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Hª del arte de las Vanguardias 1905-
Tema 1: Introducción
Las fechas son representativas, pero es cierto que como fecha simbólica del inicio de la modernidad del arte es 1863, el año en que Manet presenta su obra el desayunar sobre la hierba en el salón de parís. El impresionismo se considera el primer movimiento de la modernidad. La primera etapa es llamada las primeras vanguardias, cronológicamente va des de 1905 hasta la segunda guerra mundial. Otra categoría histórica son la de las segundas vanguardias, que son los movimientos posteriores a la segundo guerra mundial. Se puedes marcar entre 1945-1960. Final entre abstracción americana. Hay un cambio del centro artístico, pasa de Paris a Nueva York a partir de 1960.A partir de 1960 podemos hablar de arte contemporáneo.
Para entender la autonomía del arte :
La Grecia clásica : Encontramos dos elementos importantes, que son la narración y la ciencia (matemática). La pintura y la escultura no tenían una gran valoración, de un extraordinario estatus social. Par conseguir un mayor estatus social se vinculan a la poesía, ya que se considera una techne , porque tiene unas reglas. A partir de platón y Aristóteles la pintura y la escultura intentan vincular a la poesía ya que en ese momento ya tiene un estatus social (la poesía) y así la escultura y la pintura adquieren este estatus. Por otra parte se fundamentan en la matemática para poder alcanzar esta belleza ideal del arte clásico.
El renacimiento : narración y ciencia. Hay otro elemento interesante que es el del artista divino. Lo que intentan hacer los artistas es legitimar su propio arte vinculándolo con la literatura y la ciencia. El proceso está vinculado con los grandes humanistas del renacimiento (Dante, Bocacchio...), estos autores son los primeros que ponen de manifiesto que las Artes visuales son actividades intelectuales. Los artistas para vincular su arte con la ciencia (matemáticas, estudios anatómicos) vienen a través de la perspectiva lineal (Alberti), gracias al deseo de la pintura de auto legitimarse. Sobre todo en los inicios, se utiliza la ciencia para legitimar las artes visuales y sobretodo en la parte más madura, casi al final se empieza a valorar otro aspecto, lo que nosotros llamamos la creatividad del artista y ellos lo denominan melancolía (Vasari). Algo está empezando a cambiar porque ya no es necesaria la matemática para legitimar el arte.
El S.XVII: nacimiento de la academia que se fundamenta básicamente en la narración. Se consolida la academia de bellas artes, se convierte en una institución muy importante. Nace en Italia. La academia de bellas Artes nace para poder institucionalizar las teorías del renacimiento. Se mantiene la narración. Las artes visuales ya no necesitan la matemática, la anatomía, la ciencia para poderse legitimar. Empieza a desarrollarse otro tipo de escultura que es el modelado. El momento en que el arte se desprende de la ciencia. Dentro de la academia si que habían reglas, necesitaban enseñar a sus alumnos, pero ya no son las reglas matemáticas del renacimiento sino que son reglas puramente artísticas. Esto quiere decir que son reglas basadas en el color, la forma, la línea, la composición, es decir en los elementos básicamente
artísticos. Alberti nos dice sobre estas reglas que el artista se tiene que inspirar en la naturaleza. Es la aplicación de un modelo matemático a la realidad. La academia francesa propone una calcificación de los artistas. Hay quien defiende el color y toros el dibujo (la línea), en los dos casos son reglas que no son cuantificables de forma matemática. Y por eso podemos decir que el arte se desprende de las matemáticas. Se desprende porque ya no la necesita, ya que se ha dotado de su propia institución, con su propio prestigio social. En cambio la narración si que estará presente, la Encontramos como pintura de historia (representación de acciones he has por seres extraordinarios). Es el género que más se valora en las academias.
El s.XVIII : se desarrolla la academia pero también otros factores como: la crítica del arte, la historia del arte y la estética. También es el momento en que nace el público en el sentido moderno del término. Se desarrollan las exposiciones y también s la época en que nacen los grandes museos nacionales. Siglo en que la autonomía del arte está bastante consolidada y es el momento en el que se consolida, se conforma claramente el mundo del arte. Las academias se mantienen, aun que manifiestan algunos problemas internos. La academia organiza sus propias exposiciones. Nacen los grandes museos nacionales, en los cuales se expone el arte ya consagrado. Con todo esto también nace el publico (el publico moderno). Estamos hablando de un público heterogéneo, que no solamente está formada por especialistas sino también por personas que visitan estos museos pero que no tiene un conocimiento previo del arte. Como consecuencia nace la crítica del arte, es considerada una disciplina. En su origen está el deseo de explicar la obra de arte sobretodo la que se exponen en los salones, a un público que no conoce las reglas artísticas de la academia. La crítica del arte nace con esta intención pero tiene un problema que los críticos utilizan un lenguaje exquisitamente artístico, es decir, que solo lo puede entender quien tiene conocimientos artísticos. Este mundo del arte es un mundo cerrado, con sus propias instituciones, sus propias disciplinas, sus propias reglas y sus protagonistas. Siglo en el que el proceso de autonomía del arte alcanzar ya cierta madurez.
Lunes 17/02/
El S.XIX: se mantiene todo lo anterior. La novedad es que nacen los críticos de arte moderno, los marchantes de arte moderno y los galeristas de arte moderno. Se siguen organizado exposiciones en el marco de la academia pero también se hacen exposiciones al margen de la academia. Tenemos a los impresionistas como artistas. Hay un aumento tanto de la demanda como la oferta de obras de arte. Un aumento en la medida en que la clase burguesa quiere legitimar su estatus social a partir de un capital cultural, completar de una forma su estatus. Esta demanda de obras de arte tendrá un aumento muy elevado. También hay un aumento de artistas que se instalan en París. El hecho de estos aumentos hace que el número de obras rechazadas por el jurado del salón de París sea cada vez mayores. El momento en que se ven los resultados de esta situación es en el salón de los rechazados que se realiza en 1863, ya que el salón de París rechaza más de 3000 obras. Esto lleva a Napoleón tercero a aprobar un salón nuevo que será el salón de los rechazados una de las obras que hay sería desayuno en la hierba de manet.
Desayuno en la hierba: causa un gran revuelo sobre todo por el desnudo de la mujer, la academia sí que aceptaba el desnudo pero no de esta forma ya que ellos lo hacían a través de la mitología, y lo que
Cézanne , las grandes bañistas: reinterpretación de clave moderna. Simplificación de las formas. Será utilizada de muchos artistas como punto de partida.
El simbolismo: dentro del encontramos artistas muy diferentes. Hay que saber interpretar las etiquetas. Tiene como objetivó representar lo esencial de la realidad. El simbolismo nace en ámbito literario (1885) y muchos artistas de las vanguardias también criticarán esta vinculación de los artistas con la literatura. Con las vanguardias la ruptura de la narración será más evidente por eso los artistas rechazarán esta relación con la narración que todavía perdurara en el movimiento simbolista. Las fuentes serán literarias. Gustave Moreau , será profesor de muchos artistas del movimiento fauvista. Le rechazarán el exceso de ornamentación y las necesidades de inspirarse en la literatura. El movimiento simbolista es variado. Encontramos a otro artista como Pauvis de Chavannes, es un representante del simbolismo pero es uno de los más "clásicos", idealiza, los transforma ( obra la esperanza). Redon , es un claro simbolista , el ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito, obras surrealistas¿¿¿¿¿
El s.XX: artista teórico. En 1905 primeros movimientos vanguardistas. Dentro de las tenísticas generales están las declaraciones de los artistas vanguardistas de querer superar el lenguaje artístico tradicional, prácticamente casi todos ellos están desacuerdo de rechazar la mimesis de la realidad. Casi todos están de acuerdo en rechazar la perspectiva línea y también en rechazar la jerarquía de géneros que había estado establecida por la academia de bellas artes. Se dice las declaraciones , porque estamos marcando la actitud nos marcan lo que quieren hacer. En la práctica veremos que la mayoría de las veces no hay un rechazo contundente de la parte clásica de las obras, de manera que se trata más de una actitud que de algo objetivo, pero ellos necesitan manifestar esta actitud, presentarse a sí mismo como innovadores, originales.... Perspectiva lineal del renacimiento: el arte en este momento que ya ha alcanzado una autonomía ya no necesita recurrir a otras disciplinas para poderse auto legitimar, por eso ya no necesita utilizar la perspectiva lineal del renacimiento para ser considerada una gran obra de arte. El rechazo de la mimesis: está vinculada con cierta quiebra de la representación. La quiebra de la representación en el arte entre el siglo diecinueve y veinte, es la quiebra de la realidad misma. A partir de la aparición de la sospecha filosófica aparece una crisis entre la relación de conocimiento y realidad, esta desconfianza que se produce sobre la relación entre conocimiento y realidad. Se entiende con los filósofos de la sospecha a más, Nietzsche y frouid. Expresan la entrada en crisis de la filosofía de la modernidad, porque esté sujeto moderno que se había definido, protagonista de la ilustración (burgués), dotado de un lado racional y de otro pasional. La modernidad se había fundado en este personaje en este individuo moderno, pero llegan estos filósofos y dicen que este sujetó moderno que nos han presentado como si fuera el único gran protagonista de la historia en realidad no es algo natural sino que es una invención, es un concepto que ha sido inventado, no se corresponde a la realidad. Lo que hacen estos tres autores es sospechar del sujeto moderno. El protagonista no es sólo el burgués ilustrado. Nietzsche cuestionara la falsa moral de la burguesía. Y finalmente frouid pondrá al descubierto las pulsiones de cómo actúan las personas. Lo que marca esta crisis de la filosofía moderna es que estos autores ponen en cuestión los ideales ilustrados, incluso ponen en cuestión las propias bases (sujeto moderno, la burguesía como protagonista de la historia).
En el momento en el que estos autores dicen que esconde un proyecto y que no es natural, se traduce en una desconfianza, entre otras cosas se empieza a desconfiar de la filosofía que se produjo en este marco ilustrado. Sí desconfío de todo, tengo la sospecha de que lo que me han contado no corresponde con la realidad, desconfío de todo lo que ha salido de esta idea ilustrada. Entonces empiezo a desconfiar de la realidad, y no tiene sentido copiarla sí desconfió de ella. Orto aspecto en común es la autonomía del arte, es decir una obra de arte se valora por criterios puramente artísticos y finalmente un concepto como Arte/vida, deseo de las vanguardias de incidir en la sociedad de poder transformar la realidad y de estar en contacto de la vida cotidiana.
Inicio de la modernidad en el arte 1863. Primeras vanguardias desde 1905, Francia, Alemania, suiza, Rusia,.... Fauvismo, expresionismo. Segundas vanguardias: 1945-1960. Informalismo en Europa. Expresionismo abstracto en EEUU.
Martes 18/02/
Tema 2: El FAUVISMO
Es considerado el primer movimiento de vanguardias, su origen coincide con el comienzo de los primeros grupos expresionistas alemanes.1905 es la fecha simbólica de su inicio. Es un movimiento sintético es decir se nutre de movimientos anteriores, del impresionismo y del neoimpresionismo y también del postimpresionismo. Cuando hablamos de neoimpresionismo también referenciado como puntillismo, movimiento que aparece en Francia en 1894y que acepta esta denominación porque quiere ir más allá del impresionismo. Se trata de la descomposición de la visión pictórica en pequeñas pinceladas de colores puros que tienen un efecto peculiar y deseado por los artista, que es que estas pinceladas se funden en la retina del espectador. Quieren dar una ilusión de realidad e enfatizar la luminosidad de la pintura. Severa y Signac grandes representantes de esta corriente.
Característica de la tendencia Fauv :
no imitación, rechazo de la mimesis. Hay referencias claras al mundo tangible. utiliza formas sintéticas. Hay una simplificación de las formas. (^) de color, es un color antinaturalistico, un color libre. No es el color real de los objetos reproducidos sino que es elegido por el propio pintor. (^) Afirmación de la subjetividad de la emoción. Lo importante no es el tema sino los elementos puramente artísticos. (^) Falta de una temática social, de denuncia, al contrario de los expresionistas alemanes. (^) Influencia del arte primitivo.
Les fauves: es un término acuñado en 1905 por el crítico louis Vauxcelles en el salón de otoño de París. Mantiene la idea de ni lemas ni jurados. Atribuye esta etiqueta que significa las fieras, porque parece ser
Henri Matisse, desnudo femenino (nude in te Studio) 1898/1899, museo de arte bridgestone, Tokio. Obra que puede salir en el examen. Olió sobre papel. Formato poco significativo. El título en inglés está relacionado con su interpretación. Utilización del color, no presenta el color natural de la piel de la modelo sino que elige unos rojos, naranjas que lo que hace es crear un armonía con los colores complementarios. Esto nos lleva a recordar dos características propias del fauvismo por un parte el rechazo de la mimesis, de la realidad, matisse abandona el color imitativo y por otra parte utiliza la característica constructiva del color, del color sobre la línea. Nos muestra una de sus facetas. El color está claramente ponen cima de la línea y tiene el valor estructural dentro del cuadro. No utiliza el color para reproducir el sujeto sino que lo utiliza para estructurar la pintura. Estapa protofauvista, en la que Matisse utilizara ese color intenso. Esta etapa tiene esta especie de preludio puntillismo como lo tendrá también la etapa Fauve de Matisse. El objetivo era que estos puntitos que se utilizaban era que se fundieran en la retina del espectador, el objetivo de matisse es diferente no le interesa crear esta ilusión de realidad, no quiere que las pinceladas se fundan en las retinas dl espectador. Se trata de una época en que Matisse está buscando su camino.
Henri Matisse, las flores amarillas, 1902: representación de un jarro delante de un espejo. Utilización de una paleta mucho más oscura. El esta época el tiene una gran depresión por problemas familiares. Por eso hay críticos que el estado de ánimo de Matisse podría haber afectado a su pintura. Es creíble porque matisse siempre defenderá que su estado de ánimo afecta a sus pinturas.
Herni Matisse, lujo, calma y voluptuosidad,1904-1905, museo de Orsay en París , obra que puede salir en el examen : óleo sobre tela, más o menos de un metro por metro vente. Representa ese preludio puntillismo del fauvismo. Preludio que se desarrolla en el verano de 1904. Esta obra nace de la experiencia de Matisse de Saint-tropez en casa de su amigo de Signac (gran representante del puntillismo). Signac acabara adquiriendo la obra de Matisse. Esta obra está realizada en el estudio de París de Matisse. Los esbozos los hace en Sant-tropez. Esta obra la expondrá en el salón de los independientes en 1905. Matisse es un artista completamente completivo, estudia mucho como hará la obra. Se inspira en la obra literaria de bodeler, se centra en la imagen de un viaje acompañado de su amada. Relación de armonía con la naturaleza. Lo que hace es confrontarse con este paisaje paradisiaco. La mujer que esta vestida a mano izquierda es la mujer de matisse, al lado de otros personajes que podemos determinar que algunos son personajes femeninos y desnudos. Alguien propone que hay una contraposición de los cuerpos desnudos que hacen referencia a una relación armónica con la naturaleza en contraposición de la falsa moral burguesa interpretada por la mujer de Matisse. Otro personaje en fijarnos es el personaje femenino que se está recogiendo el pelo, relacionada con la obra de Edmond Cross. Tanto
Signac como Cross van abandonando los puntillismos hacia una pincelada algo más amplia, aunque siempre seguirá habiendo una diferencia. En el cuadro de Matisse las pinceladas son más anchas y de forma cuadrada porque no hay esa intención de crear una ilusión en la retina del espectador, no se quiere engañar al espectador. Aunque la técnica pueda parecer similar el objetivo es diferente. Color completamente autónomo, utiliza colores complementarios para crear contrastes. Marca muy claramente ciertos perfiles pero no con sombreados sino con líneas de colores, que contrasten con el color de dentro de la figura. El barco no respeta las reglas de la perspectiva de maneara que nuestro ojo no lo aísla inmediatamente como un barco.
lunes 24/02/ la plage de saint-clair; Cross: influencia reciproca con Matisse. Las pinceladas se realizan de forma mas ancha. Paisaje de Callioure, 1905; viaje que realiza junto a Derain. Matisse mantiene la organización de la superficie pictórica a través del contraste entre colores complementarios (teoría de signac). No es el artista vanguardista rebelde a permanecer por aquí si, solo busca un nuevo lenguaje artístico. La temática es la misma. El tema solo es un soporte para el color. Ventana abierta (collioure), Matisse 1905; examen: utilización de colores naranja-azul / rojo-verde, que se intensifican mutuamente. La luz realiza una oposición de parejas de colores complementarios. El color proviene de las emociones que el paisaje despierta en el artista. Contrasta campos de color. No podemos mirar solo un detalle. Utiliza una pintura plana. Interior en Colliure: color intenso y vibrante.. Retrato de la raya verde: pintada justo cuando vuelve de Collioure. Obra inacabada de Matisse de si etapa Fauve. Hay diferentes versiones, su color es inverosímil. La alegría de vivir, Matisse, 1905, examen: sorprende su gran formato. Son desnudos inversos en la naturaleza. Va dirigida al salón de los independientes de 1906. Es un circulo desnudo como los del cuadro de la danza. Hay amplios cambios de color. Los perfiles de los cuerpos son parejas de colores complementarios. Hay una extrema simplificación del cuerpo desnudo. No se distingue entre masculino y femenino. Las partes que mes le interesan las hace mas grande. Abandona la técnica del puntillismo (Signoc se enfada con el). Los arabesques tanto de los cuerpos como de la naturaleza, tiene mucha influencia de la pintura francesa. Realiza un estudio de comunión entre el hombre y la naturaleza. Matisse tiene una fascinación por lo exótico (arabesques). Gertrude Stain, es una de las primeras compradoras de arte vanguardista. Matisse tiene mucho interés por elementos de la cultura como la cerámica y eso se ve en su naturalezas muertas. Utiliza muchos detalles con puntillismo. Matisse viene a España y le encanta Granada. Aquí hace varias obras muy florcloricas. Al final Scshukin, se queda las obras de la música y la danza.
ese objeto= actitud superficial, objeto que en esa cultura no eran artes, ellos le otorgan el valor de arte). En el primitivismo mezclan objetos de diferentes lugares. Estos objetos eran fuentes de inspiración. Posibles puntos de contacto entre el lujo y el nacimiento de Venus de Botticelli. Otra fuente muy probable es de una estampa japonesa de Torii Kiyonaga llamada Onna Yu, de colores muy planos, no hay una gradación, contarnos marcados y figura estilizada. Esta obra representa el baño de las mujeres. Hay otra obra de Matisse bañistas con tortuga , en la cual encontramos tres figuras femeninas de las cuales dos son morenas y una rubia. La rubia la encontramos igual que en el lujo, agachada, no se le ven los pechos ni el sexo.
Matisse desarrollara un estilo muy decorativo en sus principios en el que por ejemplo utiliza amplios campos de color y también utiliza de nuevo la técnica del puntillismo pero de una manera totalmente diferente. En la última etapa de Matisse encontraremos una gran simplificación formal.
Matisse, La Danza, 1909 - 1910 ; examen. Olio sobre tela. Cinco desnudos danzantes, estamos en la línea de investigaciones de matisse de colores uniformes y figuras muy simplificadas. La propia postura de los cuerpos nos dan las sensaciones de movimiento. La pareja de esta panel decorativo sería La música,1910. Para la realización de estos dos paneles decorativos Matisse recibe algo más de 27.000 francos, que era una suma muy importante en esa época. Son interpretadas como obras infantiles, de colores e incomprensibles, demasiado sencillas en el dibujo. Cuando Scshukin ve el revuelo que han causado las obras piensa en cancelar el encargo a Matisse. Con esto Matisse viaja a España se queda prendado de la alambra. Matisse, el estudio en rojo, 1911, MoMA, Nueva York: examen. Olio sobre tela de gran formato. Podemos creer que es un estudio porque encontramos elementos claros de un estudio, como caballetes, cuadros a medio acabar, cuadro colgado, figuras, armarios y también encontramos el cuadro de Matisse del lujo 2. Todas las obras que hay colgadas son obras de Matisse, así que se podría creer que posiblemente fuera su taller. La clave es que todo el cuadro está dominado por este rojo tan intenso, destacan los cuadros colgados o abollados sobre la pared porque están coloreados con colores su distintos al rojo, por eso destacan. Que ocurre con otros objetos, que están representados sobre el fondo rojo que sólo esta. Representados con un contorno finito de líneas blancas amarillentas. Hay dos pequeñas esculturas que están coloreadas porque son obras de Matisse. La mesa solo esta sugerida con la línea amarilla pero los objetos que están encima de la mesa están pintados totalmente, esto es posiblemente porque hacen referencia a un género pictórico el bodegón (naturaleza muerta). La hamaca que vemos solo esta coloreado el tejido, que posiblemente tiene que ver con los tejidos que coleccionaba Matisse o incluso con las afirmaciones e Matisse que dice que el arte tiene que ser equilibrio, descanso, paz y es como una forma retórica. La perspectiva está conseguida, a través del punto de fuga, donde se unían las líneas paralelas. Falta la línea donde se encuentran las dos paredes
laterales, las dos paredes que por lo que sugiere tendría que encontrarse en un ángulo. Matisse irá sugiriendo y negando la perspectiva durante todas sus obras , porque no quiere engañar el ojo del espectador sugiriendo una tercera dimensión, de manera que crea la habitación pero no los ángulos. No quiere engañar al espectador creando la tercera dimensión.
Lunes 17/03/
La luz de Matisse varia a partir del viaje a Haití en 1902-1903,estos viajes hacen que cambie su concepción en la luz, y el calor y las diferentes luces que hay en Haití es lo que le hacen ver este nuevo punto de vista.
Matisse, marroquí de verde/ entrada en lo sasbah puerta-ventana en collioure, 1914. Durante la guerra vive entre Paris y Niza. Oleo sobre tela en dimensiones grandes. Hay artistas que dicen que en la obra se refleja la experiencia en el género. Si leemos los textos de Matisse dice que utiliza el negro como color de la luz cegadora y no como la oscuridad. Como estas dentro de la habitación mirando hacia fuera y te ciega por el sol, se refleja/ se ve el balcón. Matisse, odalisca con pantalones rojos, 1921: interés de Matisse por lo exótico y los tejidos. Fascinación por el decorativismo. En 1930 viaja a Tahití, ‘’paraíso terrenal que adormece’’, parecido al paraíso de Vandelaire. Matisse, desnudo en rosa: desnudo femenino= a forma sintética, primitivismo, aunque se olvida el decorativismo. Blusa rumana verde, 1934: decorativismo. El sueño; parecido a lo que hacían los surrealistas. En la segunda guerra mundial se extiende nuestro tema del incosnciente al sueño que interesa sobre todo a los surrealistas. Matisse en 1941 es sometido a cirugía y realiza un trabajo para Saint Pol de Vence. Es un trabajo muy laborioso con murales, muebles…. Con su enfermedad estila otro modo de trabajar y pinta a la aquerela unas formas, las recorta y las pega sobre lienzos ( desnudos azules,1952). El azul expresa volumen. Espacio blanco donde se ponen las figuras. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Es amigo de Matisse desde finales del s.XIX. Es uno de los miembros de l ’escale du chateau. Autorretrato ; influencia postimpresionista de Ganguin, colores planos, formas sintéticas. El puente del peca: influencia de Van Gogh. La edad de oro: es parecida a ‘’lujo, calma y voluptuosidad´´ de Matisse. Tiene grandes dimensiones (la academia siempre estilizaba para la pintura histórica). Tres figuras con rostros primitivos. Hay otros desnudos, chica danzando con telas. Mucho interés por Gauguin. Personaje inquietante. Pequeño puerto: hay zonas sin pintar y se ve la tela. Mujer: poco usual en la pintura de Derain. Se debe a una influencia de Vlaminck. A partir de 1907 Derain empieza a hacer obras más cubistas. Recupera a Cézanne: BAÑISTAS.
De Nietzsche serán las ideas de que cada uno debe convertir su vida en una obra e interesarse por la que esta fuera del proyecto occidental, de la modernidad, de la ilustración. Busca lo dinámico y rechaza lo monótono. Se rechaza el positivismo de Nietzsche y se busca algo fuera del ámbito occidental. Fruid, es un filosofo de la sospecha, no todo es consciente. Hay una parte inconsciente y estos marcaran la conducta. Bergson Impulso vital ( impulso creativo que entra en todas las cosas. Cerca de la teoría vitalista de Nietzsche).
Martes 18/03/
Einfuehlung: teoría de la proyección sentimental. Se empieza a desarrollar a finales del siglo diecinueve hasta finales del siglo veinte. La empatía se presenta como un esquema psicológico, según la qual lo esencial de la obra artística no es el motivo ni el tema, sino el propio artista y su vida espiritual. Se fundamenta en esta teoría en la obra del arte y en el propio artista con la expresión del mundo interior de este. Se trata de una concepción del arte como una expresión. Así mismo nos advierte que una obra de arte solo es comprensible mediante una participación afectiva del espectador.
Wilkelm Worringer (1881-1965) Teoría de Worringer: el libro que escribe es clave para las vanguardias. Incluso habrá una relación personal entre el y kandinsky. El libro se titula abstracción y empatía. En el libro busca la conexión entre arte y vida, intercambio entre los dos conceptos. Utiliza muchos términos creados por otros historiadores, filósofos....
Arquetipos que define:
- El hombre primitivo : tiene una actitud de rechazo y huida respecto al mundo que le rodea, del mundo exterior. Porque es un mundo en gran medida desconocido para el, no comprende el porque de los fenómenos de manera que percibe la naturaleza, lo que le rodea peligroso para el.
- El hombre oriental : también tiene esta actitud de alejamiento y huida del mundo exterior porque en realidad lo conoce muy profundamente y es capaz de percibir los elementos caóticos del mundo.
- El hombre clásico : tiene un actitud de confianza con el mundo que le rodea. Querer conocer, organizar y dominar el mundo que le rodea.
El hombre primitivo y el oriental que huyen del mundo tendrán tendencia a ejecutar un arte abstracto, rígido con formas más lineales y sin figuración, sin una imitación de la naturaleza. El hombre clásico por lo contrario, tendera a un arte figurativo naturalista de imitación de la naturaleza, de sus formas de sus reglas.... Es el responsable de intentar demostrar que el primer tipo de arte que realiza el hombre es el arte abstracto y no el naturalista. Con Guillermo II, (según lo que nos dice Casals), en alemana se realiza una Rápida indrustalizacion, Berlín rivaliza con las otras grandes capitales europeas como París y Londres. Lo hace en el plano industrial y
tecnológico. Se multiplica por cuatro en algunas zonas alemanas la industralización. Es extraordinario el salto que da Alemania. También otra caracterización es el culto a ala autoridad, la mayor militarización generalizada de la sociedad, de tal manera que todo esta jerarquizado. Plena libertad del individuo, una libertad de expresión sin ninguna restricción. Cierta simpatía con los marginados, los pobres...
El expresionismo alemán tiene un carácter antipositivista, es decir, rechaza los fundamentos del proyecto ilustrado, el proceso tecnológico. Es antinaturalsita, es decir , que los artistas expresionistas no buscan la imitación de la realidad sino que lo quieren expresar tal y como lo sienten. Rechaza está fe en El Progreso tecnológico, en la razón humana. Finalmente es anti impresionista, porque los artistas impresionistas querían buscar la impresión de la realidad, los artistas expresionistas se centran en expresar el mundo interior del propio artista (herederos del romanticismo alemán).
Similitudes y características del expresionismo:
directa influencia del post-impresionismo de los artistas. importancia del componente emocional, a menudo dramático, porque la vivenca se convierte en protagonista. rechazo a la tradición culta , en relación a los más popular, primitivo. Se rechaza a favor de la recuperación de lo primitivo, lo simple.... utilización antinaturalistico del color. Es un color inventado por el propio artista. tendencia a la deformación.
Etapas y grupos del expresionismo alemán
1) die brücke- el puente (Dresde, 1905-Berlín 1913): en 1910 se muda en Berlín y se disuelve en 1913. Pre-primera guerra mundial. 4 miembros originales del grupo : Ernest Ludwing Kirchner, Fritz Bleyl, Enrich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. Relatan un programa de grupo. Es el primer grupo expresionista que elige su propio nombre. Probablemente el nombre esté inspirado en la obra de Nietzsche. Se auto consideraban el instrumento de llevar el arte a un nuevo porvenir. Al principio nace como un grupo cerrado con cuatro jóvenes que estudian arquitectura, el líder des de primer momento es Kirchner. Viven y trabajan juntos continuamente. Se auto organiza, para poder exponer en diferentes galerías. Dentro de este grupo en 1906 un año después de la creación de integran también otros tres artistas, el más importante será Emil Nolde , que trabajará solamente un año en el puente. Por otra parte estará Max Pechstein , será importante como promotor. A partir de aquí comenzarán a diferenciar entre los miembro activos del grupo con los miembros pasivos del grupo ( todos aquellos que querían apollarlos de alguna manera recibían una tarjeta de miembro pasivo del grupo, se buscaba financiación para poder seguir trabajando). En 1910, el grupo se traslada en masa a Berlín (gran capital del imperio) metrópolis que rivaliza a con París y Londres. Obviamente encuentran un ambiente artístico más dinámico,que se reflejara en las obras. Tiene más éxito en el extranjero, una difusión más internacional, pero justamente en este momento de mayor éxito
tiene una forma antropomorfa (humana). Es una silla tallada en madera y era el resultado de la imitación que hacían los miembros del grupo. De tal manera que llenan los estudios de piezas que están hechas por ellos mismos pero que se inspiran en ese arte primitivo. El rostro de Fränzi es verde mientras que la silla tiene un tono carnoso. 1910 el traslado del grupo de Dresde a Berlín. El taller que comparten es muy parecido el que tenían en Dresde. Tiene una apariencia primitivo. Kirchner,Pequeño Adán. Kirchner , cabeza de mujer, 1913 Kirchner, fábrica en Fehmarn, 1912 , representación de una fábrica orgánica, se mezcla con la naturaleza y parece que la naturaleza prevalece sobre la industralización que tiene Alemania en ese momento. Nos recuerda el ambiente del cine alemán, que comparte esta atmósfera oscura. Kirchner, desnudo de espaldas frente al espejo, 1912 , los desnudos son clave en las obras de Kirchner. Representa a una prostituta. Hay un personaje masculino que entra en una habitación y la mujer desnuda lleva unos zapatos de tacón rojo. Por otra parte nos tenemos que fijar en el guiño al primitivismo. La prostituta critica la falsa moral burguesa (mensaje importante del grupo el puente). Vemos el trazo típico de Kirchner, un trazo nervioso, anguloso, el cual se ve mejor en los paisajes que realiza en Berlín. Kirchner, la calle, 1913, contraste de colores con líneas quebradas. Kirchner, calle berlinesa, 1913, neue galerie, Nueva York, examen. Pertenece a una serie de representaciones en las calles de Berlín. Podemos apreciar perfectamente el interés hacia el personaje de la prostituta. Las dos mujeres son "cocotte" (prostitutas de lujo), siempre van vestidas muy elegantes, con unos sombreros muy llamativos, para llamar la atención que es lo que quieren. Las mujeres están en contraposición a la figura de los hombres. Detrás hay un tramvia tirado por caballos. Lo que quiere crear es esta sensación de tensión, entre estos dos grupos. Van en direcciones opuestas y con la líneas quiere crear es justamente esta sensación de dinamismo y aglomeración urbana, (en algunos catálogos encontramos interpretaciones de que uno de los hombres esta mirando a las mujeres, aunque es algo que no se sabe con exactitud). Lo único que queda claro es que el otro personaje masculino no esta mirando a las mujeres. Sugiere que esta mirando al espectador y no a las mujeres. Esto se puede deber a que no este interesado en las prostitutas o quizás las conoce ya que es asiduo y para no tener que saludarlas gira la cabeza. Una tercera hipótesis es que se sienta cohibido por estas dos mujeres y gira el rostro. Esta interpretación es bastante sólida porque hay una de las mujeres que le está mirando y porque las cocotte de Kirchner son mujeres con carácter y poderosa que desafía la moral burguesa y que tiene que vender su bien más preciado, y es ahí donde podemos encontrar la similitud de Kirchner con la prostituta, ya que el se be obligado a vender su arte. Un segundo vínculo es entre la prostituta y la ciudad moderna. Lo que vincula la prostituta con la ciudad es que Kirchner dice que en la ciudad moderna todo se vende. Por otra parte esté vínculo o establece Kirchner según la peligrosidad y la fascinación que le crea la ciudad. De esta misma manera ve Kirchner a la cocotte.
Finalmente otro vínculo que se puede establecer es el de la intimidad y alineación que provoca la cocotte y la gran ciudad. El hecho que promete intimidad pero que al mismo tiempo es el símbolo perfecto de la alineación, donde todo el mundo está aislado dentro de la aglomeración humana. Realiza un trazo muy seco y nervioso, que contribuye a crear esta tensión entre los personajes. Kirchner, escena callejera, 1913-1914, el trazo cada vez se hace más brusco y agresivo. Esto va junto con sus problemas psicológicos, que tendrá a partir de la Primera Guerra Mundial, que acabará con una gran enfermedad.
En 1913 en Berlín hay la primera gran exposición colectiva de los futuristas italianos con la temática de la ciudad moderna. L gran diferencia con los expresionistas alemanes es que no se fijan tanto en la oscuridad de la ciudad y tienen una esperanza en el avance tecnológico. Kirchner, autorretrato, 1914 , cuando empieza la Primera Guerra Mundial, el se presenta y va al frente. Ya tenía unos problemas psicológicos y estar en el frente de la guerra hace que sus problemas aumenten. Lo que podemos ver es la propia hipersensibilidad que tiene. Expresa todo el dolor que hay en el.
A partir de aquí en 1918 se irá a un pueblo pequeñito de suiza. Las sobras de esta segunda etapa son obras más amables por decirlo de alguna manera. Estos últimos años son los años de éxito de Kirchner. Esta pintura llega a un público más amplio y llega a ser más conocida. En 1937 sus obras serán incluidas en una lista llamada obras degeneradas, y las obras de Kirchner, desaparecerán. A raíz de esta experiencia en 1938 Kirchner, se suicida.
Otro miembro fundador del grupo el puente es Heckel (1883-1970) , se suele ocupar de temas más prácticos, contracta a otros grupos vanguardistas, organiza exposiciones.... Heckel, retrató joven, 1906 , lenguaje influenciado por van Gogh. Heckel, hombre joven y muchacha. El se preocupa mucho por las relaciones entre los seres humanos. Muestra la utilización antinaturalistica del color y la utilización de la estética de lo feo. Heckel, copula en el bosque,1910. Nos permite ver como trabaja con el grabado en madera. Heckel, stralsund, 1912 , escenografía que recuerda al expresionismo alemán, inquietante, solitario Heckel, figuritas de madera,1912-1913 , son primitivas. Heckel se traslada Berlín con el resto del grupo. En 1911-1912 comienza a trabajar en ilustraciones de la Biblia. Trabaja con otros artistas que no son del grupo del puente. Este proyecto será truncado por la guerra. Heckel visita de flensburg,1913 ,influencia de Cézanne en el cubismo. El se interesa mas por el cubismo y por la geometrizacion que realiza Cézanne.
Otro miembro es Schmidt-Rottluff (1884-1976), es el más independiente del grupo. El artista que más le influye es Noltde. Schmidt-Rottluff, paisaje de otoño oldenburg,1913 , pinceladas muy nerviosas acercamiento a Noltde. Schmidt-Rottluff, fachada roja,1911 introducción de bordes gruesos de color negro, hay un contraste de los colores.
En 1912 aparecen los primeros textos teóricos de Kandinsky ( de lo espiritual en el arte) y también aparece el almanaque, a través de los dos fundadores del grupo. Este almanaque incluye obras de todas partes, ya que el objetivo era superar las barreras, los géneros artísticos, la geografía, la historia. Aparecen obras del grupo pero también obras de otros vanguardistas como Picasso,Matisse... Obras de artistas postimpresionistas (Cézanne, Van Gogh). Algunas estilográficas góticas, chinas, japonesas, arte popular ruso, esculturas primitivas es decir sobretodo arte africano y precolombino. También dibujos de niños y dibujos de artistas diletantes Rousseau, se trata de un artista que pinta de manera espontánea como los niños, y este aspecto es lo que les interesa al grupo del jinete azul. Quieren ver la necesidad interior del artista. Para Kandinsky todas estas obras comparten esta necesidad inferior, todo ser humana necesita expresar un sentimiento espiritual y lo hace a través del arte. Esto es algo propio del ser humano.
Tres diferencias entre el puente y el jinete azul:
el grupo el jinete azul, no es un grupo con pretensiones de homogeneidad estilística, ni con unos miembros estrictamente definidos. En eso se diferencia en l grupo el puente que tienen cautro miembros claros y nacen con un programa, unos objetivos muy claros. los pintores del jinete azul y los pintores del grupo al puente rechazan este interés por la mimesis de la realidad. No les interesa copiar la realidad y comparten la idea que la occidentalidad ya no les aporta nada. Lo que ocurre es que los artistas del grupo el puente se rebelan frente esta situación y luchan contra la clase burguesa, su moral, sus principios y valores, mientras que los del jinete azul no intentan cambiarla o denunciarla sino lo que hacen es buscar otra realidad, es decir, huyen de la realidad hacia la abstracción. donde el lenguaje de los miembros del grupo del puente era de líneas quebradas, de tensión de estética del feísimo,lo que prevalece en la sobras del jinete a azul es el lirismo, las líneas curvas, colores más suaves, menos violentos y cierto intento de buscar una harmonía de crear dicho de otra manera un mundo paralelo a través del arte. Martes 25/03/
Wassily Kandinsky (1866-1944): nos centraremos en la primera etapa de Kandinsky, la podemos conocer como la etapa del lirismo abstracto. Nace en Moscú, así podemos marcar la primera etapa de los comienzos en Moscú que va des de 1866 hasta 1896. Cuando el es pequeño sus padres se separan y será educado por su tía y su abuela. Su tía le da una formación musical y pictórica y en el caso de la abuela le leía cuentos en alemán, por lo tanto le acostumbrará a este idioma cosa importante para cuando de traslade a a Alemania. Cursara estudios de derecho y economía en la universidad de Moscú, durante los primeros treinta años de su vida se dedicará a la pintura solo como pasa tiempo. Ejemplo iglesia de la Natividad de la virgen de Moscú, 1886 , este dibujo es una representación de Moscú,Kandinsky mantendrá siempre una relación con su ciudad natal. Este dibujo muestra un Kandinsky que con sólo veinte años ya tiene un gran dominio del claroscuro, del trazo definido etc. Es considerado el padre de la abstracción. Es un artista que podría a ver seguido por el arte figurativo pero se fue por la vía de la abstracción. Entre 1895-1896 hay dos acontecimientos que le impulsarán a abandonar una carrera del derecho para dedicarse exclusivamente a la pintura. Kandinsky visitara una exposición y ve entre otras obras una de Monet que pertenece a la sede de almiares , se dedica a representar montones de eno en diferentes
momentos del día y épocas para estudiar los cambios que se producen en los objetos por la luz. Lo que le impresiona tanto es que el tema representado ya no tiene ninguna importancia. Sino la luz y como la pintura a través del color es capaz de transformar la luz. Esto le llevará al arte abstracto. La otra experiencia sería la obra de bagner.
Una vez ha vivido estas dos experiencias se traslada Múnich 1896-1911 , será su segunda etapa. Cuando llega se matricula en la escuela de bellas artes y comienza a formarse. Cuando acaba los estudios decide crear unas pequeñas asociaciones de artistas modernos para promover exposiciones. El primero de estos grupos o asociaciones es el grupo phalanx , donde se exponen obras influenciadas por el expresionismo, simbolismo y modernismo alemán. Otra influencia poderosa es el puntillismo y el modernismo, ejemplo vieja ciudad II,1902 , juega con la luz y crea unos contrastes muy evidentes con el color. Lo cual nos habla de la gran importancia que adquiere el color en la obra de Kandinsky. En esta misma fecha conoce a una pintora llamada Gabriele Münter , la cual será su mujer hasta 1914 y esto hará que se separase de su primera mujer en 1904. Kandinsky y Münter aprovechan para hacer diversos viajes como a Italia, norte de África Túnez,paisaje costero I,1905 vemos la gran importancia del color y sus contrastes entre cálidos y fríos. Entre 1906-1907 pasara casi todo el tiempo en París y expondrá con los Fove. En este época también participara en una exposición del grupo el puente. Y entre septiembre de 1907 y la primavera de 1908 se establecerá en Berlín. Seguirá exponiendo con la secesión berlinesa y por otra parte descubrirá la doctrina de Rudolf Steiner. Rudolf es un filósofo educador, austríaco que pertenece durante varios años a la sociedad teofosica fundada por Blavatsky y Olcott. Crean la sociedad teofosica, son los responsables de crear en 1885 la sociedad teofosica basada en la doctrina de la teosofía o religión de la sabiduría. Consiste en un intento de sincretismo entre Occidente y oriente, el fundamento principal es la creencia en la reencarnación, podemos decir que hay una actitud espiritual y que se acepta cualquier tipo de religión, pero no hay preferencia por ninguna, es más bien una especie de actitud espiritual que se basa en la idea fundamental en que la verdad de encuentra en el fondo de todas las grandes religiones. Tienen una serie de dogmas que corresponden a los aspectos más artificiales de la religión, estos dogmas lo que hacen es esconder la realidad de cada religión y hay que descubrirlo. Estas doctrinas intentan apoderarse de las esencias de las ciencias positivas. Rudolf es durante cierto tiempo director de esta sociedad en Alemania y Austria. En 1912 rompe con esta sociedad y creara su propia disciplina que será llamada atroposofia. Dice que el sendero espiritual se construye con la libertad del individuo, el remarca mucho que cualquier creencia espiritual debe de nacer por sus propia experiencia. Kandinsky cuidara asombrado por esto en una conferencia. Kandinsky, Murnau. Visita desde el Griesbräu, 1908 , pasara mucho tiempo de vacaciones en este lugar, finalmente se compraran una casa ahí. En estos paisajes que realiza vemos la influencia de los post-impresionistas y de los Fove. Jawlensky y Werefkin , son amigos de Kandinsky y Münter realizara obras con ellos de modelos. Muchas de sus pinturas están relacionadas con las artes bárbaras, esas líneas negros puede que viniera de su agrado por la decoración en vidrio. Werefkin, autorretrato, 1910 , personaje interesante miembro de la nobleza rusa, que empieza su formación en Moscú, en la pintura realista. Es una mujer. Un culta y es hija de una artista. En 1896 también se muda a Múnich acompañada por su pareja y también por la doncella. En su casa se
