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IMATGES AVANTGUARDES
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Matisse - Lujo, calma y voluptuosidad, 1904-1905 / 98’3 x 118’5. Óleo s/lienzo. Museo D’Orsay París.
Inicio época madura. Zonas de la tela sin pintar como en su obra protofovauvista desnudo femenino de 1898. Sigue con la técnica divisionista de su amigo Signac pero el objetivo no es crear ilusión de realidad con los métodos científicos de los puntillistas que consiguen que los colores se mezclen en la retina del espectador. Aquí, la pincelada es más ancha y crea un efecto de piezas de mosaico, también en el horizonte pinceladas más anchas y algunas irregulares. No se perciben los pequeños puntitos de los neoimpresionistas.
Obra expuesta en el El salón de los Independientes de París en 1905. Título sacado de un verso de Baudelaire titulado Invitación al viaje que aparece en su obra Las flores del mal : “allá todo es orden y belleza, lujo, calma y voluptuosidad”.
Artista que puede haber influido en la obra de Matisse es Henri Cross (Delacroix??), artista puntillista. Uno de los fundadores de la Sociedad de los artistas independientes en 1884 (primera exposición) Cross entra en contacto con Seurat. En 1891 empieza con obra puntillista (también fallece Seurat). Una año más tarde se traslada al sur de Francia por problemas de salud. A pocos kilómetros de allí, en Saint Tropez, irán Matisse y Signac. La técnica que utiliza Matisse próxima a la de Cross. Matisse le envía cosas a Cross y (interesante) le dice a Matisse “cuanto más conoces las reglas más puedes transgredirlas ”, refiriéndose al divisionismo y a la manera subjetiva de tratarlo que tenía Matisse. Cross hace lo mismo que Matisse en Lujo, calma i voluptuosidad y deja trozos desnudos de color. Cros: La plage de Saint Claire. Típico árbol fauve. (Imatge apunts).
Hay varios esbozos de esta pintura. Esta es la definitiva. Matisse era muy minucioso y hacía muchos esbozos de sus trabajos.
Aquí el color empieza a liberarse de representar de manera verosímil del paisaje. Lo que expresa es la emoción del artista delante del paisaje.
Contraste de la señora vestida (mujer de Matisse) con el resto de la obra. Tema desnudo femenino inmerso en la naturaleza típico Matisse. Nube amarilla muy curiosa.
Tema arcádico de la edad de oro, paraisos incontaminados.
Gran tradición del tema del tema del desnudo en la naturaleza: Tiziano, Giorgione, Manet y Cezanne entre muchos otros ya lo habían representado.
Matisse - La alegría de vivir, 1905-1906 / 1’75 x 2’40 m. oli s/tela. Warner Foundation EEUU.
A veces combinará los grandes planos de colores con el puntillismo poco ortodoxo para las decoraciones. Naturaleza muerta de 1906.
Picasso: El harén, 1905, otro ejemplo de la misma temática. Posturas parecidas.
El Desnudo sentado 1906 de Matisse repite el tipo de postura.
Picasso y Matisse se conocen en París. Tienen en común sobre todo el arte primitivo y se admiran mutuamente. Picasso especialmente por Matisse por su dominio del color que reconoce envidiar.
Matisse - El lujo I, 1907 / 1 x 1’40. Museo Arte Moderno, París
Matisse - El Lujo (II), 1907. Museo Arte de Copenhaguen.
Título referencia a Lujo, calma y voluptuosidad , frase extraida poema 53 Invitación al viaje de Baudelaire de la obra Las Flores del Mal. Gran formato (2’10 x 1’38) La segunda versión parece más acabada, a veces se ha interpretado la primera como esbozo de la segunda. Matisse une tradición con modernidad, otra vez el tema del desnudo en la naturaleza. Tema académico dedicado solo a la representación del desnudo. El lo interpreta a su manera. Influencia arte primitivo. Figuras cada vez más estilizadas. En la segunda versión, por un lado influencia arte africano pero por otro cierta elegancia y sutileza.
Linea azul verdoso marca los cuerpos, sugiere poca verisimilitud, color de piel antinatural. Si recordamos “La alegría de vivir” aquí colores bastante apagados, sensación de fresco a excepción del blanco que es color de la luz, muy difícil introducir en un cuadro. Cuerpos sintéticos, influencia primitivismo, rasgos rostros…. Colores paleta reducida y apagada considerando estilo fauve de Matisse.
Técnica estarcido , tarjeta con dibujo trama regular y traspone dibujo, a partir de aquí se pincha contorno dibujo y encima se pasa polvo de carbón para transferir dibujo a la tela. Tècnicas del pasado pero renovado.
Idea es que se trata paisaje mediterráneo. Matisse quiere arte de equilibrio, pureza, serenidad, reconfortante, bálsamo mental. Quiere alcanzar el silencio, conocimiento de si mismo. Todo esto comparado con el hastío de Baudelaire contrasta
Imagen: Nacimiento de Venus de Botticelli, 1478-1487, 1484?. Comparación.
Se acepta coincidencia con línea neoplatónica. Coincidencia literaria Las Metamorfosis de Ovidio.
Flora de Botticelli coincide con chica flores Matisse. Manto blanco junto con mujer agachada hace forma equivalente a la concha de Botticelli.
Viaje a Italia entre el lujo I y el Lujo II. Recupera Matisse técnica estarcido del Renacimiento.
(ART PROJECT – Internet)
Otra fuente:
Imagen: Le bain des femmes, Totii Kiyonaga, Onna yu, 1780.
Hipótesis, a partir figura femenina rubia , a partir hecho que esté agachada. Podría ser cierto intento representar superioridad por parte de las culturas primitivas (no occidentales) respecto a la cultura occidental. Velada crítica contra la burguesía.
Mujer que acompaña viajeros Odalisca , mujer liberada, contrapunto moral burguesa.
Matisse – El estudio en rojo, 1911 / 1’80 x 2’20. Oleo s/tela. MOMA N.Y.
Gran formato. Tema del cuadro dentro del cuadro. Muebles y objetos delineados en línea blanca, esquematizado. Otros elementos están pintados: dos esculturas pequeñas, cuadros , tejido, objetos cómoda, y objetos encima de una mesa: metáfora de un bodegón por eso le da la misma importancia que a los cuadros, quiere representar la tradición artística, género con siglos de història. Posiblemente quiere ennoblecer la pintura y recordar que lo único que quiere representar son criterios artísticos.
Ventana otro elemento repintado. Matisse dice de sus ventanas que es obsesión, espacio donde se comunica lo exterior y lo interior. Sabiendo que para Matisse la pintura es expresión de la emoción, hipótesis: Matisse juega con las reglas de la perspectiva. Ventana metáfora de la ventana de Alberti. Espacio entre la realidad y la manera de reinterpretarla emocionalmente por parte del artista. Ventana de Alberti es un modelo matemático para representar realidad manera fidedigna.
Por un lado tema del color como emoción , por otro líneas fantasmales en las cosas que son poco importantes para él. La silla presenta el mismo color que el fondo, a los muebles les ocurre lo mismo, solo el contorno los hace visibles lo pintado encima de la mesa nos conduce a una naturaleza muerta. Los objetos rojos, solo silueteados son fantasmales y accesorios. Se están expresando emociones: las esculturas son importantes, sus soportes no.
Fränzi chica 12 años que vive cerca estudio de Kirchner en el barrio obrero de Dresde. El Puente no quiere modelos profesionales, no quiere nada artificial. La niña se supone que se vistió para hacerse el retrato, naturalidad cuestionable.
Rostro frontal, mirada espectador, ojos negros marcados, hierática. La cara casi se ha transformado en una máscara verde por el uso antinaturalístico del color. Labios rojos, se dice sexualidad incipiente niña…. Estudio en Dresde es escenario de este retrato, la niña está sentada sobre silla madera tallada por el propio Kirchner y que se encontraba en el estudio; tiene la forma de mujer africana, como si abrazara a la niña, influencia arte primitivo. Decoran estudio a través diferentes objetos inspirándose en piezas que han visto museo etnográfico. Harán lo mismo en el estudio de Berlín.
El estilo expresionista del grupo alemán Die Brücke, caracterizado por la simplificación formal y el uso arbitrario del color, encuentra uno de sus mejores ejemplos en el retrato de esta muchacha del barrio obrero de Friedrichstadt de Dresde. Protagonista de varios retratos de Kirchner y otros artistas del grupo, Fränzi aparece sentada en una silla, cuyo respaldo tiene tallada una figura desnuda de mujer. La joven nos mira desafiante con su rostro definido a base de gruesas pinceladas antinaturalistas de un intenso color verde, que contrastan con el carnoso tono de la silueta femenina que la enmarca. La frontalidad con la que se presenta ante nosotros pone en evidencia la herencia de modelos pictóricos de Munch, Van Gogh y Gauguin, así como del arte primitivo.
Ernst Ludwig Kirchner - Calle berlinesa, 1913 / 121 x 95. Oleo s/tela. Brücke Museum Berlin
Museo creado a partir donaciones. Mirada mujer da indicio de que se trata de dos prostitutas, en el fondo crítica de cierta moral burguesa hipócrita. Típica vestimenta prostitutas, cocottes. Animaban los cafés y calles de la vida nocturna berlinesa. Mirada demasiado atrevida para ser mujer burguesa de Berlín. Detrás dos mujeres carruaje, tranvía, gente que pasea. Prostituta peligrosa , seductora. Imagen que Kirchner tiene de la gran ciudad moderna que es Berlín. Fascinante pero peligroso , como las mujeres que son inquietantes. Hombre gira la cabeza indiferente. Kirchner da este significado a la prostituta que va más allá. Prostituta símbolo de la ciudad moderna.
Características formales típicas de Kirchner, Trazo seco, rasgos como fisuras en el rostro, pinceladas nerviosas. Contrapone dos grupos personajes en direcciones contrapuesta s que da mucho dinamismo. Detrás los elementos que hay también dinamizan el cuadro. Tanto las cocotte como los hombres parecen autómatas , pero en los ojos se intuye cierta tensión , como movidos por tensión interna. Otro elemento que hace prostituta asimilable con la ciudad es especie de convivencia entre intimidad y alienación. Lugar de la gran soledad del hombre moderno (todo a la venta). Fascinación, todo se puede conseguir, pero soledad.
Suelo no pintado de manera homogénea , hay líneas en distintas direcciones, lo hace a propósito porque quiere representar el dinamismo de la vida urbana , movimiento caótico por eso cambia de dirección constantemente.
Ciudad moderna, línea rígida, seca, no tan evidentes rasgos primitivos, aunque sí en los rasgos de las caras. Eticamente anticonformista, 2 prostitutas de lujo, cocottes, rechazo falsa moral burguesa. Importante: relación arte primitivo con la vida urbana. Por un lado fascinados modernidad y al mismo tiempo también por el arte primitivo. Paradójico.
Orgullo de ser modernos y por otro lado cierta nostàlgia de un mundo más salvaje pero más libre de convenciones morales burguesas.
Futuristas italianos comparten con kirchner interés por la ciudad moderna. No obstantes, los alemanes mirada crítica, fe perdida en el progreso, mientras que los futuristas italianos lo ensalzan.
Emil Nolde, Crucifixión, 1912. Fundación Nolde. Seebüll.
En el caso de Nolde Fundación Nolde de Seebüll , localidad Alemania del Norte, donde se traslada a partir 1927.
Gauguin pinta cuadro en Bretaña y se interesa temas religiosos, habla de catolicismo
primitivo. Autoidentificación de Gauguin con la figura de Cristo , podría
transgredirse a la obra de Nolde.
Imagen: estudio previo de Gauguin. Museo Thyssen.
Se inspira en Cristo tallado anónimo siglo XVII , Cristo de Trémalo, afueras Bretaña.
Figura de Cristo visión de las tres mujeres que están rezando , metáfora de las tres
Marias , y como resultado visión Cristo crucificado. Misma idea otras obras de Gauguin
como visión tras el sermón.
Cristo dolente pero primitivo, por el rostro se ve que ya ha fallecido a diferencia de los
cristos sufrientes. Especie de muro que separa los campos de Bretaña. Mueve nucleo
central de la pintura a la izquierda , hombre derecha se percibe fácilmente, salta la
valla, parece símbolo de evasión. Pronto iba a establecerse en Tahití. Figura conejo
esbozo era figura grotesca animal imaginario decorativo de la capilla de Trémalo.
Tradición bretona tema otoño y aparecen los típicos colores otoño, simboliza la
crucifixión, muerte necesaria para que haya un renacimiento
Imagen: Paul Gauguin Retrato del artista con Cristo amarillo, 1890-91.
Apoya hipótesis de identificación. Triple identificación, él mismo , Cristo y jarrón
que es autorretrato suyo. Època que irá a Tahití, su mujer le abandona, época especial,
se identifica como Cristo.
Mirada de Gauguin mirada psicológica expresiva, pero mirada directa orgullosa. Detrás
representa dos obras suyas, recuerda la habitación de Matisse el cuadro dentro del
cuadro, reivindicación de su dignidad de artista en momento que se siente aislado,
incomprendido. Algunos autores dicen Cristo amarillo se parece a la cara de Gauguin ,
cierto que Cristo es la imagen del sufrimiento llevado con dignidad. El propio
Gauguin se identifica como paradigma artista incomprendido.
Otra hipótesis, brazo extendido Cristo por encima de su autorretrato sugiere figura de
Cristo y Gauguin y otras interpretaciones hablan gesto protector. El jarrón
antropomorfo que define como cabeza Gauguin salvaje , redención a través de lo
salvaje, lo primitivo. Por un lado lo que enfatiza es Cristo primitivo, inocente de la
tradición de Bretaña….Esta asimilación del artista al Cristo dentro de la tradición
wagneriana como artista que tiene misión dentro de la sociedad y que es necesaria
salvación humanidad y Gauguin está dispuesto al sacrificio total (imagen romántica
artista que sacrifica en pro del arte).
Para conectar con Nolde, diferencia rostro en Nolde Cristo muy sufrido , heridas,
tratamiento color más evidente utilización verde ácido en pro mayor expresividad.
Sensación de un Cristo dolido igual que los personajes, mientras imagen Gauguin
Cristo ingenuo primitivo que ya ha soportado dolor y representado muerto, facciones
rostro más relajadas. Personajes también varian, campesinas bretonas (asociadas 3
Marias).
Desde punto vista identificación Cristo, Nolde aporta dimensión especial, mística.
Nolde familia campesinos, familia protestante muy religosa. Cuenta largas noches
invierno leyendo La Biblia , posteriormente estas imágenes aparecen en imaginaria de
su obra. Textos autobiográficos Nolde peculiar concepción de sí mismo. Desde que
empieza a pintar confiesa sentirse solo, incomprendido. Empieza a pintar tarde,
primero industria mueble, ornamentación….a veces siente complejo al enfrentarse
Personajes, parte de atrás de una mujer, bien vestida, zapato con alza. Dos personajes
masculinos, uno bien vestido burgués pero le falta medio cuerpo y va con plataforma
con ruedas, muy grotesco, detrás, otro personaje masculino con sombrero de paja, sin
un brazo y sin pies, mano derecha tendida y hay otra mano de un hombre bien vestido,
clase privilegiada que deja caer moneda mano mendigo. Algo que no se ve a primera
vista es que en la moneda aparece imagen Guillermo II , doble juego a partir situación
dramática y Guillermo II impulsor expansionismo, militarismo y por tanto
responsable guerra y sus consecuencias. Personaje niña fea , parece de trapo.
Izquierda mano de madera con camisa y bastón de paseo. Debajo perro que parece
que lleva en la boca papel periódico en donde se lee judíos fuera. Fondo vitrina con
maniquí con corsé y prótesis humanas, en la otra vitrina tienda de pelucas expuestas.
Posible interpretación: por un lado el mendigo, situación pobreza que recibe moneda
Guillermo II (ironia ), los mismos que han causado situación de pobreza, ahora
ayudan con una moneda. Otra vez personaje femenino da espalda situación injusticia
social, detalle zapato ortopédico, pero muy elegante. La guerra, en todo caso, atañe
a todos. Puede dejar consecuencias en todos. Además relación zapato ortopédico de lujo
con las protesis de lujo de la vitrina. Guerra consecuencias dramáticas para todos pero
mendigo protesis de palos de madera y otros (ricos) prótesis de lujo. Perro
ladrando hacia el hombre del carrito con el periódico letrero judíos fuera. La niña en
esta situación seria nueva generación (estética de lo feo se utiliza sobretodo para
marcar vicios, decadencia sociedad alemana) que nace sin ninguna esperanza ,
infancia perdida o vetada desde el principio. crítica república de Weimar que no ha
sabido liberarse herencia Guillermina, militarismo …..mujer con perrito solo se le ve
parte de atrás como a su dueña.
Técnica como si fuera collage, fragmentos. Periódico inventan cubistas para poner
fragmentos de realidad dentro de la obra. Aquí pintado.
George Grosz - Los pilares de la sociedad, 1926 / 2 x 1’8 m. Óleo s/tela. Museo Estatal de Berlín
Obra pre cubista, transición de la etapa rosa al cubismo. Gertrude joven adinerada en
1903 se traslada a París para seguir estuidos psicología, comparte alojamiento con
hermano Teo.
Imagen: Foto de los Stein en Paris c 1905.
Leo coleccionaba impresionismo, postimpresionismo y vanguardias Preferido post.
Cezanne y vanguardistas Picasso , también Matisse.
Picasso conocerá a los Stein y Gertrude le pide que le haga un retrato y posará. Sesiones
se prolongan meses. Al principio líinea etapa rosa , luminoso, reflexión... momento en
que enseña retrato amigos grandes elogios pero el no convencido. Se irá a Gósol y
cando vuelve decide repintar el rostro por completo. Cuando enseña versión
definitiva a Gertrude, ella no está muy conforme , dice que no se parece y de ahí
anécdota: “al final llegará a ser exactamente así”.
Imagen: Gertrude Stein, 1906.
Se ve influencia primitivismo relieves ibéricos Osuna que vio en expo Louvre en
invierno 1906. Por un lado expresividad y por otro lado sintetismo, son los dos
elementos formales que le marcan de esta expo. Grandes orejas, asimetría rostro,
mandíbula muy marcada. Se mantienen ciertos elementos obra anterior, tratamiento
volumétrico figura y juego con la esquina de la pared que da sensación estructura
definida. Manos grandes ….elementos obras anteriores. Elementos que anticipan
etapa cubista son asimetría rostro, ojos no están misma altura, rostro parece máscara
de yeso, como petrificado (arte africano).
Pablo Picasso - Las señoritas d’Avignon , 1907 / 243’9 x 233’7. Óleo s/tela. MOMA N.Y.
Picasso enseña obra círculo colegas y no la expone hasta 1916. Expo en París , después
volverá taller P hasta 1923 que la compra Doucet diseñador de moda francés. En el 37
la adquiere coleccionista americano y años después MOMA NY. El propio Picasso
fomenta ambigüedad del título. Le gusta mucho jugar con las ambivalencias. Parece
ser que Apollinaire la llama el burdel filosófico, Picasso decía “mi burdel”. Dice
representación interior prostíbulo calle Avignó de Barcelona. Poeta Adré Salmon
atribuye ciudad francesa cuando se expone en 1916 en París, esto depende de una
serie de bromas círculo amigos P. Lo curioso es que P va cambiando de versión
