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CINE, SOCIEDAD Y RENOVACIÓN ARTÍSTICA
SONRISAS Y LÁGRIMAS: COMEDIA, DRAMA Y CINE MUSICAL.
1.- El burlesco: Mack Senett, Charles Chaplin, Búster Keaton y Harold Lloyd.
Es la forma original del cine cómico. Su atractivo está en la sucesión de gags, tartazos y persecuciones frenéticas que dotaban de gran velocidad al filme. Es un humor ingenuo y absurdo que hunde sus raíces en las comedias dell´arte, el vodevil, la pantomima, el music hall o el humor judío. Sus interpretes son, a la vez, actores teatrales de dichos géneros, venidos de Europa. Conviven la comedia civilizada y la comedia loca entre otras. Aparece alrededor de 1908 con directores como Ben Turpin y Max Senté y se extenderán dos décadas más. En ellas aparecen actores como Charles Chaplin, Búster Keaton, Harold Lloyd y Harry Langdon. Max Senett procedía de la opereta y el teatro popular. Exportó a la Biograph los gags de las variedades para luego crear un estilo nuevo a partir del vodevil. Es el inventor de la comedia de tartas y bastonazos (slapsticks) en lo que se calificó como crueldad primaria y que era fuente de comicidad.
Charles Chaplin llega a EE.UU. procedente de Inglaterra donde trabajaba en el teatro desde niño, oriundo de una familia de cómicos de varias generaciones. En la Keynstone realiza la primera película (“Charlot periodista”) en 1914, personaje que terminará por absorberle. Su trabajo evoluciona hasta convertirse en director y realizar películas de corte más crítico lo que le valdrá ser perseguido en la “Caza de Brujas” de Mcarthy que le acusaba de comunista. Pasará por varias productoras hasta crear la United Artists con David W. Griffith, Mary Pickford y Douglas Fairbanks en 1919. A partir de este momento producirá sus propios filmes sin problemas. Estas filmaciones llegarán hasta los años 50.
Mary Pickford.
También Búster Keaton (Pamplinas) vino también del vodevil familiar, llegando al cine en 1917. Dirigió en 1927 “El maquinista de la general” con gran éxito de taquilla. El comienzo del sonoro le sacó del cine y sólo participó en filmes con actuaciones cortas como “Candilejas” (1950), “El crepúsculo de los dioses” (1952) y “El mundo está loco, loco, loco” (1964). Harold Lloyd interpretó papeles de muchacho ingenuo, con gafas de concha y poco apreciado por las chicas. Se hizo famoso por realizar
situaciones arriesgadas, colgando de edificios o saltando entre ellos. Destacan en su filmografía “El hombre mosca” (1923), “¡Aay que me caigo!” (1927). A fines de los 20 el burlesque se va transformando en comedia acompañada por el sonoro y la generalización del largometraje. La sucesión de gags ya no es suficiente para llenar los 90 minutos de cinta y el ritmo se vuelve distinto, menos acelerado. Otro tipo de cine mudo fue el de aventuras que es, básicamente, el cine de acción. En él se incluyen los filmes históricos, los de capa y espada, los western, piratas y algunos musicales entre otros géneros. Lo encarnan personajes estereotipados, idénticos siempre: el héroe y el villano, y con frecuencia: la chica que, a veces es el objeto por el que luchan aunque puede también ser un talismán, un tesoro, una venganza,… pero a estos se les puede incluir la joven. No es raro que su acción transcurra en un tiempo anterior. Dentro de este género de aventuras aparecen, igual que lo hicieron en el papel, los filmes por entregas o capítulos, como por ejemplo “El Zorro”, “Los Tres Mosqueteros” o “La Guerra de las Galaxias”. Destacan mucho las aventuras históricas que van desde lo imaginario y situado en la Antigüedad como “Jasón y los Argonautas” a “Alien, el octavo pasajero” que puede incluirse también el cine fantástico. Otro subgénero de este pueden ser las de tipo colonial con ejemplos, entre otros, “Cuando ruge la marabunta”. El cine fantástico surge muy temprano, en el cine mudo con títulos como “El fantasma de la ópera” (1925, Rupert Julian)
Por otro lado el melodrama proliferó durante el cine silente a pesar de la limitación que suponía la falta de diálogos. El tratamiento de conflictos que afectaban al lado femenino y su proceso dramátic o que afectaba de forma directa a muchas mujeres con historias de amor, moral, social, familia, maternidad o relación madre-hijo sobrevivió y se enriqueció a la llegada del sonido.
Las dos huérfanas, fotograma coloreado. David W Griffith. 1921. Posteriormente se hizo una nueva versión.
- La comedia clásica Americana, la screwball comedy y el humor absurdo.
La llegada del sonoro propicia un nuevo cine que ya no se apoya en el burlesque: la comedia. Este desarrollo supone la retira del cine cómico y con ello, la paulatina desaparición de sus realizadores: Charlot, Búster Keaton, Harold Lloyds, … y la aparición de otros: Cary Grant, Carole Lombart o Clark Gable. En los años 30 aparecen 2 modelos de comedia: la sofisticada y la extravagante.
segunda como musical que no dirigió él pero sí un montón de títulos más. La primera etapa de Woody Allen con “Toma el dinero y corre”, “El dormilón”, … etc ya en los años 70.
Un título a destacar pero que pasa desapercibido con frecuencia es “El mundo está loco, loco, loco” (1963, Stanley Kramer ) en la que se hacen guiños al primer cine cómico dentro de una historia completa mente desmadrada y con un reparto de estrellas del momento (Dorothy Provine) o ya añejas (Búster Keaton, Ethel Merman, Mickey Rooney,) que hacen de esta película una hazaña divertida imposible de repetir.
Escena del final de “El mundo está loco, loco, loco”.
La comedia puede que sea el género menos exportable debido a la singularidad de los países donde se realiza. Quizá la americana halla sido la más internacional mientras que otras como la francesa y la italiana han sobrevivido al paso del tiempo de peor manera.
- El drama y el melodrama. Las especializaciones.
El drama es un género que agrupa a las películas que abordan conflictos humanos personales y sociales de manera realista. Más que un género es una perspectiva o aproximación de forma paralela. Trata de temas como el amor, los celos, la muerte, los ideales, la justicia, … de forma más o menos amable. Si es esta última se califica como comedia y al contrario sería la tragedia. Se engloba dentro de este apartado una gran cantidad de maneras de abordar un tema. Así enclavamos dentro del drama: el melodrama o drama romántico, el cine histórico, cine político, biográfico, religioso, los judiciales,…etc. La principal especialización de el drama es el melodrama. Tiene un origen variado: el teatro, la ópera, el folletín o la novela gótica. Lo general es que el melodrama abuse de los sentimientos del espectador y, por tanto, se convierta en un elemento de manipulación sobre todo en lo tocante al romanticismo, aludiendo en exceso a situaciones de vulnerabilidad femenina y dependencia de este sentimiento, privilegiando la posición dependiente de la mujer. Durante los años 30 a 50 Duglas Sirk y John M. Sthal rodaron gran cantidad de estos melodramas, conocidos también como folletines. Otra forma del drama es el cine histórico que puede, y generalmente lo hace, adoptar posiciones verosímiles, participando de otros ciclos como el western, bélico, religioso o biográfico entre otros. Debe tenerse en cuenta que se trata de interpretaciones de la historia y su
veracidad es más que dudosa (“Gladiador”, Riley Scout 2000), recurriendo en exceso a los mitos nacionales, generalmente poco creibles, y favoreciendo una perspectiva aventurera y legendaria que aumentan con la distancia en el tiempo. En cuanto al cine biográfico se destaca la proliferación de filmes que reflejan el siglo XVIII y las revoluciones que se dieron en él con un marcado reflejo realista.
- El apogeo del cine musical.
Se define como tal aquel filme que otorga especial importancia a la música, que se acompaña frecuentemente de coreografías todo ello dentro de una historia que puede ser de cualquier tipo: biografía, drama, comedia, western, biográfica, histórica, … Se considera musical por excelencia al americano. Este es un género genuino que apenas se ha desarrollado en otros países y que se caracteriza por historias frívolas y optimistas. En general, los tratamientos dramáticos resultan excepcionales. En su época de apogeo absoluto de finales de los años 30 y toda la década de los 40, compositores de gran prestigio realizaron obras para películas de gran éxito: Cole Porte (Kis me, Kate) George Gershwin (Un americano en Páris) Irving Berlin (Luces de Candilejas) y otros muchos más. El musical americano surge con el cine sonoro y se apoya en el teatro pero su raíz primera está en la opereta. Hasta la renovación que se produce con Robert Mamoulian en el filme “Ámame esta noche” (Richard Rodgers y Lorenz Hart, 1932, una de sus primeras creaciones como compositores) en la que se usan movimientos de cámara rápida, originales y difíciles, pero que logran planos de gran atractivo. Este es un tipo de musical muy requerido durante la Gran Depresión de los años 30 por su carácter intranscendente. Se caracterizan por un argumento romántico con final feliz y una gran apoteosis con bailes y música muy animada y llena de optimismo. Ejemplo: “Strike up de band” ( Busby Berkeley , 1940).
Efecto kaleidoscopio. La Calle 42.
A partir de los años 30 aparece una serie de productores- directores que buscan un musical con mayor contenido. Es el caso del escenógrafo y coreógrafo Busby Berkeley que rodará filmes como “La calle 42” (1933) en la que desarrollará un sistema de planos “en kaleidoscopio” conocido como “efecto Berkeley” que descubrirá un nuevo enfoque de mucho efectismo. Se trata de una o varias cámaras verticales sobre una escena de coreografía de eje central dentro de una estética Art Decó.
Este plano podía derivar en un travelling vertical y circular que recorría la escena de arriba abajo
En “Un día en la ciudad” Gene Kelly y Stanely Donen se enfrentan a un reto: es el primer musical grabado en exteriores reales. Las tomas se realizan en Nueva York y en la ciudad hay que ensayar y realizar las coreografías. Resultó un éxito de taquilla y una preparación, según Kelly, para “Cantando bajo la lluvia”. Si bien en el primero las canciones fueron especialmente compuestas para el filme, en el segundo se utilizaron éxitos de los años 30 y 40 que, cosidos a una trama que narra los inicios del cine mudo, consiguen un espectáculo exclusivo que soporta sin problemas el paso del tiempo. Donen dirigió también “Siete novias para siete hermanos”. En los años 50 se rodaron 2 musicales de ambientados en círculos negros: “Porgy&Bess” con música de Gershwin y “Carmen Jones” que es el trasunto negro de la cigarrera. Se trata de dos dramas de ambiente oscuro y agobiante. Ambos fueron dirigidos por Ottro Preminger. En los años 60 la mentalidad cambió mucho y los musicales de gran producción decayeron. Aún así destacan “West Side History” (1961, Robert Wise ), Mary Poppins (1964 Robert Stevenson ), “May Fair Lady” (1964, George Cukor ) y “Sonrisas y lágrimas” (1965, Robert Wise ). “La leyenda de la ciudad sin nombre” no es un musical sino un wenstern con 2 canciones. Con este último paquete se cierra un periodo de producción de musicales, es decir, un paradigma. Por supuesto estos no fueron ni de lejos la totalidad del género producido entre el inicio del sonoro y el final de los años 60. El número de películas de este género es muy grande, cercano a las 6.000 de menor realización pero ni pequeñas de faltas de calidad.
Si es cierto que desde inicio de los 70 hasta nuestras fechas se han producido menos películas musicales pero existen gran cantidad de títulos que constituyen otro paradigma y que son ejemplo del cambio de los tiempos: “All that Jazz” (1970, Bob Fosse ), “Cabaret”(1972, Bob Fosse ), “Jesucristo Superstar” (1973, Norman Jewison ), “Fama” (1980, Alan Parker ), “Evita” (1996, Alan Parker ), “Chicago” (2002, Robert Marshall ), “Rent” (2005, Michel J. Warren ), “Los productores” (2005, Susan Stroman ), “Mama mia” (2008, Phillida Lloids ) … aunque nacen en el teatro, como tantas otras, se traspasan a cine con sistemas propios de este.
Escena de Rent: plano picado.
