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FUTURISMO
Movimiento del siglo XX que se inicia en 1909. En 1916 se considera la fecha de finalización de la primera parte, ya que tiene fecha de nacimiento pero no de conclusión. Movimiento que nació en Italia, sus artistas son italianos. Mientras en Francia se desarrollaba el Fauvismo y en Alemania el expresionismo. Es un movimiento de rápida propagación. La primera era tiene la característica de ser el primer movimiento declarado de ruptura con el pasado y que querían romper con todos los ideales clásicos y de belleza y estética. El nombre viene dado por la idea de romper absolutamente con el arte del pasado. Los museos son los equivalentes a los cementerios, especialmente en ítala donde la tradición artística lo invade todo. Creían entonces en la necesidad de un arte nuevo empezado de cero de acuerdo con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas realidades. En 1911 entran en contacto con el cubismo, al que acusan de estático en exceso. El jefe espiritual, ideólogo que dio nacimiento a ese movimiento de vanguardias fue F.T. Marinetti. Los artistas principales del movimiento son: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà, Gino Severino, Luigi Russolo y los Hermanos Bragaglia. El presentimiento de la Primera Guerra mundial fue saludado por ellos con entusiasmo ya que confían en una destrucción total que permita reconstruir desde cero la nueva cultura occidental. Muchos de ellos se alistaron de forma voluntaria, pero la guerra supondría el final del grupo, unos mueren y otro queda inválido. El futurismo y el propio Marinetti coincidían con las ideas fascistas y ingresaron el el partido de 1919. Lo que se denomina la segunda fase. A mediados de los veinte la estética futurista fue desapareciendo hasta hacerlo completamente en los cuarenta. Proclamaba el rechazo frontal al pasado, la tradición y defendían un nuevo arte moderno dominado por la maquina, la velocidad y la ciudad. Prohíben la parte sentimental o anecdótica y no asumen absolutamente nada del pasado. La estética futurista pregona también una ética de fundamentalmente machista, misógina y provocadora, amante del deporte y de la guerra, la violencia y el peligro. Para expresar el movimiento repiten la misma imagen como si fuera una secuencia fílmica, llamándolo simultaneísmo. Sus ideas son: Rechazo con la ruptura de la tradición. Pasado visto como un enemigo que se tiene que enterrar. Consideran el futuro como lo más importante.
- Queremos contar el amor al riesgo, el hábito de la energía y de la temeridad.
- El coraje, la audacia y la rebeldía serán elementos esenciales de nuestra poesía.
- La literatura ha magnificado hasta hoy la inmovilidad del pensamiento, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, la carrera, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo.
Puntos muy enérgicos. Proponen destruir museos, academias. La agresividad para encarar el arte. No hay belleza sin la lucha. Quieren resaltar la modernidad y los símbolos como la ciudad (símbolo de modernidad), punto de partida de los futuristas, revolución industrial (coches, aviones, locomotoras).
“ Cantaremos las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta; cantaremos las mareas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas. Cantaremos el vibrante fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados. Por violentas lunas eléctricas, las estaciones insociables, devoradas de serpientes que humean, las oficinas colgadas de las nubes por retorcidos hilos de sus humos, los puentes semejantes a gimnastas gigantes que cruzan los ríos, resplandecientes.”
“ Debes inspirarnos en los tangibles milagros de la vida contemporánea, en la férrea red de velocidad que rodea la tierra, en los transatlánticos en las Dreadnought, en los vuelos maravillosos que surcan los cielos, en las audacias tenebrosas de los navegantes subacuáticos, en la lucha…”
Manifiesto de los pintores futuristas, 1910. Destruir culto al pasado, despreciar la mímesis, exaltar la originalidad y exaltar el culto a la vida moderna. El coche representa el progreso y la velocidad, símbolo moderno. La velocidad es el aspecto más claro del progreso. Quieren mostrar la sensación de velocidad a través del cine, poesía, pintura literatura, a través de la simultaneidad que es una técnica desarrollada a través de las líneas de fuerza. La simultaneidad es una sucesión de imágenes. Esta técnica se debe a la influencia del cine, que lo traspasa a la pintura y a la escultura. Aparecen muchos elementos de transporte en las obras, las máquinas. Permiten un ritmo más dinámico y veloz. Belleza de la velocidad. El mensaje del futurismo es dar sensación de movimiento y también detener el movimiento, hacer una pintura fugaz.
Utilización de las palabras de libertad. Atacaron la manera de escribir y querían reflejar la nueva escritura, nuevas palabras y grafía en la manera de expresar. Las palabras en libertad daban sensación de movimiento y velocidad. Marinetti propuso el manifiesto la evolución del adverbio, puntuación,… inventaron un nuevo código de comunicación (parece más un sonido). Idea de producir ruido y sonido. Esto les atrae mucho a los futuristas.
Tiene importancia Henry Bergson y la cuestión del "elan vital". Bergson subrayo la importancia de la intuición sobre el intelecto, para él la realidad no puede ser captada por la razón porque es algo dinámico, solo la intuición es capaz de esto.
Utilizaron la revista “Lacerba” como vehiculo de difusión de sus manifiestos. Además muchas revistas se interesaron por sus ideas y dejaron espacios par a sus escritos.
Filippo Tommaso Marinetti. 1876 – 1944.
Técnica divisionista, pinceladas cortas y fragmentadas. También influencia del simbolismo. Junto a Marinetti es la figura clave del futurismo. Nace en el sur de Italia, pasa su juventud en Roma. Se deshace de las técnicas tradicionales y se dirige hacia una pintura y una escultura con movimiento y velocidad tan típico del futurismo. Resalta la vida contemporánea. En 1910 conoce a Marinetti. Antes de abrazar los temas de los futuristas abraza los de la tradición.
→ Romance de una costurera. 1908 Tema del s.XIX y técnica del puntillismo. No hay ruptura con la tradición.
→ El luto. 1910. Tema típico del simbolismo. Escena de horror. Se encuentran las mujeres de negro angustiadas. El ataúd nos da el tema. Colores de las flores contrastan con el negro. Imaginación de la muerte de Boccioni. Pelo rojo sangre.
→ La ciudad emergente. 1910. En 1910 empieza la fase futurista. Representación de la ciudad. Es un boceto de La ciudad que sube.
→ La ciudad que sube. 1910 – 11 La ciudad tema protagonista. Al fondo edificios en construcción, chimeneas y humo simbolizan la producción de la nueva ciudad moderna. Se comunica el camino del progreso. Pinceladas sueltas, cortas, de diferentes colores, densas que crean dinamismo. Imparable camino del progreso. La ciudad, fuente de inspiración de los futuristas.
→ Tumulto en la galería. 1910. Nueva vida social nocturna, caos, peleas. Simboliza la ciudad. Técnica divisionista, retrata dos mujeres que se pegan delante de un café. Luces artificiales creadas por el ingénio del hombre. La ciudad moderna. La pelea para los futuristas es símbolo positivo.
→ Carcajada. 1911 Supera la técnica divisionista por una más dinámica mediante líneas de fuerza, que crean impresión de movimiento. Influencia del cine. Red de rayos luminosos conectando diferentes planos, anulando la perspectiva tradicional. Local nocturno, vida contemporánea, cigarros, botellas. Rostro sonriendo de la chica, que es lo más realista. Colores primarios Rojo, amarillo y azul. Busca movimiento.
→ La calle ante en la casa. 1911. En el centro de la composición pequeñas figuras humanas que están trabajando. Las casas se fusionan con la calle y las personas. Movimiento concéntrico continúo. Las líneas de fuerza cortan la composición.
→ Visiones simultaneas. 1911. La pintura es una síntesis de lo que uno recuerda y lo que ve para los futuristas.
→ Estado de ánimo I. El adiós. 1911. Pinta con colores diferentes que corresponden a estados de ánimo diferentes. Entra en el camino de la abstracción (solo Boccioni, los otros no.) Reflexiona sobre los que se van y los que se quedan. Atribuye simbología en las líneas: onduladas, caos de la salida, despedida del momento difícil. Son representaciones muy emocionales.
→ Estado de ánimo I. Los que se van. 1911. Dedicado a los que se van. Cortes dinámicos horizontales que se unen con verticales. Paisaje en medio de la tormenta que produce movimiento, los que se van, como aspecto positivo. Dominan las horizontales.
→ Estado de ánimo I. Los que se quedan, 1911. Envuelto con colores fríos, líneas verticales, sensación de estaticismo, de mas quietud. Las figuras parecen desaparecidas en un paisaje desolado.
→ Estado de ánimo II. El adiós. 1911. Se nota la presencia de algo mecánico, propio del concepto de modernidad y progreso, torre metálica. Líneas eléctricas, progreso. Tren, humo, a la parte superior de la pintura. Cosas metálicas. El triangulo parece la parte delantera de un tren. En el centro de la composición aparece en número del transporte.
→ Estado de ánimo II. Los que se van. 1912. Líneas oblicuas, diagonales en movimiento. Perfil de una ciudad. Sensación de un tren en movimiento, va cambiando el escenario. Influencia de la fotografía y el cine. Mucho contacto con el cubismo porque viajaban mucho por Francia. La técnica es parecida pero cambia la intención porque quieren crear movimiento y el cubismo es más individual, contemplativo y no de difusión como los futuristas.
→ Estado de ánimo II. Los que se quedan. 1912. Tonalidades frías, metálicos. Líneas verticales marcan una composición bastante abstracta.
→ Viñeta de una velada futurista. Umberto Boccioni. 1911.
→ Forma única de continuidad en el espacio. 1913. MOMA NYC. De bronce. Figura humana en movimiento. Pasos seguros hacia el futuro. Desproporción de la figura marca más el movimiento y el camino seguro hacia el futuro. Dinamismo universal, idea de tensión hacia el infinito. Da forma escultórica a la velocidad y a la fuerza. La figura avanza y sus líneas desbordan los límites del cuerpo, se rizan en banderas curvas y aerodinámicas, como moldeadas por el viento de su paso. Pero a pesar de ese sumo rechazo al pasado, esta escultura tiene parecido a una obra clásica, la Victoria de Samotracia. Allí sin embargo, la velocidad está impresa en los paños de piedra que envuelven la figura. Aquí es el propio cuerpo lo que se remodela, como si las nuevas condiciones de la modernidad alumbraran a un hombre nuevo.
→ La carga de lanceros. 1915. Tema del caballo otra vez en un contexto ideal del futurismo, la lucha. Pelea, aspecto positivo ante la quietud de la sociedad. Se ha aplicado papel de periódico al fondo; noticias relativas a la guerra. Carácter agresivo de la obra. Boccino se va al ejército voluntariamente y muere muy joven a caída de una caída del caballo.
Giacomo Balla (1871 – 1958) Inicia con técnicas tradicionales y la divisionista. Se muda a roma y ya muere allí.
→ Autorretrato. 1902. Técnica divisionista, del puntillismo que aprende en Paris el 1901. La chaqueta tiene múltiples líneas de color. El autorretrato es un tema muy clásico.
→ Farola. 1909 Tema ya no clásico. La composición representa el pasaje del puntillismo al futurismo. Farola eléctrica, símbolo de la modernidad. Comparación entre la luz de la farola y la natural de la luna. Artificio versus naturaleza. Nueva luz del futuro, es mas grande que la natural. Ritmo pictórico muy intenso. Múltiples pinceladas como flechas que convergen todas del centro de la composición.
→ Muchacha que corre por el balcón. 1912. Lo que buscaba era dar sensación de movimiento. No busca la síntesis del movimiento, sino una sensación de descomposición progresiva. Como una secuencia. Los gestos se repiten hasta disolver forma y distribuirla.
→ La mano del violinista. 1912. El acercamiento de líneas onduladas dan diferentes aspectos de movimiento. Quería provocar una ilusión óptica “óptico Art”. Movimiento en vibración.
→ Dinamismo de un perro con correa. 1912. Captar ell movimiento en diferentes secuencias. (descomposición progresiva) Rompe con la tradición estética de la figura. Dinamismo y rapidez, movimiento y velocidad.
→ Vuelo de golondrinas. 1913. Representación del movimiento de los seres vivientes, las golondrinas. Partiendo del experimento cubista de fracturar formas en planos, los futuristas intentaron una pintura que respondiera al movimiento: mientras los cubistas se concentraban en la natura muerta y el retrato, los futuristas ponían los ojos en la velocidad. Las golondrinas se repiten en bandas tartamudeantes, pero su sustancia parece evaporarse fundiéndose en luz, los pájaros se pierden en la trayectoria de su propio vuelo ascendente. Balla conocía la fotografía de Marey que describía la locomoción de aves y otros animales mediante secuencias de imágenes muy seguidas. Golondrinas emula el análisis visual científico de Marey que sometió a escrutinio la sensación dinámica, pero le añade una sensación de placer jubiloso.
→ Velocidad. 1912 – 13. Progresiva abstracción que alcanza su pintura. Líneas de fuerza. Se percibe la velocidad en su sentido absoluto. Repetición de círculos, semicírculos, espirales que sugieren velocidad. Multiplicación de líneas circulares, espirales, movimiento. Reduce la paleta de colores, nos encontramos con grises. Uso esencial de las líneas de fuerza, velocidad.
→ Línea de velocidad más cielo más nido. 1913. Formas geométricas y líneas de fuerza para dar movimiento, ya no hay ni personas ni objetos, solo formas geométricas.
→ Mercurio pasando ante el sol. 1914. No aspira al objeto, sino a dar la esencia. Obra más bien de carácter poético, pero también agresivo por sus líneas, que dan fuerza agresiva. Compuesta por muchos triángulos, Boccioni decía que tenía una fuerza penetrante. (Líneas verticales y oblicuas).
Carlo Carrà (1881 – 1966) Fue decorador mural. Se marcho muy pronto de su casa para ser decorador mural. Londres y Milan, trabajaba mucho. En 1910 se inicia como futurista. En 1907 terminará su carrera futurista para desarrollar técnicas y temas diferentes.
→ Nadadores. 1910. Traducciones plásticas, poéticas. El manifiesto antiromántico de Marinetti lo vemos representado en esta obra. Ligera sensación de movimiento, e inmediatez en el agua.
→ Dinamismo de una bailarina. 1912. Efecto óptico y visual que alcanza aspectos muy importantes en estas obras. Técnica de la simultaneidad. Secuencia de movimiento, están construidas las imágenes.
→ Dinamismo jeroglífico del Bal Tarbarín. 1912. Movimiento de los locales nocturnos, colores alegres. Incorpora la técnica cubista del collage. Lentejuelas de los vestidos de las bailarinas. Aparición de elementos absurdos como desnudo realista.
→ Mar igual bailarina. 1914. Ritmo ondulado de los cuerpos de las bailarinas y la danza. Remite a la técnica del mosaico. Técnica puntillista, con el contacto a París.
→ Tren blindado en acción. 1915. Elementos más típicos del futurismo, guerra, tren. Tiene desarrollo vertical. El cuerpo central es más figurativo. Marco más abstracto construido por líneas de fuerza. Tren, acción, agresividad, guerra. Soldados disparando.
→ Maternidad. 1916 Muestra la transformación estilística. Elige tema y técnica muy clásica como es la maternidad. Emprenderá nuevos caminos estilísticos.
Antonio Sant’Elia (1888- 1916) Un nuevo concepto de arquitectura: Cada generación debe construir sus propias viviendas en la ciudad del futuro.
→ Ciudad nueva. 1914.
→ Proyecto de edificio. 1914. Las ciudades tenían que ser nuevas porque los estados de ánimo de los futuristas eran nuevos.
→ Proyecto fábrica. 1914. Deseo de renovación del espacio urbano.
La pintura metafísica. Un antecedente del surrealismo. Visiones oníricas. El papel de Apollinaire. Giorgio De Chirico: máximo representante de la corriente. Empleo de la perspectiva como elemento indispensable para construir el espacio. Noción de espacio y atmósfera irreales. Lo fantasmagórico. Otros artistas. Giorgio Morandi: sus naturalezas muertas, y Alberto Savinio.
DADAÍSMO
Surge tanto en Europa como en Estados Unidos. Es un movimiento de corta duración (1916 – 1923). Se trata de un movimiento internacional.
1916 Zúrich: Plataforma del lanzamiento del Dadá. Cabaret Voltaire: icono del dadaísmo inicial. Se funda en febrero pero en junio se cierra. Este núcleo inicial va a tener resonancia en Europa. Tristan Tzara está considerado el padre del dadaísmo. Escribe los primeros manifiestos. Su difusión fue muy densa, publica la revista Dadá Zúrich. Tzara es un poeta que nació en Rumania. Cuando acaba la primera guerra mundial, hay muchos artistas jóvenes que han leído algo de la revista, que difunde el movimiento. Ruptura con la tradición, primer movimiento verdaderamente rupturista de las primeras vanguardias Los artistas destacados son: Hugo Ball y su mujer Emmy Hennings Richard Hulsenbeck Marcel Janco (arquitecto) Zúrich, Suiza, era un país neutral en la primera guerra mundial (1914 -18). Los artistas del dadaísmo se marchan a Zúrich porque sus creaciones en otros lugares estaban vetadas. Los conservadores de Zúrich se hartan de ser carnaza de los Dadas y dejan de asistir a sus exhibiciones. Los dadas se desplazan a otro núcleo.
1918 Paris: Ciudad considerada en la época capital del arte. El núcleo dadaísta es dirigido por André Breton que después será el ideólogo del surrealismo. Sus amigos: Philippe Soupauth Louis Aragon (poeta) Francis Picabia Man Ray Marcell Duchamp Muchos dadas se harán surrealistas.
1918 Berlin R. Hülsenbeck Raoul Höch Otto Dix G. Crosz
1918 Hannover Kurt Scwitters
1918 Köln Hans Arp Max Ernst
New York
unos bigotes en la Gioconda como símbolo de la ruptura con un arte que no era expresión de las autenticas preocupaciones humanas. Todas las inquietudes del grupo, lejos de ser un punto de entretenimiento cínico, respondían a autenticas inquietudes para la renovación de los valores artísticos y un nuevo planteamiento partiendo de cero, de la estética tradicional. Efectivamente el dadaísmo supuso primeramente una revolución artística destructiva iconoclasta y hasta cierto punto nihilista. Pero este nihilismo, unido al deliberado confusionismo de sus manifiestos, quería conseguir un efecto de provocación en el espectador y obtener una reacción de duda delante de sus propias convicciones. El cubismo se había definido con una nueva estructura formal. Pero el arte aun era una investigación cognoscitiva y las obras aun eran obras de museo. El año 1923 Picabia lanza la idea de un arte que no es mas que un gesto, una actitud, un signo. Su finalidad es:
- Ironizar i desmitificar todos los valores de la cultura pasada, presente y futura.
- Hacer manifestaciones conscientemente desconcertantes y escandalizadoras.
- Demostrar con su praxis la imposibilidad de cualquier tipo de relación entre el arte y la sociedad. El autentico arte será el antiarte.
- Negar todo el sistema de valores negándose a si mismo como valor y como función. Se limita así a la pura acción inmotivada, gratuita, desmitifícante.
- No quiere producir obras de arte sino producir intervenciones imprevisibles, insensatas y absurdas. El dadà instaura el desorden y la anarquía de todas las disciplinas artísticas del arte. La paradoja del dada es que gracias a su empresa de destrucción proporcionara a sus representantes mas intolerantes nuevos materiales de creación.
Parece ser que el mote Dada se eligió abriendo un diccionario y al azar, designado un caballo en un lenguaje infantil francés o una forma afirmativa eslava, o una asociación de ideas entre placer de la procreación y el cochecito infantil. La cola de una vaca sagrada según los negros Kru de África, o el nombre de los dados y de la madre en una región italiana. Una palabra que ha nacido no se como (Tristán Tzara). La aceptación de lo absurdo, de lo irracional y de lo instintivo hace que el grupo dadà se encuentre confrontado con una creencia radical en la incredulidad y con un desprecio por el arte. No se habla de arte, sino de anti-arte, porque el arte “comercial” no tenia ningún valor a sus ojos. Buscaban un medio que volviera a convertir el arte en un instrumento significativo de vida. Todos se encontraban identificados en la búsqueda de un nuevo contenido, aunque no todos tenían la misma visión. El rechazo radical del arte propagado por el dada, era en ultima instancia, provechoso para el arte. La sensación de encontrarse liberado de toda regla, de todo interés comercial, de los elogios de la crítica, a pesar del prestigio que provocaban en el publico, era un notable estimulante. La falta de toda finalidad preconcebida les permitía estar atentos a lo desconocido y extraer sus enseñanzas.
Marcel Duchamp 1887 – 1968
Generador de toda una serie de propuestas novedosas que han servido para los futuros artistas. Es el prototipo de personaje con atractivo para muchas personas, tenía un magnetismo especial, porque casi no hablaba, solo con sus íntimos amigos. Es de Normandía, de una familia con posibilidades económicas. Su padre era notario. Tenía seis hermanos (una murió, antes eran siete). Tres chicos y tres chicas. Los tres formaban una piña, se dedicaron al mundo artístico. Jaques Villon Raymon Duchamp
Parten del cubismo y luego evolucionan de manera diferente. Desarrollo del futurismo italiano, favorecidos por Apollinaire. Los artistas cubistas franceses fueron los mas conocidos. En 1925 Duchamp hizo una declaración bastante provocativa, dejo el mundo del arte totalmente para dedicarse al ajedrez. Era una persona polifacética, con gran capacidad creativa. Por eso era importante para la prensa. En 1927 se casa con una mujer que tenía mucho más dinero, pero no tenia tanto dinero como Duchamp pensaba y se separaron en 1928. Siempre se rodeaba de gente rica y mujeres que le colmaban con regalos. Le pidió a su padre la herencia antes de que muriera y se la gestiono bien porque nunca trabajó. Vivía de relacionarse con gente rica, era un manipulador. Toda su obra está impregnada de ironía, para desencadenar la reflexión. El primero que le convence para hacerle una entrevista y publicarla fue el historiador Pierre Cabanne. Por eso tenemos el libro de “Conversaciones con Marcel Duchamp” que se publica en 1966. Explica cosas entremezcladas. Dos años después de la publicación, murió. Duchamp empezó a ser reconocido en los años 70. Hasta que no se instaló en las mediaciones de Paris no lo estudio arte, en la “Academia Julianne”. Podríamos decir que es autodidacta. Le gustaban los impresionistas franceses, pero cuando las vio al natural no las vio tan iluminadas y se decepcionó, porque las concebía como obras de luz. Por eso pinto sobre cristal y no sobre tela. Sus obras están claramente influenciadas por el impresionismo; pincelada gruesa, visible, gusto al paisaje, luminosidad con la mezcla de tonalidades, colores claros,… Los temas principales de su primera época son los paisajes de su ciudad natal y los retratos de amigos y familiares.
→ Iglesia de Blainuille. 1902.
→ Retrato de Yvonne Duchamp. 1907 – 09 Interés por el impresionismo. Colores más oscuros, más cezariannos. La pincelada es muy visible, pastosa.
→ Retrato del padre. 1910. Influencia del Fauvismo con los fondos de manchas difuminados. Tonalidades muy ricas. El tipo de pintura no es densa, es más fluida. También ligada a Cezzane, con sus passages (manchas de la americana).
La madre de Duchamp era sorda, lo que impedía la comunicación con sus hijos, algo que fastidiaba a Duchamp hasta el punto de llegar a decir “yo odio a mi madre”. En la pintura aparecen los tres hermanos tocando instrumentos y la madre en actitud hierática. Queda constancia de esta incomunicación entre la familia. Es un tipo de pintura al oleo pero muy diluido, como si fuera una acuarela. Duchamp llega a un momento que se cansa de la pintura y la abandona porque necesita algo nuevo, se interesa por cosas insólitas.
→ Molinillo de café. 1911. Su principal interés se encuentra en el movimiento. Capacidad giratoria de la hélice del molinillo. Ligado a los futuristas italianos. → Desnudo descendiendo por las escaleras nº1. 1911. Influido por la cronofotografía, la escalera se percibe muy bien. Simultaneismo futurista italiano. Quiere plasmar los instante4s de un mismo personaje al ponerse en movimiento. Gama cromática bastante amplia (no excluye prácticamente ningún color. Entre 1911 y 12 vive una etapa de transformación. Le acusan de desviarse del cubismo y tiene que retirar el cuadro de la exposición en la que había sido presentado. Pinta muchas veces esta obra, que ahora se exponen en el museo de Philadelphia. Amarillo, ocre, verde grisoso, bordes sepia, recuerda a la madera y el cartón.
→ Hombre joven triste viajando en un tren. 1911- 12. Títulos literarios que tuvieran como una historia, pero sin explicarla, creando misterio. Se parece a los futuristas. Restricción cromática como los cubistas.
→ Desnudo nº3. Blanco y negro. Utiliza acuarela, pastel y lápiz porque los pigmentos al oleo no se pegan en el papel fotográfico. Gama mas fría que la nº2. Las partes de la escalera presentan un espacio enorme dislocado. Escalones separados, fondos estilizado pero preciso, delimita formas geométricas. Formas bien definidas, líneas curvas que se repiten de forma rítmica. Formas visibles. La del último peldaño de abajo. Las otras son difusas pero se repiten. Luz artificial que procede de diferentes fuentes, focos, un poco verdosa. Se hicieron descomposiciones abstractas para estudiar las fases de los movimientos variados. A Duchamp lo que le interesa es representar sus objetos en movimiento, ilusiones ópticas. El titulo hace referencia a una tradición pictórica. El desnudo como género fue criticado, hasta los cubistas hacen desnudos. Es un desnudo poco sexual pero muy esquematizado. Vemos gente subiendo o bajando escaleras. El percusor fue Degas con sus “bailarinas subiendo escaleras”. Pero el lo transforma en una
escalera pobre, típica de un edificio de París e invierte el movimiento mas noble, el descenso; hundimiento en el infierno, maldición, tinieblas. Puede que el desnudo represente una prostituta, como en “ Las señoritas de Avignon” de Picasso. Divide el tiempo en un momento dado, lo que seria lo mismo, divide el movimiento en un tiempo dado. Para pasar del nº2 al nº3 lo hace con un aparato fotográfico. Lo que hacia era una repetición de instantáneas, desapareciendo así la obra única. Esta pintura se convirtió en un icono. A partir de esta obre, Duchamp fue el creador del arte conceptual. Después de esto ya no podía hacer mas. Fin de la pintura retiniana.
→ La novia. 1912. La tenemos que relacionar con la obra. En 1912 Duchamp realizó el personaje con la cabeza redonda, como un cuerpo de un bicho que se confunde con ese espacio que encuentran máquinas, o objetos no reconocibles. Hace difícil ver a la novia.
→ El pasaje de la virgen, la novia o la casada. 1912. Se refiere a la perdida de la virginidad. Le sirve como proyectos. Son obras preparatorias para la obra más complicada que hace Duchamp en su vida.
→ Molinillo de chocolate. 1914. De nuevo un molinillo, idea de movimiento.
→ Rueda de bicicleta. 1951.
Tercera versión de la pérdida en 1913. Taburete sencillo, rueda vulgar. Dos objetos de carácter cotidiano, nada novedoso. Los futuristas ya hablan de la bicicleta (objeto moderno, que se mueve y va rápido), por eso no es creíble la indiferencia de Duchamp a la bicicleta. La rueda de bicicleta se pone en movimiento. Muestra como gira la rueda, y cuando va muy rápido, desaparecen los radios de la rueda. A esto se le llama Ready Made, donde llama la atención la descontextualización del objeto y colocado en otro contexto y posición de manera anormal. Las funciones originarias se han eliminado para potenciar su carácter insólito. Es la confluencia de dos objetos distintos, confrontados por la cotidianidad, para que se haga un efecto sorpresa para quien lo observa. Duchamp aparece como uno de los iniciadores del Dadá, porque habiendo perdido el objeto su función original, igualmente adquirirá protagonismo. Portotipo de obra abierta, el artista no da ninguna interpretación de el mismo. Los surrealistas heredaran esta manera de expresarse como por ejemplo Magritte que asocia elementos que no tienen que ver entre si. O Dalí y
Pintura donde incorpora objetos.
→ L. H. OO. Q. o la Gioconda. 1919 Le añade una inscripción, le pone bigote pequeño y una pequeña perilla. Obra que le dio pie a Salvador Dalí. Pero lo más importante es la inscripción que pone: Dice que se tiene que leer en francés y rápidamente “El culo ardiente”. Alusión a la homosexualidad de Leonardo da Vinci y desmitifica la obra.
→ Fresh Window. 1920. Relacionado con el objeto real con el titulo “Fesh” (Fresco) y “Window” (ventana). Deja pasar la luz, ver detrás del cristal, se ha tenido siempre como símbolo de virginidad. Duchamp cubre los cristales “La vida es más fresca” o “ No transparencia de la mujer”. Cada vez tiene el sentimiento de mostrar más su personalidad femenina. Nunca fue homosexual pero si que dijo que tenía una parte de mujer (pensamiento) y Man Ray lo fotografió haciéndose llamar Rrose Sélavy, un juego de palabras muy divertido “La vida en rosa”. Firmaba muchos ready made con este nombre.
→ ¿Por qué no estornudar Rose Sélavy?
Es una jaula y dentro parece que haya terrones de azúcar. Son blanqueci nos de mármol. Hay un termómetro roto y una jibia (lo que tienen dentro los calamares). El objetivo es ironizar. El factor lúdico también interviene.
→ El gran vidrio. 1915 – 1923. Conceptualmente lo hizo en 1913. Son obras de arte que se convierten en elementos lúdicos para los espectadores. Pintura en cristal. Queria la posibilidad de hacer una pintura sobre cristal, El vidrio al ser una superficie no porosa, no absorbe el oleo y le parece idóneo utilizar el cristal como superficie. Hce esbozos, notas, porque al cristal no se le pueden hacer arrepentimientos. Lo que tenia que pintar allí debía estar muy preparado. Hace dibujos preparatorios de la novia y los desarrolló en otras técnicas introduciéndolos en una cajita que guarda. (ordenados posteriormente por historiadores del arte). Octavio Paz, historiador del arte mejicano muy conocido, escribe “Apariencia desnuda”. Tiene dos grandes apartados: Análisis de esta obra y análisis de la obra de Duchamp. Cuando Breton se interesó por el vidrio decía que lo que mas le interesa era el mensaje.
Oto Paz se limita a ordenar el material de la cajita para que el conjunto sea legible y no hace
ninguna interpretación: ámbito destinado a la novia (parte superior) y ámbito destinado a los solteros (Inferior). Ámbitos separados claramente por una senefa metálica. La Novia tiene varios nombres: Novia, ahorcado hembra, motor de deseo (para poner en marcha los solteros), Avispa (remarca el carácter de insecto que tiene el elemento femenino). Ahorcado o novia que se desnuda, traje transparente. Está en expansión de florecimiento de los solteros. Se desprende la Vía láctea denominada por Duchamp, con los tres pistones blancos. El trineo pone en marcha la chocolatera. El gas del alumbrado va directamente a cada molde macho (con uniformes reconocibles como guardia o enterrador) y se hincha, pero antes de llegar a la novia se deshinchan. Solteros frustrados que mandan un mensaje a la novia mediante un cañón que dispara cerillas con la cabeza con pintura ya que no pueden acceder a ella. Testigos oculistas ven la escena. Pinceladas lisas y precisas. Perspectiva perfecta. Utiliza oleo sin mucha densidad, colores del cubismo analítico. Todo está perfectamente medido desde un punto de vista técnico. Deja permanentemente inacabado el vidrio. Lo expone en su estudio, abre las ventanas y las deja así durante mucho tiempo, para que entrara polvo. Solo una parte la tapa con una sabana. Experimenta para ver como pasa el paso del tiempo. Este vidrio se traslado desnde NY a otra población americana sin estar bien entablado y se craquela. Duchamp en los años 20 le vendió esta obra a Katerine Dreier y tuvieron que pasar unos cuantos mas para que Duchamp se diera cuenta de que estaba cuarteado. Ya que se pensaban que era parte de la obra. La encerró en el museo de Philadelphia y prohibió que saliera de ahí. Obra que enlaza con las maquinas iconográficamente. Ejemplo mas radical que un atimecanismo (la maquina no hace nada) e slo que considerarían los dadaístas. Maquinas inútiles. El dadaísmo se nutrió de Picabia, Hausmann que reivindicaban el antimecanismo. En el momento álgido de la primera guerra mundial, las maquinas se utilizaron para matar. El dadaísmo esta en contra de la maquina de guerra y se contrapone con el futurismo italiano. Odian la guerra porque han vivido el primer momento ya que este movimiento surge en plena guerra, los otros surgen antes o después. Por eso escogen Zurich que es un punto neutral.
→ Bote verde. 1935. Concibe la posibilidad de crear una caja, estructura perfectamente paralapipedica. Introduce en su interior las notas para la realización del vidrio. Se ha entendido como una actitud percusora del arte conceptual el hecho de la cajita. La obra de arte no tiene que desarrollarse completamente sino que lo importante es la idea previa, según los conceptuales. Por eso dejaron de lado los pinceles y solo se dedican a escribir y algunos tan solo a pensar, pero la gente no entendía nada. En 1913 es cuando empieza escribir Duchamp.
