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1. El lugar de la Estética occidental en la Filosofía
Es relativa a lo bello o a la belleza. La estética es un estudio filosófico del arte, la relación del hombre con el arte y las manifestaciones artísticas.
No podemos considerar a la Estética una ciencia, pues al ser relativo a lo bello, tal consideración no es válida.
La Estética es una rama de la Filosofía.
La filosofía tiene 3 objetos de estudio:
- El bien, que se refiere a la ética, la moral.
- La verdad es todo el conocimiento que puede adquirirse.
- La belleza es la configuración del hombre en el mundo, su modo de organizarlo.
Es en la belleza donde la Estética se enclava en la Filosofía.
2. Orígenes de la Estética occidental moderna. La Estética hoy
La Estética nace como disciplina autónoma en el s. XVIII, aunque la Estética se crea con la Filosofía en el s. VI a.C., ya que los griegos hablaron de lo bello de una forma independiente.
Lo estético o bello del mundo antiguo es fácilmente observable debido a sus cánones. Lo bello en la Antigüedad tiene normas.
Durante la Edad Media no hubo apenas un desarrollo de la Estética, derivado del mundo teocentrista.
Con la Ilustración ser revisó la Estética clásica y se independizó, como he dicho anteriormente.
Tres textos fundadores:
1) “ A Estética” Baumgartem 1735
2) “Historia del Arte de la Antigüedad” Winckelmann 1755
3) “Salones” (Diario) Diderot 1759
La Estética no nace sola, nace con el Salón y con la crítica. El nacimiento del salón supone el nacimiento de la opinión pública, de la crítica artística. Decir, además, que es en ésta época cuando nace la figura del crítico de arte, que necesita de Historia del Arte para realizar sus críticas.
Actualmente la Estética es una disciplina marginal pues es ambigua. Busca el conocimiento del lado no definido del hombre
3. La Estética antigua
Propiedades que en la antigüedad tenía lo bello:
• Integridad y perfección del ser (que tiene todas sus partes)
• Orden o armonía (unidad) entre las partes (desproporción)
• Esplendor y claridad (que sea claro lo que vemos)
4. Resumen de las finalidades del arte en la Historia occidental
Platón: finalidad educativa-pedagócica a través de la enseñanza
Aristóteles: no hay finalidad en el arte, el artista crea. La finalidad podía ser, llegar a la felicidad, hedonismo, en última instancia. El arte como catarsis (purificación, trasformación interior derivada por experiencia vital profunda.
Edad Media : finalidad religiosa (San Agustín)
5. La Ilustración. S. XVIII
La Estética se independiza como saber de la Filosofía.
El saber esta más o menos al alcance de todos gracias a la imprenta, ya que había más difusión de los libros, que antes sólo estaba al alcance de unos pocos.
Esta época se caracteriza por el debate, la confrontación de ideas.
La Ilustración abarca la segunda mitad del s. XVIII. Época en la que el sujeto tiene conciencia de su autonomía, sabe que a través de su razón es un ser independiente.
El sujeto se cree alguien independiente por la obtención de conocimiento. Es una etapa racionalista.
Habrá dos sistemas filosóficos predominantes:
1) El empirismo ingles
2) El racionalismo francés.
Las ideas más importantes de la estética moderna se gestan en Inglaterra. Existen nuevas categorías estéticas, no solo la de la belleza, el gusto y la experiencia estética,
Algo que caracteriza la Ilustración y a la Modernidad es el dinamismo frente a las ideas estáticas del Clasicismo.
5.1. La Querelle francesa
La querella, que surgió en Francia, eran debates entre un grupo de intelectuales: los “clásicos” y los “modernos”. Las ideas “clásicas” se fueron desgastando y las “innovadoras” ganaron terreno hasta que las clásicas llegaron a ser consideradas como algo del pasado, dejando de articularse como un dogma.
Propuestas que debatieron los “modernos”:
1) Que el arte no tenía tanto que ver con la razón, sino con el sentimiento y con la
imaginación.
2) El arte tenia que innovar.
3) El arte no debe ser solo bello, debe expresar el sentimiento del autor. Hay otras
realidades dignas de ver. En la época, eso se llamó “lo pintoresco” y también se habla de un placer que siente el hombre por lo terrorífico, llamado “lo sublime”. Se amplia mucho más el campo de acción del arte, que podrá expresar una gran gama de sensaciones psicológicas.
La Estética moderna es relativa , no hay normas, todo aquello en que creemos dependerá de nuestro gusto totalmente subjetivo y siempre será valido.
Nace la idea de considerar al artista un genio. En eso se diferencian de los artistas clásicos, pues para tener imaginación, para crear, hay que tener unas cualidades innatas que no están en todos los hombres.
Deriva de lo pintoresco, del gusto por lo distinto, pero se introduce aquello que nos produce miedo, puede ser placer negativo.
Los empiristas ingleses analizan el porqué sentimos placer con el miedo.
Burke habla de lo sublime en su libro. Escribe que esta cualidad tiene que ver con los instintos primarios; lo que sentimos cuando somos espectadores de una amenaza indirecta. Dice que también sentimos lo sublime con todo lo morboso.
Kant dice que hay una gran diferencia entre lo bello y lo sublime, lo bello es independiente de nosotros, son objetos que están en la naturaleza, que tienen una forma definida, es real y lo podemos percibir con nuestros sentidos. Lo sublime no se puede apreciar con los sentidos, no existe en la naturaleza, está en nosotros, es lo que escapa a las reglas de la naturaleza.
6) Ilustración francesa
Los puntos más importantes de la Ilustración francesa son:
1) el nacimiento del salón
2) el nacimiento de la crítica artística.
En el sentido filosófico también se dan una serie de contradicciones, estamos hablando por un lado del racionalismo (clasicismo), pero por otra parte van surgiendo figuras que plantean una filosofía distinta como Denis Diderot que plantea los puntos del romanticismo. Uno de ellos es el sentimiento frente a la razón, y por otro es la vuelta a la valoración de la naturaleza. Aunque se va introduciendo este nuevo pensamiento que nada tiene que ver con el clasicismo.
6.1. Nacimiento del salón
El primer salón es el Salón Carré, en 1737. No es la primera vez que se exhibe obra al público, en la Academia Real Francesa se empezaba a exhibir obra de los alumnos mas aventajados. La Academia surge como una necesidad de dar al arte unos criterios casi indiscutibles acerca del mismo. Por una parte si que existía una necesidad de crear una coherencia en el criterio artístico pero también era una herramienta política, estaba subvencionada por el Estado.
Antes del salón, el público podía ver obras, pero el artista estaba condicionado por el encargo y por las reglas de la Academia, por lo que el impulso creativo quedaba anulado.
El salón se abre cada 2 años. Hay una gran confrontación entre los académicos y el público que busca algo novedoso. El público se apoyará en el crítico de arte, una persona versada en Historia del Arte.
A partir del gobierno de Napoleón III se crea el salón internacional que consistía en llevar obras de artistas franceses al extranjero para darse a conocer.
6.2. Critica artística: Denis Diderot (1713 – 1784)
Denis Diderot fue el primero en hacer una crítica artística en 1759 y el creador de la primera enciclopedia junto a D´Ambert.
Las premisas que hizo para hacer crítica son:
1) la improvisación
2) el relativismo
3) la aleatoriedad.
La crítica se hace de forma individual por escrito. Lo importante en un crítico de arte es que sea persuasivo, tiene base de conocimiento histórica. Una dificultad para el crítico es que el significante y el significado en una obra de arte nunca se corresponden.
7. Ilustración Alemana
• Winckelmann
Se le considera el padre de la Historia del Arte, ya que crea una cronología de la Antigüedad. Elabora su propio discurso estético, aunque lo apoya teóricamente con los ideales griegos. Considera que Grecia es un lugar favorecido, tanto por su clima como por su sistema político, lugar de nacimiento de la democracia y la Filosofía.
Consideraba que la sociedad ilustrada era infeliz, había perdido el contacto con la naturaleza.
Dos libros esenciales para la Historia del Arte:
1) “Reflexiones sobre la imitación del arte griego en la pintura y en la escultura” 1755
2) Historia del Arte de la Antigüedad
Basándose en las teorías de Winckelmann se fundó el Neoclasicismo.
Este filósofo decía que para el contacto directo con la naturaleza debía volverse a la época griega.
Según Winckelmann, el ideal de belleza griego se encuentra en la obra “Laoconte y sus hijos”. Esta obra es la base para las teorías estéticas de Winckelmann y Lessing. Para Winckelmann, la obra refleja lo bello y lo bueno, unido en el arte clásico. Aunque se lo comen las serpientes, Laoconte está relativamente sereno. Según el alemán, la lección ética de esta obra es que a pesar del sufrimiento sigue conservando su equilibrio.
El ideal de belleza está unido a lo bueno.
• Lessing
La culminación del hombre es la Ilustración, guiados por el Ser supremo, los seres humanos habían llegado a la luz.
Todas las religiones eran verdaderas y falsas.
A) Verdaderas porque consideraba que todas tenían una parte de verdad debido a que
querían llegar a la esencia del Ser supremo natural.
B) Falsas porque todas habían elegido. Con sus dogmas se había perdido la esencia del Ser
Supremo natural.
Para sus teorías estéticas parte del libro “Reflexiones…” de Winckelmann. Como contraposición su libro “Laoconte” de 1766. Dice que el ideal de belleza griego no puede estar representado en una escultura: el lenguaje de la literatura y el de la escultura son distintos, pero los dos son una forma de ideal de belleza.
Para Lessing, la literatura era superior a la pintura y la escultura. Puede explayarse sobre conceptos abstractos mucho más que pintura y escultura.
El ideal de belleza se crea porque algo desagradable puede crear en el espectador un efecto desagradable, la literatura puede describir situaciones desagradables, pero nunca será lo mismo.
Se hace el sentimiento el centro del discurso.
El hombre es un ser independiente, no parte de una maquinaria.
El espíritu romántico es un espíritu atormentado por la soledad, por saberse un ser independiente.
El imperativo del romanticismo es la libertad que no se deja doblegar por ningún poder es un elemento de frustración por que la libertad absoluta no existe.
El arte se transforma en lo más importante, da la respuesta.
Un acontecimiento importante es revolución francesa que nos aporta libertad, igualdad y fraternidad, imperativos del pensamiento romántico.
El romántico vive en una etapa de crisis, por que los cambios suponen una crisis, sobre todo por que esa ilusión primera se ve interrumpida muy rápidamente y desembocó en una etapa de terror, algo que también caracteriza a la etapa romántica, es una mezcla de deseo y temor.
La Ilustración suprime la religión, solo defiende aquello que puede demostrar la razón. El ser humano no tiene en qué creer. Tenemos que pensar que hay algo más inclusive para cuestionar nuestra propia identidad, buscará en la comunidad, en las relaciones con el otro, esa unión que ha perdido con Dios. Por tanto es otra frustración porque es una persona individualista..
Verán todo avance como algo negativo. Considera que la civilización ha creado seres artificiales que se han separado de la esencia.
El romanticismo propone un equilibrio entre lo empírico (objetivo) y lo irracional (pasional y subconsciente). Intenta fusionarlo, unir las cosas que la modernidad separó. También quiere unir el yo con el todo, con la naturaleza pero es imposible.
Las herramientas que usa el romántico para unirse con el todo es el arte, con la propia obra se puede llegar a fundir con el todo. No hay una separación entre el sujeto que crea y el objeto creado.
El romántico entiende el mundo, el todo, a través de si mismo, del interior. Egocentrismo. Es una subjetividad absoluta. Creen que son la imagen del macro cosmos, a partir de nosotros pueden comprender todo lo demás. Eso lo aplican al arte, no tiene que vivir una experiencia real para que en la obra se plasme su realidad.
En las obras literarias, el autor se identifica con el personaje, son una misma cosa.
8. 1. Temas románticos
Un dualismo que se da en el romántico es la idea de deseo y la idea de temor. No le importa desear algo imposible, desea un destino trágico. El único motor de su vida es el deseo aunque este no se cumpla.
1) El egocentrismo , se llega a la radicalidad de que solo lo que sentimos es la única
realidad. Eso nos lleva a la mentira y al agotamiento de recursos.
2) La libertad , deseo de libertad absoluta. Si todos pensamos que tenemos que actuar con
libertad absoluta desemboca en el caos.
3) El amor , busca su otra mitad, no es el amor fácil, si no aquel que le hace desear cuanto
más tiempo mejor.
4) La religión , no es entendida como una religión en particular. El deísmo es considerar
que hay algo superior, algo supremo, solo es saber que hay un algo en lo cual nosotros participamos de ese todo, somos esencia de ese ser superior. Para ellos es una necesidad moral, consideran que si formamos parte del todo tenemos que ser responsables de nuestros actos, lo que hagamos repercutirá en nosotros mismos.
5) El nacionalismo , en cada país se intentara volver a los inicios de la conciencia nacional.
El nacionalismo lo que hace es que el individuo pierda su propia identidad al identificarse con un colectivo de una manera exagerada, en el caso del romanticismo es algo positivo.
El arte era lo más importante en cuanto a la libertad. A partir del romanticismo el artista trabaja con muchísima libertad ya que parte de sus propios intereses. Tienen una visión muy utópica, consideran que a partir del arte el hombre será mucho mejor, mejores personas.
• Wether-Goethe
Para él, el arte clásico es el arte fuerte, porque es objetivo, porque se basa en la verdad que es la naturaleza. El arte romántico será el débil, el enfermo, porque es subjetivo. Dice que hay que copiar la naturaleza tal y como es sí, no que hay que sacar lo mejor de la naturaleza, los ejemplos de perfección.
• Schiller
Su visión es de un gran pesimismo con respecto a los avances de la humanidad. Los clásicos fundían todo, unían todos los saberes. Su visión del mundo era toda una serie de relaciones fundidas. Habla de seres completos que son capaces de aunar los conceptos. En la modernidad, el hombre lo que ha hecho es separar todos esos saberes. Considera que los hombres son incompletos porque solo desarrollan una parte del saber.
• Hegel
Dice que existe lo bello natural y lo bello artístico. Prefiere lo bello artístico, es superior a lo bello natural por que en ello interviene el espíritu del artista, proyecta su espíritu. En lo bello artístico hay dos tipos:
1) el arte servil (decoración)
2) el arte libre (en el cual el artista proyecta sus pulsiones y su espíritu).
El que es digno de estudio es el libre.
Hegel considera que el arte pasa por 3 etapas:
1) La simbólica se caracteriza porque la forma supera al contenido.
2) En la clásica la forma y el contenido están equilibrados, eran una misma cosa.
3) En la romántica el contenido es superior a la forma. El hombre se ve limitado por el
arte, todo lo que proyecta va mas allá de la forma.
9. Romanticismo Británico
10. Romanticismo Francés
Surgió más tarde que en Alemania y Gran Bretaña.
Los artistas leían a los poetas y los poetas visitaban a los artistas. La palabra pretende emular los efectos del arte visual.
10.1 Definición del Romanticismo: Cristianismo y actualidad.
Entendido como opuesto a la Antigüedad es por ello una definición estrictamente formal y relativa: romántico será lo que satisfaga las exigencias del presente.
Víctor Hugo traza un esquema de desarrollo de la Humanidad y de la literatura, dividido en tres épocas- primitiva, antigua y cristiana- a las que corresponden los tres géneros: lírica, épica y drama, aunque entendidos en un sentido arbitrario. Para Hugo, el cristianismo enseña al hombre que tiene que es un ser doble: animal y conciencia, cuerpo y alma, animal y conciencia.
• Público
Incluso cuando el artista no manifiesta enemistad hacia su público, la conciencia de crear para alguien, antes tan natural, provoca ahora malestar. En las bellas artes, cuya creación es solitaria y reflexiva, se pierde toda naturalidad cuando se piensa en el público.
• Sonambulismo
Desvanecido el público humano y Dios mismo como público, en esa soledad radical. Hay que contar, sin embargo con la conciencia del autor, que se interpone una y otra vez. El último obstáculo en el camino hacia el monólogo puro es el propio ego.
11. La modernidad
11.1. Crítica y modernidad (S. XIV – S. XX)
En el momento que los poetas y los escritores toman las riendas en la crítica se pierde un poco el rigor científico, se vuelve mucho más lírico, mucho más subjetivo.
• Opciones estético-críticas:
1) Hay críticos que defienden el primitivismo, el artista como niño , la inocencia del
artista. Entienden que tienen que volver a las raíces, a la primera mirada inocente, se defiende una vuelta al origen.
2) El otro concepto es la defensa de lo científico , a los avances tecnológicos y científicos
que son la esencia de la modernidad.
• Otras opciones estético-criticas
1) Aquellos críticos artísticos que defienden un arte social , un arte temático conceptual,
que están en la línea de la utopía social que comunique, que denuncie y que analice al hombre.
2) Otros que defienden el arte por el arte sin ningún contenido temático, solo formas
estéticas, utopía estética.
• El colonialismo.
Es un momento de apertura, de necesidad por el romanticismo de viajar a países exóticos, el artista busca lo nuevo, lo diferente. Entiende que el arte no es algo etnocéntrico, no se da solo en una parte del mundo sino que es algo global. Entienden que el arte clásico, el arte occidental, no es la verdad absoluta. No es un artista-turista, no está de paso, si no que se integra, se maneja con cánones estéticos totalmente distintos de los europeos.
• Otra oposición entre críticos es los que siguen pensando que el artista tiene que seguir
usando los patrones clásicos y los que consideran que el artista tiene que ser un ilustrador de la época que represente lo cotidiano ya que se acercan a la realidad.
11.1.a)El artista como niño
• Charles Baudelaire
El artista moderno ha de ser como un niño: ávido de conocimiento, ingenuo, no corrupto por lo aprendido. Es una vuelta a la infancia pero dotada de unos medios para expresarse artísticamente.
El movimiento que logrará la vuelta a la infancia es el impresionismo. Se considera a los impresionistas como unos privilegiados, de seres del futuro, por que son capaces de ver una amplitud del espectro del color mucho más grande que otra persona. El ojo se iría entrenando hasta ver todo el espectro. El impresionista olvida las formas y solo se queda con el color, pinta lo que piensa del objeto.
Aparece un movimiento que aúna lo científico y lo primitivo: el cubismo; tiene la influencia del arte africano proyectando lo que pensaban del objeto y el análisis de la cuarta dimensión y la geometría. Ya no es un arte retiniano, es un arte de ideas.
11.2. Friedrich Nietzsche (1884 – 1924)
Fue un filosofo alemán que lo que le preocupaba era dar una explicación de la cultura, la religión y la filosofía de su tiempo. Construyó una filosofía vitalista.
Las ideas de Nietzsche sirven para explicar la posmodernidad:
• Tiene una obsesión por analizar las ideas desde todos los puntos de vista posibles.
• Tiene 3 etapas en las que analiza la estética:
•.)1 1º Se le puede clasificar de romántico, asocia lo dionisiaco con lo romántico.
•.)2 2º Positivismo ilustrado, su etapa más empirista defiende lo científico frente al
mundo de las apariencias.
•.)3 3º La madurez. Nietzsche defiende otra vez el arte, pero clásico, lo hace el
centro del discurso, solo a través del arte llegaremos a la voluntad de poder, de la afirmación, del superhombre. Solo el arte tiene la capacidad de transformar la sociedad a mejor. El arte clásico tiene fuerza y vitalidad, tiene la capacidad que aun siendo imágenes de algo dramático de reafirmarse ante la vida. De las dos partes que tiene el arte clásico se quedará con lo Dionisiaco.
• El artista es un niño y también que es un ser primitivo, ha quedado algo dentro de el, de
residuo, de ese mundo primitivo. Lo fantástico, lo simbólico y místico, ha quedado latente.
• Desaparece la jerarquía, todo tiene el mismo valor. El individuo no se inquieta por tener
actitudes contradictorias, para el todo el lo mismo. Al recibir tanta información y sin jerarquía todo tiene la misma verdad (disfunción narcotizante). Si la ilusión es utopía la desilusión es ironía. Es una especie de malestar por haber fracasado en la modernidad responde con ironía.
• Relatividad frente a la verdad, todo es valido.
• Perdida de idealidad espacio temporal todo convive a un mismo tiempo.
12.1. Diferencia entre postmodernidad y postmodernismo
Postmodernidad será una etapa de la historia que se desarrolla a partir de los 60 donde hay una serie de causas que la definen. El postmodernismo define una respuesta plástica, los movimientos literarios y artísticos, a nivel de la creación.
El arte postmoderno se caracteriza por:
• Ser irónico
• Se fija sobre todo en el gusto popular, no es elitista
• Hay una multiculturalidad, no hay una visión etnocéntrica.
• La fusión de los géneros
• Apropiacionismo, no hay interés de ser original ni en la autoría
• Trabajan de forma industrial
Una de las disciplinas en las que se define es en la arquitectura postmoderna. Se refleja en arquitectura generalmente en varios aspectos:
• Los edificios adoptan a menudo tipologías heredadas del pasado.
• Se recupera el ornamento
• Se huye de las formas puras o limpias
• Se busca la monumentalidad
• Se recurre a una especie de neo-eclecticismo , dado que se toman prestadas formas de
todos los períodos de la historia.
• Desde el punto de vista urbano, se busca recuperar la calle
Otro cambio sustancial en el estado de la filosofía postmoderna, combinan distintas disciplinas. En este sentido toda la veracidad de los filósofos postmodernos está en entre dicho, porque abarcan demasiados ámbitos y se empiezan a relativizar algo tan verdadero como la ciencia. En cuanto a la filosofía postmoderna la inaugura Nietzsche, que hablaba de la caída de los valores supremos, de la fragmentación, ya no hay una medida sino muchas que conviven y esto explica la postmodernidad, todas las ideas son validas. 12.2. Lyotard Es el primero en analizar todos los cambios que se han producido de la sociedad. Ideas básicas:
• la decepción de proyecto moderno, de la modernidad entendida como una apuesta por el
progreso, la última gran ideología de la modernidad sería el Marxismo.
• Se habla de la perdida de las grandes narrativas, son pequeños relatos individuales. La
moralidad del individuo postmoderno hay una intención moral pero se juzgan los actos individuales y directos, se valoran nuestros actos, con una intención conciliadora. Hizo una lista de lo que entendía que eran los síntomas de la postmodernidad.
• “Por postmodernidad entiendo cualquier revisión critica del legado del racionalismo
ilustrado” (de la modernidad)
• “ La lingüística se convierte , junto con la antropología, en una ciencia social
estrella ” (el análisis del lenguaje)
• “ la sacralización de lo banal” (lo intrascendente cobra gran importancia)
• “la postmodernidad nos ha convertido a todos en protagonistas, no solo de nuestras
vidas, si no de la de los demás”
Con respecto al arte, Leotard, lo consideró la única disciplina que es capaz de ser crítica, que es capaz de mostrar la verdad al hombre a través de la ironía.
12.3. Baudillard
Es el creador de los conceptos de hiperrealidad y simulacro. Es uno de los más negativos.
La primera teoría que desarrolla que predice y se convierte en realidad es la guerra del golfo. A partir de ese sistema tecnológico, de ese desarrollo de la comunicación de masas, se recrearía un mundo hiperreal. A través de los medios de comunicación estaremos viviendo una copia de la realidad que cada vez se acerca más a la realidad.
12.4. El apropiacionismo
Surge como una necesidad de volver a la imagen. El minimalismo y el arte conceptual había suprimido la imagen y los artistas vuelven a la necesidad de volver a la imagen. Es una ironía hacia el espectador, porque no va a surgir nada original, todo va a ser copiado. Lo único que podemos aportar como artistas son ideas nuevas, pero la imagen ya está dada. Pero como esas ideas están dadas lo único que nos queda es recombinar ideas, la hipertextualidad.
12.5. Roland Barthes
Postula la muerte del autor y el nacimiento del lector.
Es importante que analicemos que es el “texto” y lo diferenciemos de “la obra”. Las diferencias son:
• La obra es un objeto, el texto es un "campo metodológico" que no se muestra sino que
se demuestra.
• El texto no pertenece a ningún género ni a ninguna clasificación El texto se experimenta
en relación al significante que no se encuentra sino que se busca indefinidamente.
• El texto es plural no en el sentido de que tiene varios sentidos, "sino que realiza la
misma pluralidad del sentido, todo texto se inscribe en una intertextualidad, en una red de citas "sin entrecomillado".
• La obra es propiedad del autor, pero el autor no es propietario del Texto.
• La obra es el objeto de un consumo, el Texto solicita del lector una colaboración
práctica.
Cuando escribimos perdemos nuestra individualidad porque nos adaptamos a un lenguaje aprendido, y además estamos en el mundo y lo que vamos viviendo lo incorporamos a lo que escribimos, no somos autores originales. Es una recombinación de lo que hemos aprendido. Cuando uno escribe como autor deja una obra física, cerrada, pero el texto estará siempre abierto.
12.6. Jacques Derrida
Dice con respecto a la muerte del autor que la sociedad occidental que es falogocéntrica, estructura todo nuestro pensamiento, la cultura y la historia de forma patriarcal. Eso hace que nuestro pensamiento intente reducir todo a un único origen. Toda la metafísica que se ha dado hasta el momento se basa en dar verdades objetivas, de dar una explicación a todo, con un único origen desaparece con la postmodernidad.
El concepto de autoría va cambiando según la época. La necesidad de poner un nombre surgió con la Inquisición, ya que el que escribía se tenia que hacer responsable del texto porque si se excedía se le castigaba. No era nada relacionado con el comercio. Sin embargo los textos
• Situacionista: El que se dedica a construir situaciones.
• Situacionismo: No hay situacionismo. La noción de situacionismo ha sido concebida
por los antisituacionistas
13.3. Arte situacionista
• Détournement (desvío )
Consiste en apropiarse de cosas de otros (obras) pero invertir el sentido y además consideran que uno cuando se apropia de las cosas de los demás no tiene por que citar por que el arte es de todos. Sus obras son bastante políticas nos hacen reflexionar sin posicionarnos directamente.
Ellos modifican el arte pero el resultado final no es arte, solo es el uso final situacionista. Sirve tanto para las imágenes o el cine, para cualquier cosa en realidad.
13.4. Urbanismo unitario
La herramienta para cambiar el sistema opresor es la de cambiar la ciudad. Lo que propone son estructuras que se puedan mover, que sean casi portátiles.
Uno de los proyectos es hacer la ciudad en varios niveles sin calles para que la gente se relaciones, también esta en contra de una arquitectura sin espacios verdes. Otra de las propuestas del urbanismo unitario se ha de controlar los sonidos, la temperatura, que haya un barrio para cada cosa.
• Psicogeografía : Explica que la ciudad provoca en nosotros una reacción psicológica,
lugares que sin saber por que nos disgustan o no.
• La deriva situacionista
Consistía en vagar por la ciudad sin ningún plan aparente, simplemente dejarse arrastrar por esas energías que tiene la psicogeografía y quedar con amigos o simplemente vagar en solitario hasta encontrase con alguien. Los situacionistas retoman esa idea de deriva pero para cambiar a través de esas situaciones la esencia de la ciudad. Se hace casi siempre en grupos de 2 o 3. El tiempo estimado es un periodo desde la mañana hasta la hora de la siesta o desde la hora de la siesta hasta la noche, pero siempre se hace de día.
Los situacionistas salían de la sede de la internacional situacionista y se dejaban llevar por la ciudad. Los trucos son dar una cita y que la persona no aparece, vas al sitio donde te han citado y puedes tener relación con la gente que hay. Creaban un esquema o un dibujo y a partir de ese dibujo ir pasando por diversos puntos.
