¡Descarga Apuntes tema 6 MAC y más Apuntes en PDF de Periodismo solo en Docsity!
Tema 6: El fauvismo (1904-1907)
El Fauvismo es el primer estilo vanguardista del s. XX. Nace en 1904, con duración efímera de apenas 4 o 5 años, se desarrolla en un ámbito francés, y agrupa artistas jóvenes como Matisse, Derain Vlaminck o Dufy, nuevos e inconformistas, que buscan romper con las formas tradicionales del arte. No tiene un estilo definido ni con pautas marcadas. Su estética es bastante reconocible, todas las personalidades de este movimiento, están unidas por una afinidad artística. Este movimiento carecía de unas normas básicas, se guiaba por las propias normas que la propia sensibilidad plástica del artista dictara. Está formado por un grupo de jóvenes radicales, anticonformistas, rupturistas con la pintura tradicional, que busca una estética salvaje y violenta, basada en la emoción y pasión, se dejaron llevar más por el instinto y la fuerza emocional del momento que por la percepción científica y estudiada de la realidad. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor aportaba sus obras como experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. El color es para ellos el principal elemento a desarrollar, rompiendo el débito tradicional que se tiene del dibujo. Destreza y rapidez con otro tipo de pincelada y colorido. Es un movimiento con una duración muy corta, pero suficientemente consistente para ser un punto de partida para los demás movimientos del s. XX.
Este movimiento tiene muchos rasgos en común con el expresionismo.
FAUVISMO EXPRESIONISMO Francia. Uso intenso el color y las formas expresivas. Movimiento efímero Sin trasfondo filosófico: intereses plásticos, temas intrascendentes.
Alemania Uso intenso del color y las formas expresivas Se desarrolló durante décadas Trasfondo filosófico: inquietud metafísica y social.
La historia del fauvismo se desarrolla en una exposición de 1905, en los salones de arte, dedicado a una retrospectiva de Manet e Ingred, junto a los jóvenes artistas que tienen en común la violencia de los colores de las obras y esos formatos desdibujados y obras sin composición precisa. Todas las pinturas de estos jóvenes se agrupan en la famosa Sala VII (grupo fauvista). El término Fauvismo tuvo su origen en la palabra francesa fauves (fieras), usada por primera vez por el crítico, Louis Vauxcelles (uno de los críticos de arte más influyentes de inicios del siglo XX), en 1905 en un artículo de la revista Gil Blas, tras haber visitado el Salón de Otoño. Este término se debe a que este Salón provocó en este crítico francés la impresión de haber colocado a Donatello en una jaula de fieras. Debido a que colocó en medio de la sala una escultura de Albert Marquet, una venus con una bandeja de plata en las manos, a la cual le rodeaban las exuberantes y coloristas pinturas de Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlaminck y Georges Rouault. La presencia de estas obras llegó a ser tan polémica que Emile Loubet, Presidente de la Republica, rehusó inaugurar el Salón para no comprometer su posición ante las posturas más conservadoras e influyentes de la élite cultural francesa. Por su parte y de forma generalizada, los críticos fueron unánimes en condenar tales manifestaciones artísticas. Las respuesta del público tampoco fue tolerante, algunos visitantes enfurecieron ante la cara verde y amarilla de la Mujer con sombrero de Matisse, llegando incluso a intentar agredir el lienzo. El movimiento se desarrolló en torno a Henri Matisse, que se consolidó como líder de un grupo.
Características
El fundamento del fauvismo es el color, un color liberado de su tradicional carácter subsidiario respecto al dibujo, ahora define la forma, aporta la entonación y proporciona la luz al cuadro. Se trata de un color exaltado, aplicado en violentos contrastes cromáticos. El color es el elemento principal y protagonista del cuadro en la construcción del espacio y la forma. La necesidad de expresarse por medio del color les lleva a abandonar el modelado y el claroscuro. Los colores eran puros sobre la superficie del cuadro, sin mezclar con los colores complementarios para dar un máximo contraste. Esta técnica servía por lo tanto como vía de liberación emocional, expresa sentimientos. En lo referente a la técnica aplicaban el color con un toque rápido y vigoroso, que en ocasiones llega a ser brutal. Sus lienzos se caracterizan por gruesos empastes, formas abreviadas, trazos toscos y discontinuos, dando así una sensación de deformación. En muchas ocasiones esta técnica llegaba a crear una violenta distorsión de los seres y las cosas. El dibujo era simple, líneas rítmicas, como arabesco decorativo. Ejercían un gran ejercicio de sintetización y simplificación de elementos, utilizando solo aquellos elementos del lenguaje pictórico que les permitían obtener la máxima intensidad emocional conjugada con la máxima simplificación de elementos. Renunciaban de este modo, a la utilización de la perspectiva clásica, a los volúmenes, al claroscuro… La línea recupera protagonismo, es gruesa pero a veces discontinua en su trazo o en el color que se le ha aplicado, normalmente sirve para delimitar contornos o formas y también planos de color. El modelado de las figuras apenas interesa, se potencia más el plano. Tampoco la luz es importante. Es una pintura figurativa, pero bastante antinatural Los temas que se tratan son principalmente paisajes, desnudos, interiores, retratos, bodegones… Los fauvistas se consideran a sí mismos anticlericales, antimilitaristas y anticonformistas.
Influencias Van Gogh: ejecución libre, personal, impulsiva y pasional Gauguin: con su obra descubrieron el exotismo de lo primitivo y salvaje. Neoimpresionismo: adoptaron el uso de la técnica divisionista. Pintura francesa antigua: tratamiento del espacio sin recurrir a las perspectivas tradicionales y dibujo de carácter lineal y definidor. Es la pintura del siglo XIII, románica, el dibujo sigue sin tener cierta presencia pero se olvidan de la perspectiva.
Henri Matisse (1869-1954)
Nace en Francia. Es el artista fauvista por excelencia por la manera que tiene de trabajar el color.
- Esplendido colorista: La riqueza cromática de un cuadro no reside en la cantidad de colores, sino en la combinación. Pretende sacar el máximo partido a esas combinaciones. En ocasiones emplea un solo color, pero muy saturado.
- Dibujo: Riguroso análisis de la constructividad intrínseca del color. Contornos de acusada sensualidad (Ingrés). El dibujo sirve para expresar su dominio de la forma.
- Decorativismo: se basa en introducir todo tipo de objetos que enriquezcan la escena. Sensaciones placenteras del arte Técnicas puntillistas (en toques anchos y rectangulares)
- Influencias: Arte africano (viaje a Argelia) Arte islámico (Marruecos)
retratada. La zona de la nariz y la boca roza lo monstruoso, la belleza se ha perdido. Esta obra va a ser un icono del mundo del arte por el rechazo que genera en su época. Sirve para abrir nuevos caminos al arte.
Autorretrato (1906) : tendría que haber sido a base de colores naranjas, carnosos, etc. Consigue componer su rostro con un verde que insiste y exagera determinadas facciones de su rostro.
Retrato de Derain (1905): brochazos de color, que se van superponiendo unos sobre otros hasta crear un rostro. Compone base de color sin olvidar la violencia y fuerza del color.
[Viaje a Argelia] Angelina (1909): mujeres exóticas, rodeadas con objetos y vestimentas de su propia cultura.
El desnudo azul (1907): se observa la influencia de la escultura africana y la utilización de colores poco diferenciados. Predomina la línea en el dibujo. Toda la escena tiene una tonalidad azulada.
Desnudo rosa (1909): el rosa se convierte en la tonalidad dominante. El rostro está insinuado, al igual que las formas de la mujer y el paisaje. El color envuelve toda la escena.
Vista de Collioure (1906): diferentes tipos de pinceladas buscando el impacto y la irrealidad. Recurre a un color saturado, violento, fuerte con la exageración de la intensidad de los rojos y rosas. Es algo provocador a la hora de utilizar el color. Compone todos los elementos a base de pequeños toques de color que se van alternando.
La danza (1909-10): es una obra emblemática que se utiliza como recurso para emitir el concepto de la danza. Pocos colores, pero con gran expresividad en los movimientos, consigue captar la alegoría de la danza. Las manos se unen en los distintos cuerpos, que estos nos remite a la esencia del cuadro, la danza. Las bailarinas aparecen pintadas en colores planos sobre un fondo también plano compuesto por una mezcla de azul y verde. Las bailarinas forman un motivo circular de rítmico movimiento que abarca todo el lienzo.
La música (1910): unifica el color, con dos tonos de azul.
[Serie bodegones] Bodegón con berenjenas (1911)
Bodegón con naranjas (1913)
Peces rojos (1912). Los peces rojos se asocian a muchas obras de Matisse. Símbolo de su propia iconografía.
[Series odaliscas] Lorete con turbante blanco (1916): mujeres ataviadas de forma exótica. Rasgos orientales donde investiga las distintas poses, la belleza. Contrastes con las formas.
El Támesis (1905): pasa una etapa en Londres. Toma estos motivos, los desdibuja, los hace de una manera mucho menos definida y busca jugar con el color. Insistir en la fuerza de los objetos.
Las dos barcazas (1905): inspirada en Van Gogh. Perspectiva alta, buscando un enfoque diferente como Degas, con un color mucho más poderoso. Colores amarillos y verdosos del agua transmiten la irrealidad.
Barcos en Collioure (1905): visualmente es una obra impactante. El dibujo desaparece a base de pequeños trazos.
Puerto de Collioure, el caballo blanco (1905): hecha con la técnica del puntillismo.
Montañas de Collioure (1905): los colores se mezclan unos con otros provocando una irrealidad. Esplendor máximo del colorido en un paisaje rural. Fantasía y exageración del color.
El puerto de Collioure (1905): composición un tanto delirante, no es ordenada.
Maurice De Vlaminck (1876-1958)
La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Van Gogh. Artista autodidacta que se jactaba de no haber estudiado en ninguna escuela de arte. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes y violentos contrastes cromáticos. Al final de su carrera, antes que el Fauvismo terminara, su obra se vuelve más suave en color y composición.
Los árboles rojos (1906): juego con los colores complementarios. La superficie de la tela queda fragmentada por el equilibrado reparto de las verticales rojas y amarillas de los troncos proyectados hacia delante y sólidamente en el murete de su base. Gusto por la intensidad. Cromatismo extremo, provocación absoluta.
Retrato de Derain (1905): construido con manchas de colores.
Fauvismo atemperado
Parte más tranquila del movimiento, los colores bajan las tonalidades y las intensidades. Buscan equilibrios cromáticos.
Albert Marquet (1869-1954)
Introduce agua en el color para rebajar el tono de los colores. Se centra en el mundo de la vida moderna. Le interesa mucho los efectos atmosféricos. Materia acuarelada, de este modo parecen tonos más rebajados. Determinados espacios donde pasan temporadas y se fijan en aspectos que no habían entrado en el arte como los carteles publicitarios o momentos festivos que forman parte de eventos sociales.
La playa de Fècamp (1906): tonos blanquecinos y más tranquilos, trabajó unas gamas de colores más amplios, con los amarillos, verdes y grises, expresando los matices de la luz sobre el agua.
El 14 de julio en Le Havre (1906): toma el asunto de la obra inacaba de Van Gogh, y donde también se hace latente la huella del Impresionismo en el que da uso de la luz y la sensación del
movimiento de las banderas y adornos de la calle, pero aplicando una gama más amplia de colores y contrastes.
Carteles en Trouville (1908): un elemento que caracterizaba la vida moderna y que protagonizaba la decoración de las calles de la ciudad.
Feria en Le Havre (1906)
El puente de Sant-Michael y el Muelle de los Grandes Agustinos (1910-1911): le gustaban las escenas en torno al Sena.
La calle engalanada (1906): temática similar.
La dama de rosa (1908): en el fondo rayado.
El muelle de Douville (1931): influenciado por Matisse. Sitúa los pequeños objetos.
Emile Othon Friesz (1879-1949)
Potencia de color, desdibujando los trazos, a base de manchones. Expresión lírica de la naturaleza. Composición organizada en planos.
Le port d´Anvers (1906) : grandes manchas de color.
La ciotat (1905) : pincelada rápida, cargada de empaste. El cuadro está organizado en planos de color cuyos tonos aplicados en estado puro, actúan como equivalentes coloreados de la luz solar. Obra desnaturalizada, donde la naturaleza tal cual no es importante, sino la emoción que transmite.
La Costa de Grace (1906): esbozo de acercarse a la naturaleza.
Retrato de Fernand Fleuret (1907): modula el color, gracias a una superposición de finas veladuras, dejando que actúe a blancura del soporte, que de esta manera interviene en la construcción de la forma. Se transmite la emocionalidad y el gusto por el color intenso.
