) ambos movimientos están presididos por la idea de tridimensionalidad para dar lugar a la a realidad, la idea de verosimilitud. En el arte flamenco el alcance de su propuesta renovadora del siglo XV, lo que renueva es la pintura y la música, mientras las otras dos grandes artes, se limitarán. Luego la escultura va a valerse de la pintura, a pesar de ser esta la primera en ser renovada. En el mundo flamenco no se renovará hasta el siglo XVI, cuando ya se expanda el Renacimiento y beberá de este. Es en Italia la pintura es la que tiene que beber de las otras dos artes, mientras aquí la música no se renueva hasta el XVI. En el mundo flamenco será una generación, la de Van Eyck mientras cuando entra la segunda generación se cambiará esta estética hacia otros caminos. Son dos movimientos que comparten fundamentalmente la idea de superación del arte, que tienen como punto de partida el gótico internacional, que ambos son muy creativos y en los que los planteamientos temáticos se pueden medir en igualdad de condiciones. Ambos buscan exaltar el individuo usando el retrato, la presencia del hombre en el mundo artístico, y la aproximación y el descubrimiento de la naturaleza. En la creación del paisaje será Flandes la que se adelante a Italia, pues muchas de las conquistas que nosotros hoy atribuimos al arte italiano tiene que ser compartidas con el arte flamenco. El arte flamenco existió sin Italia, mientras la producción artística del Renacimiento requiere el conocimiento del arte flamenco. El contacto viene a través del viaje a través de las distintas cortes, por la adquisición de obras flamencas por parte de los grandes coleccionistas italianos (1450 incremento en la adquisición de las obras flamencas) por ejemplo el caso del matrimonio Arnolfini, encargo italiano, es decir una vinculación del arte flamenco a consumidores italianos. El arte flamenco era consciente en que dejarse influenciar por el arte italiano era suprimir las bases de su código figurativo. Entiende el cuatro como reflexión en torno a la realidad, aproximarse a ella con la mayor literalidad posible, pinta lo que ve y lo que sabe, de ahí la visión telescópica haciendo relevantes los detalles, realmente meticulosa ( Matrimonio Arnolfini , donde el pintor a conseguido sugerir una habitación que da tridimensionalidad, aquí sí que se ha conseguido una atmósfera y un espacio, aqueo es el ojo el que nos conquista para indicar que estamos ante la conquista de esa realidad). Mientras el arte italiano procede a través de eunuco sistema de jerarquización despreciando aspectos y destacando a otros. Cenáculo de Santa Apolonia , Andrea del Cartago, obra como ejercicio de representación matemática, ante la pared vemos como el artista nos introduce en el cenáculo hondando la superficie, de la manera más eficaz posible, convincente desde el punto de vista visual, nos convence de que no exista esa pared, penetrado a través de la perspectiva en un espacio sugerente la idea de tres dimensiones, es un espacio de atmósfera,

para conseguir los servicios de los mejores artistas. No ha habido hasta ahora tanta relación del promotor con la obra, que es lo que permite clasificar las intervenciones artísticas. La calidad de los programas, importancia cuantitativa de las obras, relevancia de los artistas que las materializan y orientación de los programas, son las nuevas herramientas para publicitar la imagen. Ahora no se quiere destacar un estatus quo, sino que se busca glorificar al determinado personaje. En este periodo se van a levantar voces contrarias a estas grandes promociones y va a haber una serie de denuncias de despilfarro, pero estas vienen de la mano de los sujetos más conservadores de la sociedad, los que están vinculados a las viejas fortunas. Los programas del Renacimiento están relacionados con los nuevos hombres y la nueva economía, que no pretendieron aeropuerto en el despilfarro pero tenían que ser conscientes de su imagen y mantenerla. Alberti recomienda construir sus grandes moradas y recomienda que sean generosos, las nuevas residencias palaciales, deberán estar determinadas por las proporciones, la belleza del conjunto. El arte como arte de política podemos destacar a Lorenzo el Magnífico con su gran biblioteca o su colección de obras de artes y las va a utilizar políticamente. Lo hace para su disfrute, de manera que el acceso era limitado y en función de la relación con el podías o no visitar. Sixto IV quería decorar la capilla Sixtina lo que hace Lorenzo es mandar artistas para establecer una relación, ya que no era buena la relación con el papado. En relación con las nuevas funciones esta el modo estilístico con el que se expresan, y los nuevos temas. El arte va a ser religioso, pero es indudable que la presentación de las obras cambia y vienen determinadas por el proceso de secularización de la cultura. Surgen nuevos temas, como el del monumento público, se reinventa este concepto desaparecido en la Edad Media, como es el caso del retrato. La nueva función que desempeña la promoción artística esta en temas que ya se han desarrollado antes como es el tema del palacio. Es un nuevo estilo, y una nueva manera de promover esa realidad. En el siglo XV el artista sigue siendo un artesano, un operario cuyo reconocimiento está en su destreza. A esto tampoco contribuye la ascendencia social de estos artistas que solía ser de origen humilde. Además estos artistas raramente trabajaban individualmente, pues los grandes proyectos requerían las intervención de varios operarios por eso se buscaban asociaciones de artistas, contratar provisionalmente o trabajar al frente de un taller. En la Italia de este siglo estaba repleta de talleres, esto se remonta al siglo XIII. En este momento se integraba en el taller desde muy pequeño, como criado de aprendiz, a cambio de la enseñanza del maestro e iba ascendiendo y quizás podía llegar a ser maestro, pero esto no era lo habitual. La mayor parte de los artistas acabarán como oficiales, es decir traspasar los cartones del maestro, que es el que hace lo esencial y añade los secretos a la obra. Para la consideración social es necesario que el gremio deje de estar bajo la potestad de los demás. Los pedreros están en la misma línea que los escultores, pero aunque sea negativo es que actúan como intermediarios entre un promotor y un artista, o les da préstamos si lo necesitan. Pero el gremio es dictatorial, es de el de quien depende si eres independiente o no para montar tu propio taller. La consideración está todavía muy lejos de ingresar al estatus de las artes liberales. Tampoco ayudaba la imagen de los talleres, que no tienen nada que ver con los de ahora, eran pequeños, torpes, sucios…esa imagen tampoco les ayudaba a la hora coger cierto prestigio. Sabemos que ciertos artistas explotaban a sus lacayos, con unas pésimas condiciones, además que los contratos con los artistas son humillantes, pues el que encargaba el cuadro exigía muchas condiciones. Ya desde el siglo XIV los artistas contaron con voces de grandes

intelectuales que rompieron una lanza a su favor, como por ejemplo la consideración de Dante hacia Giotto. Filippo Villani, con su obra empieza a considerar la labor de los artistas, es lo que incita a Ghiberti a escribir su autobiografía. No es sólo algo que podemos palpar en Florencia. Bartolomeo Facio también resalta el valor de los artistas O solo italianos sino también el de los flamencos. El protagonismo del mecenas ha sido enorme en el arte, el ideal del artista es involucrarse en un proyecto cortesano. Cuando uno entra en el servicio de un señor puede desligarse del gremio, pagando el gremio reconoces el trabajo mecánico (Brunelleschi irá a la cárcel por no pagar porque considera que su trabajo es más intelectual) el mecenazgo permite Viajar por las cortes se ponen en contacto con intelectuales y se benefician de un trato muy distinto. Esto le ocurrirá a Miguel Ángel para entrar en contacto del pensamiento y del arte de su momento. Los artistas van a tardar en utilizar todas las artes como arma, una de ellas fue el arte clásico ya que todo el mundo quiere conocerlo, pues por lo tanto está valorando a los filósofos, literatos y a los artistas clásicos. Lo artistas a renacentistas buscarán esta consideración, al igual que algunos emperadores romanos eran aficionados al arte de la pintura. La propia escuela neoplatónica va a apoyar a los artistas. En el siglo XV nos encontramos con esta situación, por un lado poco favorable, pero se empieza a atisbar que la si cosas pueden ser distintas. En el siglo XVI, los contratos estipulados se van a haciendo más escasos y se tiene claro que un gran pintor es un gran pintor. Un artista se diferencia de un artesano, otra cosa es que la sociedad asimile esto de forma general. Además es un momento en el que nos encontramos con los artistas ennoblecidos que tienen estatus de hidalguía que pueden lucir collar y espada que es una puesta en valor del estado que han alcanzado. Incluso algún artista puede ser ennoblece dos con título (caso de Tiziano) la situación no se puede extrapolar a toda Italia, y se aplica a un número reducido de artistas pero es innegable que el proceso se ha puesto en marcha. Se empieza a ver de otra forma. La academia Florentina ser a esencial para la consideración del nuevo estatuto del artista, ahora el eslogan horaciano ut pictura poesis , se convierte en algunos aspectos una realidad, significando que la pintura se iguala a la poesía. Entraremos a la polémica entre arquitectos y escultores. Significa ya una consideración. Marco espacio temporal del Renacimiento Surge en Italia porque se dan las circunstancias que propicias su nacimiento, es donde asistimos a la primera concepción racional de la economía, donde se pasa al capitalismo, que llevará al primer sistema bancario de occidente. Hay, por tanto, una emancipación de la burguesía, siendo en Florencia donde nace primero la banca que da lugar a una nueva escala de valores. Será la ciudad-estado que se encuentra en el corazón de un conjunto amplia de ciudades que en el siglo XIII había incrementado y acelerado el desarrollo de su economía que alcanzó tal plenitud como ninguna otra ciudad en Europa. Con su economía puntera, que se asentaba en la lana y seda, los tejidos y en las finanzas. No sólo eran los dueños de la producción y del comercio que estaba organizado a nivel internacional, que se va a desarrollar en relación a los templos más importantes cristiano-islámico. Sus agencias comerciales eran también bancos. Florencia adoptó como base de su desarrollo económico el patrón oro, el floren, que es que se va a tener en cuenta para todos los intereses comerciales. También eran grandes terratenientes, invertirán grandes sus en propiedades, por prestigio además de tener protección en los momentos de crisis. Es, por encima de todo, la ciudad e de los banqueros, daba a sus usuarios grandes intereses la rentabilidad era mayor, pero en préstamos era 25%.