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Preguntas prueba 13 diciembre: Identidad visual y Fundamentos del D.G.
1. ¿Qué es la identidad visual corporativa?
La identidad visual corporativa es la plasmación gráfica de la identidad, personalidad y valores de una organización. Ésta debe ser capaz de comunicar visualmente toda la esencia de la empresa, servicio o producto. Los elementos básicos por los que está compuesta son el logo, los colores y la tipografía corporativa.
2. ¿Qué funciones tiene la Identidad Visual Corporativa?
En general, se utiliza para construir la personalidad corporativa, posicionarla, impulsar nuevos productos y servicios, motivar el mercado de capitales, etc.
3. Requisitos de una buena marca gráfica
El requisito del logo es que represente los valores únicos de la empresa (misión, valores,
hecho diferencial y visión); que sea fácil de recordar y, sobre todo, que tenga una gran
capacidad de diferenciación respecto al resto:
- Transparencia en la comunicación: el diseño debe transmitir con claridad lo que la marca
representa.
- Sencillez: el logo busca la simplicidad, la esencia de la imagen.
- Personalidad: el diseño debe ser único, relevante y de buen impacto visual.
- Identificación: Imagen estable y fácil de recordar
- Reproducibilidad: el logo debe poseer las características necesarias para su aplicación en
diferentes elementos o superficies tanto en gráfica, como en web o vídeo, de tal manera que
nunca pierda su esencia primaria.
4. Razones para la creación y actualización de un logo
Para la creación del logo:
- Representar a una empresa, producto o servicio nuevo que va a ser lanzado al mercado.
- Representar a una empresa, producto o servicio que ya está en el mercado, pero que
carece de identidad visual corporativa.
- Representar a una empresa, producto o servicio que ya tiene un logo, pero no es
profesional y no está cumpliendo su función.
Para la actualización (restyling): Debe realizarse cuando la empresa, el producto, el servicio
y/o el mercado han evolucionado demasiado y el logo necesita adaptarse a la nueva etapa.
5. Tipos de marcas verbales
La identidad empieza por el nombre de marca. Probablemente, ésta sea la primera manera que manejamos los humanos para señalar y distinguir una cosa entre las otras.
Descriptivos: Se trata de una enunciación sintética de los atributos de identidad de la empresa o institución. (Museo Español de Arte Contemporáneo, Mondial Assistance, Caixa de Pensions). Simbólicos: Aluden a la empresa mediante una imagen literaria. Patronímicos : Toman como referencia el nombre de una personalidad clave dentro de la empresa: dueño, fundador…. Toponímicos: Se centran en el área de actuación de la empresa o a su lugar de origen Contracción de letras y palabras mediante iniciales y fragmentos de palabras.
6. Identificadores primarios y secundarios.
Se reconocen dos grandes familias de signos primarios : los logotipos y los símbolos. Es
decir, las marcas gráficas basadas en el nombre y las de naturaleza no verbal, con
funciones específicas y capaces de trabajar separadas del logotipo. Cada familia tiene en su
interior variantes y matices que no llegan a alterar el sentido de esta gran división.
Llamamos signos identificadores secundarios a aquellos que no poseen la entidad suficiente como para separarse de los primarios.
7. Clasificación morfológica de los signos de identidad primarios.
Logotipo: En principio, el logotipo solo es la forma escritural del nombre de marca. Sin
símbolos ni otros grafismos; solo el nombre escrito.
Logotipo tipográfico estándar: El nombre de la empresa está escrito de manera normal
con alguna familia tipográfica preexistente y de uso libre (Panasonic).
Logotipo tipográfico retocado:. El nombre se escribe con una tipografía regular pero se
interviene para aumentar su singularidad (modificación de los espaciados, tamaños, estilos
y proporciones habituales de los cuerpos, estiramiento o compresión de algunos trazos,
exageración de acentos, ligaduras...)
Logotipo tipográfico exclusivo : El logotipo se ejecuta con una familia tipográfica propia y
diseñada por encargo y especialmente para el caso (diario Times, Londres).
Logotipo tipográfico Iconizado : En este modelo de identificación se reemplaza alguna
letra del logotipo por un icono formalmente compatible con dicha letra o con la actividad de
la empresa (En una hipotética marca Sol la “o” sería el dibujo de un sol).
Logotipo singular : El logotipo es una pieza única diseñada como un todo, con una forma
excepcional que no responde a ningún alfabeto ni estándar ni creado ad hoc.
-Un fondo normalizado, casi siempre Geométricamente regular. (Benetton, Ford).
9. Tipos de símbolos
Símbolos icónicos: El símbolo es diseñado con una imagen que representa algún
referente reconocible del mundo real o imaginario, tanto por su semejanza formal evidente
(el dibujo de un caballo o de un cocodrilo), como por su fuerte codificación (el zig-zag que
representa el rayo no guarda semejanza formal con los rayos reales pero lo reconocemos
perfectamente). (Lacoste, Goodyear )
Símbolos abstractos : Son formas que no representan objetos o conceptos conocidos. A
través de las características formales y cromáticas pueden connotar o evocar algún tipo de
sensación: dureza, tradición, etc.
Símbolos alfabéticos: Están constituidos por aquellos que utilizan las iniciales del nombre o cualquier otra letra como motivo central, sin confundirse con el modelo “sigla”. (La T de Texaco, la M de Motorola).
10. Uso de los símbolos ® © TM SM ®
El símbolo ®: Está reservado a las marcas registradas. Puede usar este símbolo junto a
su merca una vez haya obtenido el título oficial de marca registrada.
El símbolo ©: En inglés ‘copyright’, se utiliza para advertir al público que la presente obra
es original y su reproducción está sujeta a derechos de autor. No son las ideas las que se
protegen, sino la expresión de las mismas.
Símbolo ™: Su siglas en inglés ‘Trade Mark’, indica a consumidores y a la competencia que
la marca corresponde a una denominación de productos de una marca de negocios. Se
utiliza principalmente en países anglosajones para marcas no registradas oficialmente.
Símbolo SM: El símbolo SM corresponde a las siglas del inglés ‘Service Mark’. Es el equivalente al TM y se usa para marcas de servicios en países anglosajones.
11. ¿Cómo podemos proteger el diseño?
Hay dos formas básicas de proteger al diseño:
- El copyright: protege las fuerzas creativas de expresión.
- Las leyes de marca comercial: regulan la capacidad de las diferentes marcas para distinguirse de otras. 12. Qué es un manual de Identidad visual corporativa y de qué partes suele constar?
Un manual de identidad visual corporativa es un documento en el que se concentra y detalla
la personalidad de una empresa, en él se establecen las variables más convenientes para
que los distintos elementos que componen la identidad visual de una organización
contribuyan al fortalecimiento y la unidad de su imagen.
Partes:
- Selección de atributos y valores que contiene la marca.
- Nombre.
- Marca.
- Alternativas de uso.
- Pruebas de legibilidad.
- Usos incorrectos.
- Tipografías corporativas.
- Tipografías complementarias.
- Color o colores corporativos.
- Colores complementarios.
- Aplicaciones a papelería corporativa básica.
- Aplicaciones a papelería corporativa de prestigio.
- Piezas de comunicación.
- Señalética.
- Merchandising.
- Packaging.
- Flota de vehículos.
- Correo electrónico.
- Uniformes y prendas de vestir. 13. El punto: definición, funciones y tipos
El punto es una figura simple, redonda y sin ángulos, por lo que podemos decir que son relativamente pequeños y de forma sencilla. De hecho, el punto es la unidad más simple de comunicación visual y un elemento muy básico. Entre sus funciones generales vemos que son ideales para crear pautas o patrones, incluso visualmente dan vida a las líneas rectas.
Tipos, clasificados según su forma externa:
- circular
- oval
- cuadrada
- irregular
- intangible e imperceptible
se desplaza levemente, pueden suceder tres cosas: que el objeto regrese a su
posición original, el objeto se aparte aún más de su posición original o que se
mantenga en su nueva posición.
Equilibrio simétrico y asimétrico.
17. El ritmo: definición, funciones y tipos.
El ritmo está constituido básicamente por la repetición de un patrón y es esencial
para la percepción de los acontecimientos que ocurren en el tiempo. Puede definirse
como la combinación armoniosa de sonidos, voces o palabras, que incluyen las
pausas, los silencios y los cortes necesarios para que resulte grato a los sentidos.
Las funciones básicas de nuestra vida, la respiración y la circulación se realizan
rítmicamente a través de funciones repetidas y alternantes.
Por tanto, hay un ritmo natural que está en la vida. El ritmo vital está íntimamente
ligado a la producción del lenguaje. Además del ritmo natural hay un ritmo
planificado creado por el hombre.
Tipos de ritmo:
- Por repetición
- Alternancia
- Radial
- Por simetría
- Por progresión
- Libre
- Quebrado 18. La escala: definición y funciones.
Denominamos escala a la existencia de una relación matemática proporcional entre
las dimensiones de distintos elementos. Puede representarse mediante un número o
una fórmula.
Se pueden dar juegos muy interesantes en las composiciones, en las que objetos
originalmente pequeños se muestren sobredimensionados y objetos grandes se
muestren en miniatura.
Este es un recurso muy utilizado en el diseño debido a los juegos visuales que
aporta.
→ La escala, por su parte, haría referencia a la relación de tamaños entre los
elementos que forman la pieza gráfica.
→ La proporción entre los elementos en un principio debe ser equilibrada, con el
uso de una escala correcta para mantener cierta armonía entre los elementos que
formen la composición.
→ La escala se convierte en un recurso bastante utilizado en el diseño gráfico para
crear piezas en las que se busque destacar un elemento sobre el resto de la
composición.
→ En mapas y cartografía: A la hora de representar una ciudad en un plano, la
escala es un recurso imprescindible para tener una idea de la estructura de la
ciudad. Gracias a ella, sabemos que los elementos que aparecen representados en
el plano guardan una relación proporcional directa con las medidas de los objetos
reales.
→ En elementos tipográficos: La escala nos permite resaltar textos y ordenarlos
jerárquicamente por tamaño.
19. Colores primarios según los ámbitos.
Rojo, azul y amarillo.
20. Tono, brillo y saturación.
Tono: La propia cualidad que tiene un color. Todos los colores del círculo cromático,
primarios, secundarios e intermedios son tonos.
Brillo: La intensidad o el nivel de energía. Es la luminosidad de un color, es decir, al
el brillo. Alude a la claridad y oscuridad de un tono.
Saturación: La pureza cromática o falta de disolución con el blanco. Constituye la
pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco presente.
21. Color luz y color pigmento.
Cada tipo de color es procesado en nuestra mente como una sensación. Por un
lado, los colores menos saturados nos transmiten sensaciones de suavidad o
tranquilidad mientras que los más saturados nos trasmiten tensión o miedo.
Todo lo percibimos como figura-fondo, la figura tiene contorno, límites y se percibe
en un primer plano, mientras que el fondo lo describimos como aquello que no tiene
contornos, es ilimitado y se encuentra en un segundo plano.
Al observar una imagen distinguimos siempre una figura sobre un fondo, pero a
veces esto puede variar según la disposición del espectador y puede suceder que el
fondo pasa a ser figura. Este fenómeno se da en las figuras reversibles.
Existen una serie de diferencias que ayudan a percibir, o distinguir entre figura y
fondo:
- Cuando dos formas poseen línea común que los limita, es la figura la que
adquiere forma ante un fondo.
- El fondo parece que continúa detrás de la figura a la hora de percibirlo. Se
considera que todo elemento rodeado será siempre figura.
- La figura se presenta como un objeto definido, sólido y estructurado.
- La figura tiene un tamaño menor que el fondo.
- La figura parece tener un color más sólido o denso, y el fondo un color más
vago.
- La figura se percibe más cercana al espectador, al contrario que el fondo que
está por detrás.
- La figura impresiona más y tiene más efecto en el recuerdo, por el contrario el
fondo queda indefinido y se difumina con mayor facilidad.
- La línea que limita la figura y el fondo, siempre pertenece a la figura.
24. Figura fondo y las leyes de la Gestalt.
Las leyes de la percepción fueron anunciadas por los psicologos de la Gestalt. Estas
leyes explican los principios generales presentes en cada acto perceptivo,
demostrando que el cerebro hace la mejor organización posible de los elementos
que percibe.
Ya en el s.XX, estas leyes explicaban la percepción de figura-fondo aludiendo que el
ojo reconoce una figura sobre un fondo, pero que aun así, la figura también puede
funcionar como fondo y el fondo como figura, cambiando así la percepción de éste.
Además, las leyes de Gestalt clasifican la relación figura-fondo en dos apartados;
los definidos y los indefinidos:
A.1) Indefinido: Cuando existe confusión a la hora de diferenciar la figura del fondo.
A.2) Definido: Cuando la figura y el fondo son claramente distinguibles.
25. Jerarquía: definición, funciones y tipos.
La jerarquía es un principio de valor que presenta numerosas variables y se produce
en todo tipo de circunstancias.
Desde el punto de vista de la creación gráfica, es de particular importancia cuando
se considera en relación con la información que una persona recibe, ya que el
principio jerárquico hace que valore más aquello que le afecta o es de su interés.
El ser humano dispone de unas capacidades limitadas tanto en la percepción como
en el conocimiento. Necesita tiempo para asimilar y para comprender. Incluso
tiempo para ver, aunque esto apenas lo apreciemos. Mientras esto suceda, los
valores jerárquicos actuarán como un filtro que ordena la información.
Entre los aspectos que pueden hacer variar los valores jerárquicos de una persona
en un momento dado están los que se refieren a la atención selectiva. Es decir,
situaciones en las cuales un individuo busca o espera algo concreto. Esta atención
selectiva afecta a los siguientes parámetros: El interés, que se desvía hacia un
campo concreto. La situación, que es analizada con fuerte tenden- ciosidad por el
individuo. Los valores, que se adaptan a las circunstancias y pueden modificarse.
Tipos de jerarquía:
- El orden de lectura
- El tamaño
- El color
- La forma
- La ubicación
- La composición de elementos
MAIALEN
26. Retícula: definición, usos y funciones.
La retícula es una herramienta muy útil que nos puede asegurar mayor equilibrio en nuestra composición al momento de diseñar. Para crear cualquier información gráfica, ya sea diseño editorial, afiches y hasta páginas web, se utiliza la retícula para organizar la información según la información y contenido. Esta debe definir la posición de todos los elementos que aparecen en la página (dónde va el título, subtítulo, pie de foto, etc). No es algo rígido y depende del medio para el que se utilice. Esa rigidez se rompe sobre todo en los periódicos. Es una estructura en dos dimensiones hecha de líneas verticales y horizontales utilizada para estructurar el contenido, sirve para organizar textos, imágenes o videos de una forma racional y fácil de visualizar. Una retícula aporta a la maquetación un orden sistematizado, distinguiendo los diferentes tipos de información y facilitando la navegación del usuario a través del contenido. Los beneficios que reporta trabajar con una retícula claridad, eficacia,
- Rubik Art: cada cubo de Rubik, visto desde arriba, tiene 9 posiciones, pudiendo tomar un color cada una. Imaginando que cada posición es un pixel de una imagen se pueden crear auténticas obras de arte.
- Arquitectura modular: las construcciones a partir de módulos se traduce en composiciones simples pero con un diseño complejo. Son un signo de funcionalismo y modernidad.
- Diseño interior modular: los módulos se aplican al diseño interior creando sensación de orden y modernidad. Ikea es el mayor exponente del diseño de interiores modular.
- El píxel: los módulos pueden tener mínimas dimensiones, el ejemplo más claro de ello son los píxeles. Los monitores gráficos muestran imágenes dividiendo la pantalla en miles (o millones) de pixeles, dispuestos en filas y columnas. Así, las pantallas de nuestros dispositivos electrónicos están compuestas por diminutos micromódulos. 28. Los diagramas: definición y tipos.
Un diagrama es una representación gráfica de una relación funcional o lógica que presenta la información de forma tabulada facilitando así, la comprensión de importantes cantidades de datos, que convertidos en imágenes y símbolos acompañadas con textos son mejor percibidos y sintetizados por el cerebro humano. Se utilizan en una amplia variedad de campos (matemáticas, arquitectura, química, biología, ciencias sociales...) para explicar fenómenos, procesos u organizaciones determinadas. Además, también encontramos también una serie de diagramas- infografías creativas.
Tipos: diagramas de flujo, mapa mental, diagrama de procesos, diagrama analítico, diagrama de barras, diagrama de tarta, organigrama, diagrama de Venn, diagramas dinámicos y diagrama de Gantt. Estos pueden ser combinados entre ellos formando así otros tipos, no tan clasificables debido a su composición a partir de dos o más clases de diagramas.
29. Diagramas de flujo.
Son representaciones gráficas de la secuencia de todas las operaciones que ocurren dentro de un proceso, con el objetivo de proporcionar una imagen clara de toda la secuencia de acontecimientos. Es decir; son la representación gráfica de un algoritmo, donde se utilizan símbolos con significados bien definidos que representan los pasos del algoritmo y mediante los cuales llegaremos desde el punto de inicio hasta el punto de término. Todo diagrama de flujo tiene un único punto de inicio y un único punto de término y todo camino de ejecución deberá llevar del uno hasta el otro. Podemos distinguir cuatro tipos principales de diagramas de flujo:
- Formato horizontal (derecha): el flujo o secuencia de operaciones va de izquierda a derecha.
- Formato vertical (izquierda): el flujo o secuencia de operaciones va desde arriba hacia abajo.
- Formato panorámico: el proceso entero está representado en una sola carta y se puede apreciar mucho más rápido que mirando el texto; incluso de una sola mirada, lo que facilita su comprensión.
- Formato arquitectónico: describe el itinerario de ruta sobre el plano arquitectónico del área de trabajo. Hay una casilla o apartado eminentemente descriptivo, siendo este el principal, mientras que el resto son fundamentalmente representativos y tienen cierta dependencia del primero. 30. Mapa mental y diagrama de proceso.
Mapa mental: son diagramas para representar palabras, ideas o conceptos ligados a una palaba o concepto principal, pensado para ayudar a la fácil memorización de estos y ordenados por el factor relevancia.
Diagrama de proceso: son representaciones gráficas de los pasos que se siguen en toda una secuencia de actividades dentro de un proceso. Además incluyen toda la información necesaria para su análisis, como lo son distancias recorridas, cantidad considerada y tiempo requerido.
31. Diagrama analítico, diagrama de barras y diagrama de tarta.
Diagrama analítico: son variantes de los mapas conceptuales, con a diferencia de que utiliza formas muchos más variadas que estas para transmitir la información, de modo que esta sea lo más eficaz posible. Utiliza análisis de conceptos, teorías, organizaciones, procesos, etc, distinguiéndolos entre sí mediante el espacio, las formas y los recursos visuales.
Diagrama de barras: se utilizan para representar caracteres cualitativos o cuantitativos discretos. Están formados por dos ejes; horizontal, donde se presentan los datos o modalidades, y el vertical, donde se presentan las frecuencias de cada dato o modalidad, pudiendo ser estas frecuencias absolutas, acumuladas relativas o relativas acumuladas.
Diagrama de tarta: en este tipo de diagramas se divide en partes un objeto visual que representa una totalidad del universo, siendo cada una de estas partes la representación del valor de la variable de estudio seleccionada. En este tipo de diagramas la representación es casi específica para la representación de porcentajes.
32. Organigrama y diagrama dinámico.
Organigrama: estos constituyen la expresión bajo forma de documento de la estructura de una organización, mediante la división de funciones, niveles jerárquicos y líneas de autoridad y responsabilidad. Son un modelo abstracto y sistemático, que permiten obtener una idea a cerca de la estructura formal de una organización. Por un lado tiene un papel informativo, ya que permite que sus integrantes conozcan, a nivel global, sus características generales, y por otro lado es un instrumento para realizar análisis estructurales.
vectores. Esto hace que el máximo posible al que se agrande la imagen sea distinto. Las ilustraciones creadas con bits tienen un límite, si lo pasas la imagen se pixela. En los creados con vectores, en cambio, esto no sucederá.
Proceso:
- Abrimos Photoshop y importamos la imagen que queremos. Después entramos en edición -> definir motivo y le ponemos el nombre que queramos y aceptamos.
- Nos dirigiremos al layer o documento donde queremos introducir nuestro patrón y clicamos en Capa-nueva -> capa de relleno-motivo. Podemos jugar con la escala para crear un multiplicador de nuestro elemento. Y ya ha terminado el proceso el patrón ya está definido. 36. Cómo crear un patrón con illustrator.
- Creamos un dibujo de forma ortogonal (preferentemente cuadrada).
- Colocamos el elemento que queramos dentro y arrastramos el conjunto a la paleta de “Muestras”.
- Eso convertirá el dibujo en un motivo infinito. Y se podrá aplicar como fondo de relleno a cualquier objeto nativo de Illustrator.
LEYRE
37. Qué es la tensión y cómo podemos conseguirla. Utilidades
La tensión es un concepto muy importante cuando hablamos de movimiento ya que está directamente relacionada con el dinamismo. La tensión se genera a partir del desplazamiento y alejamiento de los elementos de los ejes vertical y horizontal, eso genera dinamismo. Tiene como finalidad dirigir la mirada y conseguir la atención del observador.
Existen distintas técnicas para crear tensión en el movimiento del diseño gráfico. La primera es la sugestiva, la cual consiste en dirigir la mirada intencionalmente a un punto determinado por medio de otros elementos. La segunda es la rítmica, la cual se basa en la tendencia innata del ojo humano a completar secuencias de elementos y la última es la mecánica, que consiste en dirigir la atención del receptor de una forma obligada.
38. Transparencia- opacidad. Definición y utilidades gráficas
Cuando hablamos de transparencia u opacidad, nos estamos refiriendo a la capacidad de un objeto de dejar pasar más o menos luz a través de él. Así, distinguimos entre dos tipos de materiales: los translúcidos y los opacos. Se dice que un material es traslúcido, cuando deja pasar la luz de manera que las formas se hacen irreconocibles, y que es opaco, cuando no deja pasar apreciablemente la luz.
A la hora de trabajar en diseño gráfico, podemos usar elementos o herramientas con distinta transparencia u opacidad que ya viene predeterminada por defecto y con la que podemos realizar nuestra composición. Sin embargo, si trabajamos digitalmente, tenemos la
posibilidad de jugar con diferentes niveles de opacidad y transparencia de la imagen. Las opciones que nos permiten los programas de DG Digitales actuales como los productos Adobe (Illustrator, InDesign, Photoshop, etc), son: variar la opacidad de los objetos, utilizar máscaras de opacidad para crear variaciones de transparencias, cambiar los modos de fusión con los que interactúan los objetos superpuestos, aplicar degradados y mallas que contengan transparencias, y efectos o estilos gráficos que contengan transparencias.
Usos: en el mundo de la publicidad, el juego con las transparencias también constituye una importante herramienta para cautivar la mirada del público. Un ejemplo de ello lo vemos a la hora de diseñar el packaging de los productos ya que da la posibilidad de poder ver el interior del mismo sin necesidad de tener que desprecintar el producto. Esta técnica no sólo se limita al packaging, sino que también se utiliza para campañas publicitarias convencionales e incluso para estrategias de publicidad no convencional. El uso de estas técnicas también tiene cabida en otros ámbitos del diseño, como puede ser la moda o en la propia arquitectura.
39. Aleatoriedad – secuencialidad. Definición y utilidades gráficas
Los términos están íntimamente ligados, cuando hablamos de secuencialidad en una imagen, nos referimos a una composición dinámica y rítmica, ordenada según una lógica y que probablemente haya sido estructurada siguiendo un esquema regular. La regularidad responde a una estructura ordenada siguiendo un patrón preestablecido. En cambio, cuando hablamos de aleatoriedad el término que mejor la define es la irregularidad, la ausencia de un plan concreto, trata de sorprender realzando lo inesperado y lo insólito son dos estrategias visuales eficaces que podemos utilizar para conseguir resultados diferentes, todo dependerá del efecto que queramos conseguir en nuestro proyecto.
Utilidades gráficas: La secuencialidad y la aleatoriedad son recursos ampliamente usados en fotografía, un mundo en el que el orden y el desorden de los elementos pueden dar lugar a estupendos resultados. Por ejemplo, la famosa fotografía “Almorzando en un rascacielo” no produce sensación de desorden pero sí que lo hace la fotografía “Bombardeo en Trang Bang, 1972”.
La secuencialidad en el mundo de la publicidad es una técnica muy utilizada. La publicidad secuencial transmite una sensación de continuidad que da la impresión de movimiento, claridad y orden. La aleatoria da sensación de dinamismo y movimiento, la forma en la que se disponen los elementos de la imagen produce una sensación de caos y desorden.
40. Neutralidad – acento. Definición y utilidades gráficas.
La complejidad de un diseño es la cualidad que nos lleva a la saturación del concepto y falta de comprensión del mismo, al desenredo de ideas y caos al orden. Por tanto, un diseño complejo es aquel en el que tenemos que parar a observarlo para poder entenderlo ya que a primera vista nos resulta difícil comprender su composición. En las creaciones de diseño gráfico complejo el color predomina sobre la línea haciéndola a esta difusa y poco relevante en el conjunto. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo.
Utilidades gráficas:
● Ámbito publicitario: la simplicidad está caracterizada por composiciones con pocos colores o monocromáticas en la mayoría de los casos y por el uso de pocos elementos visuales. La publicidad compleja está caracterizada por el uso excesivo de elementos y la recarga del soporte. Percibir el mensaje que quiere transmitir el anuncio es complicado en algunos casos y el público necesita unos segundo para analizar el mensaje y comprenderlo finalmente. ● Arquitectura: estilo complejo (barroco) o simple (minimalista).
42. Plano – profundo. Definición y utilidades gráficas
Una definición de plano sería: superficie material sobre la cual se desarrolla una propuesta en dos dimensiones (no posee volumen). Un plano tiene largo y ancho, tiene posición y dirección y está limitado por líneas. Todo plano delimita dos zonas, una acotada (plano y su interior) y otra infinita (el fondo).
La búsqueda de la representación real del Renacimiento llega a su fin con la aparición del arte contemporáneo y las nuevas vanguardias artísticas en las que se vuelve a la composición plana. En diseño gráfico y en publicidad también nos encontramos influenciados por el empleo de lo plano, y del arte contemporáneo que renuncia a la perspectiva. Desde el art decó, hasta la actualidad la mayoría de los carteles optan por representaciones que rozan lo abstracto, el empleo de elementos geométricos y la ausencia de la profundidad.
La profundidad recurre al uso de la perspectiva. La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En diseño grafico, como en otras técnicas visuales se pueden emplear la profundidad para crear una ilusión visual de amplitud, se “alarga” la imagen dando la sensación de que no es un objeto plano sino que tiene una dimensión. Una idea en una imagen profunda tienes más posibilidades de comunicar que en una plana ya que le añade una nueva dimensión. El uso de la
profundidad no solo se reduce a la aplicación en imágenes o dibujos, los elementos tipográficos también pueden aportar profundidad al diseño.
43. Unidad- fragmentación: Definición y utilidades gráficas
La unidad es el recurso que consigue representar la diversidad como una unidad. Inspirado así su nombre, la unidad ofrece la capacidad de poder simplificar lo complejo, convertir lo variado y ajetreado en una imagen percibida como una sola. Si queremos representar ambientes relacionados con valores estáticos, fríos o de más sobriedad, la unidad es el recurso que necesitamos. Los ambientes intensos, llenos de excitación y “tensión” ambiental están más adecuados a la fragmentación.
La fragmentación es quizá un recurso más oportuno para transmitir la excitación o la variedad (tanto de objetos físicos como de sensaciones). Su carácter emotivo, o al menos más excitante que la unidad concede al lector ideas o valores alejados de un ambiente tan frío/serio. La fragmentación es explotada en el mundo artístico para transmitir ciertas sensaciones, pues cuenta con un carácter adicional cargado de significado y sentido. Las sensaciones que transmite algo fragmentado van relacionadas con connotaciones negativas: miedo, sufrimiento, agonía, dolor, odio, tristeza, confusión, muerte etc.
En el arte tenemos ejemplos de unidad como la Gioconda y de la fragmentación como el cubismo o el parque Güell de Gaudí. Con la fragmentación se consigue un mayor esfuerzo visual por parte del receptor y con ello una sensación de fuerza y emoción por parte de la obra.
44. Reticencia- exageración: Definición y utilidades gráficas
La reticencia y la exageración son dos conceptos que se pueden interpretar de diversas formas. La diferencia clave entre las dos técnicas es que la reticencia se trabaja con mínimos elementos y las exageración por el contrario con máximos. Por otra parte la exageración no siempre consiste en incluir tomas exageradas de la imagen. La composición puede estar formada por un único elemento y éste estar representado de forma exaltada. La reticencia en publicidad , MENOS ES MÁS, la reticencia consiste en el concepto en el cual la imagen no carga demasiado la vista al no contener muchos elementos en ella. Pero a pesar de su sencillez, permite mostrar un mensaje complejo. La reticencia es un recurso muy apreciado en la publicidad ya que en este campo siempre se defiende que hay que decir mucho con poco.
Como podemos ver en las obras de Albert Exergian donde a través de pocos elementos se representan películas internacionalmente conocidas, descubrimos que con muy poco contenido desciframos rápidamente sobre los que nos está hablando el cartel.
