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Primeras Vanguardias
Evaluación anual: Examen: un final o dos parciales. (Febrero – junio)
- Desarrollar un tema de clase estableciendo relaciones
- Analizar dos imágenes: sale el titulo y el autor. El año no. Trabajo en grupo: (junio)
- Recorrido físico y escrito de una exposición
- Investigación en torno a un documento un libro Dos visitas a exposiciones:
- Modernidad Americana S. XIX y XX, antes de la influencia europea. (octubre)
- Macba (mayo) Ficha de Metropolis y de Paprika. Horario despacho: Lourdes Cirlot Martes 9:30 a 11:
Introducción
Movimientos que nacen y a veces coexisten. Por ejemplo el cubismo con el futurismo italiano que además coinciden en algunas características. Los movimientos que influyeron para la creación de las primeras vanguardias en 1905 en diferentes países de Europa, son el impresionismo, postimpresionismo y simbolismo. Sucede que un movimiento percusor establece las bases para un nuevo movimiento. Idea de que el arte del siglo XX plantea la posibilidad de decir que es un arte de ruptura con épocas pasadas. Esto se debe principalmente a que el arte del S. XX rechaza la mimesis, la imitación, la copia de la realidad con fidelidad. El artista se libera, con la cuestión del surgimientos de la fotografía y el afianzamiento de esta como arte. El artista tiene la libertad de expresar lo que quiera como quiera. Goya se instaura como un percusor de los grandes en la fealdad. El echo de que muchas obras son mas feas que bonitas refleja la libertad de los artistas del S. XX. Buscan provocar sensaciones como el miedo o la repugnancia. Algo que también caracteriza este arte, es su carácter experimental. El artista siente que esta en un mundo en que lo científico esta presente. El cine, trenes, ascensores, aviones, máquinas. Ciencia, física, medicina, biología; repercute mucho en la sociedad, la cual se transforma. Un ejemplo es la necesidad de higiene que transforma la arquitectura. Se trata de una nueva manera de sentir el mundo. Entre 1914 y 1918 tiene lugar la primera guerra mundial, que causará todo tipo de traumas, muerte, mutilados, enfermedades y pobreza. Entre 1939 y 1945 sucederá la segunda guerra mundial, aún mas devastadora. El periodo de entre guerras es muy peculiar, muchos artistas fueron a luchar, algunos murieron y otros quedaron marcados de por vida, como André Masson, que durante toda una noche permaneció desangrándose junto a todos sus compañeros muertos. Esto supone una clara presencia de violencia y muerte en su arte. Muchos artistas alemanas tuvieron que emigrar por ser judíos o tener una ideología de izquierdas. Adolf Hitler declaró proscrito todo el arte de vanguardia califican como degenerado y fue contra los artistas y cerró la Bauhaus en 1933. Fue entonces cuando los artistas europeos empiezan a llegar a Estados Unidos entre 1934 y 1940. En 1940 los alemanes entran en Paris, eliminando a su paso todas las libertades de los artistas, con preponderancia. Hay dos momentos de emigración masiva: 1933- 34, cuando sube el nazismo al poder. 1939-45 Primera fase de la 2GM Los artistas se americanizan y obtienen las nacionalidades. Allí ejercen de profesores y artistas. Un ejemplo es Salvador Dalí que emigró hasta 1948. Las primeras vanguardias se sitúan en Europa, en ciudades como Berlín, Moscu, pero la confluencia de todos ellos es indiscutiblemente Paris, por su herencia cultural importantísima. Como resultado de estas emigraciones, Nueva York pasa a ser el centro cultural y artístico mundial. Es un momento de auge del arte americano que se reivindica como propio del 45 al 50, son las segundas vanguardias que se prolongan hasta 1968, con la denominada muerte del arte.
De 1968 al 1970 tiene lugar un lapsus dedicado al arte como concepto. Los artistas dejan de hacer obras y serán intelectuales que harán proyectos.
Movimientos que desencadenaros las primeras vanguardias
El pasado en el mundo del arte es fundamental. Estudiaremos el arte desde dos puntos de vista diferentes pero complementarios: Formalista (Heinrich Wölfflin) e Iconográfico (Erdwin Panofsky) Moderny en inglés es el mundo actual, pero en nuestra lengua el mundo actual es contemporáneo. El padre de la pintura contemporánea se considera Edouard Manet (impresionista)
Edouard Manet 1832 - 1883
Su carrera artística comenzó hacia 1850 en el estudio de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt y Velázquez, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier. Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros.
→ Le déjeuner sur l'herbe (El almuerzo sobre la hierba). Edouard Manet. 1863.
Manet concluye el que será, sin duda, uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el Salón de 1863 y expuesto en el de los Rechazados, Almuerzo sobre la hierba. Es una temática común renacentista (mitología o religiosidad) pero iconográficamente no responde a su tipo de aportaciones. Las escenas con el tema del ocio en el campo estaban ya muy enraizadas en el arte occidental y abundaban tanto en las ilustraciones populares como en el arte académico, pero el cuadro de Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador. Presenta gente normal y corriente, una diferencia a gran escala. La escena ocurre en el campo; dos señores vestidos (un escultor holandés y el cuñado de Manet) hablando entre ellos y una mujer que les acompaña totalmente desnuda. La mujer del fondo lleva un vestido de gasa y esta dentro de un riachuelo. En el primer plano se ve una naturaleza muerta o bodegón. Sabemos que los dos señores están hablando porque la posición de las miradas nos lo indica., pero la mujer desnuda en cambio mira directamente al espectador. Esto responde a la idea que aporta la fotografía, la captación de un instante. Ella esta posando para esa fotografía. Manet se comporta como un fotógrafo al pintar esta actitud desprovista. El impresionismo no era la impresión de una imagen como creían muchos historiadores, la plasmación rápida de dicha impresión. Sino que era la idea de que la gente percibiera la impresión de un momento pero para nada se realizaba rápidamente, el óleo requería dejar secar las diferentes capas, que a veces podían ser mas de siete. Manet presentó su obra al salón de otoño y el jurado la rechazó como indecente e indecorosa. El desnudo de la mujer había sido tratado en muchas épocas, pero se trataba de diosas mitológicas, desnudos justificados y aun no ser la primera vez del desnudo de una señora no diosa (Gustave Courbet, percusor del impresionismo, lo hizo antes pero se trataba de una modelo, de manera que estaba un poco justificado.) El caso de Manet es nuevo iconográficamente porque no se trata de una modelo, es una mujer que esta tranquilamente desnuda. Este cuadro obtuvo la repulsa unánime del público y la crítica. Sólo lo aceptaron y comprendieron sus compañeros los jóvenes pintores del momento. Se montó una exposición paralela a los salones oficiales, compuesto por las obras rechazadas por estos, “El salón de los rechazados” donde Manet expuso muchas de sus obras. Tuvo éxito debido al morbo, hasta acudió la esposa de Napoleon III, la emperatriz Eugenia.
Naturalmente fue rechazada por el Salón. Entre las razones por las que este cuadro iba a resultar chocante destaca la flagrante descripción de los hábitos sexuales modernos. Lo que realmente desconcertó a los críticos de la época es que además de representar una prostituta, Manet no la sentimentaliza ni la idealiza, y Olimpia no parece ni avergonzada ni insatisfecha con su trabajo. No es una figura exótica o pintoresca. Es una mujer de carne y hueso, presentada con una iluminación deslumbrante y frontal, sobre la que el pintor muestra un perturbador distanciamiento que no le permite moralizar sobre ella.
Claude Monet. 1840-
Monet inventó el concepto impresion ista. De su pintura “impresió n sol naciente” surge el nombre. Fue principalmente un paisajista que aporta transgresión de orden formal. Descubre, profundiza e investiga en la técnica propia del impresionismo, la técnica de la pincelada suelta y sobrepuesta, desaparece el contorno, y la disolución de las formas, para dar una impresión y no una realidad. Tiene un interés por captar la luz a diferentes horas del día, con sus diferentes cambios lumínicos. Se le considera el pintor de la luz al lado de Renoir.
→ Impression soleil levant. (Impresión sol naciente). 1872. Es una pintura equilibrada y harmónica. La mañana se levanta en el puerto de Le Harve y hay varios veleros entre la niebla del rocío. Los colores que predominan son el azul y el naranja, puros, sin mezclar, colocados en la tela con gran espontaneidad. Da la sensación de estar pintado con rapidez, es la captación de un momento fugaz. No tiene importancia ni el dibujo ni se perfilan los contornos. Es la luz lo que pretende reflejar y que domina los colores, creando espacios mágicos como la estela del sol en el agua, diluyéndose los colores y los contornos. Esta obra fue presentada en el salón de los rechazados en
La pintura capta una realidad vista por el autor, abandonando todo detalle. Esta nueva concepción pictórica será la base de todas las vanguardias artísticas posteriores.
La aportación principal del impresionismo esta vinculada a la interpretación de las formas, la incapacidad de distinguir las líneas. Los reflejos del agua son tan importantes como la barca. Es la idea de evocar. El poeta clave dentro del simbolismo francés es S. Mallarmé, que refleja la idea del miedo a definir. Dice que a un poema se le resta tres cuartas partes de emoción si se define, en cambio si se evoca, da paso a la imaginación. Lo bonito es generar propuestas abiertas. El simbolismo francés es coetáneo al impresionismo. La indefinición es la caracterización de estos artistas. El cielo y el agua se benefician el uno al otro, creando zonas de intensidad sin necesidad de recurrir a representaciones realistas. No nos encontramos en la abstracción aunque si que dará paso a ella. Todos vemos lo que hay. Los primeros abstractos ejercieron un estudio de estos tres primeros movimientos: impresionismo, postimpresionismo y simbolismo) para desarrollar nuevos movimientos. Todo es un camino que va desarrollándose. Además, técnicamente, no solo color y forma, los impresionistas descubrieron el poder de la pincelada suelta y cargada de pasta. El óleo se trabaja grueso ya que tiene diferentes texturas.
Vincent Van Gogh. 1853- 1890
→ Autorretrato. Vincent Van Gogh. 1889. Pintor Holandés que tuvo una educación rígida en el ámbito religioso. Con una personalidad muy inestable su vida se refleja en sus obras claramente.
Fue muy amigo del pintor impresionista Paul Gauguin, con quien se fue a vivir una temporada hasta una fuerte discusión. De la rabia, Van Gogh se corta una oreja y se la manda a una prostituta. Su hermano menor Teo le mantiene económicamente y mantienen una gran
Usa un lenguaje peculiar de ritmos ascendentes; el ciprés asciende hacia el cielo, asociable a su carácter espiritual. Los cipreses están mas en los cementerios por su disposición hacia arriba, simbolizando el muerto hacia el cielo. La cúpula en aguja corresponde a la iglesia, de nuevo la idea de espiritual hacia el cielo.
→ Café terraza en la noche. Vincent Van Gogh.1888. Paisaje no relacionado con lo rural, sino que urbano, algo novedoso. Lo puso de moda el poeta Charles Baudelaire. Con la luz eléctrica la ciudad pasa a ser un lugar sobre iluminado, casi mágico. La ciudad se convierte en el tema por excelencia. No solo en el arte, también en otros ámbitos como el cine, un ejemplo es el film de Metrópolis. La obra presenta unos contrastes violentos de color, colores primarios y sus complementarios (rojo-verde, amarillo-azul). Consigue, demostrado después por los psicólogos de la Gestalt, que los colores mas agresivos son el rojo, el verde y el amarillo, por lo tanto impacta brutalmente. Van Gogh se instaura como el percusor del color y la técnica pictórica densa; grumos e pintura, pincelada suelta, lo táctil esta muy presente.
→ Dormitorio del artista. Vincent Van Gogh. 1888- La obra presenta una perspectiva mal resuelta intencionadamente. Concepto primitivo que alecciono a muchos artistas como Miró o Tàpies. Las sillas son un prototipo de silla sencilla como el resto de mobiliario, humilde y cualquiera. Esto abre vías a una nueva manera de ver la pintura, nada elitista, un acercamiento a la cotidianeidad.
Los colores primarios, secunda rios y sus complementarios. Primarios: rojo, azul, amarillo Secundarios: Violeta, naranja, verde Complementarios: las puntas opuesta s Neutros: blanco y negro.
Serán los colores que se utilizara n en la mayor parte de ocasiones.
Paul Gauguin. 1848-
Pintor francés postimpresionista. Sus experimentos en el color influirán en la evolución de la pintura, en especial el fauvismo. Su valoración, como artista, no fue de siempre reconocida. Sobre el pesaba la leyenda negra de que abandonó a su familia para dedicarse de lleno a la pintura y posteriormente irse a Tahití. Aunque siempre estuvo vinculado a Francia, mantenía correspondencia con sus amistades y mujer, publicada en un libro: escritos de un salvaje”.
Por muchos aspectos, entre ellos las colonias con su política de colaboración y un trasvase de elementos (o robo a los indígenas), empieza una fascinación, se implica una nueva mirada con relación al primitivismo. El mundo primitivo en general, va a subjugar a todo el arte; Tahití, África, América,… Muchos artistas empiezan a rodearse de colecciones de arte primitivo y ejercen una influencia estética en ellos. Gauguin fue el primero en lanzarse a estas investigaciones del mundo primitivo.
→ Cristo amarillo. 1889. Paul Gauguin.
Tiene un tratamiento del color sin antecedentes. Es el primer artista que a sus representaciones les da un color arbitrario desde el punto de vista realista. Aspecto en el que triunfa el simbolismo.
→ Arearea. Paul Gauguin. 1892. Se le considera postimpresionista y simbolista. La idea de la tierra fértil simbólicamente le atrae. Va a sacarle el jugo a estas nuevas posibilidades; tonalidades increíbles de este mundo, animales libres, recordándole la imagen ideal del paraíso. Una vez allí no fue tan perfecto, aunque se deja maravillar por este nuevo ambiente. Pinta con colores que realzan esta realidad; verdes impresionantes con rojos. La luminosidad en Tahití es diferente.
→ El caballo blanco. Paul Gauguin. Se atreve a romper las normas y pintar un caballo rojo.
estuviese seria abstracción o cubismo. Manchas geometrizadas. En 1907 se le hizo un homenaje con una exposición. Los jóvenes pintores la visitan i muchos quedan influidos. Picasso ese año haca las señoritas de Avignon.
→ Los grandes bañistas. Paul Cézanne.1904- 1906. Estas mujeres desnudas influyen en Picasso.
Gustave Moreau (1826 – 1898) El fauvismo estará influido por el simbolismo, destacando Gustave Moreau. Su reconocimiento es reclamado posteriormente por los surrealistas, ya que como simbolista que era estaba eclipsado por los otros movimientos.
→ Salomé tatuada. Gustave Moreau. 1876
Gustave Moreau era profesor en la escuela de Bellas Artes de Paris y después le hicieron director. Su manera docente era diferente al resto; no utilizaba el concepto de imitar a los artistas del pasado, proponía ir a los museos para aprender de ellos y su capacidad creadora, pero sin imitarlos. Muchas de las obras de Moreau son religiosas o mitológicas. El personaje de Salomé le atrae muchísimo y pinta muchas obras sobre ella. La irradiación de estas pinturas fueron las que desencadenaron el interés por Salomé a Oscar Wilde (literatura) o Richard Strauss (opera). Inventa arquitecturas, mucha capacidad imaginativa. En esta obra se refleja justo en el momento que Salomé se quita los siete velos y se queda desnuda. Por su desnudez , como a Monet, le recriminaron y Moreau se vio obligado a modificarlo; tatúa a Salomé, encima del óleo con tinta china.
→ Salomé danzando ante Herodes. Gustave Moreau. Arquitectura fantástica inventada; árabe + gótica + oriental) Gama cromática muy amplia para lograr efectos intensos como la piel extremadamente blanca de la princesa que da luminosidad. El color para el tiene una importancia sublime, lo que en Matisse ira haciendo mella.
→ Aparición. Gustave Moreau. 1876 Refleja justo el momento en el que a Salomé se le aparece la cabeza de San Juan Bautista. Ella presenta una actitud de miedo ante el hallazgo. Esta serie de pinturas motivaran al surrealismo, por su atmosfera ligada a los delirios fantásticos.
→ Júpiter y Semele. Gustave Moreau. 1896 Se trata del último cuadro de Moreau. Tiene una composición delirante. El tema tratado es mitológico, Júpiter, padre de todos los dioses, con la joven Semele muerta entre sus brazos. Juno, sabedora de las infidelidades de su marido, Júpiter, se disfraza de nodriza de Semele y la manipula de forma que la hace creer que ella lo que desea de Júpiter es verlo en su máximo esplendor como dios. De modo que Semele, que nunca le había pedido nada a Júpiter, se lo solicita, y al este hacerlo, su fuerza y poder la matan. Las vestimentas, los ornamentos, los intensos colores, forman un conjunto delirante. El sequito de Júpiter se compone por seres pseudo humanos, de morfologías extrañas, lo cual inspira a los surrealistas, que se nutrieron de su iconografía.
característica fundamental del fauvismo; autonomía del color con respecto a la forma.
→ Autorretrato. Henri Matisse. 1900. Se le puede catalogar como pseudo impresionismo o pseudo postimpresionismo. Son impresiones de color.
→ Puente Saint Michel. Henri Matisse. 1900. Paisaje.
→ Lujo, calma y voluptuosidad. 1904-05. Henri Matisse. Prefauvismo, mucho mas cercano al fauvismo. Aspectos fundamentalmente ligados al color. Es una pintura coetánea a Cézanne. El tema es el de los bañistas en el mar. Escena tranquila, relajada, feliz, ligada a la temática impresionista y postimpresionista, pero con un titulo muy poético debido a que Matisse esta leyendo a Baudelaire, de quien toma estas palabras. Debido a ello se desliga de la temática de los bañistas propiamente dicha, lo que supone una originalidad. Usa una técnica y color diferente. La técnica se trata del macro puntillismo. Matisse aprende de los puntillistas como Georges Seurat y Paul Signac, pero magnifica la técnica haciendo los puntos mas gruesos y visibles. Picasso hace lo mismo con una bailarina. El color no responde a la realidad, es arbitrario con contrastes muy fuertes. Tiene una composición triangular muy marcada, sin razón de ser. Utiliza los ocho colores, a voluntad del artista. El resultado es armónico porque tiene en cuenta los contrastes.
→ Retrato de la raya verde o retrato de Madame Matisse. Henri Matisse. 1905. Primera obra fauvista. Tiene dos títulos que coexisten. Fue presentada en el salón de otoño de 1905. Al director de la sala se le ocurrió coger una escultura de reminiscencias clásicas y la puso en medio. El crítico Louis Vauxcelles dijo en su articulo posteriormente: Donatello entre las fieras, y así nació el termino que todos ellos asumen, fauvistas. En la época choca el color exagerado como elemento prioritario de la pintura.
El fondo es abstracto echo con manchas de color, para equilibrar el cuadro, puesto que Matisse siempre busca un equilibrio. Todavía no quieren dejar al publico con la boca abierta. La raya verde sirve para contrarrestar el vestido rojo, finalidad que explica Matisse en notas de un pintor. Matisse recurre a la autonomía del color sin substituir ninguna forma. Color que surge de su sensación, no de lo que es realmente. Se trata de un proceso interior, que responde a una necesidad interior, un proceso de asociación, para el en colores, los dueños de la expresividad en la pintura. Matisse se deja influir por el arte oriental (incorporando el norte de África). Hace una composición cromática de rojo-verde, colores complementarios. Del macro puntillismo pasamos a una pincelada resuelta en base de manchas diferentes.
→ La mujer con sombrero. 1905. Henri Matisse. Fondo resuelto con manchas abstractas. Consiguiendo así que el retratado adquiera un protagonismo.
→ Pastoral. Henri Matisse. 1905. Recuerda al almuerzo sobre la hierba de Manet, sobre todo en composición, la cual es triangular. Para los paisajes también utiliza las manchas. Los árboles son sin líneas, de colores arbitrarios, los cuales el siente.
→ Paisaje en Collioure. 1905. Henri Matisse. Andrè Derain y Matisse van a una región de Francia, la costa roja, y surge la temática de paisajes interiores. Collioure es una población del sur de Francia, pequeña y de pescadores. Todas las casas están pintadas de blanco. Es allí cuando conjuntamente, estos dos artistas, descubren la luminosidad. Paris entonces era muy gris. Clima mas agradable en el sur; la luz del mediterráneo. Incorporan a su paleta cada vez mas el blanco. Podríamos decir que esta obra se trata de una composición abstracta por su poca referencia.
→ Ventana abierta. Henri Matisse. (Collioure) 1985.
Desecha por completo la perspectiva tradicional y utiliza una perspectiva abierta a la derecha. Muestra un desprecio total y absoluto a la tradición y manera de utilizar colores y perspectiva. El fondo esta resuelto en tonos fríos y azules, consiguiendo transmitir la sensación tridimensional gracias a los colores. El rojo de las cebollas acercan. Utiliza la técnica de manchas, el pasaje cézarianno esta muy presente.
→ Naturaleza muerta. Henri Matisse. 1906. Objetos del folclore popular de los lugares que visita. El decía que le encantaba lo oriental. Presenta un horror vacuo, muy característico del decorativismo de Moreau.
→ Marguerite. Henri Matisse. 1906- Retrato severo, austero. No hay audacia. Contraposición del fondo amarillo verdosos y el vestido que supone una mezcla de colores. Esta obra perteneció a Picasso, ya que Marguerite Matisse fue amiga de Picasso.
→ Dos mujeres. Henri Matisse. 1907 (bronce) Se trata de una escultura de pequeñas dimensiones en bronce fundido. Supone una curiosidad que los pintores empiecen a trabajar en tres dimensiones. El tema principal de Matisse es el desnudo, especialmente el femenino, trabajándolo de forma mas libre y entusiasta.
→ Desnudo azul. Henri Matisse. 1907 Personaje femenino con una novedosa pose, para cubrir así el sexo. Los pechos están proyectados hacia fuera. Picasso coetáneamente trabaja cosas similares.
→ Desnudo recostado. (Aurore). 1907. Henri Matisse. La postura de la figura es idéntica a la que encontramos al óleo. Es una estatua trabajada en tres dimensiones influye en la pintura que recobra muchos volúmenes y formas redondas. Matisse ha procurado unas sombras en color acentuando el volumen.
→ El lujo. 1907. Henri Matisse. Desnudo mas esquemático. Hace dos versiones. Lo que mas llama la atención son las posturas diferentes de las mujeres, idea de experimentar con la posición de los cuerpos humanos. Marcelin Pleynet decía que Matisse conocía las técnicas chinas de trabajar las posiciones del cuerpo experimentándolas primero. Aspecto fundamental en el fauvismo de reflejar lo que sucede en tu interior. Combina con un paisaje de fondo colinas, agua, la orilla del mar, con coloración distinta integrando sus mezclas y gradaciones, lo cual desaparece en la segunda versión.
→ El lujo II. Henri Matisse. 1907 No hay gradaciones, manchas de color planas. Detalles anatómicos, perfilados con líneas (en la otra versión eran inacabadas o inexistentes). Hay un mayor esquematismo porque Matisse sucumbe a la influencia del arte primitivo caracterizado por un proceso d’esquematización profundo. Eliminan lo superfluo, lo anecdótico o los detalles como pelo, piel,... Son cuerpos simples y esquemáticos. El ramo en el centro es el punto que atrapa la atención y se construye el cuadro alrededor. Fija la atención para seguir el orden de la composición de forma circular; un ritmo que el nos fija. Además tiene la finalidad de reunir los colores de la obra juntos en un mismo punto.
→ Bañista con tortuga. Henri Matisse. 1908. El punto de fuga es la tortuga. Toda la atención gira en torno a ella, color que llama la atención. La composición se compone de un triangulo. Además contrapone las posiciones de las mujeres. Les introduce el volumen, las sombras, la corporeidad. Respecto al fondo ya no vemos un paisaje, podría ser la línea del horizonte pero nos despista el echo de que sean dos y de intensidades distintas. Por lo tanto vuelve a sus fondos abstractos.
→ Desnudo. 1908. Henri Matisse.
Se trata de un rojo mas cercano al naranja, muy vivo. Los coloristas tienen cierta predilección por el rojo porque hace vibrar al espectador. En esta radiante pintura ha saturado de rojo una habitación, su propio estudio. Los objetos artísticos y decorativos están pintados con solidez, pero el mobiliario y la arquitectura son diagramas lineales, silueteados por cortes en la superficie roja. El estudio es un lugar importante para cualquier artista, y este se lo había hecho el propio Matisse, animado por la adquisición de nuevos clientes en 1900. En el presenta un cuidadoso despliegue de sus obras. Las líneas angulosas sugieren profundidad y la luz verdiazul de la ventana intensifica la sensación de espacio interior, pero la masa en rojo achata la imagen. Toda la composición se organiza en torno al enigmático eje del reloj de pared. Un rectángulo plano cuya esfera no tiene manillas. El tiempo esta detenido en este espacio mágico.
→ Marroquí de verde. Henri Matisse. 1912 Usa los colores terciarios: turquesa, esmeralda, relacionados con el agua. Presenta una raya verde en la mandíbula, los brazos deformados, desatendidos, no son nada relacionables con la realidad. La tunica es desbordante, de pincelada suelta para un efecto llamativo. Los fondos desdibujados, en manchas, con azules infinitos: malvas, lilas,...
→ Entrada en la Casbah. 1912. Henri Matisse. Empieza una etapa nueva: interiores con ventana donde cobran importancia las ventanas.
→ Puerta – ventana en Collioure. 1914. Rozando la abstracción, en las puertas de la primera guerra mundial. Se quiso alistar en el ejercito pero lo desecharon por viejo. Esta obra transmite tristeza. En 1910 nace la abstracción con Kandinsky, en una Alemania regida por un Reich. Se dice que en época feliz la pintura es realista, en época triste, la pintura es abstracta.
→ Odalisca con pantalones rojos. 1921. Henri Matisse.
Empieza la etapa de las Odaliscas, un tema nuevo.
Vestida con reclamo para ser atractiva, presenta el cuerpo semidesnudo en posición provocativa. La ornamentación se apodera de la pintura y los colores son exaltados.
→ Odalisca. 1924. Interiores, rostros, diferentes posturas.
→ Figura decorativa sobre fondo ornamental. 1925. Riza el rizo. Vuelve a sus orígenes.
→ Mujer con sombrero. 1929 – 30. Henri Matisse. Obras originales. Mujer totalmente blanca con sombrero y collar. Precedente del pop art americano. Rojo y turquesa; percusor del pop.
→ Desnudo rosa. 1935. Henri Matisse. Desnudos con formas caprichosas, imaginativos, bastante abstractos. En este caso, la retícula azul, mas la franja en rojo y la mancha amarilla conforman una abstracción si le quitamos el denudo. Se podría relacionar a Mondrian. Matisse como los demás, absorben lo que hay a su alrededor, aunque no le interesa la abstracción pura.
→ Blusa rumana verde. 1939. Henri Matisse.
→ Blusa rumana. 1939-
→ El silencio habita en las casas. Henri Matisse. 1947. Es su última etapa. Tiene cáncer y le operan dejándolo postrado. Deja a su mujer y se queda con su enfermera que le hace de modelo.
→ Vitrales en azul y amarillo de la capilla del Rosario en Niza. Inventa un artilugio para pintar desde la cama. Sus últimos días los vive en el hotel Regina de Niza, donde corta papeles y hace colages de figuras femeninas, desnudas, con tonalidades exaltadas.
Andrè Derain. 1880 -
