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CAPITULO 1 Expresionismo 1.1 Definición de Expresionismo El Expresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló en Alemania entre 1910 y 1925, alcanzando su desarrollo después de la Primera Guerra Mundial. Este movimiento se manifestó primero en la pintura, luego en la literatura y después en otras artes como el cine y el teatro. Surge como una reacción de los artistas jóvenes alemanes ante las tendencias artísticas de esa época, la situación que se estaba viviendo en ese momento en Alemania y los valores que predominaban en la sociedad. Las tendencias artísticas dominantes en Alemania a finales del siglo XIX eran el Realismo y el Impresionismo. En su diccionario Patrice Pavis comenta acerca del Realismo: Realismo designa una corriente estética cuya aparición se produjo entre 1830 y 1880, y asimismo una técnica apta para dar cuenta objetivamente de la realidad psicológica y social del hombre. La palabra Realismo aparece en 1826 en el Mercure Francais , referida al conjunto de estéticas que adoptan la contrapartida del clasicismo, del romanticismo y del arte por el arte, ponderado una imitación fiel de la "naturaleza"... La representación realista, que en todas las artes bosqueja un retrato del hombre y de la sociedad, intenta dar una imagen que juzga adecuada a un proyecto, sin idealizar ni interpretar personal o incompletamente la realidad. El arte realista presenta signos icónicos de la realidad en la cual se inspira. 1 El Realismo se interesaba por representar la realidad de una manera objetiva, sin idealización ya que buscaba alejarse de ll idealización que manejaba el Romanticismo que fue un movimiento anterior. Por otro lado, el Impresionismo también buscaba representar la realidad, pero de una manera más subjetiva que la del Realismo. En la segunda mitad del siglo -siglo XIX- surgió un movimiento que centró su punto de atención en la captación de la realidad a través de la atmósfera y la luz entendidas como ejemplo de su mutabilidad.... La técnica utilizada por los pintores impresionistas parte de la teoría de Eugene Chevreul. Los diferentes colores se aplicaban sobre la tela sin mezcla previa, y eran unidos por la retina. 2 (^1) Patrice Pavis, Diccionario del teatro, Ediciones Paidos, México, 1990. (^2) El mundo del arte- autores, movimientos y estilos, Editorial Océano, Barcelona, 2000, p.111.
Los artistas impresionistas sabían que gracias a la luz solar que cae de distintas maneras sobre los objetos se logra la ilusión del color y de la línea (diferenciación de los colores), de manera que lo que nosotros vemos son las manchas coloreadas -atmósfera, luz- que envuelven a las cosas y que en la retina del ojo es el lugar donde estos colores que llegan por separado se unen y se combinan. Esta teoría deriva en la técnica impresionista de no mezclar los colores en la paleta y aplicarlos separadamente en el lienzo como pequeñas manchitas para que éstos sean unidos en la retina. El gran interés de los impresionistas por la luz hizo que utilizaran sólo colores puros y luminosos, desterrando los tonos oscuros neutros y grises y utilizando tonalidades vivas y claras que encontraban con mayor frecuencia al aire libre gracias a la luz solar. El Expresionismo surge como una reacción ante estas dos tendencias: el Realismo y el Impresionismo. Mientras que estos movimientos se interesan en representar la realidad, una de la manera más objetiva posible y la otra a través de la luz, el Expresionismo se interesa más por la manera en la que el artista percibe las cosas exteriorizando su visión de acerca de éstas, por lo tanto, es un arte mucho más abstracto, creativo y más centrado en el ser humano. El artista expresionista no trata de pintar la realidad exterior sino que trataban de pintar sus experiencias internas, sus ideas o visiones acerca de lo que estaban viendo. El término Expresionismo proviene de la palabra “expresión” que Pavis define así: "La expresión dramática o teatral, como toda expresión artística, se concibe, en la visión clásica, como una exteriorización, una evidenciación del sentido profundo o de los elementos ocultos; por lo tanto, como un movimiento del interior hacia el exterior [...]. 3 Sin embargo el Expresionismo no se basó simplemente en la expresión ya que toda manifestación artística es, en sí misma, expresiva. El arte expresionista fue más bien una "exasperación de la expresión", es decir, la expresión al máximo, encaminada a obtener efectos de gran emotividad. Los términos alemanes Expression y Expressionismus fueron creados derivándolos directamente del Latín para añadir un matiz más enérgico a los sinónimos, propiamente alemanes, de Ausdruck y Ausdrukkunst (el verbo Ausdrucken, además de "expresar" significa literalmente "exprimir", "retorcer"), con lo cual se quería aludir a un arte basado en "la exasperación de la expresión".^4 (^3) Pavis. p. 207. (^4) Historia del arte, t. II,.Salvat, México, 1979, p. 99.
La obra de Edvard Munch era tan diferente, tanto en la temática como en la forma, al tipo de arte que se realizaba en esa época que, incluso, su primera exposición, hecha en Berlín en 1892, fue clausurada por ser considerada demasiado escandalosa. Al principio la pintura de James Esnor, otro de los artistas precursores del Expresionismo, tenía un estilo influido por el Impresionismo hasta que en 1883 se unió a un grupo llamado "Los veinte" ( Les XX ) y empezó a cambiar su estilo que evolucionó hasta un estilo expresionista. Empezó a pintar grotescas máscaras de carnaval que él mismo describió como "dolientes, escandalizadas, insolentes, crueles y maliciosas" 7 Con estas máscaras siniestras y amenazadoras, Esnor trataba de representar al "gran teatro de mundo", ya que por medio de las máscaras representaba una especie de carnaval cómico en el que todos están ocultos tras máscaras horribles al igual que los seres humanos que se encuentran debajo de éstas ya que se hacen daño unos a otros. Este tema que es común en sus obras, puede encontrarse en su cuadro La muerte y las máscaras (1897) donde aparece la muerte representada por una calavera, envuelta en un sudario y rodeada de una especie de carnaval con las personas usando máscaras grotescas. "La muerte y las máscaras" James Esnor Aparte de nutrirse de la obra de Munch y Esnor, los artistas expresionistas también tomaron elementos de artistas Impresionistas como Van Gogh y Gaugin. El término Expresionismo ya había sido utilizado para distinguir las pinturas de Van Gogh de las (^7) Historia del arte , t. II, p. 106
pinturas de la etapa temprana del Impresionismo, ya que éste se negaba a pintar exactamente lo que veía, buscaba, como él mismo dijo "expresarse con más fuerza". 8 De Van Gogh los artistas expresionistas tomaron su experiencia vital volcada en su obra, sus brillantes colores y sus distorsiones emotivas, mientras que de Gauguin los artistas expresionistas tomaron la manera no realista en la que este pintor utilizaba el color, ya que no imitaba a la naturaleza y el poder de evocación que tenían sus pinturas de lo misterioso y simbólico al igual que su valoración del primitivismo.^9 “La noche estrellada” Van Gogh Los jóvenes artistas alemanes influidos por las pinturas de los artistas antes mencionados formaron círculos, grupos de artistas, en dónde discutían acerca de la moral, la ética y la estética del arte en un mundo que ellos consideraban decadente a causa de los valores tan materialistas de la sociedad alemana de principios del siglo XX. Estos artistas formaron tres grupos que pueden ser considerados como los representantes de las diferentes etapas que vivió el Expresionismo alemán desde sus inicios hasta la Segunda Guerra Mundial. Estos grupos fueron Die Brücke (El puente) Der Blaue Raiter (El jinete azul) y Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad). (^8) J.L Styan, Modern Drama in theory and practice, Cambridge University Press, New York, 1981, p.1. (^9) Gran Historia del arte –siglo XX-, V. 9, Editorial Planeta, Barcelona, 1998. p.103.
Manifiesto de Die Brucke Heckel Los artistas de este grupo crearon una serie de folletos, carteles, catálogos y grabados en madera al igual que pinturas en óleo En su primera etapa este grupo se caracterizaban por sus colores agresivos y muy contrastados y por los contornos de las figuras que eran duros, con formas picudas y quebradas, pero ya en su última etapa, el grupo se había mudado a la ciudad de Berlín en donde desarrolló aún más su estilo y tuvieron fuentes diferentes de inspiración. Sus temas se alejaron por completo de la armonía y la belleza, sus obras representaban fealdad, miseria física, brutalidad, mezclando lo grotesco con lo trágico. Las formas se volvieron más simplificadas y deformadas, había discordancia brutal entre los colores, expresión simbólica y apasionada de las cosas y los seres, así como una tendencia hacia la geometrización, con sus peculiares perfiles agudos e incisivos y los juegos de perspectivas, en donde las figuras y los objetos son vistos desde arriba y en escorzos caprichosos. 11 El grupo Die Brücke se disuelve oficialmente en 1913 abriendo el paso para otros grupos que ya se habían formado y que le iban a dar al movimiento expresionista alemán una nueva dirección. El grupo llamado Der Blaue Reiter fue fundado en Munich en 1911, alrededor de la figura de Kandinsky que era un artista abstracto. Este grupo no estaba organizado de manera tan formal como el anterior, sino que estaba formado por artistas que querían tener la libertad para crear y experimentar sin tener un objetivo común, y se reunieron para dar a conocer sus obras. Se presentaron dos exposiciones, la primera en enero de 1912 y la (^11) González, p.
segunda en marzo del mismo año y, dos meses después de la última exposición, se publicó un almanaque que contenía ensayos, artículos, reproducciones de las obras de los miembros del grupo, fotografías de arte medieval alemán, japonés, africano y de arte popular ruso. Como podemos ver por el contenido del almanaque y por el hecho de que los miembros de este grupo no tenían objetivos comunes, este grupo buscaba realizar un arte total en el que no se rechazara ninguna manifestación artística. Los mismos integrantes del grupo definieron sus objetivos en la portada del catálogo de su primera exposición "No queremos hacer propaganda de ninguna forma única, precisa y especial en esta pequeña exposición, sino que nuestro propósito es mostrar, en la variedad de las formas representadas, que el deseo interior del artista da como resultado una multiplicidad de formas" 12
. También en 1912, Franz Marc, uno de los miembros del grupo, resumió en un artículo la ideología estética de Der Blaue Reiter "El gran Trastorno, el desplazamiento del centro de gravedad en el arte, la literatura y la música. La diversidad de fortunas, consideradas bajo el aspecto de la construcción y de la composición. la necesidad de volverse con intensidad hacia la naturaleza y de renunciar, en consecuencia, a todo embellecimiento de las formas exteriores de la naturaleza... Tales son, en su conjunto, los signos del renacimiento interior. mostrar los caracteres y las manifestaciones de esta transformación, subrayar la continuidad de esta tendencia en relación a épocas pasadas. Hacer aparecer los impulsos interiores en todas las formas que provocan una reacción íntima en el espectador. Tal es el fin que Der Blaue Reiter se esforzaró en alcanzar". 13 Los artistas de este grupo lograron la creación de un arte total, al mismo tiempo que lograron darle al arte un contenido espiritualista que tendía a la abstracción. Relacionaron la pintura con la música, basándose en una cita de Goethe que aparecía en el almanaque en la que afirma que la pintura carece de aquello que da base a la música, esto es, una teoría fundamental, establecida y aceptada por la mayoría. 14 Lograr llevar la pintura al terreno de la música se convirtió en uno de los objetivos más importantes de este grupo. También le dieron al color un uso diferente ya que ellos veían el color como el medio más poderoso para llevar a cabo el cambio de rumbo espiritual porque creían que a través de los efectos físicos y psíquicos que provocan los colores en el espectador el artista puede influir, en el alma humana. (^12) Ib. pp. 30, 31 (^13) Ib. p. 40 (^14) Ib. p. 30
“Inválidos de guerra” “Sin título” Otto Dix George Grosz Las actividades de este grupo se detuvieron junto con el desarrollo del movimiento expresionista alemán con el ascenso de los nazis al poder y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial (1932-1945). El Expresionismo primero se manifestó en la pintura para luego hacerlo en otras disciplinas artísticas como la escultura, la arquitectura, el cine y la literatura. En la escultura se siguieron líneas muy parecidas a las que se siguieron en la pintura. Por un lado, se siguió con la línea del uso de formas angulosas, estilizadas y alargadas y el uso de expresiones patéticas y trágicas a causa de la guerra, como en las esculturas de Wilhhelm Lehmbruck que "son un canto al dolor, expresado por el ritmo quebrado de sus formas y por la desolación y ensimismamiento de sus figuras" 17 Por otro lado, la escultura de tipo expresionista siguió la línea del primitivismo y las artes populares como contraposición a la industrialización y el avance tecnológico, teniendo como mayores representante de esta línea a Kirchner y Schmidt-Rottluff de los que ya había hablado anteriormente. El Expresionismo en la arquitectura alemana se consolidó después de la Primera Guerra Mundial, cuando se dejó en manos de muchos artistas la transformación de la arquitectura. Se crearon diferentes grupos como el Novembergruppe que buscaban crear una nueva urbanística al servicio del pueblo y para eso recibían ayuda del Estado. La (^17) Ib. p. 43
arquitectura expresionista alemana vivió dos momentos principalmente, uno con una tendencia hacia lo visionario y utópico y otro de carácter organicista 18 . Los arquitectos del primer momento de la arquitectura alemana expresionista tomaron sus ideas del ensayo publicado por el novelista Paul Scheerbat (1863-1915) llamado Arquitectura de Cristal "Si queremos elevar el nivel de nuestra cultura -señala Scheerbart- estamos obligados, para bien o para mal, a transformar nuestra arquitectura. Y esto nos será posible sólo si ponemos fin al carácter cerrado de los espacios en que vivimos, lo que lograremos por medio de la introducción de la arquitectura de cristal, que dejar entrar en nuestras viviendas la luz solar y la luz de la luna y de las estrellas, no por un par de ventanas simplemente, sino, simultáneamente, por el mayor número posible de paredes completamente de cristal, de cristales coloreados. El nuevo ambiente, que crearemos de este modo, nos debe aportar una cultura nueva".^19 Dentro de esta tendencia se encuentran los arquitectos Bruno Taut (1880-1893) y Otto Bartning (1883-1922), ambos hicieron proyectos fantasiosos y utópicos inspirándose en los cristales y las fuerzas de la naturaleza. El segundo momento de la arquitectura expresionista alemana se caracteriza por seguir una línea organicista, Los arquitectos más representativos de este momento son Erich Mendelsohn, Fritz Höger y Hans Scharoum, entre otros. Una de las más importantes aportaciones de Mendelsohn (1887-1953) a la arquitectura fue crear un edificio que se expresa a sí mismo sin necesidad de elementos decorativos^20. Él trataba los volúmenes como si fueran una masa fluida, mientras que en la arquitectura de Fritz Höger (1877-1949) los volúmenes son como deformados y fragmentados. Para Hans Scharoum (1893-1972) el edificio aparece como un órgano vital, como si fueran "criaturas zoomorfas dotadas de una siniestra vida propia"^21 El cine expresionista alemán tuvo su principal desarrollo entre 1919 y 1924 con películas como "El gabinete del doctor Caligari" de R. Wiene (1919), "El Golem" de P. Wegner (1920) y "Nosferatu" de F. W. Murnau (1922) que de cierta forma expresa el sentimiento de muerte y destrucción que dejó la Primera Guerra Mundial en el pueblo alemán de esa época. (^18) Ib. pp. 53, 58 (^19) Ib. p. 55 (^20) Ib. p. 57 (^21) Ib. p. 58
capacidad dramática –( Die Ermordung einer Butterblume , El asesinato de un diente de león, 1913)-; luego pasó a la novela de tamaño normal, con temática al principio lejana a la realidad –con un motivo chino en Die drei Sprünge des Wang-Lun (Los tres saltos de Wang-Lun, 1915); con motivos tecnológicos en Wadzeks Kampf mit der Dampfturbine (La lucha de Wadzek con la turbina de vapor, 1920), y con motivos de ciencia ficción futurológica en Berge, Meere und Giganten (Montañas, mares y gigantes, 1924)-. Pero su novela capital fue Berlin Alexanderplatz (1929), donde, para presentar la experiencia de un trabajador que sale de la cárcel sin conseguir salvarse del naufragio personal en la ciudad destructora y corrompida, se aplican técnicas de collage, palabara interior y descripciones en fotomontaje, junto con la voz crítica del propio autor –se impone aludir a Joyce y a Dos Passos-, pero sin nublar nunca la línea del vivir del protagonista. Todavía escribiría Dóblin una suerte de gran crónica colectiva de Alemania entre 1900 y 1930, en Pardon wird nicht gegeben (No se dará amnistía, 1935), y, más cuestionablemente, una última novela, entre espectral y diléctica, Hamlet (1946).^26 (^26) Idem. pp. 196, 197
1.2 Expresionismo en el teatro alemán. El Expresionismo, tiende a dar expresión a cuanto perturba y conmueve el fuero íntimo del hombre. A diferencia de la observación exacta de la realidad como la pregonaba el naturalismo y de la pasiva receptividad frente a los fenómenos de la vida, típica de los impresionistas, la generación posterior pretendió intervenir activamente en la discusión de los hechos que amenazaba destruir la sustancia humana y poner en duda la supervivencia de valores esenciales. Manifestóse en este movimiento un ansia típicamente alemana: la de ver y representar la vida en toda su hondura y llegar a una posible explicación de enigmas existenciales que se fueron haciendo cada vez más amenazantes en un mundo exteriormente progresista. 27 Para finales del siglo XIX, el Realismo se volvió la tendencia más dominante dentro de la literatura y el teatro alemán con escritores como Hauptmann, La superficial manera que tenía el teatro realista de reproducir la vida ya no era satisfactoria y fue así como los escritores empezaron a buscar nuevas formas de expresión y tomaron las ideas de la nueva tendencia que se estaba utilizando en la pintura de esa época introduciendo así el Expresionismo en el teatro alemán. El teatro Expresionista de forma más pura tuvo lugar en la década que va de 1910 a 1920 aproximadamente, aunque existen autores anteriores que ya habían escrito obras con características expresionistas y también hubo tanto autores como directores que después de esta década siguieron utilizando los hallazgos del Expresionismo en sus obras. Dentro de los dramaturgos más representativos de la llamada "década Expresionista" podemos encontrar a Georg Kaiser (Los ciudadanos de Calais, Gas I , Gas II), a Ernst Toller (Hombre-Masa) y a Franz Werfel ( El hombre reflejado en el espejo ). Entre los dramaturgos anteriores a esta época se encuentran August Strindberg (Trilogía hacia Damasco) y Franz Wedekind (Despertar de primavera) y entre los posteriores se encuentran Bertolt Brecht (Baal) y Karl Zuckmayer (El capitán de Kopenick).^28 Esta gran cantidad de dramaturgos que llegaron a utilizar las técnicas expresionistas para sus obras, (^27) Ilse Teresa Brugger, Teatro Alemán del siglo XX, Ediciones Nueva Visión, Buenos Aires, 1961, p. 79. (^28) Gerardo Luzuriaga, Del Realismo al Expresionismo, El teatro de Aguilera Malta, Plaza Mayor, Madrid,.
- p. 79.
sublevación de la autoridad ("Vater Shon Motiv") y el motivo de la lucha contra los poderes hostiles tanto políticos como económicos. 30 El Expresionismo en el teatro aparte de contar con una posición ideológica también cuenta con una técnica y ciertas características tanto en la dramaturgia como en la representación. La técnica expresionista rechaza los principios del Realismo y esto se ve reflejado en distintos aspectos como la estructura, el lenguaje, los personajes, etc... En cuanto a la estructura, el drama expresionista rompe con la estructura ibseniana y la "pieza bien hecha". Las escenas en vez de ser presentadas de una manera lineal, son presentadas como cuadros independientes que expresan una idea o tema visto desde diferentes puntos de vista. La historia es presentada de una manera disociada y rota como en episodios y cada uno de estos episodios manifiesta una idea por sí solo. Los autores expresionistas se inspiraron en la pintura abstracta que se hacía en esa época para escribir sus obras por lo que los episodios que generalmente se desarrollan en tiempos y lugares distintos eran presentados casi simultáneamente como en una especie de yuxtaposición. 31 El lenguaje también buscó alejarse del lenguaje cotidiano del teatro realista y el pulido lenguaje del teatro clásico alemán, buscando una manera más abstracta para expresarse. Usaban una especie de estacato, como si fuera un telegrama, usando mucho los puntos suspensivos para asemejarse a los diálogos o monólogos internos. Los verbos y los artículos muchas veces eran omitidos. El teatro expresionista no se preocupaba por la psicología de los personajes, los personajes no tienen una personalidad desarrollada. Los personajes no son, sino que significan, es decir, son la corporización de una idea o de un estado de ánimo. En vez de representar a un individuo en particular, representan a un grupo social. Estos personajes son genéricos y arquetípicos, pierden su individualidad y esto se ve reflejado en los nombres que tienen: la madre, el mendigo, el padre, el ingeniero etc... Para reforzar esta característica de impersonalidad a menudo se utilizaba la máscara.^32 (^30) Luzuriaga, p. 81. (^31) Ib. p. 82 (^32) Ib. p.
Los autores expresionistas buscaban crear una realidad en el escenario parecida a un sueño y la actuación, el maquillaje, la escenografía y la iluminación de las obras trataban de crear este tipo de atmósfera. 33 Los expresionistas reconocieron el valor expresivo que puede tener el color y aprovecharon el gran poder simbólico y dramático que tienen los colores para provocar emociones.^34 Usaban colores oscuros o muy brillantes, muchas formas y líneas geométricas poco realistas. En vez de recrear en la escenografía algún lugar de manera realista trataban de simplificar las imágenes y solo utilizaban pocos elementos que dieran la referencia del lugar que se quería representar.^35 El teatro expresionista estableció dos diferentes tendencias dentro de la escenografía: la primera era distorsionar la realidad y la segunda trataba de darle al espacio una organización rítmica. Ambas tendencias se manifestaron en el teatro alemán de los veintes. La primera tendencia consiste en la distorsión de la realidad. Esta tendencia proviene de la idea de que los objetos sacados de su realidad lógica pueden tener vida propia y esto junto con la idea de que la escenografía tenía que ser el alter ego del actor hacía que la escenografía, por ejemplo, fuera vista a través de la atormentada alma del personaje principal lo que llevaba a los escenografos a distorsionar las cosas: las paredes en vez de ser verticales eran inclinadas como si desafiaran a las leyes de gravedad y las ventanas eran hoyos de forma triangular o de trapezoide.^36 (^33) Styan, p. 5 (^34) Denis Bablet, Revolution in stage design of de twenieth century, Leonel Amiel Publisher, Paris -New York, 1977, p. 85 (^35) Luzuriaga, p. 84. (^36) Bablet, p. 80.
sobresale debajo de una pared de color entre grisáceo y verdoso que representaba la Torre de Londres, símbolo del régimen del terror en Inglaterra. Periódicamente una monumental escalinata en dirección a la plataforma era incorporada a la acción. Esta escalera representaba una descripción espacial de la ascensión y caída de Ricardo. En esta escenografía también podemos encontrar un ejemplo del uso que los expresionistas daban al color, la escalera es roja por lo rojo del manto real y por la sangre de las víctimas.^37 “Ricardo III” E. Pirchan “Ricardo III” E. Pirchan La iluminación en el teatro expresionista ayudaba a enfatizar expresividad. La iluminación que se usaba era muy contrastante y muchas veces en vez de utilizar una iluminación general, preferían sólo iluminar ciertas áreas, o lugares a manera de flashes lo que permitía atrapar y aislar la expresión de los actores con los rayos de luz. Utilizando el contraste entre las sombras y la luz en la iluminación los directores acentuaban la presencia del actor, ya que alargaba y exageraba la imagen de estos. También por medio de la (^37) Ib. pp. 80 a 85.
iluminación hacían cambios o desplazamientos rápidos de escenas o acentuaban las relaciones que había entre los personajes. 38 Los actores a veces usaban máscara y, si no la usaban, su maquillaje era violento y llamativo y trataba de mostrar la idea o estado de animo que se quería mostrar por medio del personaje. La actuación también se alejaba del realismo planteado por Stanislavki ya que era geométrica y mecanizada.^39 Los expresionistas buscaban darle al público un máximo impacto expresivo y también buscaban una mayor participación del público cosa a la que hasta ese momento no se le había dado mucha importancia dentro del teatro. Se buscaba que el público estuviera involucrado tanto en el desarrollo de la obra como con el mensaje que la obra transmitía. Para esto se valieron de diferentes medios como el uso de carteles, proyecciones cinematográficas, la introducción al teatro de distintas disciplinas como la pintura, la ruptura de la cuarta pared tan usada en el realismo, música estridente o el simple uso de ruidos y la pantomima. Reintrodujeron también el teatro dentro del teatro usado antes por Shakespeare y el coro al estilo griego que daba al público un momento para reflexionar acerca de lo que estaban viendo.^40 Durante la Primera Guerra Mundial y después de ella se fue intensificando la rebelión contra el propio pasado y contra una sociedad capaz de llegar a semejante fracaso. Dicho en otras palabras, se manifestó sin ambages una aguda crítica social que convirtió al teatro en una palestra de activa lucha tal como lo puso en practica escénica Erwin Piscator y como lo definió más tarde Friederich Wolf en su afirmación "El arte no es un curiosear por instruirse, el arte es un arma" (1927). 41 (^38) Ib. pp. 85 a 87. (^39) Luzuriaga, p. 84. (^40) Véase Brugger, pp. 84, 85. (^41) Ib. p. 89.
