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Fundamentos del Arte: tercera evaluación: Bloque 10. El Renacimiento español 1 - Implantación. Cronología. Hitos históricos españoles: Los Reyes Católicos. Carlos V. Felipe II y su relación con el arte. Comúnmente se acepta la fecha de 1492 como el inicio de la influencia del Renacimiento italiano en España. Cronología del renacimiento: Unificación del ansiado reino cristiano con la toma definitiva de Granada, última ciudad de la España islámica y la sucesivas expulsiones en miles de creyentes judíos, el 31 de marzo de 1492. El descubrimiento oficial de América, el viernes 12 de octubre de 1492. Los musulmanes serían obligados a convertirse en 1504. Muchos optaron por la conversión pero varios miles de ellos optaron por irse a Marruecos. La publicación de la primera gramática de una lengua vulgar europea: La Gramática castellana de Antonio de Nebrija. Nacimiento del Estado Moderno : soberanía, separación poderes estado tiene poder político y el ejército, despersonalización del poder, economía que lo sustente, burocracia no a servicio de los intereses particulares sino al servicio del interés del estado, formalización legislativa del poder del estado, integración del estado en la sociedad de forma que no se separe el pueblo de la institución. 1504 - Muere Isabel la Católica 1505 - 0 6 Reinado de Doña Juana y Felipe el Hermoso 1506 - 16 Fernando de Aragón Gobierna Castilla como regente 1516 - 17 Regente el Cardenal Cisneros 1517 - 1556 Reinado de Carlos I , levantamiento de los comuneros 1520-21 contra el Emperador. 21-25 guerra con Francia. Conquista de México y Perú, luchas religiosas en Alemania, concilio de Trento 1556 - 159 8 Reinado de Felipe II, tras la abdicación de su padre, que concede a su hermano Fernando Austria y el Imperio 1561 Madrid capital del reino 1563 - 83 construcción Monasterio del Escorial, conmemoración de la victoria de San Quintín frente a Francia y lugar de enterramiento de los reyes de España.
2 - Características Específicas del Renacimiento Español: La estética del Renacimiento se mezcla con estilos puramente ibéricos, como el arte nazarí del agónico reino de Granada, el gótico exaltado y personal de la reina castellana, y las tendencias flamencas en la pintura oficial de la corte y la Iglesia. Se prolonga el Gótico isabelino o flamígero. El arte del Quattrocento triunfa en España cuando en Italia toca a su fin. La asimilación de elementos dio lugar a una personal interpretación del Renacimiento ortodoxo, que se dio en llamar Plateresco. Asimismo, se importan artistas secundarios de Italia, se envían aprendices a los talleres italianos, se traen diseños, plantas arquitectónicas, libros y grabados, cuadros, etc., de los cuales se inspiran personajes, temas y composición. La construcción del Escorial se constituye en un evento generador de una gran actividad artística en el que participan pintores, arquitectos y escultores de Italia y España, y la creación de un prototipo de renacimiento español el llamado estilo Herreriano que influirá en el barroco, en el neoclasicismo y el el siglo XX. 2 - La consideración del pintor en el Renacimiento Español Tiziano – Carlos V y el Greco– Felipe II relaciones opuestas Artista Relación con la corona Obras Encargadas Ticiano Pintor de Corte de los Austrias a la corte recibe encargos y honores nobiliarios de la corona Española.No establece su residencia en España Carlos V relación se inicia 1530 Felipe II relación se inicia 1552 cuando todavía era príncipe recibe encargos Multitud de obras algunas se conservan en el Escorial y el Prado Retratos: Carlos V con perro, Carlos V sentado Retrato ecuestre,Carlos V con Isabel de Portugal Isabel de Portugal Caballero del Guante Papa Pablo III Grandes Composiciones Adán y Eva Venus y cupido con organista Las Furias Dánae y la lluvia de Oro Cuadros Religiosos , David y Goliat Santa Magdalena, San Lorenzo, La Cena El Greco El Greco viene a España atraído por la obra del Escorial Su cuadro El Martirio de San Mauricio no es del agrado del rey porque contraría a los preceptos artísticos de la contrarreforma y el pintor se desplaza a Toledo El Sueño de Felipe II El Martirio de San Mauricio
4 - Escultura renacentista: retablos. Alonso González Berruguete CARÁCTERÍSTICAS GENERALES Las intensas relaciones políticas con Italia y la existencia de dominios españoles en tierras italianas, favorecieron la llegada de la influencia renacentista a la escultura española. En lo que se refiere a los materiales, apenas hay escultura en bronce. Los sepulcros se hacen de mármol. El material la madera tallada y policromada. La temática es casi exclusivamente religiosa, para retablos, sillerías de coro y sepulcros. También adquiere importancia la escultura procesional. Predomina el realismo expresivo y por lo común se trata de un arte apasionado y dinámico. Por ello, se escogen momentos temáticos tensos y llenos de dramatismo. Sólo en segundo término buscan la belleza formal, tan importante para los italianos. Técnica talla en madera policromada Se talla en el bloque de madera: queda una “escultura en blanco”. Se apareja la escultura en blanco: se plastece con yeso fino, sin ocultar la calidad de la talla. Sobre esta capa de yeso se aplicaba en las zonas de carne y en las de vestido una arcilla rojiza muy fina. Sobre estas superficies se aplicaban panes de oro sobre los que, una vez bruñidos, se aplicaban los colores lisos mediante el estofado. En las zonas correspondientes a las carnes se procedía al encarnado. Evolución y ejemplos 1 - En el primer tercio del siglo XVI pervivió la tradición gótica, pero también llegaron artistas (y obras) italianos, como Fancelli (sepulcro de los Reyes Católicos) o Torrigiano (San Jerónimo penitente). Pronto se adhirieron a la tendencia renacentista autores españoles, entre ellos Bartolomé Ordoñez (sepulcro de Felipe el Hermoso y Juana la Loca) y Felipe Bigarny (sillería de la catedral de Toledo). 2 - En el tercio central del siglo se consolidó la primacía de la Escuela de Valladolid a la que pertenecen Berruguete y Juni, ambos con claros rasgos manieristas. Alonso Berruguete estuvo en Italia donde conoció a Miguel Ángel, de cuya obra adoptó la tensión y apasionamiento. También recibió la influencia de Donatello y del Laocoonte. Dio a sus personajes un sentido angustioso y dramático, de modo que son figuras nerviosas, de proporciones alargadas, de musculatura tensa, que parecen retorcerse en posturas inestables. Hizo el retablo mayor de San Benito de Valladolid (hoy en el Museo Nacional de Escultura) al que pertenecían las pequeñas figuras de San Sebastián y de El Sacrificio de Isaac, tal vez sus obras más populares. Posteriormente recibió el encargo, junto a Bigarny, de tallar la sillería del coro de la catedral de Toledo, de madera sin policromar, donde su puede apreciar su genialidad en los desnudos. 4.1 Comparación de la escultura española con la italiana: La figura de San Sebastian de Alonso Berruguete. se retuerce sobre él mismo de forma helicoidal, el cuello largo, la cabeza pequeña, la pierna izquierda alargada y la contorsión violenta. Que nos recuerda a las esculturas de los esclavos de Miguel Angel Aparece la nueva técnica de Miguel Ángel. Del mismo modo que la técnica que ha usado para la talla en madera recuerda a la la del Inacabado de Miguel Ángel. Quiere expresar cómo la figura nace de la piedra y va saliendo paulatinamente.
En el Sacrificio de Isaac, Berruguete sigue el modelo compositivo e iconográfico de Donatelo, al que añade la torsión y deformación muscular de Miguel Ángel, y una expresión facial que incrementa la tensión de la escena. La influencia de Miguel Ángel también pervive en el borgoñón Juan de Juni como consecuencia de su estancia en Italia. En su obra, tallada en madera y pintada con excelente policromía, representa figuras musculosas y monumentales, en posturas manieristas, con gestos forzados, teatralidad en las composiciones y expresión apasionada y angustiosa, incluso exagerada. En los grupos cuida con mimo el equilibrio de la composición. Su obra más importante es El entierro de Cristo, grupo escultórico de rigurosa simetría y tenso patetismo. 4.2 Expresividad de Alonso Berruguete La mayoría de las figuras que componen el retablo de San Benito de Valladolid, son exponentes singulares de la formulación por parte de Berruguete de los conceptos manieristas aplicados a la escultura con fines devocionales. La gran expresividad de sus figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y la variedad de recursos emocionales enfatizados por el uso de la policromía configuran una opción radical donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias del Manierismo con unas actitudes patéticas en consonancia con los valores más expresivos de la tradición gótica. Fue esta concepción singular de la imagen en Alonso Berruguete la que llevó al escultor a acentuar deliberadamente ciertas deformaciones que, en obras como el San Sebastián del Museo de Valladolid, suponen un intento de sustituir el canon de Bigarny por otro más estilizado y alargado, dando pruebas de su interés por el tema de las proporciones con la intención manierista de romper la norma. 5 - Pintura Renacentista en España El intenso arraigo de la tradición gótica flamenca en España, explica el retraso en la difusión de las características de la pintura italiana. Cuando la pintura española se incorpora al Renacimiento, ya en el siglo XVI, no lo hace imitando a los pintores del Quattrocento, salvo en algún artista de transición como Pedro Berruguete, sino que recibe la influencia de los maestros de la Escuela florentino romana e, inmediatamente, la del Manierismo. Algunos pintores se formaron en Italia y fueron ellos quienes difundieron el estilo en nuestro país. Por otra parte, sobre todo en la época de Felipe II, varios artistas italianos se instalaron en España Lucas Jordán (Luca Giordano) Tibaldi que trabajaron en los frescos del Escorial. La técnica preferida fue el óleo sobre tabla, ya utilizada desde el siglo anterior por influencia flamenca. Más tarde se difundió como soporte el lienzo. Igual que ocurría en la escultura, en nuestra pintura renacentista predomina el sentimiento religioso por encima de la belleza formal. El afán primordial es promover la devoción piadosa. El primer maestro con rasgos renacentistas fue el castellano Pedro Berruguete. En el taller de Piero della Francesca aprendió el uso de la perspectiva y el valor plástico de la luz. Mantiene aún muchos rasgos góticos como el tratamiento detallista de los objetos y el empleo de los dorados. Destacan, entre sus obras, el Auto de Fe, del Museo del Prado. A principios del siglo XVI pintó también el valenciano Yáñez de la Almedina (Santa Catalina) seguidor de Leonardo.
6.1. Analiza la obra de la pintora Sofonisba Anguissola. Sofonisba Anguissola (Cremona, hacia 1535 - Palermo, 1625) Destacó en la realización de retratos, presentaba a menudo sus modelos desarrollando tareas aparentemente domésticas, acompañados de una serie de objetos que definen en mayor profundidad su personalidad. Ejemplo de ello encontramos en sus numerosos autorretratos en los que Sofonisba aparece leyendo, tocando algún instrumento musical o pintando; todos estos atributos son a la vez representaciones elocuentes de las actividades a las que está sujeto un noble de su rango. Las principales características de su pintura son: 1 - el acercamiento veraz a los objetos y materias 2 - el estudio psicológico de los modelos. Su actividad en Cremona también incluye pequeñas obras religiosas, realizadas con el objetivo de satisfacer un tipo de devoción privada. En 1559 fue invitada a la corte de Felipe II. Mientras residía en Madrid, ejerció de dama de compañía de la reina Isabel de Valois y continuó realizando retratos. Hacia 1571 se casó con un hermano del virrey de Sicilia, adonde se dirigió seguidamente. Tras la muerte de su primer esposo, volvió a contraer matrimonio con un noble genovés y vivió entre Génova y Palermo. En esta última ciudad la visitó Antonio van Dyck en 1624, retratándola en su cuaderno de viaje. La fortuna personal de su esposo, además de la generosa pensión que le otorgó Felipe II, permitió a Sofonisba pintar y vivir libre y cómodamente. Bastante famosa entonces, recibió la visita de muchos de sus colegas. Varios de éstos eran más jóvenes que ella y aprendían e imitaban el estilo distintivo de Anguissola. Algunas de sus obras han sido atribuidas por error a Sánchez Coello o al Greco.
7 - La música renacentista. Instrumentos. Compositores 7 - La música renacentista. Instrumentos. Compositores Etapa Reyes Católicos Carlos V Felipe II Desarrollo de la polifonía Polifonía profana influencia franco flamenca Polifonía sacra la música sacra sobriedad melódica y una moderación en el uso de artificios contrapuntísticos, intensidad en la expresión religiosa. Trae a la corte española el esplendor de los contrapuntos holandeses y músicos flamencos y alemanes, quienes, junto a los españoles, formarán la capilla más brillante de su época, con una gran influencia sobre los autores españoles Gran florecimiento de la música española sacra en las capillas catedraliceas Compositores: Juan de Anchieta Francisco de Peñalosa Juan Escribano, Cristóbal de Morales, Juan Vázquez y Diego Ortiz. Mateo Flecha “el joven”, Pedro y Francisco Guerrero, Juan Ginés Pérez, Francisco Soto, Ambrosio Cotes, Juan Ezequiel, el gran Tomás Luís de Victoria Instrumentos (los instrumentos solistas españoles mas importantes son la vihuela y el órgano. Cuerda Teclado Viento La vihuela Laúd Viola de Gamba El arpa El Clave, virginal , espineta (cuerdas pulsadas) Clavicordio (cuerdas golpeadas) Órgano Cornetas Chirimias Sacabuches Bajón, Flautas de pico, Pífanos Orlos
El armario: Presenta patas cortas y es de forma maciza, los paneles están tallados con figuras geométricas. Abundan los herrajes, cerraduras y pestillos. En ocasiones consta de dos cuerpos uno sobre el otro, con portezuelas en la parte superior La cama : Normalmente con cabecera esculpida y montantes muy pesados de madera torneada. El bargueño: resulta un arca de dimensiones adecuadas para ser colocada sobre una mesa o cómoda. El frente es una tapa abatible muy simple que contrasta con el interior refinado, formado por una serie de casillas con sus respectivas gavetas y puertas finamente tallados y adornados con piezas de diferentes colores. Se usa el oro y el marfil. El frailero: es una silla con brazos, inspirada en los muebles de las iglesias. Tenía respaldo rígido y cuadrado y el asiento de cuero. Podía estar forrado de brocado, terciopelo u otra tela preciosa. El brasero: es un mueble típicamente español y está inspirado en el mundo oriental. Es una cuenca de cobre sostenido por patas y que se usaba para colocar brasas. Vestuario 8.2. Analiza los trajes de los personajes de los cuadros del Renacimiento, especialmente en la obra de Sánchez Coello Piezas femeninas Copete: tocado femenino, su tamaño ejemplificaba la altura de su linaje Mangas voluminosas se creó la tendencia de cortarlas dejando ver la camisa, algo que se entendió como un hecho que daba mayor elegancia y comodidad. Además podían ser desmontables y a menudo se decoraban. Verdugado eran faldas largas y huecas que poseían varillas circulares en su interior. Recibe este nombre porque esas varillas se extraían del verdugo, un árbol, también se empleó mimbre o alambre, falda o estructura interior que dotaba a la parte inferior de la silueta de una forma casi triangular. la Basquiña prenda que oprimía la parte superior del cuerpo femenino que era una prenda interior tipo corsé de material rígido, proyectando el pecho hacia arriba y aplanándolo, este efecto se veía potenciado al utilizar el peto, rigido y triangular. Chapines eran usado a menudo, recuerdan a los coturnos utilizados por los actores griegos clásicos era una especie de zancos o tacones altos que servían para parecer más altos. Eran los zapatos que usaban las prostitutas en el Renacimiento pero también lo usaban algunas mujeres bajo los vestidos intentando enseñar lo menos posible el pie. Las agujetas En los hombres las agujetas tenían la función práctica de sujetar las calzas con el jubón o con la parte de arriba. Las mujeres sujetaban las mangas desmontables con la parte de arriba pero pronto empezarían a usarse para dar suntuosidad en el vestido. Fueron perdiendo su función práctica para convertirse en un mero elemento decorativo más del atuendo. La lechuguina o gorguera de cuello rizado o escarolado, pasando a denominarse cuello o lechuguilla y su uso se extendió a los caballeros. En España, hasta Felipe III, la lechuguilla habitual era pequeña, sobresaliendo del cuello alto y cerrado del cuerpo del vestido en las mujeres y del jubón en los hombres y la formaban una, dos y hasta tres tiras encañonadas. Generalmente, este cuello se combinaba con los puños siendo ambos de color blanco. En Francia y, sobre todo, en Italia no tardaron a llevarse gorgueras mayores que las españolas, con armadura. es otro elemento destacado del renacimiento
Se popularizó el uso del pañuelo y el abanico. En Europa se conoce el abanico desde el siglo XVI, traído de Oriente por los navegantes y comerciantes portugueses. Los abanicos articulados podían sujetarse al cinturón con una cadena o una cinta para dejar las manos libres. Tanto hombres como mujeres utilizaban pañuelos, que tenían carácter decorativo. El pañuelo fue considerado el objeto definitorio de lujo, por lo que los pobres tenían prohibido su uso por ley. La mayoría eran de lino o seda, con el tiempo llegaron a estar adornados con remates de encaje o de ganchillo, bordes con borlas y bordados. Vestuario Masculino Predomina los colores brillantes en forma de parche, rayas, cuadrado y en forma de triangulo. La camisa de lino blanca distinguía al caballero del campesino. El jubón será la prenda principal y también utilizaban el justillo. Iba rematado con la lechuguina o gorguera. El cuerpo era resaltado a partir de rellenos en los hombros y en el pecho, dándole también forma a la prenda, las mangas al igual que en el vestido femenino se sujetaban al cuerpo del jubón con agujetas en la parte posterior de los hombros y codos, permitiendo ver así los acuchillados. La bragueta era un accesorio importante. Concebida originariamente como un envoltorio de metal para proteger los genitales masculinos en la batalla, fué utilizada después por la burguesía y la nobleza como accesorio ornamental. Las calzas eran utilizadas por los hombres adinerados pantalones cortos con acuchillados. El acuchillado se caracteriza por tener las costuras abiertas, o cortar deliberadamente una prenda dejando visible el forro de la misma El estilo denominado “Acuchillado ”, surgiendo como resultado de la derrota de Carlos el Temerario en 1477, cuando los suizos cayeron sobre sus tropas en Nancy , para celebrar la victoria cortaron los estandartes, las tiendas y los lujosos vestidos del ejército de borgoñón, atando tiras a los desgarrones de sus vestidos. Las medias fueron evolucionando, ya que anteriormente eran realizadas con tejido plano imitando la forma de la pierna” posteriormente se convirtieron en una prenda cómoda, Las jarreteras (finas cintas anudadas por encima de la rodilla) eran las que sujetaban las medias. Sombreros y Tocados Eran muy utilizadas las gorras con ala estrecha que se inclinaban sobre el rostro. Los sombreros eran adornados con joyas y plumas, las caperuzas eran comunes en los países bajos, mientras que las mujeres utilizaban gorros de terciopelo. Capa se usaba la capa corta con tres diseños Ferreruelo Se trata de una capa corta ricamente decorada en seda, oro y plata, lo que nos habla del alto poder adquisitivo de su propietario. Este tipo de capas pertenecen al repertorio de prendas de encima que constituían un elemento básico de la indumentaria masculina del siglo XVI. Bohemio : capa corta con piel en el borde Tudesco: ropa de origen alemán. En España se llevaba sobre los hombros, sin meter los brazos en las mangas formando una capa corta con mangas.
Los orígenes de la palabra barroco no están claros. Podría derivar del portugués barocco o del castellano barrueco, término que designa a un tipo de perlas de forma irregular. De cualquier modo, a finales del siglo XVIII el término barroco pasó a formar parte del vocabulario de la crítica de arte como una etiqueta para definir el estilo artístico del siglo XVII, que muchos críticos rechazaron después como demasiado estrafalario y exótico para merecer un estudio serio El barroco fue una época en donde la exageración, ostentación y opulencia cobran un auge muy fuerte y se marcan como tendencias en todo un continente, no solo en el arte, la literatura o música si no que también en la moda jugando un papel muy importante dado que se dan diversos cambios. Se consideró la decadencia del clasicismo renacentista, siendo el manierismo la etapa de transición entre ambos. Hay que esperar hasta 1915 para que el historiador del arte Wölfflin catalogue al barroco como un estilo distinto y lo despoje de sus connotaciones negativas en su obra “Conceptos fundamentales de la historia de arte”. El marco temporal del estilo va desde inicio del siglo XVII (agotamiento del manierismo) a mitad del XVIII (con aparición del rococó). Características del Arte Barroco En Italia aparecen las características definitorias del barroco que siguen la línea marcada por el manierismo, pero sustituyendo su simbolismo y su idealismo por un marcado naturalismo. El tema religioso será dominante. Iglesias. Decoración profusa (contra el Renacimiento) que busca impresionar. Naturalismo ( contra el manierismo) preferencia por lo inmediato y lo cotidiano y realismo ( piel y ropa) se busca la cercanía. Dramatismo se busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Se destaca el Pathos (emociones incontrolables) sobre el hete ( emociones controladas) Teatralidad ( composiciones escenográficas) La escultura y la arquitectura se complementan. La arquitectura sirve de escenario para la escultura. Búsqueda del movimiento con una preferencia por lo curvilíneo (como el manierismo) para expresar movimiento y tensión, ruptura con el equilibrio clásico. Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención. 1.2. Analiza las instrucciones emanadas del Concilio de Trento acerca de la manera de representar en las iglesias. El Concilio de Trento fue un concilio ecuménico de la Iglesia católica desarrollado en periodos discontinuos durante veinticinco sesiones entre el año 1545 y el 1563. Tuvo lugar en Trento. Dió lugar a lo que se llama la Contrarreforma fue la respuesta de la Iglesia de Roma a la reforma protestante de Martín Lutero. Un período de resurgimiento católico desde el pontificado del Papa Pío IV en 1560 hasta el fin de la Guerra de los Treinta Años, en 1648. Sus objetivos fueron renovar la Iglesia y evitar el avance de las doctrinas protestantes. Se querían hacer atractivos los ritos. La Iglesia Católica necesita recuperar seguidores y por eso busca un arte que fomente la espiritualidad El arte se convierte en una herramienta de propagación de la fe con la aplicación de la decoración barroca que busca conmover y emocionar al fiel el arte Nacen las Hermandades penitenciales y las procesiones de Semana Santa con ellas toda la escultura de imaginería en España.
El Concilio dio instrucciones acerca de cómo se debían decorar las iglesias, de cómo se debían de representar los santos. La fachada de la iglesia debe decorarse con figuras de santos y adornos serios y decentes. Sugiere especial atención a la disposición de las puertas del templo, decoración de las paredes Altar mayor debe alzarse sobre unas gradas y colocado en un presbiterio suficientemente espacioso para que el sacerdote pueda oficiar en él con dignidad. La sacristía debe conducir al cuerpo principal de la iglesia para que el sacerdote pueda llegar en procesión hasta el altar mayor. Los brazos del crucero deben convertirse en capillas con otros grandes altares. las ventanas de la iglesia estarán provistas de cristales transparentes para iluminar bien las ceremonias. En las iglesias con naves laterales las capillas responderán con exactitud al intercolumnio con el fin de que las columnas o las pilastras no interfieran la vista de las mismas decoración de la iglesia no has de expresarse ni representarse ninguna cosa que sea ajena a la piedad ni a la religión, ni profana, deforme, torpe u obscena, o que, en fin, ostentando magnificencia mundana o distintivos de familia, ofrezca la apariencia de una obra gentil. La iglesia tendrá forma de cruz , no de círculo, pues ello corresponde a costumbre pagana. El simbolismo de los órdenes arquitectónicos orden dórico para las iglesias dedicadas a Cristo, a San Pedro, San Pablo y a otros santos más viriles ; orden jónico para los santos más dulces y para las santas matronas; orden corintio, para las santas vírgenes. Se editaron decretos relacionado con la música sacra y el arte religioso ; este fue el punto de partida para que algunos teólogos tergiversaran y exageraran estos decretos y condenaran muchos tipos de estilos e iconografías del Renacimiento y del Medioevo, lo cual impactó fuertemente en el desarrollo del arte. 1.3. Analiza el Baldaquino de la Basílica de San Pedro y sus elementos identificativos. El Baldaquino de Gian Lorenzo BERNINI.1624-1633 con esta obra inicia su carrera se sitúa bajo la gran cúpula de la basílica de San Pedro. Es un monumental dosel de bronce sostenido por cuatro columnas salomónicas, donde no se utiliza la línea recta, sino que gira y se retuerce con gran sensación de movimiento. En esta obra consagra el uso de este tipo de columnas. Encargado por Urbano VIII se sitúa en el crucero de la basílica, mezcla arquitectura, escultura y pintura. Incluye un altar de bronce, sostenido por 4 columnas gigantes salomónicas torneadas en espiral y rematadas por un capitel compuesto. Encima dispone un entablamento curvado, coronado por un dosel arquitectónico con ángeles y volutas que se reúnen en el centro para sostener un globo terráqueo y una cruz. Es una arquitectura que representa un dosel de tela gigante simulando al palio con el que se cubren a los obispos y a los mandatarios. Es un monumento que tiene como función remarcar el poder del Papado, evidenciando su papel y su poder en la cristianización del mundo.
2.2. Relaciona el arte barroco europeo y el arte colonial hispanoamericano. Características generales Urbanismo Edificios La estética básica con que se crean es la del barroco, la que muestra el poder de España. Pero en América el barroco encuentra su propio estilo, gracias a la fusión del nuevo estilo con el sustrato indígena y la tradición mudéjar, como en el Barroco Andino Se emplearon motivos europeos como la columna salomónica y el estípite junto con elementos decorativos autóctonos vegetales Influyo el Barroco Churrigueresco: Se entendían por churriguerescas todas aquellas arquitecturas que poseían un marcado movimiento y una abigarrada ornamentación, sobre todo en la retablística influyó en los edificios construidos en los virreinatos de Perú y Nueva España (donde se le conoció como barroco estípite), alcanzando un gran desarrollo. Fue en Andalucía quien influye en el trazado urbanístico de las ciudades americanas. Los núcleos urbanos que experimentaron una expansión extraordinaria como consecuencia del comercio, a la vez que se conformaban las principales ciudades americanas". En Cádiz se inicia la construcción de su perímetro defensivo a mediados del siglo XVI y cuenta con un rico conjunto arquitectónico barroco. Su puerto consiguió convertirse en cabeza del comercio colonial en el siglo XVIII. Similitudes vemos en Veracruz, La Habana, Cartagena de Indias u otras poblaciones americanas. Arquitectos gaditanos se trasladaron a países como Cuba, México u otros y, a través de éstos, se crearon coincidencias en los esquemas organizativos de la arquitectura doméstica, religiosa y militar, así como en los diseños de los elementos decorativos entre España y el Nuevo Mundo.. Una de las más importantes fue la catedral metropolitana de México , diseñada por Claudio de Arciniega, inaugurada en 1667, aunque se completó más tarde, con las características fachadas-retablo de las iglesias americanas , profusamente ornamentadas. Catedral de Lima Iglesia de Santa Rosa de Lima Catedral Basílica de Zacatecas en Zacatecas, el Templo del Carmen en San Luis Potosí, San Francisco en Oaxaca, la Parroquia Antigua en Salamanca Guanajuato, la fachada y el retablo principal del templo de San Francisco Javier (Museo Nacional del Virreinato), en Tepotzotlán,
2.3. Compara el barroco con creaciones formales recargadas o barroquistas posteriores. En España En el Extranjero Siglo XVIII Churrigueresco se caracterizó porque presentó una recargada decoración. Por extensión, el término se ha utilizado para denominar el barroco español del primer tercio del siglo XVIII. Se entendían por churriguerescas todas aquellas arquitecturas que poseían un marcado movimiento y una abigarrada ornamentación, sobre todo en la retablística. Retablo de Convento de San Esteban en Salamanca. Retablo de Parroquia de San Sebastián en Cercedilla. Población del Nuevo Baztán (Iglesia de san Francisco Javier y Palacio de Goyeneche). Coro de la Catedral Nueva de Salamanca. Plaza Mayor de Salamanca. Retablo de Iglesia de San Lorenzo en Valencia Ermita de la Vera Cruz, en Salamanca. Seminario de Calatrava, en Salamanca. Portada de la fachada principal del Palacio de San Telmo (Sevilla) Latinoamérica Sobretodo Perú Catedral Basílica de Zacatecas en Zacatecas, el Templo del Carmen en San Luis Potosí, San Francisco en Oaxaca, la Parroquia Antigua en Salamanca Guanajuato, la fachada y el retablo principal del templo de San Francisco Javier (Museo Nacional del Virreinato), en Tepotzotlán, Siglo XIX Hitoricismo Neobarroco Exposición Universal de Barcelona 1888 El Teatro Arriaga de Bilbao (1885), el Teatro Cervantes en Málaga (1870); el edificio de Banco de España Ministerio de Agricultura París , pues su reconstrucción coincidió con el auge de este estilo arquitectónico ópera de París. Austria, Siglo XX principios influirá en el Art Noveau Movimiento en la fachada, utilización de la curva del claroscuro, profusión de elementos decorativos vegetales Influencias en Gaudí Casa Baltló, Casa Milá (la Pedrera) La Sagrada familia Victor Horta Diversas casas en Bruselas XX Finales La era Neobarroca Deconstructivismo Frontones partidos incorporación de columnas gigantes. Importancia de la curva postmodernidad Arquitectura de los 80 Gugenheim Bilbao Frank Gehry EEUU:Estilo Menphis Plaza de Italia en Nueva Orleans La arquitectura de lo feo y lo ordinario, o el Tinglado decorativo Expuesta por el libro de Venturi “Aprendiendo de las Vegas” Frank Gehry Zahara Hadid
3.1.Comenta los principales trabajos de Gian Lorenzo Bernini escultor y su evolución desde la escultura de Miguel Ángel Buonarroti Comparación 3 estatuas de David: Donatello, Miguel Ángel y Bernini En estas tres esculturas de David se puede observar la evolución de la escultura: El David de Donatello púramente renacentista, el David de Miguel Ángel manierista, que manifiesta una tensión interior, al David de Bernini en el que intenta resumir el momento narrativo de la historia del personaje, además de incluir en el rostro una tensión dramática al realizar un movimiento violento y manifestar furia contra su oponente. Rapto de Proserpina La posición, un contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo, y permite una observación simultánea del rapto (según se mira desde la izquierda) con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta; de la llegada al Hades (mirando de frente, parece llevar en brazos a su víctima); y de la petición de Proserpina a su madre de regresar durante seis meses a la Tierra (si contemplamos desde la derecha, con las lágrimas de la mujer, el viento sobre su pelo y el Can Cerbero ladrando). Es notable la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla. 3.2. Analiza la obra "El éxtasis de Santa Teresa" y su relación con artistas posteriores, por ejemplo Dalí La obra representa el éxtasis o transverberación de Santa Teresa basado en sus propios escritos. Según ellos, en un arrebato místico, sintió cómo un ángel se le aparecía en sueños y le atravesaba el pecho con una flecha de amor divino que le provocó una sensación de dolor y gozo simultáneo que la dejó desfallecida y suspendida en el aire, levitando sobre las nubes. El tema es típico del Barroco, tanto por su idea propagandística y visual de la emociones religiosas, como por su actualidad, pues Santa Teresa había sido canonizada en 1622 (en este tiempo la Iglesia, adoptando una postura triunfante, prodiga las canonizaciones). Bernini, como otros autores, se hace eco del hecho y, utilizando la propia bula, crea una nueva iconografía en donde buscará transmitir, de forma emocional, el concepto abstracto del éxtasis para hacerlo entendible por el pueblo. Su influencia estilística será inmensa en toda la escultura posterior, tanto barroca (aunque en España entrará tardíamente, hacia finales del XVII) como neoclásica (Cánova) o de Rodin. Muchas de sus características serán, incluso, recogidas por la pintura, como el caso de Rubens En cuanto a su influencia iconográfica tenemos representaciones muy parecidas en la obra de Tiépolo y pintores italianos del siglo XVIII, Dalí realizó una escultura de Santa Teresa inspirada en la de Bernini. 3.3. Analiza las peculiaridades de la imaginería española. Temática y técnica Temática religiosa siguiendo la propuestas de la contrarreforma, se elaboran imágenes procesionales. Representación del sufrimiento y de la muerte de Cristo. Clientes: Iglesia, Cofradías y la Corte Materiales: madera policromada Técnica Técnica talla en madera policromada Se talla en el bloque de madera: queda una “escultura en blanco”. Se apareja la escultura en blanco: se plastece con yeso fino, sin ocultar la calidad de la talla. Sobre esta capa de yeso se aplicaba en las zonas de carne y en las de vestido una arcilla rojiza muy fina. Sobre estas superficies se aplicaban panes de oro sobre los que, una vez bruñidos, se aplicaban los colores lisos mediante el estofado.
En las zonas correspondientes a las carnes se procedía al encarnado que tenían un tratamiento para mostrar heridas, se incorporaban ojos de cristal y uñas para dar mas verismo. Escuelas : Castellana: Gregorio Fernández, Andaluza: Martínez Montanés. Alonso Csno Pedro de Mena 3.4. Identifica las principales obras de la imaginería religiosa española. Gregorio Fernández : retablos, imágenes procesionales, y esculturas exentas. Destaca por su fidelidad en el tratamiento anatómico. En el Naturalismo en los tejidos, pieles y cabellos y las telas duras y quebradas que acentúan el efecto de claroscuro: Piezas destacadas: Cristo yacentes, Piedad, Cristo en la cruz, Santa Teresa Martínez Montañés: artista polifacético destaca por su clasicismo esculturas de Crucificados, Inmaculadas, Niño Jesús Alonso Cano: escultor, arquitecto y pintor conocido por sus Inmaculadas adolescentes, dulces y bellas Pedro Mena: destaca por los rostros que muestran sus emociones interiores. La Magdalena Penitente. 3.5. Compara la escultura de Bernini y de Gregorio Fernández Comparación entre el éxtasis de Santa Teresa y la Piedad Se pueden observar similitudes en el rostro del éxtasis de Santa Teresa de Bernini (1622) y de la Piedad de Gregorio Fernández (1616) En la expresión de la boca inclinación de la cabeza, el claroscuro de los pliegues Similitudes: Composición : estructura similar :masa extenso de gran volumen plano con leve inclinación rematada por la figura femenina en forma triangular. Contrarrestada por la dirección diagonal opuesta de los brazos y la flecha del ángel, o por el brazo de la virgen Tratamiento de la luz en los ropajes. Dramatismo en las expresiones. atención al las calidades en el tratamiento escultórico de la pieles y ropajes Diferencias: diferente técnica, talla en mármol Bernini, talla en madera y policromado en el caso de Fernández. En el conjunto de la escultura de Bernini se observa mas movimiento Diferencias: La composición de Bernini tiene mas movimiento y la figura del ángel marca mas la diagonal. La composición de Fernández al tratarse de un paso procesional necesita mas estabilidad para no partirse con los traslado, en ocasiones incorporaba las figuras crucificadas de los dos ladrones En el conjunto de la escultura de Bernini, se observa mayor interés por el movimiento. Al ser figuras con un emplazamiento fijo en una iglesia tienen una concepción mas teatral. En las de Fernández mas dramatismo, por la temática, y la policromía. Al estar pensadas como esculturas procesionales se observa un mayor interés por conmover al espectador
