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TEMA 4
AUDICIONES CANTO GREGORIANO:
1. Kirie Fons Boniatis:
Se trata de un canto monódico y colectivo sin acompañamiento
instrumental. Tiene un carácter religioso, y está cantado en latín con un ritmo
libre y sobrio, con pausas al final de cada frase, que nos ofrecen paz y
serenidad.
Predominan los estilos melismático y neumático. Al ser un Kirie,
pertenece a la misa del ordinario
Esta pieza se sitúa en la Edad Media, época marcada por el
Cristianismo, de ahí la importancia de la música religiosa como la que está
sonando.
2. Introito. Puer natus est :
Se trata de un canto monódico y colectivo sin acompañamiento
instrumental. Tiene un carácter religioso, y está cantado en latín con un ritmo
libre y sobrio, con pausas al final de cada frase, que nos ofrecen paz y
serenidad.
Predominan los estilos melismático y neumático. Al ser un introito,
pertenece a la misa del propio
Esta pieza se sitúa en la Edad Media, época marcada por el
Cristianismo, de ahí la importancia de la música religiosa como la que está
sonando.
3. Veni creator spiritus:
Se trata de un canto monódico y colectivo sin acompañamiento
instrumental. Tiene un carácter religioso, y está cantado en latín con un ritmo
libre y sobrio, con pausas al final de cada frase, que nos ofrecen paz y
serenidad. Predomina el estilo silábico, y es un Himno.
Esta pieza se sitúa en la Edad Media, época marcada por el Cristianismo, de
instrumento solista, denominado concertino, en este caso el arpa y la orquesta,
denominado tutti; consta de tres movimientos que son rápido-lento-rápido.
Estética: se trata de una obra barroca, del compositor inglés G. F. Haendel, y de hecho reproduce una de las formas musicales típicas del barroco como es el concierto, detallado en el punto anterior. El barroco se caracteriza en términos generales por los contrastes, y de esta forma el concierto tiene esos contrastes en cuanto a los movimientos: rápido-lento-rápido.
2. Canon de Pachelbel Esta pieza forma parte de la música orgánica del barroco alemán. Está interpretada por tres violines, un contrabajo y un clavicémbalo
Se trata de un canon, que empieza con una variación del contrabajo y clavicémbalo que repiten durante toda la obra. Al acabar esta variación se van añadiendo los tres violines que empiezan con una melodía melódica, pero con frases cortas. Así como transcurre la pieza, las variaciones se van haciendo más rítmicas, más marcadas, menos melódicas y más complejas.
Aunque se mantiene el mismo tempo durante toda la obra, las notas musicales van aumentado el ritmo de la melodía para luego volver a disminuirlo al final de la pieza. Su final vuelve a ser un poco más melódico, al igual que al principio, aunque eso sí, sus notas siguen siendo marcadas.
TEMA 6
AUDICIONES DEL CLASICISMO
1. Sinfonía Nº 5 (Quinta Sinfonía), en Dom, Op. 67 (1º mov.: Allegro con
brío), de L. V. Bethoven.
Esta pieza se sitúa en el Clasicismo, época de transición del Barroco al Romanticismo y es un período breve con importantes aportaciones al mundo musical
El Clasicismo se caracteriza por la búsqueda de la sencillez, la claridad y la contención de las emociones, pues no expresa emociones. Predomina el estilo de melodía acompañada y se abandona la polifonía-contrapuntística.
Esta obra de Beethoven es una Sinfonía, que es la aplicación de la Sonata para una orquesta Sinfónica y en este caso se trata del Primer Movimiento de una Sinfonía que está compuesto bajo la “forma sonata”, cuya estructura compositiva está compuesta de dos temas y tres partes.
Se presentan dos temas, uno fuerte y enérgico que digamos representa al masculino y otro lírico y delicado que representa al femenino, esto sucede en la exposición, después en el desarrollo se produce una pequeña disputa entre
digamos que los dos temas se hacen amigos.
Así pues esta Sinfonía empieza con movimientos vivos y fuertes pero va compaginándolos con la pequeña disputa donde nos encontramos con partes más tranquilas en las que en seguida vuelven a ser fuertes hasta llegar al desenlace final que es bastante fuerte. Esta obra de música instrumental es el reflejo del fuerte temperamento que poseía Beethoven y que es más propio del Romanticismo
2. Sonata para piano, en DoM, Kv. 311, de W. A. Mozart ( 1º mov.: Allegro con
spirito)
Se trata de una obra instrumental interpretada por el piano en melodía acompañada. Corresponde al primer movimiento de una sonata, en el cual se detecta la estructura forma sonata, donde primero se escucha el tema A, más fuerte y enérgico y después el tema B, más lírico y delicado. Después se juega con motivos tanto del tema A como del B, como si se tratase de un diálogo o una persecución hasta que se produce el desenlace. Es bitemática y tripartita, por lo que se trataría de una sonata del Clasicismo, además de porque está interpretada por un piano, el cual es inventado en este momento.
Esta época se caracteriza por la búsqueda de la sencillez y la claridad. No busca expresar las emociones como en el Barroco, sino todo lo contrario, frialdad y sobriedad.
3. Sonata para piano Nº 23, en Fam, Op. 57, Appasionata (1º mov.: Allegro assai) de L. V. Beethoven.
1º movimiento de la sonata para piano, apreciamos por tanto, la forma sonata, y en el que se desarrollan dos temas A y B, uno más grave y otro más agudo que interaccionan en una especie de disputa por ver quién sobresale sobre el otro. En otros momentos ambos se envuelven “apasionadamente”, como el nombre de la pieza indica, con partes piano y forte intercaladas. Hacia el final, en el desenlace, el ritmo es más acompasado y tranquilo.
Beethoven, fue el máximo representante del Sturm und Drang y en esta melodía tenemos un claro ejemplo de los cambios que ocurrieron en aquel momento:
La música no es sencilla y clara, al contrario, es compleja y difícil de tararear y captar por cualquiera.
Es una explosión de sentimientos apasionados, salvajes a través de la complejidad musical y el ritmo irregular. No hay compases regulares ni melodías repetitivas.
radicalmente con los esquemas musicales de la época. Así lo demuestra en esta obra.
No es una melodía fácil de escuchar, para los inexpertos musicales. Particularmente me produce un poco de inquietud, aunque por otra parte, se nota perfectamente que es algo diferente, y esto es razón de más para poder imaginar la revolución musical que tuvo que ser en su época.
AUDICIONES DEL ROMANTICISMO:
1, Nocturno Ensueño de amor, de F. Liszt t
Se trata de una pieza que podemos enmarcar en el romanticismo. Es una pequeña pieza instrumental para piano. Como pieza del romanticismo es una melodía que describe un momento, es música íntima, es música apasionada y que transmite sentimientos. Su ritmo es cambiante e irregular.
Describe un momento cálido, una situación romántica o por lo menos la evocación o el recuerdo de ella, creo que hay un momento de grandeza y luego una vuelta a la tranquilidad, a la calma, a la paz y al sosiego.
2, Nocturno en Sibm, Op.9, Nº1, de F. Chopin.
Esta obra pertenece al Romanticismo, periodo con grandes cambios sociales como la profesionalización de los músicos, el nacimiento del concierto moderno, los conservatorios públicos y las editoriales musicales
En esta obra el compositor es mucho más libre, más limpio que en otras épocas. Es una obra escrita para piano, de pequeña forma, estructura muy simple que comporta una comprensión más fácil.
Su textura es una homofonía vertical y encontramos una melodía dominante con acompañamiento subordinado. Su estructura o esquema lo podemos representar por A-B-A, exposición, desarrollo y reexposicion, La brillantez de la apertura (A) de la pieza se va transformando hacia una sección central más oscura y dura (B), que finalmente el nocturno concluye tranquilamente repitiendo otra vez la primera parte (A), remarcar pero que su extensión es mínima.
forte, en progresión. La melodía pasa por toda la gama de matices. También percibimos cambios de agógica. Este nocturno tiene una libertad rítmica que más tarde caracterizaría la obra posterior de Chopin.
3. Impromptus, Op. 90, de F. Schubert. Nº3, SolbM Andante.
Schubert, perteneció a la etapa del romanticismo inicial, en la que los compositores buscaban romper con la estética de Clasicismo, buscando nuevas formas de expresión. Durante el Romanticismo, se desarrollaron pequeñas formas para piano, instrumento de referencia para esta época. El origen del Impromptu es improvisatorio, pero su carácter es íntimo y expresivo. No tiene la fuerza desbocada de otras obras del Romanticismo, pero transmite sentimientos intensos y apasionados.
Es una melodía acompañada. Este acompañamiento es sinuoso y le da mucho carácter a la melodía. La dinámica cambia de matiz varias veces a lo largo de la pieza, de piano a forte de manera gradual.
Con el piano del Romanticismo he conseguido por fin cogerle el gusto a la asignatura. El piano es un instrumento increíble, por sí solo, sin necesidad de otro acompañamiento, es capaz de conmover y despertar la sensibilidad de cualquiera.
AUDICIONES DEL NACIONALISMO
1. El río Moldava
El poema sinfónico es una forma instrumental que surge en el Romanticismo y que fusiona las líneas de la sinfonía clásica con la descripción de momentos y sentimientos del Romanticismo.
La obra pertenece al nacionalismo Checo, y sigue el recorrido del río Moldava, que atraviesa Bohemia y Moravia, en la República Checa, desde su nacimiento como un pequeño manantial hasta su llegada, con gran y majestuoso río a la ciudad de Praga.
Tiene rasgos propios del Romanticismo, como son la imitación de la naturaleza y la expresión de sentimientos apasionados. Smetana intenta
describir la naturaleza con el contraste de ritmos y dinámicas.
El propio Smetana proporcionó una serie de indicaciones a modo de programa que encabezan cada una de las secciones:
1ª fuente del Moldava y 2ª fuente: 00: 25’’ La melodía principal del poema, que describe la corriente sonora del río mediante instrumentos de viento y cuerda frotada, a la que se incorpora más tarde la percusión. El acompañamiento de la melodía recuerda a la corriente del rio, a veces más calmada y otras más brava, jugando con la dinámica de piano a forte.
Le siguen: Cacería en el bosque, Boda campesina, Claro de luna, las fuentes, Los rápidos de San Juan, La corriente ancha del Moldava, Motivo principal Mi patria.
TEMA 7
AUDICIONES DEL IMPRESIONISMO:
1. Preludio a la siesta de un fauno.
Aunque era un genio con las composiciones pianísticas, Debussy también componía para orquestra, no sin menos éxito. Preludio a la siesta de un fauno es una de sus piezas orquestales.
La estética impresionista se mantiene en este tipo de composiciones y encontramos una obra llena de sugerencias sensitivas e insinuaciones hacia lo oriental. Se crea una sonoridad muy particular, mezcla de elementos naturales (como la cascada interpretada por el arpa) y culturales (la sonoridad oriental que va y viene durante toda la pieza). Aparecen muchos contrastes tanto en la dinámica como en la expresión, cosa que facilita la comprensión auditiva de la pieza ante la ausencia de partes definidas (en la sonata, por ejemplo, las partes A y B se reconocen claramente).
2. Bolero de Ravel
La t arde en Granada (de Estampas). DEBUSSY
Pieza para piano de Debussy. En ella podemos apreciar varios rasgos distintivos del Impresionismo: Imprecisión tonal y rítmica con aceleraciones y deceleraciones a lo largo de la obra. Acordes superpuestos, buscando el colorido. Cierto influjo de melodías de guitarras flamencas andaluzas. En determinados fragmentos de la obra parece también querer recrear el sonido
de campanas. Este pasaje de las campanas va en crescendo y poco a poco
disminuye el ritmo y la intensidad.
La melodía evoca sin duda una imagen de cualquier rincón andaluz.
Tarde en Granada pertenece a una colección de tres piezas, llamada “Estampas”, que buscan la evocación de lugares exóticos: Pagodas, Tarde en Granada y Jardines en la lluvia. Una curiosidad es que Debussy no estuvo nunca en Andalucía y no sentía ningún vínculo con su cultura.
AUDICIONES SIGLO XX
1. Pierrot lunaire 2. Noches en los jardines de España, para piano y orquesta, (1º mov.: En el Generalife) de M. de Falla
Esta obra es interpretada por la totalidad de la orquesta. Es una obra de sonoridades románticas que recuerda en algún punto al folclore andaluz. Se trata de una obra del siglo XX español.
Esta época en nuestro país se caracteriza por fusionar el nacionalismo con toques impresionistas. Falla, el autor de esta obra, es uno de sus compositores más representativos, junto con Albéniz, Granados o Turina.
En esta época surge el eclecticismo estético, la búsqueda de nuevas vías expresivas (por ejemplo, nuevos sistemas como los atonalistas), el uso de las disonancias y el elemento rítmico... todo ello dentro del contexto de un siglo muy variado y en constante movimiento
3. G. Gershwin, Rhapsody in blue.
Esta versión orquestal, que es la que corresponde a la audición, cuenta con instrumentos de viento, cuerda y percusión. Los protagonistas son los instrumentos de viento
La melodía tiene una gran influencia de jazz. Se alterna la orquesta con solos
de piano, aunque el piano también sirve de acompañamiento. Podemos percibir una mayor presencia de la percusión, lo que nos sirve de rasgo distintivo para situar la obra en el siglo XX.
Otro rasgo distintivo del siglo XX es esta mezcla de géneros musicales, en este caso jazz con orquesta sinfónica El ritmo y velocidad es cambiante.
4. Stabat mater. Pasión según San Lucas de K. Penderecki
La obra comienza con la frase "Stabat Mater dolorosa" interpretada por los tenores empleando una melodía gregoriana, este recurso ya lo utilizó Tomás Luis de Victoria en su obra "Ave María", obra del Renacimiento.
Posteriormente entran los bajos donde con una nota tenida van reproduciendo el texto "Stabat Mater dolorosa iusta crucem lacrimosa", el texto del Stabat Mater.
Posteriormente van entrando las distintas voces con el texto "Stabat mater dolorsa" en una auténtica disonancia, siendo por tanto contrapunto, es decir, horizontal, cada voz va entrando en un momento distinto, sin embargo, parece que cuando empieza el texto justa crucem se vuelve vertical, pero tampoco se puede apreciar muy bien porque es ahí donde termina la audición.
En cuanto a la melodía sólo podemos identificarla en la primera parte, en la parte gregoriana, sin embargo, en el resto de la obra se trata de notas tenidas, por lo tanto no se puede hablar ni de melodía ni de ritmo.
Está claro que tiene una gran influencia medieval, de hecho la segunda parte, la que está representada por las notas tenidas de los bajos, recuerda esas notas interpretadas por los monjes que se pierden en cada rincón del claustro.
