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Tutoria: Martes de 1 a 2h y de 5 a 7h. A través de los diferentes movimientos y los artistas más representativos de las Vanguardias. Movimientos vanguardistas: cubismo, fovismo…. Marcaremos los movimientos vanguardistas en su contexto histórico y analizaremos los lenguajes. Siempre dirá: “esta obra entrará en el examen” Parte más dura de la asignatura: textos teóricos Subirá bibliografía específica por cada uno de los temas específicos. Subirá un documento de ´un esquema sobre un comentario de obra: Comentario de obra. Que se utilizará para las obras vistas en clase. Práctica: 30 de març de 2016. martes de 10 a 4 de la tarde, colección de Arte Moderno en el MNAC; marzo. No es obligatoria, nada de lo que explique en el MNAC no entrará en el examen. http://www.ub.edu/grad/infes/fitxaInfe.jsp Certificado 7 y 8 de mayo de la visita. Práctica: 27 febrero; clase normal. 16 de marzo y 20 de abril, son importantes, sesiones de análisis de textos teóricos de las vanguardias. (Importante para el trabajo de la asignatura) Molet nos dará una conferencia el 18 de mayo. La clase de arquitectura de Molet no entrará en el examen. EVALUACIÓN DE LA ASIGNATURA: 2 exámenes parciales y un trabajo escrito. Trabajo: 20% de la nota. Es tan difícil que ha puesto un bajo porcentaje. Se entregará el día del examen final, 8 junio 12-2h. 1er Examen Parcial: 40% nota final asignatura. 5 temas que entrarán en el primer examen parcial del programa: Introducción, Fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo italiano. 18 de abril, horario de clase. Estructura: 45 min. Para contestar a 1 o 2 preguntas con respuestas breves del contexto histórico o las características o las fuentes o los protagonistas de cada movimiento vanguardístico. Comparar dos movimientos vanguardísticos. Otros 45 minutos para analizar una obra de arte. Subirá todas las obras que entrarán en el examen en el CV. 2ndo Examen Parcial: 40% 8 de junio; 12 a 14h A partir del punto 6 del programa hasta el final. 1h para contestar las preguntas breves: fuentes… se repite igual que en el primer parcial. 1h para analizar otra obra. Seleccionará 30 obras. Solicitar Evaluación única antes del 30 de marzo.
Examen: 80% Trabajo: 20% Revaluación: 12 de julio.
1. INTRODUCCIÓN
Antigua Grecia
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Tragedia, su función de genera una katharsis, representaba emociones y expereimentaba emocionos para la justicia que moralizaba y evitaban malas acciones Los espectadores experimentaban emocionalmente la katharsis, pero Aristoteles la definia.
Aristoteles, vincula Pintura y Escultura con el teatro, para él, Pin. Y Esc. Serían representar acciones extraordinarias representadas por seres extraordinarios.
Pintura y Escultura se legitimaría. Vincularse con la poesía para intentar alcanzar el mismo reconocimiento que la poesía. La escultura se vincula con aquella que está relacionada con aquella que está representada con acciones extraordinarias, la tragedia. Si representaban acciones extraordinarias por seres extraordinarias, eran muy valoradas; pero si por lo contrario no representaban acciones extraordinarias por seres extraordinarios, sería muy poco valorada. Pintura de historia la más valorada durante siglos. Pintura y Esculutra se vincula con la narración (contar una historia) para legitimarse, no cualquier historia sino por seres extraordinarios. Según pint y escultura sirven para expresat, tendrá que hacerse mediante unas reglas matemáticas. [F.Calvo Serraller: Los géneros de la pintura.] ]Panofskky, E. El significado de las artes visuales, 1979] Escultura se legitima con las matemáticas a través de la fórmula de la SECCIÓN AUREA. Muestra de las proporciones del cuerpo humano correspondientes a la sección áurea en el Apolo de V La sección Áurea es todo aquello que expresa cierta armonía y belleza, promoción de las partes de la esculturas.? Ver apuntes GaudirUB. Medida armónica = Sección Aurea, medida del Universo que no somos capaces de oír y esa es la matemática. Una medida, proporción de la armonia propio Universo. Laoconte, s. I d.C. : temática de la Tragedia. Acciones extraordinarias representadas por seres extraordinarios.
RENACIMIENTO
El momento del comienzo de la modernidad. ¿Qué es lo que hace Pintura y Escultura para legitimarse? Los artistas serían en el renacimiento seguían siendo considerados artesanos, cualquier actividad la considerarían manual. Vincular las actividades manuales con las intelectuales de modo que si yo quiero alcanzar un estatus social lo haré a través de la Literatura y el Humanismo; entonces tendría un gran
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prestigio social y recurren a la narración y al mismo tipo de naracción de acciones extraordinarias establecidas por seres extraordinarios. Alberti, cuando escribe sus tratados dice que un cuadro no se valorará por su tamaño sino por la historia que cuenta. (Tatarkiewicz, Las 6 ideas…) Natural Muerta: objetos inanimados, sería el más bajo que hay. Las matemáticas en el renacimiento se vincula con la perspectiva en la Pintura y Escultura. La perspectiva según Alberti, concepto de corrección. La pintura debe representar correctamente la realidad, puede demostrar la vinculación o correspondencia entre la realidad y la pintura que representa esa realidad, para Alberti. En el fondo, sería aplicar reglas de la abstracción geométrica a la realidad. Hay otro ámbito científico entre dibujo y la ciencia; los estudios anatómicos de Leonardo. Se basan en este vínculo con pintura y escultura. Se establece la conexión entre artes visuales y cienica.
ANTIGUA GRECIA RENACIMIENTO S. XVII s.XVIII Literatura, Narración Literatura, Humanismo, Narracción
Legitimación de las Artes, ACADEMMIA
Academia Bellas Artes
Matemáticas Matemáticas, Regole, perspectiva, CIENCIA,
Regole (aplicación científica) Melancolía; Artista divino. Vasari. ARTE / ARTESANÍA (el arte empieza a desvincularse poco a poco de la artesanía y de esa manera marcan una diferencia entre artista y artesano, diferenciando trabajo divino con trabajo manual.) Melancolía, moderna creatividad según Vasari. Los artistas empezarían a desvincularse de la artesanía No entender el arte como un proceso evolutivo. La gran parte de los artistas en el Renacimiento seguirán siendo artesanos. Se establecerán con la primera academia de bellas artes, s.XVI – s.XVIII; creada por Vasari. Sin embargo, la consolidación de las artes será en el s.XVII. s.XVII= Persiste la idea de la narración, el arte para ser valorado tiene que contar una historia, un hecho extraordinario; sin embargo ya no existen las regole del Renacimiento; ya no son matemáticas ni científicas; sino reglas específicamente artísticas. La primera institución de mundo del arte. Ya no necesita ese vínculo con la ciencia y se separa de la Regole (regals) sin embargo persiste la narración. No existen criterios artísticos universales; esta era la propia función de la Academia de Bellas Artes, estableciendo criterios artísticos universales. Poussen: maestro del dibujo y la línea. Los que pintan. Rubens: maestro del color. Los cristianos. Se mantienen en la Academia, pero el resultado es utópico porque NO se pueden enseñar criterios universales.
No existen criterios artísticos universales; esta era la propia función de la Academia de Bellas Artes, estableciendo criterios artísticos universales. Poussen: maestro del dibujo y la línea. Los que pintan. Rubens: maestro del color. Los cristianos. Se mantienen en la Academia, pero el resultado es utópico porque NO se pueden enseñar criterios universales. A finales del sXVII empieza a desarrollarse una pintura de la valoración del presente. Escritor planeta que su propio siglo no es menos importante que otro; el presente es tan importante como el pasado. PEARAULT.
s.XVIII s.XIX Academia Se mantiene el s.XIII Historia del Arte Aparecen los marchantes modernos Estética Exposiciones independientes Museos Público En el s.XVIII ya está conformado el Mundo del Arte. Esta institución o Mundo del Arte se conforma a partir de la Academia. s.XIX = consolidación de la autonomía del arte, todo lo del s.XVIII se mantiene también en el s.XIX = Cambios en la orientación de mundo del arte por la demanda de obras de arte es fruto de la consolidación es fruto de la clase burguesa que quiere legitimar su estatus a través de la adquisición de la obra de arte. Asistir a un aumento progresivo de la oferta en el sentido en que cada vez hay más artistas que acuden a París, para responder a esa demanda de obras de arte. París se consideraban la capital del arte. Jurado, salón de París en la Academia y aumentan el número de obras rechazadas por el jurado de la Academia. En la década de los 30, se habían empezado exposiciones privadas de las obras rechazadas por el salón; pabellón paralelo o alternativo al salón. El momento clave es 1863: Napoeleón III autoriza a los artistas para que expongan sus obras rechazadas y pasa a llamarse el salón de los rechazados.
PERIODIZACIÓN: -Inicio de la modernidad en el arte, 1863, Francia. Impresionismo y postimprosionismo -Primeras Vanguardias. Desde 1905. Francia, Alemania, Suiza, Rusia… Fauvismo (Matisse), Expresionismo Segundas Vanguardas. 194-1960. Informalismo en Europa. Expresionismmo Abstracto en EEUU (cambio en el arte Moderno porque la central del arte se traslada de París a NYC) Desprenderse del pasado para crear algo nuevo, por eso es tan importante el pasado para el presente. En el mundo anglosajón, la primera etapa y la segundo de las vanguardias no existió sino, son impresionismo y postimpresionismo.
Obra importante: Manet; Almuerzo sobre la
hierba, 1863.
Manet la presenta en el salón de los rechazados y esta provoca una polémica. Depende de la temática y de los elementos pictóricos. [Tiziano, Concierto Campestre, 1510-11] El mundo donde los seres humanos están en armonía con la naturaleza, esta sería la idea de Tiziano. En el caso de Manet, sería una parte el ser humano con la naturaleza por otra parte el desnudo femenino. En el caso de Manet, se representan a personajes contemporáneos, del entorno de Manet. Se representa a la esposa de Manet, con el hermano y la modelo de Manet. Todos los artistas reconocen los personajes. La mujer desnuda no es ningún desnudo de ninguna diosa mitológica, durante tiempo se había representando la mitología como excusa de representar la desnudez. Manet nos está diciendo que ya no voy a representar una diosa como excusa de representar la desnudez, sino un personaje ordinario y común. Actitud muy provocadora de Manet. Hay una hipótesis donde las burguesas parisinas iban al campo podían hacer pis en el río. (Por eso esa controversia.) Elementos completamente formales, no está expresando las leyes tradicionales. Dentro de la historia del arte el desnudo femenino era omnipresente. Por eso la figura femenina está desnuda en frente a dos hombres vestidos a la época.
[Manet Olumpia, 1863] Antecedente: Tiziano, Venus de Urbino, 1538. Renacimiento Italiano. Alegoría nupcial con clave neoplatónica. Comparación: se trata de un desnudo femenino, la flor aparece en el pelo y el personaje de la sirvienta aparece en los dos casos. Tiziano pone un perro y Manet un gato negro. Tiziano representa a la Venus de Milo sin zapatos. Por el contrario Manet la representa con un zapato apunto de caer, zapatilla, simboliza la pérdida de inocencia. La flor simbolizaría lo erótico. El lazo del cuello del de Manet, era un símbolo de las prostitutas de París y el brazalete, simboliza la madre. Manet tenía una relación complicada con sus padres. Maneta recupera la versión de Tiziano pero desvirtuando el significado de la obra de Tiziano.
Obra: Claude Monet, Impression soleil levant, 1872. Crítica mordaz a esta obra. El primer movimiento del arte moderno, de las vanguardias. Marchantes modernos que adquieren obras de ate no consagradas, coleccionista. Obras de arte que no ha sido legitimada por la academia Aparece nuevas figuras del mundo del Arte lo que ocurre que se pierde ese papel de legitimación de la Academia del Arte. Obras de arte que no han sido legitimadas por la
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No ha habido clase 17/02/ No ha habido clase 22/02/ Examen el 6 de Junio y no el 8. Sugerencias bibliográficas: González García, A.; Calvo Serraller, F. Marchan Fiz, S. Escritoss de arte de vanguardia. 1900-1945. Madrid: Ediciones Turner, 1979. Poggioli, R. Teoría del Arte de Vanguardia. Madrid: Revista de Occidente, 1964. Rampérez
Temáticas recurrentes en los textos teóricos de las vanguardias:
- El rechazo o la superación del lenguaje artístico tradicional: -Rechazo de la perspectiva renacentista;(intentar engañar a nuestro ojo, haciendo que la obra sea tridimensional) Cubismo está alejada de la perspectiva única renacentista, sino lo que hace el cubismo es percibir una perspectiva unificada desde puntos de vista múltiples. Los cubistas que eran más tradicionalistas, acaban siendo los más revolucionarios. -Rechazo de la Academia; Pintura de Historia sigue siendo el más valorado por eso el rechazo al cubismo. La Academia de Bellas Artes cortaba la libertad de los artistas. Se trata de una época de la exaltación de lo individual. El artista está sujeto a las reglas del mercado del arte. El mercado del arte de las vanguardas es muy pequeño porque hay muy pocos artistas. -Rechazo de la mímesis estética; -Innovación, singularidad, experimentación.
- (^) Autonomía del arte (creación de un nuevo lenguaje artístico autosuficiente frente a la realidad exterior y basado en normas exclusivamente artísticas
- Arte-vida (arte que pretende incidir en la realidad, transformar la cotidianidad) Hay que interpretar los puntos temáticos de contexto con el marco teórico; movimiento vanguardista. Es la crisis de a partir de la mitad del s.XIX que provocan estos movimientos vanguardias. Por ello, escriben muchos textos teóricos de las vanguardas declarando su propio lenguaje artístico. Sin embargo, no tenemos que pensar que siempre cumplan con sus textos teóricos. Hay lenguajes artísticos muy violentos cuando declaran sus obras. TABULA RASA; querían hacer Tabula raza (cancelar) con otros movimientos Otros son más prudentes y no hablan de rechazar la tradición, sino de superar el lenguaje tradicional. Consecuencia de ese movimiento del arte. Tabula Rasa: analizando las obras italianas con otros movimientos de las vanguardas.
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Los precubistas hablan del cubismo como escuela. ¿Por qué los cubistas quieren ser vistos por la Academia Francesa?
Las naturalezas muertas quieren representar algo que ya no tiene valor.
23/02/ (falté ha clase, ha dado características del Fauvismo) 29/02/ FAUVISMO (tema 2) 30 marzo práctica MNAC Mirar en el CV Matisse y el Fauvismo, entrará en el examen Término….
- Movimiento: otoño 1905
- Grupo alrededor de Matisse Etapas:
- Protofauvism: 1898 – 1901
- (^) Prefauvismo: 1901-
- Fauvismo: 1905- Todos los miembros del grupo abandonarán el Fauvismo per se mantendrán las características de Matisse.
Henri Marisse, 1869-1954. Norte de Francia, crecido en una familia de clase media dedicada al comercio. Empieza por la carrera de derecho pero posteriormente acaba en la pintura. En 1900 se muda a París para formalizar sus estudios en la escuela de Bellas Artes de París. A Matisse le suspenden y no consigue pasar el examen para entrar en la escuela de Bellas Artes.
Gustave Moreau, 1826-1898. Ayuda a Matisse para que acceda a sus clases. Encuentra a un director de escuela bastante abierto y al mismo tiempo Matisse se apunta a la escuela de arte decorativas 1892-94. Moreau, estimula el cultivo de la individualidad de cada artista y por ello, se convierte en un personaje importante para el movimiento Fauve. [Salomé danzand ante Herodes, 1876] [Júìter y Salomé, 1896] Van en dirección al Fauvismo,, Morea fascinado por el decorativismo extremo. Los fauves rechazarán de Moreau su esencia, el decorativismo extremo. También tendrá su fascinación de lo exótico y las fuentes literarias. Fauvismo nace del arte de la literatura y luego se traslada al arte. El fauvismo narra acciones extraordinarias basadas en personajes extraordinarios.
[Henri Matisse, Puente Saint Michel, 1900] Se representa la luz. [henri Matisse, Las flores amarillas, 1902] Etapa del prefauvismo. Nos permite recordar que es una etapa en la que se caracteriza que Matisse intensifican los colores y los aclaran. Llama la atención porque es Matisse en toda su esencia. En esta etapa oscurece su paleta. Etapa: Prevausimo, 1901- Verano 1904. Es un jarrón de flores que se refleja en un espejo. En esta época sufre una depresión debido al escándalo que se produce en sus sueños de los padres de su esposa, los suegros habían sido una ayuda importante a Matisse, eso sufrió vergüenza y podría verse reflejado este momento de Matisse (95% de los historiadores no lo creen). El propio Matisse nos habla de la pintura como método de expresión.
[Henri matisse, Lujo, calma y voluptuosidad,
1904-05- Orsay, París.
Antecedente: [Paul Signac, The Port of Sant-
Tropez]
Tamaño importante, grande. 98x118cm. Formato que merece la pena recordar. Tiene un periodo protofauvista aunque ya es fovista. Matisse imita a Paul Signac en su estancia en Saint-Tropez, pasa el verano de 1904 con su amigo Signac. Existen varios estudios preparatorios de los detalles de la obra como de la composición conjunta. Esta obra Matisse la presenta en el salón de los independientes en la primavera del 1905 y que se considera como la versión definitiva realizada por su estudio de París. La realiza en Saint-Tropez pero la intensidad de la obra la finaliza en París. Finalmente, Signac compraría en el salón la propia obra de Matisse. Matisse pintor impulsivo durante años había sido así interpretado, sin embargo es uno de los pintores más reflexivos de la historia por la complejidad de su composición.
- Qué ha representado? Cuerpos desnudos femeninos, excepto un personaje vestido. Un barco, un árbol, el mar, montañas, bosque. Nubes, puesta de sol. Lo saca de un poema de Baudelaire; Invitación al viaje. Se basa en la literatura para pintar: “Muebles brillantes, Bruñidos por los años, Adornarían nuestra Estancia: las flores más Raras mezclando sus Aromas a los vagos Perfumes del ámbar: los Ricos cortinajes, los Espejos profundos, El esplendor oriental: todo allí Es orden y belleza, lujo, calma y voluptuosidad.”
Nos está hablando de la pintura Rococó. Matisse no ilustra la obra de Baudalaire, sino se inspira para crear su propio paraíso a través de la pintura; pintor autónomo. Son simples estímulos para Matisse, tanto la playa de Saint- Tropez y el poema de Baudalaire. [Matisse, Figura decorativa sobre fondo ornamental, 1925. Para Matisse el arte es un bálsamo de tranquilidad. Matisse adormece la imagen con las curvas de la mujer. Antecedente: Henri Edmond Cross, L’air du Soir (el aire de la Tarde, 1893- Pintor neoimpresionista francés que vive cierca de Saint-Tropez. Encuentros con Signac esto le motiva al puntillismo. Tanto Signac como Edmond abandonarán después el puntillismo. También Matisse iría aprendiendo la técnica del puntillismo y acabaría siendo la idea principal en la obra Lujo, calma y voluotuosidad. Deja espacio sin pintar porque no le interesa que esas pinceladas se junten en el ojo del espectador. Otra vez nos encontramos con contrastes de colores. El barco no podría tener esas dimensiones tan cerca de las escena principal. Lo que hay representado aquí un paraíso natural inspirado por Baudalaire. El personaje vestido lo más probable es que sea la esposa del propio Matisse con vestimenta burguesa con el típico sombrero burgués que llevaban las mujeres, ya que viajaba con él. ¿Por qué solo ella está vestida? Intenta representar al mismo tiempo la moral burguesa (bancarrota de sus suegros) por la vergüenza de terner su propia familia). Desnudo de la naturaleza de manera armónica, no hay moral aquí, edad de oro de la humanidad. Relación más próxima del ser humano con la naturaleza, Matisse insiste en esta temática. Paraíso en la tierra. Pareja de amantes que sueña con el viaje a un lugar exótico. “Las bañistas” era el título que Matisse quería darle en un principio a l obra [Henri Edmond Cross, L’air du Soir (El aire de la Tarde), 1893- Matisse cita a Edmonnd Cross y su obra, por ello se basa en esa obra.
B.C.A. Becas Coxmin Bourbosa 93 403 77 12. 6/8 becas en toda la uni. En el examen solo van entrar las obras que selecciona. [Henri Edmond Cross, La Plage de Saint-Clair, 1906-07] Posterior a la obra de Matisse. Matisse aprende de los neoimpresionistas, Matisse en esta primera etapa mira a los neoimpresionistas, pero Cross acabará mirando a Matisse para traicionair el puntillismo. “Se puede transgerir las reglas para acabar rompiéndolas” -Edmond Cross. Ya no le interesan las pequeñas pinceladas que se acaban juntando, ya no le interesa interpretar la realidad.
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Parece que hay una tercera dimensión por la cama, pero no vemos las líneas de las paredes. Juega constantemente con la perspectiva. Juega a sugerir la perspectiva y a aplanar la perspectiva.
[Henri Matisse, Retrato de la raya verde, 1905] Retrato que le hace a su esposa. El mismo retrato lo hace de diferentes maneras jugando con el color. Se habrían perdido el contraste rojo y verde, la línea verde que marca la na´iz, jugando con el color. [Henri Matisse, Mujer con sombrero, 1905] Genera polémica y Matisse no comprende que és lo que choca al público. Encargada por los hermanos Stein, grandes mecenas americanos. Estos mecenas invierten en las obras de Matisse y Picasso. [Estudio de Leo y Gertrude, Stein en París, 1907] Nos hacemos una idea de los demás artistas, una colección de arte moderno. Los Stein tenían la costumbre de llevar artistas a su casas que ya no se podían ver en los estudios.
[Henri Matisse, La Alegría de vivir, 1905-06. The
Barnes Foundation, Philadelphia, Pennsylvania.]
Óleo sobre tela. 166x240cm Formato importante. La importancia que Matisse otorga al Fauve. -Qué vemos? Desnudos femeninos y hombres desnudos. Parejas abrazadas, otra tocando un instrumentoo, otro cogiendo hierba; personajes de frente y de espaldas tumbados. El grupo del centro están dándose la mano y girando. El fondo sería árboles y un lago de agua. La representación del mundo en la naturaleza, tema: desnudos inmersos en la naturaleza. Es la única obra que Matisse presenta en el Salón de los Independientes en la primavera de 1906. Por el formato grande la obra es importante para Matisse. Matisse establece la idea a partir de su estancia en Coilleure, luego coloca una a una las figuras que antes a interpretado separadamente. El circulo de personas bailando será el protagonista posterior de una obra de Matisse que será La danza. Utiliza grandes masas de colores, campos de color.: amarillo, rosado, verde y luego crea contrastes de tono e incluso marca los contornos con una técnica con pincecladas de colores oscuros que nos dan la sensación del sombreado puro tradicional. Estas figuras están contorneadas como si fueran siluetas, porque no ha interés en sugerir una tercera dimensión de voluptuosidad y lo que hará será aplanar la figura de los cuerpos. Matisse juega con la perspectiva, Lo que hace referencia aquí es a la edad de oro de la humanidad: ser humano en armonía con la naturaleza. La idea de Arcadia aquí es representada aquí de manera más explícita. Desnudez como algo natural y acercada a la civilización en esta época. Obras examen: [Henri Matisse, Lujo, calma y voluptuosidad,] diferencia con La Alegría de vivir, es que Matisse ha abandonado la técnica del puntillismo por completo y tiene interés por las líneas. Signac tras ver que ha abandonado el puntillismo y ver La alegría de Vivir, se enfada mucho con Matisse. Traición de Matisse al abandonar el puntillismo de Signac y éste no llegará nunca a perdonar a Matisse.
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[J.A.D. Ingres, La Edad de oro, 1862] En el salón de otoño de 1905, se había realizado en París una reconstructiva de esta obra. Acabará teniendo influencia sobre Matisse.
[Ingres, El baño Turco, 1862]
Fascinación por lo oriental, imagen de occiedente que tiene de oriente como un lugar exótico. El baño público se convierte en una mera excusa de representar los denudos. Esta obra también aparecería en las bañistas de La Alegría de vivir de Matisse.
[Picasso, El harén, (Gósol),1906] Baño público y fascinación por oriente propio. Obra importante en el Fauve que hablará más adelante.
[Estudio de Leo y Gertrude Stein en París, 1907] El primer encuentro entre Matisse y Picasso se produce gracias a los hermanos Stein, en invierno de 1906 en el estudio de Leo y Gertrude. [Picasso, Autorretrato con paleta, 1906] [Matisse, Autorretrato, 1906] Se representan como pintor, no como intelectual. Picasso envidia a Matisse porque se cree que no tiene rival, pero él reconoce sus imitaciones de color de Matisse y lo considera su antecedente. Pierre Daix, gran conocedor de las obras de Picasso; gran intelectual que pudo hablar con Picasso y organizar sus obras. Admiración mutua entre Picasso y Matisse. Los museus étnicos a los que asisitan les fascnaba las estatuías y las máscaras y eso acabaría representando en sus propias obras.
[Henri Matisse, Marguerite, 1906-07] 4 trazos y pocos colores crea una maravilla. Intercambio de obras que se hacen Matisse y Picaso. [Picasso y Jacqueline ante tres cuadros de Matisse, Vauvenargues, primavera 1959]
[07/03/2016]
Película: “El gabinete del Dr. Caligari”, estreno 1920. Robert Wiene.
Lujo, se compararía con el nacimiento de Venus de Botticelli. Link Google Art Project. Maestro del dibujo. El mar de Lujo se marca el color gracias a esta oba de Botticelli; aunque Lujo serían colores planos y el dibujo crearía las formas de los cuerpos que nos recordadía a la obra de Botticelli. Entre El Lujo 1 y 2, Matisse haría un viaje a Italia donde vería el nacimiento de Venus y otros artistas italianos. El ramo de flores de Matisse se basaría en las flores que vuelan alrededor de la Venus de Botticelli. La concha se basaría en el manto blanco de El Lujo. [Torii Kiyonnaga, Onna yo (Le bain des femmes), 1780.] Baño público, desnudez femenino. La mujer rubia agachada de El Lujo sería inspirado para un concepto de no superioridad con lo no oriental con lo occidental. Sociedad occidental, valores que representaría Matisse sobre lo no oriental. [Henri Matisse, Bañistas con tortuga,1908] Se repite la misma situación, dos mujeres de pelo negro altas y la rubia agachada, escondiendo su desnudez. Matisse criticaría su vida personal. [Henri Matisse, Desnudo, 1908] Primitismo deMatisse. El rostro parece una máscara. Tonalidades marrones que sugieren más una escultura que una pintura. [Matisse, Naturaleza muerta de las cebollas rojas, 1906] Simplificación de formas, a partir de este momento Matisse se basaría en eso y simplifacaría las formas cada vez más. [Matisse, Naturaleza muerta, 1906] Estilo barroco Le interesa lo más exótico de sus viajes al extranjero.
[Matisse, Armonía en rojo, 1908-09] En un principio habría elegido el color cromático azul que hubiese tenido un resultado similar con Naturaleza muerta con jarrón azul, [Matisse, Fruta, flores y “La Danza”] Cuadro dentro del cuadro, otra característica propia de Matisee.
[Henri Matisse, estudio para La Danza, 1909] Obra de gran formato, se conserva en el MOMA. [La Danca, 1909-1910] Los colores en vivo cobrarían intensidad. [Matisse, La Música, 1910] Mantendría esa intensidad de colores muy intensos y los contrastes propios del fauvismo. Esta Danza (1909-10) aparecería en la Alegría de Vivir, en el centro. Matisse cuando llega de Munich se daría cuenta de que sus obras crearían un escándalo social y deciden rechazar las obras su mecenas. Finalmente cambia de idea y escribe un telegrama al
alcade para que Matisse recupere sus obras. Cuando recibe sus obras se da cuenta del rechazo de sus mecenas. Matisse diría “Espero que algún día les gusten mis obras”. [Naturaleza muerta con mantilla española, 1910] Matisse viajaría a España, concretamente Sevilla, temática naturaleza muerta folclórica. Matisse visitaría la alambra también porque fimaría el libro de visitas. [Matisse, El Estudio en Rojo, 1911, Moma, NY] No entrará en el examen. Obra prenominante propia del Fauve con el color rojo intenso. Representaría el Lujo dentro de esta obra, Contorno de objetos formado con líneas de un tono blanco amarillento; quiere que se véa las obras de arte de Matisse, le da importancia a sus obras. Por qué estos objetos están coloreados? Estos objetos son considerados físicos por Matisse, el primer plano representaría una naturaleza muerta y un bodegón. Artes decorativas de otras cultura como una naturaleza muerta; excusa para representarlas. Al reloj, le falta el péndulo y las agujes esto indicaría en la congelación del tiempo en su estudio. Por eso mismo representaría obras suyas y la autonomía del arte como arte poderoso que cuando él trabaja en ello pierde la noción del tiempo. Por qué utiliza ese color rojo? Para Matisse el color rojo es el color de la armonía y equilibrio. Bálsamo mental, color rojo armónico. Falta la línea vertical, con lo cual no tiene una perspectiva y juega con ella; sugiere la perspectiva y la desmiente es su manera de representarla.
[Matisse y su mujer durante su segundo viaje a Marruecos (invierno 1912-13) [Matisse, Marroquó de verde, 1912] [Matisse, Entrada en la casbah,1912] [Matisse, Odalisca con pantalones rojos] Tema de la Odalisca, tema explotado por la sociedad de la pintura francesa. [Matisse, Odalisca, 1924] F.W.. Murnau, Matisse en Tahití, 1930. Director expresionista alemán. [Matisse, Desnudo rosa, 1935] Representación formal cada vez más ajustada, los cuerpos son cada vez más siluetas. [Matisse, Bluse rumana verde, 1939] [Matisse, El Sueño, 1939] Lo que suelo es con un arte de equilibrio, de pureza y serenidad desprovisto de materia temática turbadora o desazonadora… como una influencia reconfortante, un bálsamo mental. H. Matisse cortando papel en su Hotel de Niza. Acabaría siendo su última técnica, recortando papel blanco y aplicándolo en la obra para dar la sensación de un espacio infinito/lejano. La cabellera. Desnudo azul, Desnudo azul de pie.
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