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FUNDAMENTOS DE LAS ARTES ESCENICAS.
TEMA I
Definición de teatro: No hay una definición completa ya que el teatro abraza muchas vertientes distintas:
- Es un acontecimiento social transformado a lo largo de la historia, de origen ritual ligado a la religión. Hoy en día tiene aún este fondo ritual ya que viene directamente de un rito i es un paréntesis a la vida cotidiana, un tiempo nuevo que para el corriente y que desaparece cuando se acaba.
- Es antropológico y de experimentación con el objetivo de representar acciones y situaciones de la vida del hombre; una experiencia humana como arte humano y de su conocimiento. En la antropología teatral destacan Eugenio Barba y Grotowski.
- Filosóficamente es como un fenómeno por el que el ser humano se plantea recrear con su cuerpo una serie de situaciones.
- Se entiende el teatro como una literatura dramática, una teoría en desprestigio desde finales del siglo XIX y principios del XX porque deja de entenderse como un fenómeno literario para entenderse como un lenguaje con sus propios procedimientos en el cual la palabra es un procedimiento más, aunque no exclusivo, ya que la lectura no tiene nada que ver con la representación. Esta idea aparece con Richard Wagner , quien formula la idea del teatro total que engloba todas las artes.
- Es el arte del instante: no hay nada antes ni después, solo existe el presente inmediato entre la relación actor-público, algo que ningún otro arte tiene.
El arte es, pues, una representación de una experiencia humana en un espacio físico determinado y delante uno o más espectadores que lo contemplan; de esta manera, cada representación tendrá que ser forzosamente nueva. El teatro, entendido como espacio físico, ha tenido una evolución arquitectónica que ha marcado sus períodos.
Encontramos, pero, un problema etimológico debido a que la palabra teatro es polisémica:
- Hace referencia al lugar desde donde se observa un espectáculo, es decir el espacio físico.
- Hace referencia a “aquello que se ve”.
El teatro conserva de alguna manera su origen ritual por el hecho de que uno se transforma en otro que no es y va más allá de la religión. Lo que pretende es encontrar el impulso de la creación, del gesto, y de la palabra, y el actor lo que pretende es hacer creer que lo que hace, lo hace por primera vez: se convierte en un campo de experimentación en escena.
Al no ser un texto literario, no sabemos nada de cómo se interpretaba y de cómo se montaban los textos que se han conservado, pero sabemos que eran espectáculos bailados, una especie de danza gestual y cantada. Lo que quiere es plasmar la vida, no necesariamente de forma fiel a la realidad, y lo puede hacer de una manera abstracta y siempre a través del movimiento. Por esta razón, el actor debe tener un dominio total de su mente y de su cuerpo juntamente con la capacidad de jugar y dominar el espacio creando vínculos entre todos los elementos de la escena.
En definitiva, el teatro es una realidad ficticia y una ficción real (aquello que se da en la escena es real), entre lo que se establece una intromisión mutua que cuestiona si el teatro existe, es decir, si es realidad y no solo se identifica por la palabra. El actor representa la vida a través del cuerpo, a través del movimiento y el ritmo. De las tragedias solo nos ha llegado el texto, pero no la forma de interpretarlo, que era más trepidante y donde la música y la danza tenían gran importancia. El teatro es la forma de vivir el mundo conjuntamente.
Otras definiciones:
- E. Fischer-Lichte : A (actor, representa) X (elemento representado) S (espectador, observa).
- Santiago Trancón: esto no es suficiente, sino que, para que sea realmente teatro, debe estar claro que X representa alguna cosa que no es A; es decir, que se trata de una acción ficticia.
- Jerzy Grotowski : el teatro solo necesita a un actor y a un espectador (A S); elimina la ficción. Creía que el teatro era una vía de perfeccionamiento personal: el “actor santo”.
- Peter Brook : “puedo coger cualquier espacio vacío y nombrarlo escenario desnudo; un hombre camina por el escenario mientras otro lo observa” (esto es todo lo necesario para que exista el teatro). Con esto quiere decir que cree necesaria la variable del espacio: un hombre sobre un escenario vacío con alguien que lo observe.
Pioneros de la revolución teatral:
- Edward Gordon Craig, 1862-1966.
- Adolphe Appia, 1862-1928.
- Konstantino Stanislawski, 1863-1938.
- Vsevolod Meyerhold, 1874-1940.
- Jacques Copeau, 1879-1949.
- Isadora Duncan, 1878-1927.
Antoine , naturalista que busca la reproducción de la vida como un gran cambio que se hacía en el momento, consiguió tirar la cuarta pared : barrera que había entre el público y el espectador; ahora el público es un mirón que observa. Así crea el Teatro Libre en Francia, algo muy ligado con la aparición de la fotografía que permitió desfragmentar el movimiento y ver detenidamente lo que el ojo humano no percibe al instante, consiguiendo una gran capacidad de observación que antes no se tenía.
El teatro, como las otras artes, entra en decadencia y se estanca debido a que pierde su raíz antropológica. Esto permite, en el momento de la representación, un hecho de reencuentro entre la palabra y la acción, actualizando unas energías a las que el ser humano da forma a través del cuerpo, motivo por el cual el actor está en contacto con el aspecto irracional. Así, el teatro se convirtió en una forma de diversión que sólo representaba los intereses de una clase burguesa, perdiendo su finalidad anterior.
Con la aparición de las Vanguardias se rompe con el naturalismo que se había implantado y aparece la escena tridimensional (volumétrica). De esta manera, Craig y Appia se replantean la renovación del teatro y crean un nuevo lenguaje teatral. Craig fue, pues, un visionario que pensaba que el actor, además de representar, también tenía que crear; fue entonces cuando aporta la idea de supermarioneta , donde el actor debe “vaciarse” y dejar su ego a parte. Publicó, también, la revista The mask y el libro The Art of the Teatre. Appia creó gran multitud de proyectos para decorados de ópera (pocos fueron representados) y su producción se recuperó con los renovadores contemporáneos y posteriores. Stanislawski , en cambio, se plantea un Teatro de Arte en Moscú, creando un método para el teatro naturalista: bastan las acciones físicas y los cuatro motores de acción del hombre.
Meyerhold , alumno de Stanislawski, reacciona en contra y crea la biomecánica en el teatro: análisis del movimiento del cuerpo humano para prepararlo mediante la tensión de la fuerza a partir del juego de pesos y contrapesos. No le interesaba representar la realidad tal cual, sino más bien quería representar una realidad ficticia con más posibilidades y una escenografía constructiva con formas geométricas y pasarelas en las que los actores paseaban, subían y bajaban: él tenía la idea del actor acróbata.
Copeau utiliza, en la escena francesa, escenografías creadas por Appia, convirtiendo la ópera en una escena neutra a diferentes niveles en la que se puede crear ficción sin prácticamente escenografía. Se dedicó completamente a investigar en el teatro junto con un grupo de colaboradores y, finalmente, entiende la pedagogía como descubrimiento e innovación. Ante la decadencia decide crear su propia compañía y escuela porque creía que debían formarse nuevos actores que hablasen de lo que preocupa a la gente del momento de forma poética; el actor debe estar bien formado para poderlo hacer bien y debe hacer un teatro vivo en el que la poesía pueda existir. De esta forma descubre la utilización de la máscara como elemento pedagogo,
Texto original agentes de escenificación proceso de escenificación representación efímera.
La representación teatral es…
- Fugaz.
- Irrepetible, cada representación es diferente.
- Reproducible, siempre se puede hacer otro día.
- Artificial, voluntad de crear una ficción.
- Artística, utiliza un lenguaje estético con la voluntad de comunicar algo.
- Intencional, participa de unos ensayos.
- Plurimodal, utiliza símbolos de diversos ámbitos: sonoros, gestuales, materiales, colores…
- Ficticia, no sucede en realidad.
- Real, es una ficción real.
Espacios teatrales:
- Lugar teatral, espacio arquitectónico en el que se lleva a cabo la representación; el espacio de los actores y del público.
- Lugar escénico, es el espacio reservado para la representación; el escenario propiamente dicho.
- Espacio dramático, es el espacio concreto o imaginario donde sucede la acción de la obra.
- Espacio escénico, son todos los signos que entran en acción en el momento de la representación, el montaje en sí.
- “Sicorama” , telón situado al final del escenario.
Relaciones espaciales: el punto focal es el espacio de representación, el foco de atención del ojo del espectador.
Espacio de representación Espacio del espectador
Punto focal único (A) (a).Punto de vista único
Punto focal múltiple (B) (diferentes puntos de vista, escenarios diferentes
(b) Punto de vista múltiple (varios)
Punto focal variable (C) (se mueven). (c) Punto de vista variable (se mueven).
Tiempo y ritmo teatral:
Tiempo
- Tiempo de representación o tiempo escénico (lo que dura la obra).
- Tiempo representado o tiempo dramático (el tiempo que representan al escenario: 2 años, dos días...).
Ritmo : es esencial, la percepción (decae, se mantiene...). Es el que da vida al espectáculo, aunque no siempre sucede porque depende de cómo el actor lo incorpora para después traerlo a escena. Intervienen elementos:
- Tiempo escénico vs. tiempo dramático.
- Parla, gesto, movimiento.
- Música, luz, colores.
El actor:
- Creador de signos: tiene que hacer creíble una realidad ficticia.
- Herramientas del intérprete: gesto, verso…
- Formación: aprender a dominar sus capacidades. El objetivo del teatro es conjuntar a los actores para dar vida a una ficción a través de sus movimientos y el sonido.
- Relación entre el actor i el personaje.
- Relación con el director, el actor y el público. Se tiene que llegar a un acuerdo entre el actor y el público, una convención de que todo es ficticio: un código que se transmite con el cuerpo y las palabras. Los diferentes modos de dirección también afectan a la puesta en escena.
El juego dramático:
- La esencia del juego dramático no es psicológica, es fenomenológica: respuesta/reacción natural del ser humano.
- Es un ejemplo de movimiento que comprende a los que juegan.
- La dinámica interna no está controlada por ningún jugador en concreto.
- Se abre al espacio de la ilusión.
- Es el soporte del imaginario del actor.
- El elemento lúdico es común a otros campos del conocimiento, del arte y de la vida.
Rasgos y efectos del juego :
- Produce fascinación en los que juegan y en los que observan.
- Comporta incerteza, riesgo y sorpresa.
- El sometimiento del jugador/actor a las reglas internas del juego proporciona sensación de ligereza y libertad.
- No tiene ninguna finalidad ajena al hecho de jugar.
El director : Es el máximo responsable de la dramaturgia y del texto espectacular, y es el que hace de puente entre el actor y el espectador. Empieza a ser un elemento importante a partir de los siglos XIX y XX; antes había una persona con función técnica y, a veces, era el mismo actor. Ahora se ha convertido en el protagonista que
- El chamanismo hace referencia a lo que sería el antecedente del actor; es alguien que sobresale del resto de la tribu y es el encargado de convocar mediante danzas y ritos los acontecimientos a llevar a cabo. En otras palabras, es el mediador entre dos mundos: el invisible/espíritus y el funcional. - La máscara era necesaria para el Chaman, la persona que encabezaba el rito. Éste es intraficcional y sus espectadores también toman parte de su representación. El teatro, en cambio, es extraficcional y sus actores ya vienen preparados, además el público no participa (normalmente) y resta de observador.
- Los cultos funerarios son los que vienen de la historia antigua ( Egipto y Babilonia ) y tienen una gran cantidad de ritos documentados.
La teatralidad es una categoría antropológica y todos los pueblos, en un cierto momento, ritualizan. Los orígenes antiguos se buscan en las pinturas de las cuevas y de los pueblos primitivos que hoy en día aún existen. También se buscan en el folclore.
Del siglo VIII aC al siglo VII, la forma de organizar el espacio “teatral” varía. En un principio se organizaban mediante un círculo y todos bailaban alrededor de un “falo”. Más tarde algunos se quedaron como observadores mientras otros se organizaban con un círculo de menor tamaño alrededor de un pequeño tronco o piedra. Más adelante fue cuando uno se subió encima de dicho elemento o altar, gesticulando de forma distinta a los demás. El siguiente paso fue poner una especie de tarima sobre la cual una persona seguía danzando o gesticulando hacia los demás. Finalmente, hacia finales del siglo VIII aC, la tarima toma importancia y se coloca de forma frontal rodeada por la tribu, con unos oficiantes que a finales del siglo VI aC. seran la orquesta.
No se sabe en qué momento exacto se pasa del rito intraficcional al extraficcional , es posible que algo cambiara y se convirtiera claramente en el Theatrón , el lugar en el que se mira mientras otros son mirados.
TEMA II
EL MITO
Los mitos son historias que, mediante la imaginación humana, proyectan la comprensión del mundo y de la propia vida. Es una historia que explica el origen de alguna realidad y le da sentido, suele ser maravillosa y situada atemporalmente a partir de personajes divinos y heroicos. El mito y el rito van conjuntamente, no se sabe que fue primero.
La aparición de la escritura desvirtúa la práctica de la transmisión oral del conocimiento a través de los mitos. La oralidad da paso al discurso, tiene un auditorio en el cual el orador explica, ya hay una teatralidad. El carácter dúctil y abierto de la oralidad, se irá perdiendo con la escritura.
Los griegos decidieron recoger esta tradición mitológica oral en libros como la Ilíada y la Odisea , de Homero, y la Teogonía de Hesíodo (s. VIII aC). Éstas son cosmogónicas , ya que hablan sobre la formación del Universo/Cosmos, y teogónicas , porque nos dicen el origen y la descendencia de los dioses. Éstas representan aportaciones religiosas de Oriente y de la época prehelénica.
Desde este momento se vincula la tragedia con un contexto socio-político, de sagas familiares que hacen referencia a problemas jurídicos y políticos de la ciudad y vinculados al poder. De esta manera el poder se apropia de la narración del mito.
Definición de la palabra mito:
- Enciclopedia catalana: dicho, narración, etc. plásticas fabulosas y generalmente contrapuestas a cualquier tipo de formulación razonada, y demostrada, empleadas sobre todo para expresar convicciones filosóficas, cosmovisionales o religiosas.
- Diccionario de la lengua española: narración maravillosa situada fuera de tiempo histórico y protagonizada por personajes de carácter divino o heroico. Con frecuencia interpreta el origen del mundo o grandes acontecimientos de la humanidad
- Carlos García Gual: mito es un relato tradicional que requiere la actuación memorable y ejemplar de unos personajes extraordinarios, en un tiempo prestigioso y lejano.
Características del mito:
- Creaciones anónimas y colectivas.
- Saber original o fundamental.
- Lenguaje como forma de conocimiento.
- Proyecciones del imaginario humano.
- Carácter sagrado anterior a lo religioso.
- Intemporal, tiempo mítico.
- No forman un cuerpo o un sistema.
- Carácter dúctil.
El mito se expresa a través de la palabra y del símbolo, son representaciones visuales que a la vez revelan y ocultan.
Origen y función del mito:
- Vivir el mundo experimental como si estuviera dotado de sentido.
- Encontrar respuestas a cuestiones últimas: vida y muerte.
- El deseo de ver el mundo como un continuo, por eso el mito aparece como un complemento duradero de la cultura.
Función del mito:
- Mágico-religiosa, la capacidad de hacer visible aquello que es invisible.
- Cristalización de las formas éticas y jurídicas: aparición de un tribunal y de unas leyes para todos iguales. Es el paso de una organización social basada en el clan a una sociedad basada en unas leyes que la ciudad otorga de forma democrática ( La Orestíada ). Los mitos también sirven para cuestionarse las leyes que el poder otorga de forma ética.
- Ideológica: se plantea una serie de circunstancias que están supervisadas por el poder; hay una gran vinculación con el poder ya que la literatura es un gran medio publicitario.
- Literaria: se aprecia en la literatura primitiva de naturaleza oral.
- Estética: como lenguaje tiene que ver con la estética y con el arte.
Evolución del mito (tres fases):
- Teórico-contemplativa: himnos y odas.
- Explicativa de la realidad: narraciones cosmogónicas, Teogonía de Hesíodo. Pretende, además de glorificar o alabar, explicar la realidad.
- Incorporación de los seres humanos en el mundo concreto (culto heroico e inicio del teatro).
Mythos vs Logos : en un principio, mythos i logos son un lenguaje común para explicar la realidad, que es tanto lógica como mítica. A partir de Platón, el mythos se opone al logos como la fantasía a la razón o la palabra que narra a la que demuestra. Así pues, el mito se abre a lo sagrado e irracional, mientras que la lógica lo hace a lo secular y profano.
TEMA III
- Cantos satíricos y festivos rurales: origen de la comedia. Se dice que la comedia viene del Kmos , cantos salidos de tono que se hacían en un estado de alegría y surgían por la necesidad de reírse de uno mismo.
- Dithyrambos (ditirambo dionisíaco): celebración en honor a Dionisio de la regeneración de la vida.
Los primeros concursos de tragedias los establece Pisistrato en el año 534 aC y duraban 5 o 6 días. El primer día se hacía un concurso de Ditirambo con niños y hombres, y a partir del segundo día se hacían concursos de tragedias; finalmente se sacrificaba un cordero en honor a Dionisio.
El Ditirambo: se hacía en tres tipos de celebraciones:
- Grandes dionisias o Dionisias urbanas: se celebraban hacia finales de marzo, durante cinco o seis días, en Atenas y participaba toda la ciudad e incluso se invitaban dirigentes de otras ciudades. El coro es lírico y consta de unos 50 hombres que invitaban a los dioses a venir a la tierra para presenciar este canto. Estos se componen de: 10 ditirambos cantados; 10 ditirambos cantados por adultos; 5 comedias; i 3 tetralogías (3 tragedias i 1 drama satírico de “relax”).
- Dionisias leneas: fiestas que se hacían al principio del invierno, sólo en Atenas, y duraban cuatro días; en un principio eran improvisadas.
- Dionisias rurales : celebraciones que se hacían en diferentes pueblos a finales de diciembre.
Del Ditirambo a la tragedia.
Arion de Corinto es el que fija la comedia hacia mediados del s. VI. En el Ditirambo se puede buscar el inicio de la forma dramática.
- Ditirambo: Se pasa de representar a los dioses a representar héroes y sus aventuras; más tarde son substituidos por humanos. Canto del corifeo y ritornello del coro, que se divide en dos. Aparición del Hypokrites (actor), solista que dialoga con el coro.
- Tragedia (trasgos): Primer actor: Tespis, hacia mediados del s. VI a C. Dialogo con el coro y acción ficticia: el actor se convierte en el objeto y el sujeto de la acción. No sólo explica y responde, sino que además actúa y transforma la tragedia en acción, representando a través de la acción una reacción ficticia. Deuteragonista: segundo actor que aparece con Esquilo, de esta forma ya está formado el teatro. Aparece el diálogo entre el protagonista y el antagonista (deuteragonista) y, con él, el conflicto.
La tragedia griega y el público:
Hasta la muerte de Eurípides se hacían, una vez al año, las Dionisíacas, y las tragedias no se repetían nunca. Esto cambió a principios del s. IV aC, cuando se repusieron las tragedias de los autores anteriores. Este cambio es fundamental dentro de la sociedad griega y nos habla de un progresivo aburguesamiento de la sociedad; el teatro empieza a ser disfrutado como una forma de entretenimientos, sin el contenido religioso anterior.
El teatro pasa a ser un acontecimiento social y político en el que no hay diferencia entre lo privado y lo público, ni entre la familia y la ciudad. Es un elemento de cohesión que permite que los griegos se cuestionen sus problemas jurídicos, éticos y morales.
Los autores de las tragedias vivían de las fuentes tradicionales y de las narraciones épicas, por lo que el tema que utilizaban no era original pues provenía de textos orales que, más tarde, Homero recogerá.
El teatro asume misión educativa: el héroe es el modelo y se pretende que el público se identifique con el protagonista. Los personajes son arquetipos que permiten analizar el comportamiento humano, y la solución no entra dentro de la historia, sino que se encuentra en el exterior. Su importancia es exponer las contradicciones de la vida humana entre el destino y la libertad: no habría tragedia si no hubiese libertad.
Partes de la tragedia.
- Prologo : se recita y expone al público los antecedentes de la tragedia en cuestión.
- Párodos : entrada del coro en la tragedia de manera solemne, corriendo y cantando. Son los episodios que se refieren a la acción, lo que hace avanzar la historia. Con Esquilo solo hay diálogos, Sófocles introduce el tercer actor.
- Episodios: escenas; acción recitada por los actores donde progresa la acción. Dependiendo de la tragedia puede haber tres o cuatro episodios.
- Estasimo: son las intervenciones del coro, que a veces se divide en dos, y da paso a estrofas y anteestrofas. Estas intercalaciones permiten a los actores descansar y prepararse para la próxima escena.
- Éxodo: final de la tragedia y salida del coro.
El drama satírico: El satyrikón drâma o sátyroi fue introducido en Atenas c. 520 aC por Pratinas de Fliunte, quien escribió más de 38, dándole estructura definitiva. De Esquilo nos han quedado el nombre de 17 dramas, de Sófocles 19 y de Eurípedes 1. Así, el único drama satírico que nos ha llegado entero es el de Ciclop , de Eurípedes, y una sola trilogía de Esquilo.
El drama se presentaba después de una trilogía y se trata de una pieza muy importante porque conserva el elemento antiguo dionisíaco del teatro, y recupera los primitivos esquemas dionisíacos (ditirambos) que la tragedia había ido cambiando y alejando.
En este había siempre sátiros que hacían de coro, eran gente campesina del séquito de Dionisio y que enaltecen la fecundidad de la naturaleza, representan la recuperación del ciclo vital y a menudo aparecen danzando y tocando instrumentos mientras entonan cantos (“viva la vida”). También aparece el Sileno, un sátiro viejo, sinvergüenza y juguetón; y el Pan, un dios rústico que, según la zona, recibía diferentes nombres.
Estructura:
- Similitudes con la tragedia a nivel formal y temático: · Alternancia entre acción e intervención del coro. · Se escribe a través de los mitos, los sátiros se mezclan con los héroes.
- Diferencias: · La danza y la música toman otro tono. · Los temas son dramas grotescos/selénicos. · La tragedia es divertida.
- Puesta en escena: · Las máscaras y la liberación es diferente. · Son calvos, con orejas en punta y cola de caballo. · Espíritu juguetón, son acróbatas. · Se disfrazan.
- Escenario: lugares exóticos en la natura o lugares idílicos ( obscene : fuera de escena).
- Temática: se basan también en los mitos, pero el tono es diferente, el hecho que permite que después de la catarsis se pueda reír de aquello que antes no podía.
La comedia se da con la aparición de una clase media burguesa que busca entretenimiento y unas condiciones históricas nuevas. Se introduce más tarde que la tragedia, dentro de los certámenes dionisíacos, hacia el 486 aC, cuando se realiza el primer concurso de comedias. La parresia es la libertad de expresión que existía dentro de la comedia, ya que en ella participaban todos y no había ninguna división entre la aristocracia y el pueblo: el mito era común para todos. Esta forma, pero, se perderá y se convertirá, la comedia, en comedia de costumbres y de escenas de la vida cotidiana.
Es un período crítico de intervenciones a otros pueblos y Atenas dejará de ser el centro de atención, que pasará a ser Roma tanto económica como políticamente, mientras que Atenas pasa a ser centro intelectual. Es el punto final de la evolución de la comedia griega ya que el teatro deja de estar vinculado con la polis.
Con Agatón de Atenas se da el final de la tragedia; sus tragedias son inventadas y no como las anteriores, que se basaban con los mitos para exponer los problemas de la polis. La tragedia, pues, no volverá a ponerse en escena hasta el 387 aC, cuando se reponen tragedias de clásicos.
Orígenes del hecho teatral:
Según Aristóteles (384-322 aC), la comedia nace de los cantos populares y salidos de tono, y de las representaciones campesinas. Los seres humanos tienen la necesidad de solemnizar, pero también de parodiar y reír; en estas dos caras que coexisten se inscriben tanto las tragedias como las comedias, como podemos ver el símbolo del teatro: la máscara que ríe y la máscara que llora.
La Poietiké , de Aristóteles, es el primer tratado de estética occidental y, durante siglos, ha sido el fundamento del pensamiento crítico de nuestra civilización, la base del estudio y del hecho artístico. Ésta, según Diógenes Laercio (y según parece), estaba formada por dos libros: el primero nos ha llegado incompleto y trata sobre la tragedia; el segundo se ha perdido pero estaba dedicado a la comedia.
Es un tratado científico escrito de manera muy clara, con conceptos clave, pero expresado descuidadamente; esto hace pensar que estaba escrito como un discurso para ser explicado. Lo escribió entre los años 333 y 322 aC, dos siglos después de que empezaran los concursos de tragedias y 87 años después de la última representación trágica; por esto se dice que es un texto ahistórico: un pasado que él no conoce, un pasado mitificado.
Dice que la poesía es natural al ser humano y el hombre aprende gracias a la imitación (mímesis). Empieza diferenciando y situando las artes que crean la poesía y se da cuenta de que todas son imitación y con lo único que difieren es con los medios, las formas y los objetos. Así, en la primera parte se propone diferenciar artes como la danza, la pintura, la escultura y la literatura.
Aristóteles no es el único que trató el nacimiento de la tragedia y su estética; en 1570, Castelvetro también lo trató y estudió. El primero lo había hecho sin la intención de crear un sistema de reglas para entender la estética de la tragedia y lo hizo mediante la empírea y la técnica. En el Renacimiento se hizo una interpretación dogmática y durante el Romanticismo se cuestionó.
Poietiké : medios de imitación : “ la epopeya y la poesía de la tragedia, pues, como también la comedia, la poesía ditirámbica y, para la gran mayoría, la manera de tocar la flauta y la manera de tocar la citara, conllevan todas de una forma general imitaciones ”. (Cap. I, 1447 a).
Todas estas artes forman parte de la capacidad mimética del ser humano. Hay que imitan la realidad a través de imágenes (pintura), otras utilizan otros medios como el ritmo, el canto y el verso (tragedia, epopeya, música y danza); a estas artes las llama literarias. Todo el mundo, en ésta época, escribía en verso y no todo era poesía:
“ En cuanto, sin embargo, a la técnica que imitan sólo las expresiones verbales, sean en prosa o en versos (...) conlleva una falta de nombre hasta el día de hoy. No poseemos, en efecto, una denominación común (...), salvo que los hombres llamas a unos poetas, mientras que llaman a los otros poetas épicos, todo otorgándole ese nombre no según la imitación que llevan a término, sino según el metro que emplean en común ” (Cap. 1, 1447 b).
“ Suele llamarse así, en efecto, quien expone mediante metros incluso un método de medicina o de física. Sin embargo, no hay nada en común entre Hesíodo y Empedocles salvo el metro. Por ello, sería justo ciertamente nombrar a un poeta, mientras que sería justo llamar al otro fisiólogo más que poeta ”. (Cap. 1, 1447 b).
“ Hay una tercera diferencia que radica en cómo alguien puede imitar cada uno de estos objetos. Con los mismos medios, en efecto, y tomando los mismos objetos, es posible imitar todo narrando (se narra algo ocurrido al individuo en cuestión y sin haber sufrido ningún cambio) o bien representando todos los personajes como si actuaran e hicieran las coses por sí mismos ” (Cap. III, 1448 a).
Poietiké: formas de imitación (2): la narrativa (épica) y el teatro (acción).
“ Hay una tercera diferencia que cae en la manera de cómo alguien puede imitar cada uno de estos objetos. Con los mismos medios, en efecto, y cogiendo los mismos objetos es posible imitar narrando (se narra algún hecho u otro, como lo hace Homero, o bien se narra alguna cosa como si le hubiera pasado al individuo en cuestión y sin haber sufrido ningún cambio) o bien representando todos los personajes como si actuasen e hiciesen las cosas por sí mismos.” (Cap. III, 1448 a).
Poietiké : objetos de imitación: “ Por otra parte la poética se dividió según los caracteres propios de los autores: los que, en efecto, eran más nobles imitaron las acciones bellas y las acciones de quien eran nobles, mientras que los que eran más vulgares imitaron las acciones de aquellos que eran viles (…) .” (Cap. IV, 1448 b).
Habla de la tragedia y de la parodia, personajes nobles u hombres y hechos cotidianos.
“ En cuanto a la cuestión de considerar que la tragedia ha llegado ya a toda su perfección, tanto en sí mismo como en lo que atañe en representaciones, este es otro problema, habiendo consistido en un principio en meras improvisaciones, tanto la comedia como la tragedia, aquella por parte de quienes ejecutaban el ditirambo, la otra parte de los actores de cantos fálicos, que todavía perviven en muchas ciudades, poco a poco la tragedia fue creciendo al desarrollarse los elementos que le eran próximos, hasta que tras muchas transformaciones, su evolución se detuvo una vez hubo alcanzado su naturaleza específica ”.
“ Esquilo aumentó el primero en número de actores de uno a dos, rebajó la importancia del coro y dio preponderancia al dialogo. Sófocles aumento el número de actores a tres e introdujo la escenografía. Aparte se dignifico en extensión abandonó los argumentos breves, la dicción burlesca que hasta entonces había tenido, en razón de haber nacido de los coros de sátiros y adquirió más tarde una mayor majestad ”
Poietiké : poesía y mimesis: “ Ahora la poesía parece ciertamente que haya sido producida en general por dos causas, y por dos causas naturales. El hecho de imitar, en efecto, es algo natural a los hombres desde que son niños (el hombre se distingue a otros animales en que es muy apto para la imitación, al mismo tiempo que los primeros aprendizajes se hacían mediante la imitación), y todas las personas siente disfrute mediante las imitaciones .” (Cap. IV 1448 b).
El concepto de mimesis está muy debatido. La mímesis de la tragedia no es una mimesis realista; cuando dice que el arte se parece a la naturaleza, se refiere a la forma creativa de la misma, no a la forma exterior. Las tragedias no son reflejo de la realidad de los griegos en el tiempo en que fueron escritas, ni tampoco lo eran los elementos escenográficos que se utilizaban.
Poietiké: definición de tragedia:
Formas de leer el verso del coro:
- Yambo, un verso compuesto de una silaba larga y una silaba corta:. ____ ti. tâ
- Trímetro yámbico:. ____. ____. ____
- Trocaico:. ____ tâ _ ti . ___. ___. ___
- El verso de la comedia: no es un verso con rima, sino un verso rítmico.
Elementos que introduce la tragedia:
- Katharsis : purificación de las pasiones que se produce mediante el temor y la piedad.
- Hedone : ausencia de calma y de placer, en el fondo seria la finalidad de la mímesis, crear una emoción agradable que produce la tragedia en el espectador dejándolo descargado/liberado.
- Hybris : pecado de orgullo.
- Hamartia : error por ignorancia.
Elementos básicos para el efecto emocional de la tragedia son:
- Peripecia : cambio de una situación a su contraria, normalmente en una situación en equilibrio.
- Agnosias o reconocimiento : paso de la ignorancia al conocimiento.
- Patético: acción destructora que provoca reacciones dolorosas.
- Fuera de campo : explica algo que no aparece en escena.
- Elipses: saltos que existen dentro del argumento, que el público es capaz de llenar.
- Duración : tiempo que tiene que durar. En 1570 L. Castelvetro crea una preceptiva y una teoría humanista, basándose en las unidades aristotélicas, que condicionará casi tres siglos del teatro occidental.
Partes temporales de la tragedia (según la estructura que hace Aristóteles en su poética):
- Prologo.
- Episodios.
- Párodos y Estásimos (partes del coro).
- Salida.
Organización de concursos:
- Archon eponymos, arconte : magistrado encargado de organizar los concursos.
- Chorego : productor, quien pagaba los concursos. Encargado de escoger los actores y el coro; un cargo y un honor.
En el siglo IV, Atenas contaba con aproximadamente unos 500 000 habitantes, de los cuales unos 40 000 tenían el estatus de ciudadanos, 160 000 eran mujeres y niños sin participación política, y 300 000 eran esclavos.
- Dramaturgo = poeta = director y, a veces, actor (al menos hasta Esquilo).
- Coro: aficionados, era un honor participar en él; los actores principales sí eran profesionales.
- Tragedias: 3 poetas concursantes, elegidos previamente, que presentaban 3 tragedias y 1 drama satírico (cada uno; esto se llama tetralogía). El primer día se hacían los concursos de ditirambos, y los dionisíacos duraban 5 o 6 días. La tetralogía ganadora recibía una corona de laurel.
- Comedias: 5 poetas concursantes, elegidos previamente, que presentaban 1 obra cada uno.
- Jurado de 10 personas escogido por los espectadores.
Se imprimían una especie de monedas que se acuñaban como entradas, era una cantidad muy pequeña. Ir al teatro formaba parte de la vida de los artesanos y hasta los esclavos, los prisioneros, y las mujeres, podían asistir como público.
Con Esquilo se hacen trilogías que tienen un hilo argumental que las ligaba, pero después empiezan a ser independientes a partir de Sófocles.
El edificio teatral:
La tragedia nace de la distancia ente el mito y el hombre, que se descubre a sí mismo como problemático. Así intenta explicar su existencia preguntándose sobre una serie de problemáticas, pasando del mito.
- El espacio, en el teatro griego , está integrado con el público formando una unidad, y el espacio central es el de la orquestra. La thymele hace referencia al altar, y el coro evoluciona a su alrededor; aprovecha la naturaleza.
- El teatro romano pone más distancia entre el público y se construye dando paso a una arquitectura, mientras que el coro prácticamente no existe.
- El teatro medieval utiliza grandes escenarios y el público participa en él, era como una difusión de la ideología cristiana.
Hasta el 350 aC no se empiezan a construir teatros en piedra. El teatro de Atenas no es del s. V aC, ya que se quemó varias veces; se cree que un principio la planta era trapezoidal y fue construido hacia el 322 y el 325 aC con un aforo de unos 600 000 espectadores.
El THEATRON es el espacio desde donde se mira el espectáculo y donde se coloca el público. Éste está dividido por unas escaleras ( klimakes ), que dividen la cávea en secciones llamadas cunel. Los pasadizos transversales son las diazomas y sirven para desalojar rápidamente el público. Los asientos se llaman ikiria , y los parodos son las entradas para las personas que se sentaban en la parte baja de la cavea ; en el siglo IV aC se añaden los pilones , formando una especie de puerta.
El coro entraba por el parodo y se colocaba en la orquesta , en el centro está la thymele (pequeño altar donde se ponía la estatua de Dionisio). El procenico / proscenio es donde actuaban los actores; el skene era un cuarto rectangular frente a la orquesta donde el actor se preparaba.
Las escaleras de Caronte daban debajo del proscenio , donde había un túnel en el que los actores pasaban de un lado a otro. En el proscenio había una trampilla y otra en la orquesta, por donde salía un personaje. La oreja de Dionisio era una especie de cueva que había detrás del teatro de Siracusa y desde allí se hacían los efectos sonoros como el efecto del trueno; la acústica era muy buena.
El primero que humaniza la máscara es Tespis en s. VI y el primero que las individualiza es Esquilo; eran máscaras con expresión fija y era el texto el que indicaba si cambiaba. Ésta tenía una doble función :
- Capacidad de acceder o representar algo que es diferente a uno mismo.
- Facilitar que un actor pudiese hacer más de un papel.
Los actores que hacían personajes individuales eran profesionales, y las intervenciones del coro permitían su descanso y su preparación para la siguiente escena.
Las máscaras daban al actor un aspecto gigante al que ayudaban las ropas y los kothornos (zapatos de unos 10 o 15 cms de altura); además tenían en ellas una especie de peluca en forma de triángulo llamada onkos. Había una especie de cabezones o máscaras en forma de animales. Los papeles de mujeres estaban interpretados por hombres.
Vestuario:
- Jitón Jónico : túnica que llegaba hasta los tobillos.
- Jitón Dórico : túnica corta y abierta por los lados con unas mangas largas que disimulaban la musculatura masculina.
- Poikilos : túnica de muchos colores que llevaban los personajes “femeninos” y que daba apariencia opulenta.
- Epiblema : capa que también daba apariencia opulenta.
- Himation : capa con la que se cubría el coro en las comedias.
- Chlamys : capa corta.
- Peplos : túnica que llevaban los actores masculinos para hacer de mujer; eran de lana tupida hasta los pies y estaba recogida con un cinturón.
- Kothornos : zapatos de unos diez o quince cms de suela.
- Petassos : gorro que llevaban los griegos para viajar.
También usaban cojines para parecer más gordos, sobre todo en las comedias, donde también se ponían unas medias para remarcar el sexo. Los colores eran simbólicos: el color dorado o amarillo lo llevan los personajes que representa a los dioses, el negro era de duelo, el purpura… y los personajes que representaban a mujeres llevaban el pelo recogido y un velo.
Para los griegos los dioses son simbólicos y no tienen el peso del pecado existente en la religión católica. En el s. VI aC ya existe una constatación de una fisura entre el ser humano y la naturaleza, yendo hacia un pensamiento más razonado. Es la rotura de una sociedad basada en el clan, como representa Antígona o Medea. Los trágicos empiezan a poner sobre el escenario las nuevas instituciones que están empezando a surgir: justicia, educación, ejércitos…
Música y danza:
La música de la tragedia era muy simple, y la monodia era un canto muy simple que surge del ditirambo. Eurípides es el que más utiliza el canto para los personajes individuales, y sería lo que conocemos como arias. Había un tipo de actuación recitada llamada kataloge , que se diferenciaba de la parte cantada o parakatologe****. El grito de Evohe (viva la vida) aparecía, a menudo, en la comedia.
El aulos es un instrumento de aire que se utilizaba mucho debido a que se consideraba el más adecuado como voz humana, aunque también se utilizaba mucho la cítara.
La danza era gestual, mímica, con ritmo, y la acción toma cada vez más importancia.
El actor:
Los actores cada vez eran más; pasaron de dos a tres y había un cuarto actor que no hablaba pero que desempeñaba diferentes acciones: el kofon prosopon. El coro era preparado por el corego y formar parte del mismo era muy prestigioso.
Frinico fue escogido como estratega por su forma guerrera de bailar. El mimo era un género hablado y actuado y tendrá gran éxito (estaba muy bien pagado) y el solista también empieza a ser prestigioso.
En el s. V aC los actores actuaba de una forma muy estática, con sobriedad y mesura. A finales del mismo siglo, los actores empezarán a gesticular de forma más animada pero muy exagerada y menos realista. Con el nacimiento del teatro, el actor deja de ser un mero narrador, de forma que el público diferencia correctamente entre el actor, que hace una mímesis de la realidad, y el personaje.
En Grecia, el actor estaba muy ben considerado y es en Roma cuando pierde todo este prestigio porque exhibirse en público era ir en contra de la dignidad (a pesar de haber artistas protegidos), aunque ahora las mujeres ya pueden formar parte de la representación.
El coro: función y sentido.
Los actores del coro no son profesionales y, desde Esquilo pasando por Sófocles hasta Eurípides, el coro irá disminuyendo.
- Con Tespis, el coro va perdiendo peso en beneficio de la acción dramática y, con él, también se va perdiendo el aspecto litúrgico del arte y la tragedia.
- Esquilo individualiza los personajes del coro mediante una máscara y con una historia concreta.
- Sófocles le da al coro la misma importancia que los personajes, que queda como testimonio y comentador de la obra.
- Con Eurípedes queda minimizado como ornamento lírico y nace un realismo con esta individualización del personaje, que habla más de las pasiones y de los sentimientos. Ya no se acepta esta voz colectiva, que es el coro.
Metre:
- Yambo: _ ___ se utilizaba entre los actores, de 12 tiempos y también dobles yambos.
- Trocaico: ___ _
- Anapesto: dos sílabas cortas y una de larga: _ _ ___ = ti ti tâ. Se utilizaba para la entrada solemne del coro.
Atribuciones del coro:
- Funciones imprecativas (tiene su origen en el culto), plegarias, invocaciones y oraciones. A menudo se pide la aparición del héroe, de un dios, o de un muerto. También pueden ser una acción de gracias o un canto de victoria.
- Participación ceremonial, de carácter ritual como procesiones u ofrendas.
- Narración: el coro se da en función de la acción, que normalmente va por detrás del personaje reclamando prudencia, aunque también se puede avanzar a lo que sucederá. A veces tiene un papel visionario, puede expresar su temor ante la adversidad de las acciones y advertir al personaje de los peligros que le pueden venir. Según Aristóteles el coro representa al espectador ideal, pero también es el puente entre la escena y el público: da forma a aquello que el público por sí sólo no puede llegar a ver y a poner en palabras, a aquello invisible, a lo dionisíaco y metafísico. También sirve para pasar de un episodio a otro y se cierra con el éxodo, que es la salida del coro.
